6 octubre, 2024 • Depósitio Sonoro

Godspeed You! Black Emperor y su nuevo álbum: NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28340 DEAD: Un grito de desesperación y resistencia

El colectivo canadiense Godspeed You! Black Emperor (GY!BE) ha vuelto a sacudir los cimientos de la música con su último álbum titulado NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28340 DEAD. Conocidos por su enfoque apocalíptico y sus complejas composiciones instrumentales, este nuevo lanzamiento es otro paso en su constante esfuerzo por reflejar la decadencia social, política y ecológica del mundo contemporáneo. El enigmático título del álbum —una declaración críptica pero visceral— hace referencia directa al 13 de febrero de 2024, una fecha que aún no ha ocurrido al momento del anuncio, lo que sugiere un futuro no muy lejano marcado por la destrucción o un evento catastrófico. La cifra “28,340 muertos” refuerza la sensación de urgencia y tragedia que caracteriza la visión apocalíptica de GY!BE, creando una narrativa que, aunque distópica, parece cada vez más plausible en un mundo lleno de crisis ambientales, conflictos bélicos y desmoronamiento de estructuras políticas. El contexto: Una banda sonora para el fin de los tiempos Desde sus comienzos en la década de los 90, Godspeed You! Black Emperor ha sido uno de los representantes más destacados del post-rock, un género que han moldeado con su mezcla de estructuras orquestales, largos desarrollos instrumentales y un sonido experimental que evoca emociones intensas. Sus álbumes anteriores, como el icónico Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven (2000) o el más reciente G_d’s Pee AT STATE’S END! (2021), han capturado el descontento y el malestar social a través de paisajes sonoros expansivos y oscuros. Con NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28340 DEAD, la banda lleva esta visión a nuevas alturas, creando lo que parece ser una banda sonora para el colapso total. Como es habitual en GY!BE, el álbum no tiene letras ni un mensaje explícito, pero las emociones que evocan las composiciones —la desesperanza, el caos y, al mismo tiempo, la resistencia— son palpables. Un sonido apocalíptico El sonido de Godspeed You! Black Emperor siempre ha sido monumental y cinematográfico, y este nuevo álbum no es la excepción. Las composiciones, que se extienden a lo largo de largos minutos de crescendos y momentos de calma inquietante, están llenas de texturas complejas que mezclan cuerdas, guitarras distorsionadas, percusión casi militar y grabaciones de campo. Estas grabaciones suelen incluir fragmentos de discursos, transmisiones de radio y sonidos ambientales que refuerzan la sensación de un mundo que está al borde del abismo. En NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28340 DEAD, el sonido parece más sombrío y claustrofóbico que nunca. Las canciones oscilan entre momentos de angustia cacofónica y pasajes de quietud desoladora. El álbum abre con una pieza que introduce lentamente al oyente en una atmósfera cargada de tensión, donde las cuerdas y guitarras comienzan a entrelazarse mientras el ritmo crece hasta un clímax de caos sonoro. Las guitarras distorsionadas y los drones que GY!BE ha perfeccionado