Depósitio Sonoro

Ivan Luna Luna

Fundador de Depósito Sonoro| Músico | Marketing Digital | Lector  | DJ en vinil | Coleccionista Twitter: @yosoychapu

El vínculo secreto entre el jazz y la física: cómo Einstein y Coltrane compartieron la improvisación y la intuición

Los genios necesitan pasatiempos o salir de las normas. El arduo trabajo de navegar por la teoría compleja y las políticas de la academia puede llegar a encimismarse en una persona al grado de buscar formas nuevas de improvisación en su trabajo.  Coltrane fue un pensador muy creativo cuyo amor por el jazz le ha dado una perspectiva única de la física teórica, una que comparte, resulta que, tanto Albert Einstein como con Coltrane, vieron la música y la física como algo intuitivo e improvisador. Stephon Alexander describe los vínculos entre el jazz y la física en su charla en TED (en el video de aquí abajo) como “una conexión”, dice, es “la misteriosa forma en que se mueven las partículas cuánticas… De acuerdo con las reglas de la mecánica cuántica,” ellas “en realidad recorrerán todos los caminos posibles”. Esto, agrega Alexander, es paralelo a la forma en que los músicos de jazz improvisan, tocando con todas las notas posibles en una escala. Su propio juego de improvisación se ve enormemente mejorado al pensar en la física.   El mismo Coltrane usó la física teórica de Einstein para informar su comprensión de la composición del jazz. Como informa Ben Ratliff en Coltrane: La historia de un sonido, el brillante saxofonista que una vez entregó al músico francés David Amram un discurso increíble sobre la simetría del sistema solar, sobre agujeros negros en el espacio, constelaciones y toda la estructura del sistema solar y cómo Einstein pudo reducir toda esa complejidad a algo muy simple. Dice Amram:   …luego me explicó que estaba tratando de hacer algo así en la música, algo que provenía de fuentes naturales, las tradiciones del blues y el jazz. Pero había una manera completamente diferente de ver lo que era natural en la música. Todo esto puede parecer bastante vago y misterioso, pero Alexander asegura que el método de Coltrane es muy parecido al de Einstein: Albert Einstein es famoso por su mayor don: la capacidad de trascender las limitaciones matemáticas con la intuición física. Improvisaría usando lo que él llamó gedankenexperiments (palabra en alemán que refiere a experimentos del pensamiento), lo que le proporcionó una imagen mental del resultado de los experimentos que nadie podía realizar.   Einstein también fue músico, ya que tocaba el violín y el piano y cuya admiración por Mozart inspiró su trabajo teórico. Einstein usó el rigor matemático tanto como usó la creatividad y la intuición. Era un improvisador de corazón, al igual que su héroe Mozart. La improvisación es una característica tanto de la música como de la física. Coltrane fue un innovador musical con la física a su alcance y Einstein fue un innovador en física, con la música a su alcance.

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La primera exposición individual de Kim Gordon se inaugura en el museo Andy Warhol

