Depósitio Sonoro

2024

2 álbumes de techno japonés clásicos de los años 90 de Ken Ishii y Susumu Yokota serán reeditados

Este septiembre se reeditarán dos álbumes clásicos de techno japonés de los años 90 con motivo de su 30º aniversario. El sello MUSICMINE, con sede en Tokio, se encargará de las reediciones del disco Reference To Difference, de Ken Ishii, y Acid Mt. Fuji ,de Susumu Yokota, ambas recientemente remasterizadas. El lanzamiento actualizado de Reference To Difference marcará la primera vez que su lista de canciones original completa estará disponible en vinilo, mientras que Acid Mt. Fuji se ha ampliado con pistas adicionales. Los dos álbumes salieron originalmente en Sublime Records, una subsidiaria de MUSICMINE, y fueron los segundos LP respectivos de ambos productores. Combinan elementos de techno, IDM y música ambiental. MUSICMINE lanzará Reference To Difference (Edición remasterizada del 30 aniversario) y Acid Mt. Fuji (Edición remasterizada del 30 aniversario) el 5 de septiembre de 2024.

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Reseña del nuevo y último disco de Shellac, titulado “To All Trains”

Como fanático de la música, no hay nada mejor que un grupo independiente con los recursos suficientes para hacer el disco que ellos realmente quieren hacer. Este ha sido (por alrededor de 30 años), el caso de la banda norteamericana Shellac, conocida por ser un poderoso trío inclinado a las guitarras pero no por ello cayendo en los convencionalismos de lo que generalmente conocemos como rock o noise rock. To All Trains es el nuevo material de la banda de Chicago, y a la vez un disco póstumo de Steve Albini, ingeniero, guitarrista y vocalista con Shellac. El sexto disco de estudio en su carrera fue lógicamente grabado y mezclado en Electrical Audio en Chicago, compuesto entre diferentes años: 2017, 2019, 2021 y marzo de 2022, lo cual tampoco es el común denominador de una banda que tiene un lanzamiento de estudio tradicional, pasando poco tiempo en el estudio y grabando todo el mismo mes o año. To All Trains presenta estructuras poco convencionales, un sonido de guitarra y de batería muy definido, que lleva siendo el sello de la banda desde 1994. Momentos de “spoken word” contrastado con gritos exaltados provenientes de la voz de Steve Albini. Letras dispares, algunas con más sentido que otras pero siempre coherentes dentro del Universo Shellac. Diez temas en menos de treinta minutos, lo que es conocido en la industria como un all killer, no filler, este álbum no tiene desperdicio alguno, y si bien uno puede tener canciones favoritas la realidad es que todo el disco es emocionante, haciendo (quizá sin querer), una pequeña retrospectiva a otros materiales de la banda hechos en el pasado. Quizá lo más complicado / extraño de este material de estudio es que no son canciones que vamos a poder escuchar ejecutadas en vivo. En una industria plagada por los números, inmediatez y otros males ¿Cuántas veces tenemos la oportunidad escuchar un disco que sólo tiene la intención de presentar el sonido real y crudo de una banda? Alejados de cualquier tipo de sencillo, alguna intención de pegar en la radio. Escucha To All Trains también en la página oficial de bandcamp de la banda, y mientras lo haces piensa que este es su primer disco de estudio desde hace 10 años, el último material de Shellac (al menos con esta alineación), y el último disco de Steve Albini como músico… y por si eso fuera poco y para terminar, piensa que el último track de álbum lleva por título I Dont’ Fear Hell, tema donde el mismo Albini canta la palabras “If there’s a heaven I hope they’re having fun, ‘cause if there’s a hell I’m gonna know every one”.

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Renacimiento Sonoro: El Legado de Vanadium a la electrónica experimental en ‘Better Times’