a lo largo de los años son protagonistas en este álbum, creando muros de sonido abrumadores que sugieren un ambiente de guerra o devastación. Mientras tanto, los interludios más suaves con violines y sonidos electrónicos crean una sensación de calma tensa, como si el mundo estuviera al borde del colapso en cualquier momento. Temas subyacentes: Decadencia y resistencia Si bien la música de Godspeed You! Black Emperor rara vez ofrece respuestas claras o mensajes directos, los temas subyacentes de su obra suelen girar en torno a la decadencia del orden social, la resistencia contra las estructuras opresivas y la crítica al capitalismo. En NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28340 DEAD, esta crítica se siente más afilada que nunca, con un enfoque en la inevitabilidad de las catástrofes que se avecinan. El título, con su fecha futura y el número específico de muertos, parece sugerir una especie de predicción de una tragedia masiva. Esto puede interpretarse como una advertencia de los peligros del cambio climático, las guerras, las pandemias o incluso el colapso de las instituciones que alguna vez fueron pilares de la sociedad moderna. Sin embargo, en medio de esta oscuridad, siempre ha habido un elemento de esperanza en la música de GY!BE, una sensación de que la resistencia y la lucha contra la opresión son posibles, aunque la victoria esté lejos de ser segura. El álbum se siente como un acto de testimonio ante una catástrofe inevitable, pero también como un grito de resistencia. El hecho de que sigan creando música tan desafiante y emocionalmente cruda en medio de tiempos tan difíciles sugiere que, aunque el mundo esté ardiendo, siempre hay espacio para la expresión artística como forma de protesta y supervivencia. El arte visual y los mensajes Otro aspecto central de la estética de Godspeed You! Black Emperor es el uso de arte visual, a menudo en forma de proyecciones en sus conciertos en vivo y en el diseño de sus álbumes. Para NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28340 DEAD, la banda continúa con esta tradición, presentando un arte minimalista pero impactante, con imágenes que parecen evocar ruinas urbanas, paisajes desolados y símbolos de rebelión. El uso de la fecha específica en el título también es una estrategia para que los oyentes se detengan y reflexionen sobre la inevitabilidad del cambio, ya sea hacia la destrucción o la resistencia. El arte visual que acompaña el álbum sigue la línea de lo que GY!BE ha hecho en el pasado, utilizando imágenes de protestas, arquitectura brutalista y fragmentos de textos críticos sobre la política global. Estos elementos complementan la experiencia sonora, reforzando la idea de que el álbum es tanto una obra musical como una declaración política. Una obra para tiempos turbulentos NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28340 DEAD es un recordatorio contundente de que la música puede ser mucho más que entretenimiento. Godspeed You! Black Emperor ha creado un álbum que no solo desafía los límites del post-rock, sino que también actúa como un espejo de las crisis que enfrentamos colectivamente. En una era de incertidumbre y desesperación, este álbum es una llamada de atención que nos invita a

