Depósitio Sonoro

Arturo Tavo Melendez

Reseña de ‘Gigante, un tributo argentino a Pixies, Vol. 1”

“Dije que soy humana, pero no; lo sabes mejor que yo”. Que Pixies haya ganado un lugar entre el gran público gracias a incursiones reiteradas en la cultura pop (véase “Where Is My Mind?” y su aparición en decenas de series) refleja poco del sentido de su música. Una que llevó a su grupo, a partir del cruce de fronteras entre géneros y una predilección por los terrenos del surrealismo, a ganar el reconocimiento de la prensa especializada y el paso hacia nuevas generaciones de amantes de lo insólito. Por ello, a la usanza de los tributos antológicos lanzados por TBTCI Records a mediados de la década pasada, dedicados a presentar al mundo anglosajón los nuevos rostros del shoegaze brasileño mediante versiones de los ídolos underground, el sello argentino Surfer Rosas juega la carta más fuerte de la escena independiente de su país con el primer homenaje a la banda de Boston realizado desde esta latitud. No son escasos los homenajes a Pixies grabados alrededor del mundo —no es casualidad, pues el grupo ha trascendido en la historia del rock como un eslabón en la cadena de influencias del alternativo— y, en ese sentido, resulta natural que la primera grabación en español venga de la escena argentina, una que otrora también le dio rostro latinoamericano a Stereolab (‘Acordes químicos’ de 2015, por Fuego Amigo Discos) y a The Magnetic Fields (‘Interpretan a los Campos Magnéticos’ de 2011, por Alvy, Nacho y Rubín). Así, ‘Gigante, un tributo argentino a Pixies, Vol. 1’ es más que una serie de covers y traducciones. Es el encuentro entre 2 escenas y momentos históricos distintos, pero afines en su sensibilidad: el llamado “college rock” del Estados Unidos de los años 80, y el independiente argentino de los 2020, el cual nunca abandonó, acaso encontró confort en aquel sonido libre de prejuicios que marcó la escena “post-Cromañón” de inicios de siglo —justo de donde surge Las Ligas Menores, una de las grandes firmas estampadas en este compilado—. A diferencia de los homenajes ruidosos del sello brasileño, cuyas bandas se tomaron la libertad de deconstruir las canciones a su antojo, los doce cortes de ‘Gigante…’ coquetean con la fidelidad, pero a su modo. En las piezas se encuentra la inquietud de la actual escena argentina por abordar temas del amor desde la melancolía, el terror o el fallo lingüístico de la “libre asociación”, así como por huir de las convenciones y encontrar belleza en los desperfectos; todas, características que, a posteriori, permitieron a la música de Pixies sobresalir de entre la de su generación. “Gouge Away”, “Isla de Encanta” y “Something Against You”, en voz de Pelopincho, Chary y Sol Marianela, refractan a sus originales bajo el cristal de la energía femenina. Las Bermudas desnuda a “Alec Eiffel” y realza su sentido de la melodía por encima del caos punk. Paula Maffia reimagina “Hey” y la traslada de la lobreguez a la melancolía cursi de la balada folk —no en el mal sentido, empero—. Pero son Las Ligas Menores y Media Hermana quienes firman dos de los momentos culmen del álbum. Pese a sus traducciones casi literales de “All I Think About Now” y “Greens and Blues” —hubiera valido una reinterpretación íntima de la imaginería de Black Francis—, validan la pertinencia de los “nuevos Pixies” —los que van después de la segunda reunión—, y convierten canciones originalmente narradas desde los miedos provocados por el paso de los años a temas de nuevo interesantes para la sensibilidad adolescente. ‘Gigante…’ paga una deuda con uno de los grupos que más ha influenciado sobre el rock independiente post-90 anglosajón y, por añadidura, también latinoamericano, con su primer homenaje en español (Monkeys In Heaven, la banda tributo oficial de la Ciudad de México, se tardó mucho). Sin embargo, el compilado resulta ser una celebración a la escena independiente misma, la cual, a través de los 12 cortes, enarbola con orgullo los himnos de los cuales se sirvió su identidad. Vamos, peregrinos, esperamos el volumen dos.

