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2024

El poder de Antrax y más, llega a The Metal Fest MX en CDMX

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El próximo sábado 13 de abril del 2024, los amantes del metal en la Ciudad de México tendrán la oportunidad de sumergirse en una experiencia única con la llegada de The Metal Fest MX, un festival que promete celebrar la diversidad y la potencia del género en un ambiente cargado de energía y camaradería. Organizado por Cacique Entertainment, reconocidos por su exitoso México Metal Fest en Monterrey, esta primera edición en la capital mexicana promete ser un hito en la escena musical del país. El cartel del festival está encabezado por una de las bandas más influyentes del thrash metal, Anthrax. Con más de cuarenta años de trayectoria, la banda originaria de Nueva York ha dejado una marca imborrable en la historia del género, y su presentación en The Metal Fest MX será una oportunidad única para revivir algunos de sus himnos más emblemáticos en vivo. Pero Anthrax no estará solo en el escenario. A su lado, figuran nombres de peso en la escena internacional como Overkill, Amorphis, Death Angel, Necrophobic, Mayhem, Gutalax, To/Die/For y Atheist, cada uno aportando su propio estilo y personalidad al festival. Desde el thrash metal frenético hasta el death metal más oscuro, pasando por el black metal y el metal melódico, la variedad de sonidos promete satisfacer los gustos más exigentes de los metaleros mexicanos. El escenario elegido para este magno evento es el Velódromo Olímpico, un espacio emblemático que ha acogido eventos de gran envergadura a lo largo de los años. Con una capacidad para albergar hasta 18 mil personas, el Velódromo ofrece todas las comodidades necesarias para disfrutar de un concierto de esta magnitud, incluyendo una excelente acústica y una ubicación estratégica que facilita el acceso desde todas las partes de la ciudad. La venta de boletos ya está disponible a través del sistema Boletia y en una serie de puntos de venta oficiales en la Ciudad de México, Monterrey y Guadalajara. Por cierto, aquíte dejamos los tours oficiales si vienes de fuera, no hay pretexto para perderte de este evento. Además, como antesala al festival, se llevará a cabo una pre-fiesta el viernes 12 de abril, donde el público podrá disfrutar de la música de destacadas bandas nacionales y el cierre espectacular a cargo de Gutalax. La entrada a esta pre-fiesta es gratuita presentando el boleto de The Metal Fest MX. Con The Metal Fest MX, Cacique Entertainment busca no solo brindar a los metalheads mexicanos un día lleno de música y diversión, sino también crear un espacio de encuentro y celebración para una comunidad unida por su pasión por el metal. ¡No te pierdas esta oportunidad de ser parte de la historia del metal en México y tampoco olvides tu vaso oficial del evento!

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Gutalax encabezando la pre party del The Metal Fest MX

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Hablemos un poco de la pre fiesta de The Metal Fest MX, la cual se llevará a cabo un día antes del festival, es decir el viernes 12 de Abril del 2024. Dicho evento estará cargado de mucho Noise Not Music, ese que tanto nos gusta y aloca, con bandas tanto naccionales como lo son: Voltax, Urticaria Anal, Marraneitors, C.A.R.N.E., así como bandas internacionales, siendo su carta principal y encargados de cerrar con broche de oro: Gutalax. El género de música “Pornogore” es una fusión extrema de grindcore y humor negro que se distingue por sus letras explícitas y grotescas, que abordan temas sexuales, escatológicos y a menudo obscenos. Surgido en las últimas décadas, el Pornogore desafía los límites de la decencia y la sensibilidad, utilizando la provocación como una herramienta artística para expresar la irreverencia y la crítica social. En este contexto, la banda checa Gutalax se ha destacado como uno de los exponentes más prominentes del género, sin embargo podriamos decir que tienden más a tocar goregrind . Formada en 2009 en la ciudad de Hranice, Gutalax ha ganado notoriedad por su enfoque desinhibido y sin disculpas hacia la música y las letras. Sus canciones a menudo son una amalgama de ritmos rápidos y brutales, con letras que exploran temas tan variados como la depravación humana, el consumo excesivo de alcohol y drogas, y por supuesto, el sexo y la escatología. Lo que distingue a Gutalax, no solo es su sonido distintivo, sino también su enfoque en el humor negro y la ironía. A través de sus letras crudas y explícitas, la banda emplea la sátira para abordar temas tabú y cuestionar las normas sociales establecidas. A pesar de la naturaleza extremadamente provocativa de su música, Gutalax ha ganado una base de fanáticos leales en la escena del metal extremo, que aprecian su audacia y autenticidad. Con todo, el genero Pornogore y la banda Gutalax representan una forma radical de expresión musical que desafía convenciones y empuja los límites de lo que se considera aceptable en la música. Aunque no es para todos los gustos, su impacto en la escena musical es innegable, y su legado perdurará en la historia del metal extremo. Por cierto, cabe mencionar que la entrada es gratuita, presentando tu boleto de The Metal Fest MX.