El ecléctico universo sonoro de Pablo Nieto, bajo el alias de Vanadium, no conoce límites. Desde su debut con el sorprendente “Gwyrdd”, donde fusionaba IDM, Drum & Bass y Post- rock con maestría, ha continuado su exploración musical hasta alcanzar nuevas dimensiones en su último trabajo, “Better Times”. Con “Better Times”, Nieto no solo desafía las expectativas, sino que redefine por completo las fronteras del arte sonoro contemporáneo. Este álbum trasciende la mera categorización de género; es una amalgama de sonidos y emociones que se funden en una síntesis vertiginosa de innovación y expresión artística. Cada uno de los ocho temas de electrónica inclasificable es una invitación a un viaje sensorial, donde las melodías pop, emocionantes e icónicas, sirven como ancla en un mar de ritmos contundentes y evocadores. Desde los pulsantes beats de la IDM hasta los ecos distorsionados del post-rock, “Better Times” no solo nos lleva a través de paisajes sonoros cambiantes, sino que nos sumerge en un torbellino emocional donde cada nota es una revelación. La habilidad de Nieto para entrelazar elementos aparentemente dispares en una estructura coherente es verdaderamente impresionante, y esto queda patente en la riqueza y profundidad de cada composición. Pero más allá de su complejidad técnica, “Better Times” destaca por su capacidad para conmover y sorprender al oyente en igual medida. En un panorama musical saturado de fórmulas preestablecidas, este álbum se erige como un faro de originalidad y autenticidad. Nieto desafía las convenciones con audacia y determinación, recordándonos que el verdadero arte es aquel que se atreve a romper moldes y explorar nuevos territorios. En este sentido, “Better Times” marca un punto de inflexión en la carrera de Vanadium y en la música electrónica contemporánea en general. Es un testimonio del poder transformador de la creatividad y la innovación, una obra maestra que desafía las limitaciones del género y nos invita a explorar nuevos horizontes sonoros. En conclusión, “Better Times” no solo es un triunfo creativo para Vanadium, sino también un testimonio poderoso del poder transformador de la música. A través de este álbum, Nieto nos invita a sumergirnos en un viaje emocional sin precedentes, ofreciendo una experiencia auditiva que es tanto estimulante como conmovedora. Con su habilidad para fusionar géneros y su innegable talento para la innovación, Pablo Nieto se consolida una vez más como uno de los nombres más emocionantes y relevantes en la escena musical contemporánea.

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Robbers Transforma su Sonido con “Sleep”: Una Aventura Artística en Ascenso

La banda Robbers, tras una pausa en Estados Unidos, resurge con una metamorfosis sonora que fusiona psicodelia y garage en su último sencillo “Sleep”, acompañado por un deslumbrante videoclip a manera de cortometraje dirigido por Evelyn Muñoz. Este lanzamiento puede marcar un hito en la evolución de la banda, ya que demuestra su capacidad para producir contenido artístico sofisticado y cautivador. El vídeo, estrenado hace unas semanas, es más que una simple compañía visual para la canción; es una narrativa cinematográfica que explora la tristeza y la melancolía, transportando al espectador en un viaje reflexivo a través de la música. Este enfoque cinematográfico no solo resalta la canción, sino que también se erige como una obra independiente digna de apreciación. Con “Sleep”, Robbers logra amalgamar su estilo psicodélico con tonos melancólicos, generando una experiencia musical emotiva y singular. Esta fusión representa una evolución en la identidad musical de la banda, demostrando un notable crecimiento artístico. “Sleep” promete ser el umbral de un nuevo capítulo en el recorrido musical y artístico de Robbers, un augurio de futuras producciones de calidad. Con su sonido renovado y su habilidad para la innovación visual, Robbers merece un lugar destacado en el escenario musical contemporáneo.

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Kontax Reafirma su Posición como Artista Visionario con “Hasta Borrarme de Ti”

El proyecto musical Kontax, originario de Chetumal, Quintana Roo, ha lanzado su nuevo sencillo “Hasta borrarme de ti”, que forma parte del álbum debut notas q no son para ti. Este lanzamiento reafirma la posición de Kontax como un artista multifacético y visionario en la escena musical contemporánea. La canción “Hasta borrarme de ti” profundiza en la compleja paradoja del amor y los incesantes esfuerzos por desligarse de él, reflejando la evolución artística de Kontax a lo largo de los años. El sencillo se encuentra disponible en todas las plataformas de streaming, acompañado de un video oficial dirigido por Alejandro Peón y Rodrigo Chikani, que complementa visualmente la intensidad emocional de la canción. Kontax comenzó su carrera en 2012 enfocado en el género electrónico, pero siempre mostró interés por integrar elementos orgánicos en su música. Con el tiempo, estos elementos orgánicos se convirtieron en la base de sus composiciones, creando un estilo musical híbrido que combina lo digital y lo analógico. La canción se caracteriza por un beat pegajoso y un bajo y baterías con influencias del acid jazz, creando una atmósfera musical que rompe con la voz peculiar y diferente a lo que Kontax había presentado anteriormente. Esta combinación de elementos sonoros refleja la complejidad emocional del tema central de la canción: la paradoja del amor y los intentos infinitos por olvidar a una persona amada. Este sencillo también nos demuestra el dominio de Kontax en el género synthpop, incorporando una variedad de sonidos y texturas que crean una experiencia auditiva envolvente. Además, en esta nueva etapa, el artista se ha encargado de la producción musical, mezcla y masterización por cuenta propia, rompiendo con el estigma de que la calidad musical está reservada para aquellos con grandes presupuestos.