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Recordando a Keith Levene (1957 a 2022): arquitecto del post-punk con PiL

Quizá fue por el sentimiento del inminente “fin del rock” conferido por la separación de Sex Pistols que John Lydon, exvocalista de este grupo, y Keith Levene, guitarrista recién expulsado de The Clash, apostaron por hacer una banda representativa del “inicio de algo nuevo”. Así unieron fuerzas y temprana experiencia para formar Public Image Limited (PiL). Por ello, casi 40 años después de este momento —mucho mejor narrado por Simon Reynolds en su libro ‘Rip It Up’ (2005)—, es entendible por qué PiL se mantiene como la piedra angular del post-punk ortodoxo. En Public Image Limited, sin ser estrictamente un supergrupo, se enfrentaron ideas entonces poco comunes para la música de guitarras, cuya confluencia marcó la pauta del desarrollo de un nuevo modelo de expresión artística. Mientras Lydon trasladó la energía del punk heredada de los Pistols, el bajista Jah Wobble encontró a este último género con la esencia del dub y el reggae y, especialmente, Keith Levene aprovechó el lienzo para crear el sonido de guitarra que habría de darle al post-punk parte de su identidad última. Ferviente admirador del academicismo de Yes —y roadie de éste grupo durante su adolescencia—, Levene supo renunciar a la ejecución ortodoxa de su instrumento en pos de una forma particular de virtuosismo, que hace más sentido para nuestra época que para la suya. Descrito por Reynolds en el citado libro, el suyo era un “modo de tocar basado en improvisación, que deliberadamente incorporaba los ‘errores’. Cuando Levene tocaba una nota incorrecta, inmediatamente repetía el error para descifrar si la equivocación podía convertirse en otra forma de acierto”. El paso de Levene por The Clash fue breve, insuficiente para conocer cuánto hubiera influido en el sonido de una banda que, a su modo, trascendió de igual forma la etiqueta del punk. Sin embargo, Public Image Limited, fue el espacio donde las disonancias y las desviaciones armónicas de Levene, expresiones últimas de la inquietud de dicho estilo por traspasar los límites del buen gusto, se desarrolló en el equilibrio suficiente para dejar atrás el mero ruidismo. Así, la contribución de Keith Levene a Public Image Limited se extendió por tres álbumes —entre los que se cuenta el archi influyente ‘Metal Box’ (1979), el más atinado documento póstumo del guitarrista—, antes de que las diferencias creativas terminaran por minar el grupo y John Lydon, en palabras de Levene, “se convirtiera una vez más en Johnny Rotten y se tomara de forma literal la línea ‘The Public Image belongs to me’” [“la Public Image me pertenece”, de la canción “Public Image”]. Qué tanto Public Image Limited siguió siendo relevante después de 1981 es un tema para otra discusión. Sin embargo, la exploración de los primeros álbumes del grupo refleja el inicio de inquietudes estéticas, de disrupción y búsqueda, que hoy se han adecuado al mapa contemporáneo. Particularmente, Levene dejó rastro de su estilo en agrupaciones que hoy izan la bandera del post punk, como Fontaines DC, Dry Cleaning, Yard Act, o en su momento Franz Ferdinand y The Libertines. Oídos más avezados han encontrado ecos de su estilo incluso en Godflesh y los múltiples proyectos de Justin K. Broadrick. La evolución del post-punk, desde su concepción como la idea de trascender la mera ruptura de los cánones del rock hasta su actual degeneración como término paraguas, ocupa una historia de cientos de páginas y bifurcaciones. Pero Keith Levene, fallecido este 11 de noviembre, es el hombre quien, quitándose el miedo de “tocar una mala nota”, logró permanecer como uno de sus arquitectos.

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Galaxie 500: Recordando a la banda que precedió al shoegaze