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Sons Of Kemet y su disco Your Queen Is A Reptile, para entender el futuro del jazz

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Para entender dónde está el futuro del jazz, es mejor seguir hacia dónde se dirige Shabaka Hutchings. Pocas figuras del jazz contemporáneo han cubierto tanto terreno en tan poco tiempo como el saxofonista y clarinetista nacido en el Caribe y afincado en Londres, que ha actuado con artistas como Jonny Greenwood de Radiohead y el pionero del jazz etíope Mulatu Astatke, y ha grabado y aparecido en unas seis docenas de créditos discográficos en los últimos 9 años. Por muy impresionante que pueda ser el volumen de su trabajo (incluidos algunos de los mejores discos de jazz de los últimos 2 años), es la vitalidad y la versatilidad lo que hace que valga la pena seguir esos créditos, desde el extenso jazz espiritual de Shabaka and the Ancestors hasta el jazz espacial escatológico de The Comet is Coming, además de haber contribuido al efímero y trascendente proyecto de Yussef Kamaal. Su mundo musical está en constante expansión. El camino que toma Hutchings en Your Queen Is A Reptile, el tercer álbum de su conjunto de jazz afrocaribeño Sons of Kemet, implica realizar un largo viaje a través de la historia negra. Es el primer lanzamiento del grupo para Impulse! Records, un sello que cambió la forma de la música a través de lanzamientos innovadores de artistas como John Coltrane, Charles Mingus y Pharoah Sanders, y hay una sensación similar de creatividad ilimitada en las nueve pistas aquí. También hay un espíritu activista que recorre estas pistas. Así, Sons of Kemet ofrece una afrenta a la figura británica al invocar los nombres de mujeres negras que cambiaron la historia, desde Harriet Tubman y Angela Davis hasta la propia bisabuela de Hutchings, Ada Eastman. Your Queen Is A Reptile, es un álbum político similar a lo que era el material profundamente espiritual de Pharoah Sanders a principios de los años 70, no tanto en los detalles de los temas que destaca sino en el mensaje más amplio y amplio que transmite. Éste es un álbum tanto sobre la alegría y la celebración de los negros como sobre la denuncia del patriarcado blanco (que toma forma como matriarcado). Esta es música que conmueve, como James Brown o Fela Kuti, de cuyo linaje la música de Sons of Kemet sin duda forma parte. Los furiosos ritmos brindan un telón de fondo para algunas de las músicas más intensas y poderosas aquí, las explosiones de saxofón de Hutchings son un contrapunto más abrasivo a la audaz línea de bajo de tuba. My Queen Is Yaa Asantewaa, que lleva el nombre de una reina madre anticolonialista de Ghana, toma un camino más sinuoso para alcanzar su clímax, con una inquietante sensibilidad psicodélica, mientras que “My Queen Is Anna Julia Cooper” adopta un enfoque más espacioso. El saxofón de Hutchings desempeña un doble papel: instrumento de respaldo discordante y líder serenamente seductor. No hay mucho en Sons of Kemet que sea tradicional, fuera de la tradición activista negra que honran y sobre la que construyen. Your Queen Is a Reptile tiene un sonido único construido sobre contrastes y contrapunto, cuyas influencias son transparentes pero de ninguna manera cliché u obvias. Es enojado e inspirador, funky y furioso, un álbum de jazz que no sólo suena a su época sino que refleja y contrarresta el tumulto del mundo que lo rodea. La banda estuvo activa del año 2011 al 2022, año en que se disovieron. Con información de: Treble

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Something in the Room She Moves, el nuevo disco de Julia Holter