Godspeed You! Black Emperor y su nuevo álbum: NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28340 DEAD: Un grito de desesperación y resistencia Leer más »

DIIV y su nuevo álbum Frog in Boiling Water: Un grito existencial en tiempos de crisis

6 octubre, 2024 / Dejar un comentario / Estrenos / DepósitoSonoro / DIIV, dream pop, Frog in Boiling Water, shoegaze

La banda neoyorquina DIIV, liderada por Zachary Cole Smith, ha vuelto a la escena musical con su nuevo álbum titulado Frog in Boiling Water. Este lanzamiento, cargado de guitarras envolventes y atmósferas melancólicas, profundiza en temas de alienación, desesperanza y crisis personal y colectiva. En este trabajo, DIIV sigue evolucionando su característico sonido dream pop y shoegaze, añadiendo un trasfondo más sombrío y urgente que refleja las tensiones sociales y personales que marcan nuestro tiempo. Un reflejo de la ansiedad contemporánea El título del álbum, Frog in Boiling Water (Rana en agua hirviendo), es una metáfora que hace referencia a la conocida fábula de la rana que, si se coloca en agua fría que se calienta gradualmente, no se dará cuenta del peligro hasta que sea demasiado tarde. Este concepto encapsula perfectamente el sentimiento que atraviesa el álbum: una sensación de desgaste progresivo ante un mundo en constante crisis, donde la urgencia de los problemas solo se hace evidente cuando es casi irreversible. Desde los primeros acordes del álbum, DIIV captura un estado de ánimo de ansiedad latente. La música se siente como un lento aumento de tensión, donde los riffs de guitarra reverberantes y las líneas de bajo profundas crean una atmósfera envolvente que atrapa al oyente en un viaje emocional. Las canciones, cargadas de efectos de guitarra que recuerdan al shoegaze de bandas como My Bloody Valentine y Slowdive, se entrelazan con letras que exploran el vacío emocional, el aislamiento y la lucha por encontrar sentido en un mundo fragmentado. Sonido y evolución musical A lo largo de su carrera, DIIV ha sido conocido por su fusión de indie rock, dream pop y shoegaze, con un enfoque en la creación de paisajes sonoros expansivos que a menudo evocan una sensación de introspección y nostalgia. En Frog in Boiling Water, la banda mantiene esa esencia, pero añade un toque más crudo y visceral, tanto en la producción como en las letras. En comparación con sus trabajos anteriores, como Oshin (2012) y Deceiver (2019), el nuevo álbum muestra una madurez tanto musical como lírica. Mientras que Oshin se centraba en la exploración de la juventud y el deseo de escapar, y Deceiver abordaba la lucha personal de Cole Smith con la adicción y la redención, Frog in Boiling Water se sumerge en el caos colectivo de nuestro tiempo. El álbum refleja un sentimiento de impotencia ante las crisis globales, desde el cambio climático hasta la pandemia, y su impacto en la psique humana. La producción es rica en texturas, con capas de guitarras que oscilan entre lo etéreo y lo abrasivo, creando un contraste entre belleza y desesperación. Los elementos shoegaze se manifiestan