Ivan Luna Luna, Autor Depósitio Sonoro • Página 7 de 23

Reseña del nuevo disco de Liturgy: Origin of the Alimonies

10 diciembre, 2020 / Dejar un comentario / Estrenos / Ivan Luna Luna / black metal, Hunt-Hendrix, Liturgy, Sinfónico

El último álbum Liturgy es una ópera. Los trabajos anteriores de su creador Hunt-Hendrix incluyen una disertación sobre black metal trascendental, un álbum de metal electrónico experimental e incluso un álbum MIDI / hip-hop como Kel Valhaal. Sin embargo, ella es seria en su ambición, y en su nuevo álbum Origin of the Alimonies llegó también con una orquesta de cámara de 8 miembros. Su interpretación de la música clásica es más o menos en línea con el compositor John Adams y su “Transmigration of Souls”. En lugar de un contratenor, los elementos de black metal más familiares se estrellan. El primer sencillo “Lonely OIOION” encuentra aún más intención en su regreso al black metal, intercalado con elementos sinfónicos. Pero Origin of the Alimonies, el segundo álbum de Liturgy en algunos años, es tan creíble como provocativo, tan obvio como oscuro. Una síntesis entusiasta de las pontificaciones filosóficas y los entusiasmos musicales de Hunt-Hendrix, Origin encuentra un equilibrio que durante mucho tiempo ha demostrado ser difícil de alcanzar. El núcleo construido alrededor de los “ritmos explosivos” de Hunt-Hendrix se extienden en el tiempo, permanecen intactos, gracias al regreso del cuarteto atlético que debutó en H.A.Q.Q. Pero una pandilla de improvisadores neoyorquinos de marquesina (el trompetista Nate Wooley, la flautista Eve Essex, el bajista James Ilgenfritz, etc.), amplían las texturas y técnicas de Liturgy. Las cuerdas de violín raspadas vibran con las guitarras de trémolo. Las figuras de piano golpeadas complican los ritmos esplenéticos. En un momento suena como una sinfonía dirigida por John Zorn hacia la Ciudad Desnuda. Si bien el lado sinfónico de este álbum es más frecuente de lo que podría haber anticipado, el giro más moderno permite que se desvíe. “The Fall of SIHEYMN” recuerda a Miles Davis de la era de Sketches of Spain, con un drone penetrante similar al de una música discordante de película de terror. Está oscuro, pero no de una manera obvia, y realmente no evolucionó de la manera que hubiera esperado. La mejor canción del álbum es “Siheymn’s Lament”, que combina un enfoque de jazz con un gruñido vocal. Luego viene la “Aparición de la Iglesia Eterna” de 14 minutos, en la que el black metal no llega a todo volumen hasta la marca de los 3 minutos, y el drone que inició la canción conserva el trasfondo. Como la mayoría de su material, cuando están disparando es bastante intenso desde el punto de vista sónico, lo cual es una de las principales razones por las que Liturgy es una de las bandas de black metal estadounidenses más consistentemente interesantes. Este disco sale a la par del oficial cambio de sexo de Hunt-Hendrix.

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Cómo el disco Time Out, de Dave Brubeck, cambió la música jazz

6 diciembre, 2020 / Dejar un comentario / Nostalgia, Shuffle / Ivan Luna Luna / Dave Brubeck, jazz, Time Out