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Podemos observar los adornos, secretos y sorpresas que ofrece Julia Holter. Something in the Room She Moves es sin duda una escucha íntima. Tiene una holgura que evoca matices cálidos. Los sonidos dispares de este disco están esparcidos y la voz actúa como un imán reuniendo tesoros, acercándolos hasta que forman adornos centelleantes sobre la voz de cuerpo fuerte, sintetizador, batería y bajo. Una voz de ensueño flota a la altura de la cabeza como capas de humo de una hoguera en la playa al anochecer. Luego volvemos al interludio de glissando de bajo deslizante con flauta vocalizada de avant-jazz. En Something in the Room She Moves, Holter explora sonidos internos del cuerpo, acercándose cada vez más a una presencia física. Por encima de los ritmos descentrados y el bajo hay voces separadas e instrumentos que ​​se dispersan como burbujas de pensamientos, apareciendo y desenfocándose. En 10 tracks se crea una continuidad de magia delicada y alegre. Una de las intenciones del álbum era dejar de recordar el pasado o vivir en el futuro imaginado, pero resultó ser es un ejercicio de estar presente, dice: “ser apasionada en un estado de hacer algo, estar en ese momento, ¿Y cuál es ese momento?”. Pero, por supuesto, este álbum es más que un ejercicio, se trata de vivir y crear el momento junto con su sonido. También se trata de seguir tu instinto. En el caso de Holter, eso significa desbloquear el sonido de quién es ahora en comparación con quién era cuando escribió el último álbum que lanzó (Aviary en 2018). Se trata de inclinarse y extraer los sentimientos que nunca supo que quería o necesitaba comunicar. Julia Holter presenta un álbum completamente formado, lleno de apertura y verdad. Julia Holter (California, Estados Unidos, 18 de diciembre de 1984) es una artista, cantante y compositora estadounidense. Graduada en el Instituto de las Artes de California, publicó su primer álbum de estudio, Tragedy, en 2011, al cual siguió el año siguiente Ekstasis, su segundo trabajo. Holter también colabora con otros músicos, entre los que se encuentran Nite Jewel, Linda Perhacs y Michael Pisaro. Después de firmar para Domino Records en 2013, lanzó a la venta su tercer álbum, Loud City Song, un disco que recibió la aclamación de la crítica y cuyo éxito continuaría con su cuarto álbum, Have You in My Wilderness, el cual fue publicado en 2015. En 2018 lanzó Aviary, un álbum doble. Este 2024 Something in the Room She Moves.

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Shellac lanzará su primer álbum en 10 años, ‘To All Trains’

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Shellac ha compartido detalles de su primer álbum de estudio en una década, titulado To All Trains. Shellac (‘goma laca’, en inglés) es un grupo musical estadounidense formado por Steve Albini en la guitarra y voz, Todd Trainer en la batería y Bob Weston en el bajo. Aunque han sido calificados como noise rock y math rock, el grupo se autodefine como «un trío de rock minimalista». El disco, que consta de 10 pistas, se produjo durante varios fines de semana en el estudio Electrical Audio de Chicago entre 2017 y 2022. Es la continuación del LP Dude Incredible de 2014, así como de The End Of Radio de 2019, que compiló dos sesiones de radio de la BBC del banda. El nuevo álbum tiene una duración de 28 minutos y no hay planes de compartir ningún sencillo antes de su lanzamiento completo. Discografía At Action Park (1994)Terraform (1998)1000 Hurts (2000)Excellent Italian Greyhound (2007)Dude Incredible (2014)To All Trains (2024) Shellac se formó en Chicago, Illinois, en 1992 como una colaboración informal entre el guitarrista Steve Albini y el baterista Todd Trainer. El ex bajista de Naked Raygun, Camilo González, participó en los primeros ensayos y tocó una canción del primer sencillo de Shellac antes de que se uniera el bajista permanente Bob Weston. Shellac tiene un sonido distintivo y minimalista basado en compases asimétricos, ritmos repetitivos, un sonido de guitarra angular y las letras surrealistas y mordazmente sarcásticas de Albini y Weston. Las canciones normalmente no tienen una estructura tradicional de verso/estribillo/verso y los arreglos son escasos, hasta el punto de que algunos los describen como “amelódicos”. El sonido característico de Shellac se asocia a menudo con su entusiasmo por las guitarras antiguas Travis Bean, una marca poco común de instrumentos con mástil de aluminio y el pedal de distorsión Interfax “Harmonic Percolator”. Se sabe que Albini usa púas de cobre y normalmente se enrolla la correa de la guitarra alrededor de la cintura en lugar de sobre el hombro. La banda prefiere la intimidad de clubes más pequeños y las apariciones en vivo son esporádicas.