en muros de sonido que envuelven al oyente, mientras que las voces de Smith, a menudo difusas y distantes, añaden una cualidad fantasmal que acentúa el sentimiento de desconexión. Temáticas y letras Uno de los aspectos más poderosos de Frog in Boiling Water es su enfoque en temas profundamente existenciales y políticos. Las letras abordan el agotamiento emocional, la alienación y el colapso de las estructuras sociales y ambientales. Canciones como “Heat Death” y “Drowning World” hacen referencia directa a la crisis climática, utilizando metáforas de destrucción y descomposición para ilustrar el estado crítico del planeta. La canción que da título al álbum, “Frog in Boiling Water”, es una crítica a la apatía social ante problemas que se agravan con el tiempo, como el calentamiento global, la desigualdad económica y las divisiones políticas. En esta canción, DIIV parece preguntar: ¿Cuánto tiempo más podemos soportar antes de que todo colapse? Otro tema recurrente en el álbum es la lucha interna por encontrar significado en un mundo cada vez más caótico. “Ghosting Reality” y “Falling Asleep at the Wheel” exploran la desconexión personal, el sentimiento de estar a la deriva en un mar de incertidumbre, donde las respuestas parecen cada vez más distantes. El impacto emocional del álbum Más allá de la profundidad temática y la complejidad musical, lo que realmente define a Frog in Boiling Water es su capacidad para capturar el clima emocional de nuestra época. La sensación de un peligro inminente, combinado con la apatía o la incapacidad para actuar, está presente en cada nota del álbum. La música de DIIV en este disco tiene una cualidad casi catártica, ofreciendo un espejo emocional para quienes se sienten abrumados por las realidades del presente. El álbum también refleja una evolución personal para Zachary Cole Smith, quien ha sido abierto acerca de sus propias luchas con la adicción y la salud mental. En Frog in Boiling Water, parece haber un reconocimiento de que la sanación personal y colectiva está intrínsecamente ligada, y que la verdadera salida del caos solo puede encontrarse a través de la confrontación y la transformación. Un testimonio de nuestro tiempo Con Frog in Boiling Water, DIIV ha creado un álbum que no solo es relevante musicalmente, sino también culturalmente. Es una obra que captura la sensación de estar atrapado en un mundo en crisis, donde la apatía y la acción están en constante lucha. La capacidad de la banda para combinar su sonido característico de shoegaze con una narrativa tan urgente y contemporánea asegura que este disco se convierta en una pieza esencial dentro de su discografía y en una reflexión artística del momento histórico que estamos viviendo. En definitiva, Frog in Boiling Water es un disco sombrío, atmosférico y emocionalmente cargado que desafía al oyente a enfrentarse a las realidades incómodas de nuestro tiempo. DIIV ha logrado crear una obra que no solo es un testimonio de la ansiedad y el miedo colectivo, sino también una llamada a despertar antes de que sea demasiado tarde.