A propósito de la reciente visita a México de Dean Wareham, ex líder de Galaxie 500, es casi imposible sacudirse los ánimos y pensar, quizá ingenuamente, en otra banda que haya influido tanto en su terreno. La realidad es que cuando Galaxie apareció en el mapa del rock estadounidense independiente de los años 80, ya estaba marcado el terreno de lo que posteriormente se conoció como dream pop. No así con el shoegaze, a quien se le atribuye buena parte de su influencia.El sonido de Galaxie, tan característico por ese aparente descuido vocal e instrumental, el cual crea capas de ruido con solos que flirtean con la idea del virtuosismo, compaginó bastante bien con los sonidos del mapa sonoro de su época. ‘Today’, su primer álbum, lanzado casi al filo de los 90, no suena tan diferente a lo que entonces estaban haciendo otros grupos del estilo dulce y guitarrero conocido como jangle pop, con una declaración de principios más cercana al mainstream. Sin embargo, un elemento de misticismo que envuelve a la música de Galaxie, quizá visto a posteriori, la acerca mucho más al sonido experimental entonces abanderado por A.R. Kane y Spacemen 3 (los últimos, influencia declarada de Wareham). Como sea, es cierto que Galaxie 500 nunca fue shoegaze. Si bien “Listen, the Snow is Falling” se le acercaba bastante, el verdadero mérito del trío de Boston para influir en este estilo fue permanecer en un punto medio entre el pop ruidoso de Hüsker Dü y los pasajes de ensueño de The Sundays. Fue en este espacio liminal, donde se gestó una predilección por el intimismo casi surrealista, que el shoegaze contemporáneo y parte del de “primera ola” tomaron elementos para construir su identidad definitiva. Por supuesto, a Galaxie 500 se le atribuye más bien una influencia en el slowcore, estilo frecuentemente asociado con el shoegaze, caracterizado por una renuncia a la velocidad del rock en pos de escenarios de calma y una búsqueda por llegar más lejos en aquel intimismo lírico. Ejemplos están Low y Codeine, el segundo más cercano al ruido, pero ambos principales herederos del sonido de Wareham y compañía. Que Galaxie 500 se separara con tan solo 5 años de carrera y 3 álbumes bajo el brazo no hizo más que, como ha ocurrido con un centenar de bandas, potenciar su estatus de culto. De acuerdo con testimonios de Dean Wareham en su libro Black Postcards (2008), y de Damon Krukowski (batería) y Naomi Yang (bajo) en la historia oral Temperature’s Rising (Mike McGonigal, 2013), la ruptura ocurrió de forma arbitraria, con el cantautor simplemente cansado de las dinámicas del grupo y sus compañeros sin saber cómo atender una indiferencia cada vez mayor, la cual culminó en llamadas de teléfono sin responder. “¿Qué sentí con la partida de Dean [de Galaxie 500]? ¿Bromeas? ¡Sólo escucha [el álbum de Damon & Naomi] ‘More Sad Hits’”, comenta Damon en Temperature’s Rising. Los proyectos consecuentes de los integrantes restantes, Damon & Naomi y, sobre todo, Magic Hour, exploraron de lleno los terrenos del shoegaze y el dream pop, lo cual, ante todo, se sintió como la continuación lógica del cierre asentado por Galaxie con “Listen, the Snow is Falling”.Pero, sobre todo, la música de Magic Hour fue el cierre poético ante la historia narrada primeramente por Galaxie; una muestra de la aceptación de lo inevitable que era la evolución de su propia sensibilidad. El sendero de vuelta, por supuesto, apunta siempre a Galaxie 500, un nombre que, al día de hoy, goza del privilegio de no ser del todo comprendido.

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Darkthrone anuncia estreno de ‘Astral Fortress’, su álbum número 19

Hablar de Darkthrone es hablar de una de las bandas que, dicen por ahí, “han hecho lo que les da la gana” en el mundo del metal. Con una trayectoria de más de tres décadas, la agrupación, ahora convertida en dúo, ha atravesado diferentes facetas del metal y la música extrema, si bien su nombre se ha convertido casi en un estandarte del black metal ortodoxo.   Es cierto que el Darkthrone de los noventa, aquel que incursionó en el black después de un breve paso por el death y dejó álbumes —y portadas— tan icónicos como ‘Transilvanian Hunger’ (1994), es el que mejor se ha ganado un lugar en los “libros” del metal extremo.   Sin embargo, el dueto noruego no ha parado durante sus 35 años de existencia. En este tiempo, se ha permitido experimentar con estilos como el doom, el black n’ roll e, incluso, flirtear con el heavy metal. Todo ese cruce de influencias adquirido con el paso de los años es el que se verá reflejado en su nuevo álbum titulado ‘Astral Fortress’, el cual verá la luz este mismo mes. El sello Peaceville, responsable de este nuevo lanzamiento, describe a ‘Astral Fortress’ como un “nuevo, extraordinario y ecléctico recorrido de viejo metal en la odisea de Darkthrone”. Además, lo etiqueta como la continuación de ‘Eternal Hails’, álbum estrenado en 2021 donde el dueto demostró que las ideas de vieja escuela no están peleadas con el cruce de nuevas influencias. De esta forma, ‘Astral Fortress’ vaticina piezas con un carácter de exploración por diferentes senderos del metal extremo, sin perder un ápice la crudeza que colocó a Darkthrone en los murales de la música oscura. “Aunque ‘Astral Fortress’ está salpicado con toques atmosféricos con efectos de sintetizadores y mellotron, el sonido de Darkthrone sigue siendo primitivo y orgánico”, explica el sitio en Bandcamp de Peaceville.“Caravan of Broken Ghosts”, primer adelanto desprendido del álbum, es ejemplo de ello. De acuerdo con Fenriz, la creación de ‘Astral Fortress’ responde al mismo proceso creativo que ha guiado al dueto los últimos años: “Como es habitual, Ted [Skjellum; Nocturno Culto] hace música tocando por su cuenta, y después los riffs vienen a mí. Creo que, desde ‘Artic Thunder’ [2016] siempre hemos estado inspirados por nuestro antiguo catálogo. […] Como saben, nunca hablo de las letras ni de la inspiración detrás de ellas, y nunca buscaré que me expliquen las letras que me gustan de otros artistas, pero les diré esto: [‘Astral Fortress’] es más oscuro que nunca”, comenta en el sitio del sello.   ‘Astral Fortress’ se compondrá de siete cortes (uno de ellos titulado “Eon 2”, como continuación al tema del mismo nombre del álbum ‘Cromlech’ de 1991) y se grabó en los estudios Chaka Khan en Oslo, donde también se trabajó para ‘Eternal Hails’.   Se estrenará el próximo 28 de octubre y se editará en formato de disco compacto, vinil negro, vinil azul, así como en boxset con un vinilo transparente, más el album en formato de CD y casete y un booklet con ilustraciones alusivas al material. Los formatos físicos estarán disponibles a través de: peaceville.com/bands/darkthrone/. Por otro lado, la descarga digital estará disponible a través del Bandcamp de Peaceville: peaceville.bandcamp.com.  