Kim Gordon, músico y artista, inaugurará su primera exposición individual, Kim Gordon: Lo-Fi Glamour, este mayo en el Andy Warhol Museum, de Pennsylvania.   Como el Museo lo dice: “En la década de 1980, fue a través del arte que Kim encontró la música, llegando a Sonic Youth desde un primer interés en el arte y la estética”.   Gordon cita a Warhol como una de sus influencias artísticas, en particular la estética lo-fi del estudio de Warhol, así como su participación en The Velvet Underground y su práctica multidisciplinaria en moda, pintura, música, publicaciones y performance.   La exposición presentará sus pinturas, esculturas, dibujos de figuras y una partitura recién encargada para la película muda Kiss, de 1964, de Andy Warhol, grabada en el teatro Warhol, con una banda que incluye a Bill Nace, Steve Gunn y John Truscinski.   Celebrada por su trabajo como miembro fundador de Sonic Youth, Kim Gordon es una artista y pensadora multidisciplinaria que ha trabajado en moda, publicaciones, cine y música. En la década de 1980, fue a través del arte que encontró la música, llegando a Sonic Youth desde un antiguo interés en el arte y la estética.   Gordon nunca se formó como músico. En cambio, ella fue a la escuela de arte en la Escuela de Arte y Diseño Otis. En sus primeros años, Gordon se sumergió en círculos artísticos formando estrechas relaciones con Mike Kelley, en Los Ángeles, y Dan Graham, y con jóvenes artistas del creciente movimiento artístico. En 1980, sólo un año después de mudarse a Nueva York, Gordon organizó su primera exposición, Design Office; y un año más tarde, co-curó una exhibición de músicos para Noise Fest, ambas dirigida por el artista White Columns. A principios de la década de 2000, regresó a sus actividades artísticas con un nuevo entusiasmo, desarrollando una serie de lienzos a los que se refiere como pinturas de Noise Name, que están inspiradas en sus raíces musicales. Su escultura de brillo plateado se inspira en la estética de alta fidelidad de la fábrica de plata de Warhol y sus pinturas se hacen eco de la cruda y estética graffiti de las bandas de Noise de los años 80. La exposición también contará con dibujos de figuras y esculturas eróticas, combinando obras íntimas que complementan la elegancia y su intimidad inspirada por Warhol.

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Se abrirá un museo en New York dedicado al Hip-Hop

Con tornamesas, un estudio de grabación, un muro de graffiti proyectado, vinilo, hologramas, VR y otros elementos interactivos. Un museo de hip-hop se abrirá en el Bronx. El Universal Hip Hop Museum celebrará el legado del hip-hop a través de la tecnología contemporánea. Según el copresidente del museo, Kurtis Blow, incluirá avatares, hologramas y VR. El museo, además, tendrá un muro de graffiti virtual, fotos, registros, artefactos y libros que muestran el progreso del género.   Está programado para abrir en 2022, con motivo del 50 aniversario de la creación del hip-hop. Se ubicará en 65 E. 149th St., a lo largo de la ribera del río Harlem, y la construcción comenzará este 2019.   El nuevo mega-complejo a lo largo de la ribera del río Harlem y a pocas cuadras del Yankee Stadium, competirá con el Hip-Hop Hall Of Fame en el centro de Manhattan.    El “asombroso, asombroso, mágico, místico, espiritual, emocionante, extravagancia”, como dijo el presidente de la junta, Kurtis Blow, “es algo grandioso para la educación de nuestros jóvenes que solo quieren hacer una excursión y aprender sobre el hip-hop”.   El museo comenzará con una “explosión al pasado” que ofrecerá a los visitantes una experiencia de inmersión en el rap y el hip-hop de los años 70, donde comenzaron las batallas de rap, los bailes y las fiestas de DJ.   El Universal Hip-Hop Museum ofrece a los estudiantes universitarios oportunidades para los que han incorporado la cultura del hip-hop en sus estudios académicos o han planeado eventos en el campus o la comunidad dedicados al avance de la cultura del hip-hop.   Blow describió este hecho como “algo asombrado por toda su historia, la vasta historia que tiene”.

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El aclamado pianista de jazz japonés Yōsuke Yamashita toca un piano ardiendo en la playa

La escena del jazz japonés ha producido durante décadas a algunos de los mejores del mundo, desde los tradicionalistas hasta los experimentales. Lo mismo podría decirse de otros países inclinados al jazz (los del norte de Europa, por ejemplo, que han desarrollado escenas especialmente sólidas). Hace unos años el aclamado pianista Yōsuke Yamashita tocó un piano en llamas en la playa. Esta no era la primera vez que lo había hecho. En 1973, el famoso diseñador gráfico Kiyoshi Awazu le pidió a Yamashita que apareciera en su cortometraje Burning piano, tocando el instrumento titular. Al verlo de nuevo 35 años después, Yamashita escribió: “Al verme involucrado en esa extraordinaria actuación, sentí esta ola de emociones que eran como ‘¿Qué fue eso?’ Y así, replicó este espectacular acto por su cuenta. “No pensé que estaba arriesgando mi vida”, dijo Yamashita más tarde, “pero casi me estaba asfixiando por el humo que continuamente me llegaba a los ojos y la nariz. Decidí seguir tocando hasta que el piano dejó de emitir sonidos, así que aunque no lo quise decir, terminé teniendo una batalla de vida o muerte entre el piano y yo “, señaló el pianista. Los dedicados músicos de jazz saben lo que significa sufrir por su arte.