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Poolside, de música relajante para las veladas de Verano del Vive Latino 2024

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En un ambiente suave y de armonía envolvente, la banda de chillwave proveniente de Los Ángeles, California, Poolside hizo vibrar en el escenario Little Caesars al público que asistió al segundo día del Vive Latino. Pasadas las 10 de la noche del domingo, entre luces de colores que alternaban blanco, violeta y azul, cantando emocionados, los espectadores bailaron hipnotizados por el sonido electrónico suave y alegre que emitían los instrumentos de esta agrupación que fue formada por Jeffrey Paradise y Filip Nikolic en 2011. Entre las canciones con las que emocionaron al público esa noche estuvieron “Kiss you forever”, “Leila”, “Harvest moon”, “Around the sun” y “Can’t stop your lovin’”. El conjunto angelino, que desprende un sonido líquido y relajante, ha tenido como integrantes temporales para los espectáculos en vivo a músicos como Vito Roccoforte y Mattie Safer de The Rapture y Brijean Murphy de Toro y Moi. Ha lanzado 4 álbumes: Pacific Standard Time (2012), Heat (2017), Low Season (2020) y Blame It All On Love (2023). Además, ha remezclado temas de Billy Idol, Jack Johnson & Milky Chance, Neil Young, Miami Horror, L’impératrice, Purple, Zoe, entre otros.Recientemente ha colaborado con Todd Edwards, Neil Frances, Brijean, Foster The People y Buscabulla. Sin duda, un gran momento del festival. NOTA POR : María Ortiz (@maria_ort114)

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Four Tet y su nuevo disco Three, significados nostálgicos y evocadores

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Después de 4 añaos Four Tet tiene nuevo álbum, titulado Three, se lanzó el 15 de marzo a través de Text Records. En años recientes Four Tet se dedicó a numerosas colaboraciones (con Burial y Thom Yorke), pero sobre todo consolidó su condición de DJ. Últimamente sus compañeros son reconocidos productores ​​como Skrillex y Fred Again…. Ahora podemos notar a DJ un Four Tet más grande y consolidado que en recientes años. “Three” es complejo en su totalidad y transita desde folktronics a deep house hasta piezas de laboratorio de hauntología (estudio del conocimiento, no tanto de los seres o presencias reales, sino de todas sus ausencias que, por debajo de su aparente invisibilidad o irrealidad, continúan persistiendo de otro modo). En sus recientes trabajos ha mostrado los límites de su electrónica de baja intensidad, especialmente en New Energy de 2017, un trabajo en el que su discurso electroacústico se mezcla en ambient y texturas desenfocadas, quedando a medio camino entre la escucha contemplativa y la escucha distraída. Ahoraa su disco Three escuchamos a Four Tet regresar a su dimensión más apropiada, la del estudio, quizás con un entusiasmo renovado. El álbum es un resumen de los aspectos más característicos de su poética, esta vez todos en copresencia, para un tracklists cargado de complejidad que roza en el viejo IDM de los años 90, pero con frescura y alegría. Four Tet, nos convierte en significantes nostálgicos y evocadores que prefiguran un discurso encantado de laboratorio, en su ser aséptico y preciso. En general escuchamos un álbum complejo pero generoso, donde el tracklist revela la complejidad de las influencias y manipulaciones emocionales a las que está anclado el discurso del Four Tet, siempre en equilibrio entre la emotividad y un enfoque entomológico.

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Rap acústico y reflexivo: Dr. Alakrán presenta “Enciende La Luz”

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Originario de Torreón Coahuila, Felipe del Río, mejor conocido como Dr. Alakrán, es miembro fundador de los legendarios Caballeros del Plan G, uno de los crews más representativos del del hip hop en México, por su gran contribución al desarrollo de la cultura en nuestro país. Con una visión musical única, ha explorado nuevos horizontes en la música, como lo hace ahora con una emocionante fusión entre el hip hop y la música de orquesta. Después de 25 años de carrera, Dr. Alakrán está ahora en su faceta solista, y continúa con el legado de los Caballeros del Plan G. Ahora trae nuevo sencillo, “Enciende La Luz”, un tema de amor que busca romper los estereotipos físicos y la violencia derivada de ello entre las parejas. Con presentaciones en CDMX, el estreno de una serie de televisión y ésta propuesta que combina vibrantes letras y ritmos con la majestuosidad y profundidad de diferentes orquestas completas, Felipe tiene las manos llenas, pero no es algo a lo que él artista no esté acostumbrado.  MC por accidente y productor por convicción, son ya 25 años de carrera recorrida creando clásicos para los Caballeros del Plan G como Juguetes, Es Lo Mío, o MCs Infalsificables, trabajos que dejaron en claro la potencia creativa del Dr. Alakrán.  En conversación para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con Felipe sobre sus más recientes presentaciones, sus orígenes musicales, su amor por Thievery Corporation y The Budos Band, algunas recomendaciones de artistas de Torreón, y su lucha para llevar su propuesta de Hip Hop con Orquesta a todo el país. ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más información:  www.instagram.com/dr.alakran/ https://www.facebook.com/Dr.Alakran/

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