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Reseña del nuevo EP de Speed Dealer Moms, grupo compuesto por Venetian Snares y John Frusciante

“Birth Control Pill es el nuevo álbum EP de Speed Dealer Moms, un grupo experimental compuesto por los artistas Aaron Funk (conocido como Venetian Snares) y John Frusciante (guitarrista de los Red Hot Chili Peppers) y Chris McDonald. Este álbum marca una fusión única de talentos, combinando elementos de música electrónica, IDM, y glitch con influencias de rock, noise y jazz. Composición y Producción:El álbum está caracterizado por su complejidad técnica y su enfoque experimental. La producción es nítida y sofisticada, con una clara atención al detalle en cada pista. Funk y Frusciante han logrado crear un sonido que es tanto desafiante como accesible, con capas de texturas sonoras que invitan a la exploración auditiva. Temática y Estilo:Las pistas de Birth Control Pill son a menudo densas y abstractas, con estructuras que desafían las convenciones típicas de la música popular. Los ritmos erráticos y las melodías disonantes son una firma del estilo de Funk, mientras que la influencia de Frusciante se manifiesta en los pasajes melódicos y la atmósfera envolvente. Esta combinación da como resultado un sonido que es a la vez caótico y armonioso. Recepción:La crítica ha recibido “Birth Control Pill” con entusiasmo, elogiando su audacia y originalidad. Los fans de la música experimental han encontrado en este álbum una obra maestra contemporánea, mientras que aquellos más acostumbrados a estilos convencionales pueden encontrarlo desafiante pero gratificante. “Birth Control Pill” de Speed Dealer Moms, es una propuesta audaz que se destaca por su innovación y su capacidad para fusionar distintos géneros y estilos. Es un disco que requiere varias escuchas para ser plenamente apreciado, y sin duda, representa una contribución significativa al panorama de la música experimental actual. Para los seguidores de la música electrónica y aquellos que buscan algo fuera de lo común, este álbum es una recomendación obligada. Su primer EP data del 2010 y el segundo del 2021.

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Un sonido único: el metal yóguico de Society of the Silver Cross

Una instrumentación exuberante y bombástica con voces tipo canto, melodías hipnóticas, tonos oscuros y un guiño a una Americana retorcida. Darkwave distintivo, atmósferas envolventes y un estilo único de composición. Esto es Society of the Silver Cross, dúo musical originario de Seattle y conformado por Joe Reineke y Karyn-Gold Reineke. Su sonido, rico en texturas, está influenciado por los viajes de Joe y Karyn a la India. La crítica ha descrito su sonido como embrujado, graceland gótico, rock de funeraria e incluso “metal yóguico”, y toda esta magia sonora sucede en el Temple of the Trees, su exclusivo estudio de última generación, diseñado y construido por la pareja, a partir de árboles majestuosos que crecían en su propiedad. En 2019, el dueto lanzó su álbum debut 1verse, trabajo con diez tracks que fue alabado como una pieza única y cautivadora, con un humor oscuro y cinemático, pero a la vez épica y divertida.  Ahora están de vuelta con “Circle Cast Around”, segundo sencillo de su próxima y muy esperada placa Festival of Invocations, por lanzarse el viernes 14 de junio de 2024. Con esta pieza mantienen la tradición del dark-wave con un ambiente opresivo. Este track abre el álbum debido a que en él exploran el poder místico del círculo como un espacio para la magia y los rituales, donde las fuerzas etéreas pueden ser aprovechadas y canalizadas. Cada dirección dentro del círculo -Norte/Tierra, Este/Aire, Sur/Fuego y Oeste/Agua- tiene su propio significado elemental, agregando capas de profundidad a la canción. Para esta rola, tuvieron el honor de colaborar con John Fryer, conocido por su trabajo con Cocteau Twins y Depeche Mode, en la mezcla y producción. Y por si fuera poco, Mike Squires, de Peter Hook and The Light, contribuyó con su experiencia al tocar la distintiva línea de bajo.. Festival of Invocations promete ser una experiencia auditiva transformadora y cautivadora, con un enfoque en la exploración de temas profundos y la creación de paisajes sonoros únicos que transportan a los oyentes a un viaje emocional y espiritual a través de la música, desafiando las percepciones tradicionales de lo darkwave.  En conversación para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con Karyn y Joe sobre el origen del nombre de la banda, la libertad que genera trabajar en tu estudio propio, recomendaciones musicales contemporáneas de Seattle, trabajar con artistas nuevos, influencias, inspiraciones y su pasión por la creación auténtica.      ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más info:  https://www.facebook.com/SocietyoftheSilverCross https://www.instagram.com/societyofthesilvercross https://twitter.com/i/flow/login?redirect_after_login=%2Fsocietyofthesc