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En Estados Unidos de los años 20 el jazz se consideraba perjudicial para la salud humana

En la América de los años veinte, la música de jazz se consideraba perjudicial para la salud humana. Hay ejemplos de reacciones extremas al jazz por parte de figuras autoritarias que lo odiaron y temieron por las mismas razones que los nazis. El principal de tales enemigos estadounidenses del jazz era el furioso antisemita Henry Ford, creador de la empresa de autos Ford, quien temía que el jazz fuera, como lo habrían adivinado, un complot judío para infectar al país con música “racialmente inferior”.   Ford usó la música country blanca en las escuelas públicas como armas de guerra contra el jazz en la década de 1920, desplazando así la forma dominante de respuesta paranoica a la música negra en Estados Unidos. Otro, Harry Anslinger, comisionado de la Oficina Federal de Estupefacientes entre 1930 y 1962, inventó la guerra contra las drogas con su guerra con contra del tema del jazz. Dijo que sonaba como “la jungla en medio de la noche” y que podía “atraer a las mujeres blancas”. Anslinger persiguió implacablemente a Billie Holiday, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Duke Ellington y Louis Armstrong.   Fue dentro de este ambiente de principios del siglo XX cuando otras instituciones, algunas de los más poderosos de Estados Unidos, declararon una guerra contra el jazz por supuestos motivos de salud pública.   El comisionado de salud pública de Milwaukee afirmó que la música dañó el sistema nervioso, y un artículo informó que causó la atrofia de las células cerebrales. En Cincinnati, un hospital de maternidad solicitó con éxito el cierre de un club de jazz cercano, argumentando que exponer a los recién nacidos a la música ofensiva tendría el efecto de “poner en peligro la felicidad de las generaciones futuras”.    Curiosamente, al igual que en los fervientes intentos de los nazis por controlar el jazz, como lo describió el escritor checo Josef Skvorecky, y como en los intentos del nazi alemán Joseph Goebbels por atraer la música por la supremacía blanca, fue hasta los años 50 que la segregación comenzó a desvanecerse un poco y el jazz comenzó a convertirse en un estilo más abierto pero con la consigna inicial: “el jazz comenzará a ser interpretado por músicos blancos para atraer a una audiencia comercial más amplia”. Y justo ahí comenzaría otra historia que ya escribiremos en breve.

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Sunn O))) lanza preview de su nuevo disco: Life Metal

Sunn O))) han anunciado un nuevo álbum. Se titula Life Metal y está previsto que salga en abril, a través del sello Southern Lord, sello enfocado en el metal y el hard core y sus variantes fundado en 1998 por el músico Greg Anderson, miembro de Sunn O))). El álbum fue grabado en Chicago con Steve Albini, quien ha ayudado en la grabación de unos 1,500 ó 2,000 discos, entre los que destacan: Nirvana, Berri Txarrak, The Breeders, Godspeed You! Black Emperor, Helmet, Robert Plant, Fred Schneider, The Stooges, Mogwai, The Jesus Lizard, Pixies, Don Caballero, PJ Harvey, Fun People, Jarvis Cocker, Bush, Joanna Newsom, Melt-Banana, The Frames, Jawbreaker, Low, Dirty Three, Cheap Trick, Slint, Zao y Neurosis. Albini ha demostrado interés en grabar a bandas modernas hardcore, como Trash Talk, de California y Vitamin X, de Ámsterdam.  La canción sigue la misma línea que ha manejado la banda de Seattle desde su fundación: capas y capas espesas de drone-metal, noise y esa similitud al Black Metal y dark ambient. Sunn O))) se formó en 1998 con Stephen O’Malley y Greg Anderson. Tras formar parte de varias bandas como Burning Witch, Thorr’s Hammer y Goatsnake, ambos decidieron formar un proyecto musical para rendir tributo a la banda Earth. La banda edita la mayoría de su música a través de su propio sello, Southern Lord Records. Al contrario de la mayoría de las bandas de drone doom y dark ambient, Sunn O))) disfruta de un alto nivel de popularidad. Álbumes de estudio: 2000: ØØ Void 2002: Flight of the Behemoth 2003: White1 2004: White2 2005: Black One 2006: Altar (con Boris) 2009: Monoliths & Dimensions 2014: Soused (con Scott Walker) 2015: Kannon 2019: Life Metal (abril 2019)

