Depósitio Sonoro

19 junio, 2020

Ecosistema Personal: discos, canciones y anécdotas con Miguel Miranda

Hola, soy Miguel Miranda, locutor de Radio Musical, actualmente me encuentran en MATCH 99.3 FM. Me gusta escribir, leer y escuchar música y el día de hoy les voy a platicar de todo esto aquí en Depósito Sonoro. En esta nueva serie platicaremos con personajes clave en el desarrollo de la música en nuestro país, desde promotores, músicos, periodistas, gente de la radio y desde cualquier punto y situación que sacuda el ambiente musical de México. En esta ocasión platicamos con Miguel Miranda, un joven pero gran locutor, quién cobró mucha fama a raíz de tener uno de los espacios más aventurados y con una programación no tan convencional que se atrevió a hacer sonar en Reactor 105, actualmente Miguel sigue en la radio, ahora por la frecuencia de MATCH 99.3 FM y  respondió a nuestras siguientes preguntas. 1- ¿Qué artista o banda arraigó un amor muy grande por ti en la música? The Ramones fue una de las primeras bandas que arraigó en mí ese amor por la música y que gracias a ellos tuve la oportunidad de conocer de uno de mis géneros favoritos y eso me cambió la vida totalmente. 2- Artista nacional más emocionante actualmente… Hay muchos pero uno de los que más me llama la atención actualmente es Neue Strassen, es un proyecto nacional con un sonido encaminado a la nueva ola alemana, me gusta mucho su trabajo. 3- Disco que marcó un antes y un después en tu vida. Fue el Enema of the State de Blink 182. Creo que independientemente de los géneros que te gusten en la actualidad o demás, cuando eres pequeño eres también como una pequeña esponja que está todo el tiempo buscando cosas. Y gracias a esos vídeos que pasaban en MTV, tuve la oportunidad de ver a Blink 182 y no eran el estereotipo de todas las bandas que veíamos en aquel momento y gracias a un amigo de mi hermana lo escuché y a partir de ahí fue como de esas bandas que me sirvieron como puerta hacia otros géneros y sub-géneros que más adelante te das cuenta que no tienen nada que ver con la primer banda que escuchaste, pero gracias a ellos ahora todo ese conocimiento musical es posible. 4– Disco de música electrónica y disco de rock esenciales en tu formación. London Calling de The Clash, para mí no solamente es uno de los mejores discos de rock sino de la historia de  la música, porque Joe Strummer tuvo la capacidad de sintetizar en un solo disco, todos los géneros de los que se estuvo permeando, no solamente musical sino también contextualmente, desde que era niño viajando con su papá, como adolescente, y ya después cuando su madurez artística le llegó, y por eso el London Calling es uno de los discos más importantes para mí. En cuánto a electrónica yo podría decirles que Década 2, es uno de los proyectos más importantes para el desarrollo de esa música en México. 5- Disquera que amas y amarás y que la gente debería de conocer. Una de las disqueras que siempre recomiendo y platico acerca de ella desde sus inicios es Epitaph Records, cuando era niño tuve la oportunidad de conocer uno de sus compilados o más bien su compilado más importante llamado Punk-O-Rama y desde ahí nada fue lo mismo. Descubrí como 40-50 bandas que tenían una misma linea musical, conocí que era un compilado, conocí que era una disquera, independiente de las otras que existen y que todo el mundo conoce; encontrar una disquera musical que te agrada y sus vertientes es impactante. Hasta la actualidad me gusta, no todo el trabajo de Epitaph Records pero sí la mayoría de sus trabajos. 6- ¿Cuál fue para ti la última gran revolución musical y por qué? Creo que actualmente están sucediendo simultáneamente muchas revoluciones musicales pero una de las que más me llama la atención es la que sucede con el hip hop y con el rap. Creo que el rap está llegando a niveles comerciales inmensos, creo que se encuentra en la meca del panorama musical a nivel mundial. Hay mucha gente haciendo rap, en sus vertientes y demás. Y a la vez me llama mucho la atención lo que está sucediendo con los ritmos latinos, creo que lograr salir de una especie de coladera en donde estaba todo el sonido latinoaméricano es muy interesante, y más, que haya salido a través del reguetón, ya que gracias a ello la gente a nivel mundial se dio cuenta de que existía la música latinoamericana y ahora todos quieren ser latinoaméricanos, incluyendo a los españoles, por ejemplo, si nos situamos por ahí también, me parece muy interesante lo que hizo El Guincho como productor, por ahí del 2009-20110 con el Pop Negro, por ejemplo, a partir de ahí nada fue igual, marcó la directriz de lo que tenía que ser la música electrónica en Europa. Esas dos revoluciones para mí son muy importantes en cuestión de negocios, mediatización, y de todo en general. Vale la pena checar ambas revoluciones nos gusten o no. 7- Canción que te recuerda a tu adolescencia… Una de esas canciones que me recuerda a mi adolescencia de manera increíble es “La Idea” de Sin Dios, incluida en su álbum Guerra a la Guerra. Creo que a partir de escuchar ese disco, esa banda y particularmente esa canción en mi adolescencia se marcó todo lo que debía hacer, no solamente musicalmente sino a nivel ideológico. 8- Anécdota junto con algún músico que hayas entrevistado y recuerdes con cariño. Tengo 3 anécdotas particulares que recuerdo y que tengo con músicos desde su lado humano. Una de ellas es con Jack White de los White Stripes y The Raconteurs y un montón de proyectos de Third Man Records, su disquera. Tuve la oportunidad de platicar con él y una de las cosas que yo le pregunté acerca de como hacía su música, fue: “qué era lo que lo inspiraba o cuál era