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25 años de ‘Dots and Loops’ de Stereolab, análisis sobre este álbum que resignificó el siglo XX

Que haya pasado un lustro desde el debut de Stereolab hasta la llegada de su primera obra maestra —la segunda es ‘Sound-Dust’ del 2001, en opinión de quien escribe estas líneas— revela mucho de la ambigüedad con la que abordamos el concepto de genialidad musical. Por lo demás, 1997 fue un año donde dicha genialidad bebió de aquella “tensión pre-milenio” que Tricky apuntó meses antes.El ‘Ok Computer’ de Radiohead, gran obra de ése año, no sólo cristalizó los temores que rodeaban la llegada del siglo XXI, sino que también pasó a la historia como la más grandilocuente y acertada expresión de esta inquietud. Sin embargo, ‘Dots and Loops’ de Stereolab, lanzado el 22 de septiembre de 1997, resulta un álbum tan desafiante en el mismo sentido como la magnus opus del quinteto de Oxfordshire. El ensayista Chuck Klosterman apunta en su libro ‘Los noventa’ (2022) que, durante la década del mismo nombre, surgió una tendencia de etiquetar a toda la producción cultural como “posmoderna”. Sin embargo, una escucha atenta a ‘Dots and Loops’ revela una construcción y una filosofía que bien hacen a este álbum merecedor del título de estandarte de las ideas posmodernas en la música popular. Un año después de haber encontrado su sello definitivo con ‘Emperor Tomato Ketchup’ (1996), Stereolab dejó de lado la fascinación por el krautrock para explorar de lleno los sonidos que entonces dominaban el mapa de la música electrónica, como el drum n’ bass, el ambient y el IDM, proeza que se consiguió gracias al apoyo de Andi Toma y Jan St. Werner de Mouse on Mars, entonces representantes máximos de aquel último estilo. Pero ‘Dots and Loops’ no solo apuntó a la comunión entre la vanguardia del pop y la música retro —la influencia del lounge, la tropicalia y el space pop está más presente, aunque sutil—, sino a la reconstrucción de la historia musical del siglo XX en un lenguaje único, nacido de las posibilidades electrónicas que Stereolab supo explorar de una forma más lúcida con relación a algunos de sus contemporáneos del post-rock. Al igual que en anteriores materiales —y la realidad es que nunca dejó de hacerlo—, Stereolab deconstruyó en ‘Dots and Loops’ fragmentos aislados de la historia sonora del siglo XX, y los proveyó de un nuevo contexto en clave de (retro)futurismo. “The Fearless Vampire Killers” de Krzysztof Komeda sirvió de base para las melodías de “The Flower Called Nowhere”; las progresiones de “Cadê Jodel?” de Joao Donato y “Love Is Everywhere” de Pharoah Sanders se convirtieron en sinfonías casi no-humanas en “Parsec” y “Diagonals”, respectivamente; y la introducción de “Ticker-Tape of the Unconscious” es una referencia directa a los primeros compases de “Divino, Maravilhoso” de Gal Costa. “Brakhage”, pieza que abre ‘Dots and Loops’, encapsula en su título el sentido global del álbum, pues rinde homenaje al cineasta experimental estadounidense Stan Brakhage, quien construyó un centenar de obras a partir de la yuxtaposición de elementos aislados provenientes del mundo real con los del mundo fílmico (los primeros 20 segundos de la canción, por cierto, apelan a la nostalgia de la era pre-Google, con aquel sonido intermitente que remite a las primeras conexiones de internet). En ‘Dots and Loops’, Stereolab se sirvió de un nuevo universo sonoro y de préstamos musicales que casi son un détournement para resignificar la historia cultural del siglo XX, frente al advenimiento del nuevo milenio con todas sus incertidumbres humano-tecnológicas. El reconocimiento como obra maestra de su época —y del art pop y la indietronica— ha sido tímido, relegado apenas a un puñado de audiófilos. Sin embargo, ‘Dots and Loops’ se mantiene como una obra única en su tiempo, cuya música hoy en día sigue sonando a “futuro”, pues fue esta misma y no su letra la enunciadora sobre la inquietud por los misterios del mañana. Si ‘Ok Computer’ de Radiohead le cantó al miedo a la máquina, ‘Dots and Loops’ de Stereolab fue su contraparte femenina.