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Así funciona la música en nuestro cerebro, de acuerdo a Oliver Sacks

¿Te ha pasado que estando en tu cuarto con la luz apagada apunto de dormir, de repente empiezas a recordar una canción y tu cabeza se llena de sensaciones e imágenes llenas de color? Esto se debe a que imaginar la música puede activar el cortex auditivo y los sistemas subcorticales del cerebro –corteza donde ocurre la percepción, la imaginación y el pensamiento- de una manera casi tan intensa como si se escuchara. La música juega roles específicos en la mente y también puede mejorar nuestra memoria. Investigaciones recientes han demostrado que la música activa áreas del cerebro. Estos datos se desprenden del estudio llevado a cabo por el diario especializado en funciones cerebrales NeuroImage, el cual destaca que cuando escuchamos una melodía se activan zonas de nuestro cerebro como la auditiva, la límbica (conexiones en la corteza cerebral) y la motora (estabilidad y movimiento). Una terapia propuesta por la doctora Frances Rauscher para padecimientos matemáticos o verbales proponía a la música clásica y en particular al llamado Efecto Mozart, el cual modificaba las capacidad cognitivas. Aunque este estudio estaba mayormente destinado en cerebros jóvenes, también habla de los potenciales auditivos del cerebro a cualquier edad con este tipo de música. Esta propuesta llamó la atención a científicos del mundo entero, ya que aborda los beneficios de la educación musical en edad temprana. Además, de acuerdo con una investigación de la Universidad Cornell, escuchar melodías de juega un rol especial en nuestra mente, ya que nos transportan en el tiempo al instante. Este viaje por nuestra memoria se puede suscitar escuchando nuestra música favorita o simplemente oyendo las notas de cualquier canción que asociemos a determinada etapa. Con esto se puede confirmar que cada periodo de nuestra vida cuenta con un inolvidable soundtrack. Y para explorar a fondo el tema, recomendamos el libro del neurólogo Oliver Sacks (1933-2015), “Musicofilia: Relatos de la Música y el Cerebro” (Anagrama, 2009). En éste, Sacks examina el rol de la música en nuestros pensamientos y cómo ésta ha sido un pilar esencial para tratar a distintos pacientes con algún padecimiento psicológico. A través de lúcidas narraciones, el autor nos comparte su vasta cultura científica y humana a través del papel de nuestra identidad humana y de cómo somos una especie tan lingüística como musical.

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10 discos impresionantes de la música Industrial de finales de la década de los 90 y principios de los 2000