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30 años del Goo, uno de los discos más importantes de Sonic Youth

Nueva York es una ciudad que alberga muchas culturas e ideologías, es el lugar perfecto para que una banda como Sonic Youth fuera vocera de la vida cosmopolita. Hace 30 años a finales de junio de 1990, lanzaron Goo, uno de sus discos más influyentes. Pasaron años para entender lo que sucedió con “Daydream Nation” (1988). Se acercaba el cierre de una década de consumo pop, la enajenación de masas, un terremoto en San Francisco que cobró 300 vidas, Michael Jackson siendo Michael Jackson y el término de un mandato tibio de un actor llamado Ronald Reagen, que cedería el poder a otro loco ex director de la C.I.A. llamado George Herbert Walker Bush. Eran tiempos raros donde los teenagers se sentían completamente invadidos por los supuestos preparativos de un nuevo mundo. Era 1989 y moría lentamente; mientras tanto, la radio estadounidense programaba a Depeche Mode con su “Personal Jesus”, a un joven renegado Phil Collins con su éxito “Another Day In Paradise” y se cocinaba el camino de la esperanza musical en Seattle llamada Nirvana. Kurt y compañía apostaban sus cartas con un sonido amable con “About a Girl”. Nadie sabía lo que 1990 tenía preparado, ni si quiera  Thurston Moore, Lee Ranaldo, Kim Gordon y Steve Shelley. Nueva York es la cuna del artista independiente con vísperas a la grandeza, el tiempo marcaba con exactitud el momento perfecto para llevar el sonido de Sonic Youth al siguiente nivel. La realidad, les importaba poco ser parte de una gran disquera tras-nacional. Aún les parecía encantador continuar con ese dialogo personal, que le hablaba a una generación desapegada del sueño americano. Cada uno de los integrantes de Sonic Youth buscó un nuevo sonido desde sus trincheras creativas, un sonido que ofrecía atmósferas que con el tiempo fue bautizó como noise. Sonidos extraños que no eran comunes al oído tradicional; lleno de aspereza y composiciones hipnóticas, en una constante variación de matices. Atonalidades, disonancias, distorsiones agresivas que de pronto se convertían en blancos y calma. El sonido de Sonic Youth fue perfecto contraste entre las pesadillas sonoras y los ritmos más sensuales que se encontraban para ensamblar y ser música. Su responsabilidad era crear un virtuosismo lleno de capas que narran momentos personales de cada uno de los integrantes. “GOO” era el statement de esa gran responsabilidad. Está producción de 1990 fue concretaba con la ayuda comercial de Geffen Records quien les dio un presupuesto importante para darle el mejor sonido jamas escuchado al sucesor de Daydream Nation. En la consola, la responsabilidad de ese sonido sucio con actitud y capaz de controlar esa rabia sonora fue del entonces ingeniero Nick Sansano; viejo colaborador de la banda, ahora profesor de The Clive Davis Institute of Recorded Music. También la responsabilidad se compartió con el productor Alemán  Ron Saint Germain; productor de Bad Brains y colaborador de algunas producciones de Kraftwerk, Jean Michel Jarre, Ornette Coleman y Lou Reed. La propuesta de la banda era armar un dialogo al escucha con vísperas de dejar ser para huir de la monotonía; es ahí, la razón del porqué GOO tenía que ser algo pegajoso. Sus tracks fueron sencillos que fácilmente entraron a la radio tal es el caso de “Kool Thing“, quizás la canción más pop compuesta por la banda con la participación de Chuck D. También escuchamos tracks como “Dirty Boots” cuyas guitarras parecían estar cayendo, retorciéndose y cargándose en todos lados. Algo que años después serian icono de Thurston Moore. Hubo sorpresas sonoras y una de ellas fue “Tunic” un track depresivo que era acompañado de una especie de marcha maldita con coros amenazantes: “Tú no irás a ninguna parte” como un taladro en la cabeza. A esto, sumemos el bajo que la volvía en una verdadera pesadilla. Cada quien interpreto el disco a su manera, era inicio de una década de liberación musical; después vino el grunge y con él, bandas que tomaron como estandarte ideológico la propuesta realizada en “GOO“. La portada también jugo un papel importante en la personalidad del disco ya que podemos ver en ella, la foto de David y Maureen Smith (hermana de Myra Hindley) dentro de un coche después de una audiencia en contra de los asesinos  Ian Stewart y Myra Hindley. Ellos cometieron por lo menos 6 asesinatos de niñas en Inglaterra en la década de los 60s´. Pero, hay un misterio más, ya que la portada tiene un texto que dice  – “I stole my sister’s boyfriend. It was all whirlwind, heat and flash. Within a week we killed my parents and hit the road” –  nada relacionado con la historia y la imagen; aunque se cree, que narra otro asesinato sin resolver. A la fecha se desconoce los motivos de ese texto. La portada ha sido re interpretada por muchos, convirtiéndola en icono dentro de las portadas contemporáneas de la música. Geffen sintió que sería difícil comercializar este disco en áreas de compras más conservadoras. Por otro lado; Thurston Moore dice que la banda se imaginó que la compañía tendría que trabajar un poco más duro, un simple intercambio de exigencias.