DIIV y su nuevo álbum Frog in Boiling Water: Un grito existencial en tiempos de crisis Leer más »

Ulver y su nuevo álbum Hollywood Babylon: Una crítica oscura de la cultura contemporánea

6 octubre, 2024 / Dejar un comentario / Estrenos / DepósitoSonoro / Hollywood Babylon, Ulver

La banda noruega Ulver, conocida por su capacidad para reinventarse constantemente a lo largo de sus tres décadas de carrera, ha lanzado su nuevo álbum titulado Hollywood Babylon, un trabajo que sigue sorprendiendo a fanáticos y críticos por igual. Este álbum, cargado de referencias a la decadencia de la cultura popular y la oscuridad inherente a la industria del entretenimiento, consolida a Ulver como una de las bandas más camaleónicas e influyentes dentro de la música experimental y el avant-garde. Ulver: Pioneros del cambio constante Desde sus inicios en el black metal en los años 90 hasta su evolución hacia sonidos electrónicos, el ambient, el art rock y el synth-pop, Ulver ha desafiado las etiquetas y ha mantenido una postura de constante reinvención. Sus álbumes anteriores, como The Assassination of Julius Caesar (2017) y Flowers of Evil (2020), mostraron una inclinación hacia sonidos más electrónicos y accesibles, pero siempre con una lírica crítica y profundamente reflexiva. Con Hollywood Babylon, Ulver continúa su exploración de los sonidos electrónicos y oscuros, pero esta vez con un enfoque más temático en la crítica social y cultural. El título del álbum hace referencia directa a la famosa obra literaria Hollywood Babylon de Kenneth Anger, un libro que detalla los escándalos y excesos de las estrellas de cine en la Edad de Oro de Hollywood. Al igual que el libro, el álbum de Ulver mira al glamour de Hollywood con una perspectiva crítica, revelando el lado sombrío y destructivo de la fama y la idolatría. Un sonido más denso y atmosférico Si bien los últimos trabajos de Ulver han sido más accesibles y melódicos, Hollywood Babylon se presenta con una atmósfera más densa y oscura. El uso de sintetizadores pesados, ritmos electrónicos pulsantes y líneas de bajo profundas crea un ambiente opresivo que refleja el tema central del álbum: el precio de la fama y la superficialidad de la cultura de celebridades. El álbum también incorpora elementos de darkwave, synth-pop y electro-goth, géneros que Ulver ha ido perfeccionando en sus últimos lanzamientos. Sin embargo, a diferencia de sus trabajos más poperos, como The Assassination of Julius Caesar, Hollywood Babylon tiene una vibra más sombría, como si la banda quisiera enfatizar el lado corrosivo del mundo que está retratando. Canciones como “Silver Screen” y “Fallen Angels” destacan por su construcción cinematográfica, con capas de sintetizadores que se expanden lentamente, mientras las voces de Kristoffer Rygg (Garm) cantan líneas crípticas sobre la degradación moral y la caída de íconos. Los temas están cargados de referencias a figuras de la cultura pop que han sido devoradas por la maquinaria del entretenimiento, una crítica directa a la idolatría y a la explotación del talento en la industria. Temática: La descomposición del sueño americano Líricamente, Hollywood Babylon ofrece una visión cínica de la cultura occidental, en particular del “sueño americano” y su relación con el éxito y el glamour de Hollywood. El álbum toca temas como la superficialidad de la fama, el culto a las celebridades, y la descomposición moral de la sociedad contemporánea, todos ellos disfrazados por la belleza y el brillo de las luces de Hollywood. El álbum también hace alusiones a las tragedias personales de algunas de las figuras más famosas del cine y la música. En canciones como “Burning Starlets” y “Lost Highway”, Ulver entrelaza historias de celebridades que alcanzaron el estrellato solo para ser consumidas por su propia fama, en una crítica mordaz al sistema que primero eleva y luego destruye a sus íconos. El enfoque de Ulver en el álbum es casi cinematográfico, como si estuvieran componiendo la banda sonora de una película que explora los excesos y las sombras del entretenimiento. Cada pista parece diseñada para evocar una escena oscura, un momento de revelación sombría, y el resultado es una narrativa sonora coherente que guía al oyente a través de los niveles más bajos del inframundo de la cultura pop. El enfoque visual: Un viaje distópico Además de la música, Ulver siempre ha sido una banda que presta especial atención al aspecto visual de su trabajo. Hollywood Babylon no es la excepción, y viene acompañado de una estética visual que refuerza los temas del álbum. El arte del disco está lleno de imágenes retro-futuristas que recuerdan a películas distópicas de los años 70 y 80, con un fuerte enfoque en la alienación y el vacío existencial. Los videoclips y visuales que acompañan al álbum también refuerzan esta atmósfera de crítica social, mostrando imágenes de estrellas de cine en decadencia, luces de neón y paisajes urbanos desolados. Es un complemento perfecto para el sonido frío y oscuro de la música, y añade una capa extra de profundidad a la experiencia global del álbum. Un paso más en la evolución de Ulver Con Hollywood Babylon, Ulver sigue demostrando su habilidad para cambiar y adaptarse a nuevas formas de expresión, sin perder su esencia crítica y experimental. El álbum es un testimonio del talento de la banda para crear música que no solo es sonoramente atractiva, sino también profundamente reflexiva y crítica de la cultura contemporánea. El disco es una llamada de atención, una advertencia sobre los peligros de la idolatría y el consumo desenfrenado de la cultura popular. Ulver ha logrado capturar la esencia de la descomposición que acecha debajo de la superficie brillante del entretenimiento, y lo ha traducido en un álbum que resuena tanto musical como intelectualmente. En resumen, Hollywood Babylon es una obra oscura y cautivadora que sigue consolidando a Ulver como una de las bandas más visionarias y vanguardistas de la música contemporánea.