Cabaret Voltaire y Throbbing Gristle pueden haber “encendido el interruptor”, pero la maquinaria de la música industrial realmente no se puso en marcha hasta que descubrió años después. La música Industrial se inspiró tanto en los ruidosos experimentos de los brutalistas del arte inglés como en los sintetizadores alemanes de DAF y Kraftwerk. Grupos como el Front 242 de Bélgica y el Nitzer Ebb de Gran Bretaña crearon himnos poco convencionales con los teclados de la década de 1980 y los enfoques vocales inusuales. Ahora hablaremos de 10 discos industriales importantes de finales de la década de los años 90 y principios de los años 2000. 1.- Front Line Assembly – (FLA)vour of the Weak (1997) Este proyecto canadiense que se remonta a mediados de los años 80, del antiguo miembro de Skinny Puppy, Bill Leeb, evolucionó considerablemente en los años 90 a partir de un par de demostraciones crudas y prometedoras Nerve War y Total Terror.  2.-Wumpscut – Embryodead (1997) Rudy Ratzinger produjo tal vez el mayor éxito internacional de clubes electro-industriales de todos los tiempos. Unos cuatro años más tarde, su acto en solitario, Wumpscut, dejó caer un clásico frío con el provocativo y sin disculpas Embryodead, un álbum que rompe el género con el mismo temor existencial y el horror clásico descrito en la década anterior por Skinny Puppy. 3.- Evils Toy – “Angels Only” (1998) El dúo alemán Volker Lutz y Oliver Taranczewski ya eran pilares del set posterior a la EBM cuando surgió este álbum de transición. Cuando las tendencias de trance comenzaron a infiltrarse en la escena, su proyecto se actualizó a algo comparativamente más ligero que sus discos anteriores. Demasiado áspero para synthpop y demasiado brillante para industrial. 4.- Numb – “Language Of Silence” (1998) Este acto de Vancouver pasó por una clara reinvención en la segunda mitad de los años 90. Este rápido seguimiento apareció al principio para reconciliar a las viejas con las nuevas y reintegrantes guitarras como un elemento prominente para coexistir con la producción infecciosa. 5.- Velvet Acid Christ – “Fun With Knives” (1999) El impacto de la música trance en la Industrial se manifestó de varias maneras, pero rara vez la tensión más psicodélica de la primera tendría un impacto tan abierto y vibrante en la segunda. Antes de Fun With Knives, VAC no estaba exactamente en llamas. Sin embargo, cuando Bryan Erickson trajo sensibilidades ácidas a su música, hizo toda la diferencia.  6. Covenant – United States Of Mind (2000) La fascinación por la ciencia ficción de EBM persistió en el siglo XXI cuando sus descendientes musicales directos avanzaron hacia las promesas milenarias de la utopía y la distopía. Con el homenaje de apertura de Blade Runner “Like Tears In Rain”, este grupo sueco preparó con entusiasmo el escenario para este álbum de poppy positivamente.  7.- In Strict Confidence – Love Kills! (2000) La conexión de la cadena industrial con su hermano gótico condujo regularmente a actos de cruce que se ocuparon de ambos, incluyendo Diary Of Dreams y Project Pitchfork. Otro ejemplo de esta endogamia, In Strict Confidence, se deleitaba con el tipo de oscuridad melodramática que disfrutaban sus miembros Dennis Ostermann y Jörg Schelte. Con letras tanto en inglés como en alemán, Love Kills! depende de las cuerdas sintetizadas y los fuertes ritmos de las máquinas para soportar estas canciones de desesperanza amorosa y nihilismo. 8.-Hypnoskull – “Electronic Music Means War To Us” (2001) Si bien muchos de sus lanzamientos tenían, en el mejor de los casos, un interés pasajero en la pista de baile, sus actos como Imminent Starvation y P.A.L. Hizo un duro trabajo de ello. Patrick Stevens, antiguo colaborador del pionero en EBM Dirk Ivens (Dive, Klinik), quitó los elementos melódicos de muchos de sus contemporáneos más populares, dejando que los ritmos impulsados ​​por pistones quedaran solos.  9.- This Morn’ Omina – 7 Years of Famine (2002) 10.- Assemblage 23 – Storm (2004) Entre los términos desesperadamente arrojados por las cabezas para describir los sonidos más limpios y bailables que barren la escena industrial, pocos parecían tan ambiciosos como el futuro pop. Mientras que Defiance del 2002 estableció a Assemblage 23 como una de las principales luces del clubby wave, este sucesor refinó su estilo aún más en algo tan pulido como los golpes de Depeche Mode que tanto adoraba.

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