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Xerrox, Vol. 4, el regreso de Alva Noto a los escenarios cinematográficos

Alva Noto regresa a su tan esperado proyecto Xerrox con Vol. 4, la cuarta entrega de la serie prevista de cinco piezas que se basa en el concepto de repetición sonora. Utilizando un proceso de copiado y repetición de un sonido base, la serie Xerrox se ocupa de la manipulación de sonidos por medio de una reproducción infinita.  Debido al proceso de copiado y repetición desde otras copias de sonido, los sonidos de base van cambiando tanto, que casi no se pueden asociar con el material de origen. Como resultado, se crean sonidos completamente nuevos, es decir, las copias se convierten en sonidos originales.  Género: Ambient / Microsound / Electrónica / Glitch Label: Noton Siguiendo a Xerrox Vol. 1 (2007), vol. 2 (2009) y vol. 3 (2015), Carsten Nicolai continúa la pentalogía eludiendo la precisión y el diseño de sonido matemático por el que es reconocido, para acercarse a una armonía menos técnica compuesta bajo un paisaje cinematográfico sonoro unificado, acordes cálidos, entornos digitales vibrantes, ruido y sonido estático. En Vol. 4 se siente la tensión entre el calor orgánico y las ondas de sonido estáticas que generan una cascada de electrónica de sonidos. Si bien la obra de Alva Noto está predominadamente afiliada a una estructura sonora impecable, Xerrox Vol. 4 tiene gestos más íntimos y sensibilidad emocional. Este cuarto volumen se aleja más del conceptualismo y el orden, y se acerca a elegías conmovedoras y a proyecciones de ciencia ficción alucinantes en territorios extrasolares. 

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