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Dead Cross anuncia su regreso con su álbum ’Il’

Entre la progresiva integración del metal extremo al mainstream —válido señalar al Infest the Rats Nests de King Gizzard como el responsable—, los últimos 2 años han sido fértiles para que el rockstar de la música vanguardista, Mike Patton, vuelva a experimentar en aquel universo. Por ello, su supergrupo Dead Cross regresa en 2022 con su segundo álbum, el cual continuará la exploración de la faceta crossover thrash y post-hardcore abierta por la banda con su debut en 2017. La agrupación conformada por Mike Patton (Faith No More, vocales), Dave Lombardo (Slayer, batería), Mike Crain (Cunts, guitarra) y Justin Pearson (The Locust, bajo) volvió al estudio para trabajar en 9 temas que no solo indagarán en la intersección entre el punk y diversos estilo del metal extremo, sino que también emitirán un pronunciamiento frente a un mundo que “se ha vuelto cada vez más frío y complicado”, como indica el grupo en redes sociales, y darán cuenta del proceso de catarsis vivido por Crain, tras recuperarse de tratamientos contra el cáncer. “Las palabras no pueden describir lo mucho que este álbum representa para mí. Este álbum nació desde el dolor y la incertidumbre. La lenta, insoportablemente dolorosa y nauseabunda recuperación de los tratamientos contra el cáncer fue la catalizadora de cada riff y cada nota dentro de este material”, explica el guitarrista en redes sociales.“Reign Of Error”, primer sencillo y video desprendido de II, es la muestra de la energía renovada y destructiva que será característica del álbum. El video despotrica contra la clase política estadounidense y plantea el escenario de un mundo dominado por el caos.

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Demos de The Velvet Underground se estrenarán en: Lou Reed — Words & Music May 1965