Ulver y su nuevo álbum Hollywood Babylon: Una crítica oscura de la cultura contemporánea Leer más »

Nala Sinephro: Explorando lo infinito en su nuevo álbum Endlessness

6 octubre, 2024 / Dejar un comentario / Sin categoría / DepósitoSonoro

La compositora, arpista y productora Nala Sinephro ha vuelto a cautivar al mundo de la música con su nuevo disco titulado Endlessness. Tras el éxito de su álbum debut Space 1.8 (2021), Sinephro continúa desafiando las barreras sonoras con su enfoque experimental, combinando jazz, ambient y música electrónica de manera íntima y profunda. Endlessness se presenta como una extensión de su exploración del espacio y el sonido, pero con una mayor profundidad emocional y un sentido de expansión musical que se percibe como una travesía a través de lo etéreo. Un viaje hacia lo desconocido Nala Sinephro es conocida por crear paisajes sonoros que invitan a la meditación, la introspección y la exploración emocional. En Endlessness, la artista belga-caribeña lleva este concepto un paso más allá, sumergiendo a los oyentes en un entorno inmersivo y expansivo. Desde los primeros acordes, el disco teje texturas y sonidos que evocan una sensación de vastedad, pero a la vez intimidad, como si el oyente estuviera flotando en un espacio abierto, en constante transformación. La elección del título Endlessness (Infinidad) no es casual. Las composiciones del álbum parecen desarrollarse sin límites, con un flujo natural que se mueve entre lo acústico y lo electrónico, donde las fronteras entre los géneros se desvanecen. La arpista crea ambientes donde el jazz, el minimalismo y el ambient se entrelazan de manera orgánica, formando un conjunto que, aunque complejo, es sorprendentemente accesible. Colaboraciones clave y expansión musical En Endlessness, Sinephro continúa colaborando con músicos de la vanguardia jazzística de Londres, un colectivo en el que ha encontrado un espacio fértil para la innovación. Colaboradores como el saxofonista Shabaka Hutchings y el baterista J.D. Beck contribuyen con su talento a las texturas que definen el disco. Estas colaboraciones aportan una mayor riqueza a la obra, permitiendo que las ideas musicales de Sinephro se desplieguen en todo su potencial. Uno de los aspectos más llamativos del álbum es su capacidad para equilibrar la improvisación con estructuras melódicas bien definidas. Aunque Sinephro permite que sus colaboradores aporten su estilo personal, mantiene una dirección clara y cohesiva que guía la experiencia de escucha. El resultado es un álbum que se siente tanto improvisado como meticulosamente planeado, donde la libertad y el control coexisten de manera armónica. Temas y exploración sonora A nivel temático, Endlessness continúa explorando algunos de los tópicos que ya estaban presentes en su obra anterior, como la espiritualidad, el cosmos y la sanación. Sin embargo, en este disco hay una mayor sensación de introspección y un enfoque más directo en la conexión entre el cuerpo y la mente. Los sonidos suaves del arpa, las líneas de bajo sutiles y los ecos de sintetizadores crean un ambiente meditativo, ideal para una escucha profunda. Cada pieza del álbum parece tener vida propia, con movimientos que invitan a detenerse y contemplar. A menudo, las canciones comienzan de manera simple, pero lentamente se expanden en capas de sonido que crean una sensación de ascenso, como si el oyente estuviera siendo guiado hacia alturas inexploradas. Esto refleja la habilidad única de Sinephro para construir paisajes sonoros que nunca son estáticos, sino dinámicos y envolventes. La influencia del ambient jazz Al igual que en Space 1.8, Endlessness se sitúa en un espacio donde el jazz se mezcla con la electrónica, el ambient y las influencias espirituales. Esta fusión de géneros se ha convertido en la marca distintiva de Sinephro, que no se adhiere a las convenciones del jazz tradicional, sino que lo utiliza como un punto de partida para su exploración sonora. La naturaleza meditativa del álbum también lo coloca en el territorio del ambient jazz, un género que está en auge gracias a artistas que buscan formas más atmosféricas y menos estructuradas de expresión musical. Sinephro, con su dominio del arpa y su talento para la producción electrónica, ha demostrado ser una de las principales exponentes de este subgénero emergente. En Endlessness, su capacidad para crear música que trasciende las etiquetas y las categorías de género la sitúa como una de las artistas más innovadoras y emocionantes de su generación. Un viaje infinito Endlessness es más que un álbum: es una experiencia sensorial que trasciende lo auditivo. Es un espacio en el que la música se siente casi táctil, donde cada nota y cada sonido tienen un peso emocional que invita a la reflexión y a la inmersión total. Nala Sinephro no solo nos ofrece un viaje sonoro hacia lo desconocido, sino que nos muestra que en la música —como en el universo— el límite es solo una ilusión. Con este disco, Nala Sinephro reafirma su posición como una de las voces más originales de la escena contemporánea, y su capacidad para llevar al oyente a nuevas dimensiones sonoras la convierte en una fuerza artística a seguir de cerca en los años venideros. Nala Sinephro (1996) es una música de jazz experimental caribeño-belga que reside en Londres. Es conocida por sus composiciones de jazz ambiental, en las que toca principalmente el arpa de pedal, el sintetizador modular, los teclados y el piano.1 En 2021, publicó su primer álbum de estudio, Space 1.8, en Warp Records con el que obtuvo gran éxito por parte de la crítica. El álbum ocupó un lugar destacado en las listas de fin de año de varias publicaciones musicales, lo que aumentó su visibilidad de forma significativa.

Nala Sinephro: Explorando lo infinito en su nuevo álbum Endlessness Leer más »