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Álbumes de los años 70 y 80 precursoras del nacimiento del pop punk

IMPORTANTE: No hablamos en esta nota de los discos más sobresalientes del pop punk o happy punk actual, sino de sus precursores. Muchos son los nombres que surgen al pensar en las palabras Pop Punk, pueden ser Fall Out Boy, Sum 41, o ya que el término se popularizó en los años 90 gracias a bandas como Green Day y The Offspring, o más tarde, Blink-182 o New Found Glory hasta llegar a bandas como Paramore. La mayoría de esos actos de los años 90 o los años 2000 tempranos, procedían de la escena underground y sus influencias procedían del hardcore punk con una saludable dosis de sensibilidad melódica y atractivo pop que les permitió conquistar a las masas. Nos salimos un poco de la burbuja y vemos cómo los años 70 y 80 desempeñó un papel fundamental en el nacimiento del género, al combinar la ferocidad y la cultura DIY del punk y el hardcore, con melodías pegadizas y composiciones más accesibles. Como cada Lista, no es definitiva y pueden haber muchos discos más responsables; sin embargo, éstos sin duda son parte de los fundamentales. Enumeramos en la Playlist de acá arriba los álbumes fundamentales que son responsables del nacimiento del pop punk. Ramones son posiblemente la primera banda asociada con el pop punk, sentó las bases para el género que más tarde popularizaría bandas como Rancid o Green Day. La fórmula simple se convirtió en un elemento básico del pop punk décadas después: composición sencilla y melodías dinámicas. Por su parte, Buzzcocks mostró la habilidad de una banda para mezclar la intensidad del punk con la accesibilidad del power pop y las influencias de la nueva ola. Las leyendas de Irlanda del Norte, The Undertones, siguen siendo un hito en la música punk, con su fusión de intensidad cruda y sofisticación influenciada por la nueva ola que conduce a algunos de los mejores momentos del género. Misfits aparece en la lista debido a su sonido que era a partes iguales sensibilidad cruda y pop, Misfits logró crear una identidad única que todavía es ampliamente considerada como una de las más influyentes de todos los tiempos en la música rock. Por su parte, Social Distortion, son pioneros de la fusión entre punk, blues y country conocida como cowpunk, comenzaron adentrándose en la escena hardcore de California de los años 80. Hüsker Dü y The Replacements estuvieron entre los actos emblemáticos de la escena hardcore y punk de los 80 que se expandió más adelante. Profundamente influyentes son los Descendents en la cultura punk, banda es venerada entre las superestrellas del género y con un culto devoto. Una de las bandas más influyentes de la escena hardcore de los 80, es casi imposible encontrar una banda de pop punk de los 90 que no cite a RKL como una influencia definitoria. Bad Religion también son un clásico en el género con sus ritmos altos y bajos. Además de hardcore, el ska punk se asomaba en los ritmos de algunas bandas, que brindaba un contraste peculiar y optimista. Y una banda sinónimo de ska punk es Operation Ivy. Lista de discos: Ramones – ‘Ramones’ (1976) Buzzcocks – ‘Singles Going Steady’ (1979) The Undertones – ‘The Undertones’ (1979) Misfits – ‘Walk Among Us’ (1982) Social Distortion – ‘Mommy’s Little Monster’ (1983) The Replacements – ‘Hootenanny’ (1983) Minutemen – “Double Nickels on the Dime” (1984) Descendents – ‘I Don’t Want to Grow Up’ (1985) Hüsker Dü – Candy Apple Grey (1986) Rich Kids on LSD – ‘Rock ‘n Roll Nightmare’ (1987) Bad Religion – ‘Suffer’ (1988) Operation Ivy – ‘Energy’ (1989) Fuente: ultimate-guitar.com

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