Cinco décadas y un lustro después del archi influyente Velvet Underground & Nico (1967), el álbum debut de The Velvet Underground continúa en el centro de la discusión sobre arte y música popular. Por ello, el sello Light In the Attic, en colaboración con la artista Laurie Anderson, estrenará el compilado “Lou Reed — Words & Music May 1965”, el cual reúne el trabajo de los primeros años de Lou Reed, cantautor líder del grupo. “Lou Reed — Words & Music May 1965”, reúne grabaciones caseras hechas por Lou Reed entre 1958 y 1965, algunas junto a John Cale, su futuro compañero en The Velvet Underground. Éstas piezas se incluyeron en una cinta que Reed se envió por correo a sí mismo con la etiqueta “propiedad intelectual de un hombre pobre”, la cual recibió semanas después pero nunca fue abierta sino hasta ahora, 60 años después. Dentro de la cinta figuran piezas instrumentales, canciones nunca antes escuchadas en la carrera de Reed y hasta una versión de “Don’t Think Twice, It’s All Right”, original de Bob Dylan. Sin embargo, el mayor atractivo para los seguidores de The Velvet Underground son los primeros demos de los clásicos “Heroin”, “I’m Waiting for the Man” y “Pale Blue Eyes”. Los seguidores de la banda neoyorkina apreciarán la evolución desde el acento acústico y de cantautor de estos temas hasta las piezas vanguardistas que terminaron por dejar un legado imborrable en la música pop contemporánea. Laurie Anderson se encargó de la producción de los 17 cortes del compilado, junto a Don Fleming, Jason Stern, Hal Willner y Matt Sullivan. Además, el productor nominado al Grammy John Baldwin fue el encargado de la remasterización de los archivos de audio.La edición especial de Lou Reed — Words & Music May 1965 también incluirá un libro de 28 páginas con notas de acompañamiento, letras y fotografías que retratan la época donde surgieron las grabaciones. De igual forma, presentará una reproducción de una carta escrita por Reed alrededor de 1964 para el poeta Delmore Schwartz, quien fue su profesor en el colegio. El lanzamiento de Lou Reed — Words & Music May 1965 se suma a las producciones que conmemoran las cinco décadas del estreno de Velvet Underground & Nico, entre los cuales figura el documental The Velvet Underground (dir. Todd Haynes), estrenado por Apple TV+ en octubre de 2021. Se espera que el lanzamiento de este compilado inicie la serie Lou Reed Archive, dedicada a recuperar y restaurar material antiguo y rarezas de la carrera del cantautor. A partir de esta serie, viejos y nuevos melómanos continuarán el estudio de uno de los artistas más influyentes de la música anglosajona, y de la banda que cambió para siempre la historia de la música, al colocar la piedra angular del estilo hoy conocido como art pop. Lou Reed — Words & Music May 1965 se estrenará el 26 en agosto en formato digital a través de loureed.bandcamp.com, y en formato físico en los sitios web oficiales del sello Light In the Attic (https://lightintheattic.net/), y de Lou Reed Archive (https://loureedarchive.com/).

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Unsane reestrenará su álbum debut remasterizado

Treinta años después de su estreno, el álbum debut de Unsane se mantiene como una obra de culto entre amantes del noise rock. El nombre del grupo neoyorquino liderado por Chris Spencer aún figura en la lista de los proyectos favoritos de aquellos que siempre vuelven al sonido ecléctico y ruidoso característico de los primeros años 90. Por ello, este año verá el estreno de una versión remasterizada de su primer LP, la cual complacerá a audiófilos amantes del noise.El álbum Unsane, estrenado originalmente en 1991, llegará por primera vez a Bandcamp para permitir a los fans adquirirlo en formato digital, con las 12 canciones remasterizadas por Andrew Schneider, colaborador longevo de la banda. Además, este material también será reestrenado en formato de vinilo y disco compacto, los cuales incluirán la controversial portada original sin censura. Esta imagen, obra del ex bajista Pete Shore, también se imprimirá en una serie de playeras que también estarán disponibles vía Bandcamp. La reedición de Unsane responde a un esfuerzo de Chris Spencer por recuperar los derechos de la música de su banda. Para ello, ha fundado el sello Lamb Unlimited, cuya intención es “reunir bajo un mismo techo la música de Unsane y la de otros proyectos”, como aclara en Bandcamp. Posteriormente al lanzamiento del álbum Unsane, Spencer también trabajará en reeditar el LP Total Destruction (1993) que, al igual que su álbum debut, fue lanzado originalmente a través de Matador Records. Asimismo, el sello albergará proyectos alternos de los integrantes de Unsane, como The Cutthroats 9, donde también participaron Spencer y el bajista Dave Curran. El álbum debut de Unsane apareció durante el apogeo del noise rock en Nueva York, en una época donde la música de guitarras comenzaba a apropiarse cada vez más de los postulados estéticos del post-hardcore y el ruido se asomaba al gran público gracias a Sonic Youth y Nirvana. El álbum Unsane, como reflejo de una época de invención y genialidad neoyorquina, ha quedado en la historia como una pieza de culto. Por ello, el reestrenó congregará una vez más a fanáticos del noise y la disidencia sonora. La remasterización del álbum debut de Unsane se estrenará el próximo 23 de septiembre a través de Lamb Unlimited. La preventa para todas las ediciones del álbum, así como para la mercancía oficial, ya está disponible mediante el sitio en Bandcamp del grupo (https://unsane.bandcamp.com/). Mientras tanto, Unsane se embarcará en una gira por 32 ciudades de Europa y el Reino Unido, donde interpretará cortes de sus primeros álbumes.

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