Recordamos el innovador álbum de jazz de Dave Brubeck, Time Out (1959). Este es un álbum que regularmente encabeza las listas de los mejores, se reedita constantemente y es tan omnipresente en algunos círculos que es difícil escuchar con oídos frescos. Sin embargo, eso no le quita su grandeza. Time Out, merece un ensayo completo. Brubeck se unió a Benny Goodman, Louis Armstrong y Dizzy Gillespie en una gira musical que llegó a muchos países detrás del Telón de Acero y pudo criticar la historia racista de Estados Unidos al mismo tiempo que promovía su cultura musical. Fueron los polirritmos y la música folclórica que escuchó mientras viajaba por países como Turquía (de donde desarrolló “Blue Rondo a la Turk”) lo que se quedó con él a su regreso. Time Out fue el decimocuarto álbum de Brubeck para Columbia Records, pero su gran avance fue notable. Hasta ese momento, él y su cuarteto habían lanzado varios álbumes en vivo grabados en universidades (que promovían un tipo de jazz seguro pero moderno y estudioso) y varios álbumes de versiones de jazz, como Dave Digs Disney. Pero Time Out era una especie de álbum conceptual completamente formado: una exploración al jazz que aun nadie había tocado. El baterista de Brubeck, estaba bien versado en compases complicados de su formación clásica como violinista. Fue Morello quien experimentó con un ritmo en 5/4 que se convirtió en la columna vertebral de “Take Five”. Brubeck supo algo bueno cuando lo escuchó y le regala a Morello uno de los mejores solos de todo el LP. Lo mejor de todo es que Time Out es uno de esos álbumes clásicos por cómo mezcla lo experimental con lo comercial, una hazaña difícil en cualquier época, pero aún más impresionante en el mejor de todos los años del jazz, en 1959. Brubeck continuó explorando en la secuela de este álbum, Time Further Out, de 1961, que también recomendamos, aunque sinceramente no al nivel del Time Out, que es único.

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Reseña del libro A Girl in a Band, sobre las memorias de Kim Gordon de Sonic Youth

29 noviembre, 2020 / Dejar un comentario / Crónicas y Reseñas / Ivan Luna Luna / Kim Gordon, Libro, Reseña de Libro, Sonic Youth

Las memorias son una de las cosas más preciadas que tenemos como individuos. Se trata de poner en papel todo aquello que hemos vivido, en lo que hemos creído y por lo que hemos crecido. El libro es sobre las memorias de Kim Gordon, bajista de Sonic Youth, la legendaria banda de Noise-Rock que abrió nuevos espectros musicales y que también estaba acompañada por dos guitarristas, Thurston Moore, esposo de Gordon durante 27 años, y Lee Ranaldo. El libro en vez de empezar con la niñez de Gordon, comienza con una escena en la lluviosa São Paulo, mientras la banda tocaba su último show juntos y finalmente el matrimonio de Gordon y Moore ya estaba completamente desenredado. Comenta: “Mi-ahora-ex-esposo y yo nos enfrentamos a esa masa de brasileños mojados, nuestras voces juntas revisando la ortografía de las viejas palabras, y para mí fue una banda sonora entrecortada de energía cruda surrealista, ira y dolor: Hit it.. ”, escribe Gordon. “No creo que me haya sentido tan sola en toda mi vida”. Después de aquí lleva al lector a su infancia. La organización del libro es tan poco convencional como se esperaría de un artista como Gordon (el primer capítulo es el final). Después toma la ruta y se va por orden cronológico línea de capítulos cortos, no más de tres o cuatro páginas, lo suficientemente cortos como para llamarlos canciones. Saltan un poco pero corren aproximadamente cronológicamente. Gordon recuerda haber crecido en Rochester, Nueva York, y haberse mudado a Los Ángeles cuando su padre, sociólogo, tomó un trabajo en U.C.L.A. Pinta un retrato claro de su madre, que se quedó en casa y luchó por mantenerse creativa. Recuerda a su hermano mayor carismático y enfermo mental, Keller – “brillante, manipulador, sádico” – su compañero más cercano en la infancia, “la persona que más que nadie en el mundo moldeó quién era yo y quién resultó ser. ” Cada tema de los 53 capítulos se maneja con cuidadosa introspección, detalle y sentimiento real. Estamos en la cabeza de Gordon mientras descubre el mundo que la rodea. Sonic Youth no aparece hasta casi la mitad, después de un extenso elogio por la Nueva York de los años 80, en todo su esplendor vanguardista: “Esa ciudad que conozco ya no existe, y está más viva en mi cabeza que cuando estoy allí.” Cuando aparece Sonic Youth en el libro, Gordon altera ligeramente la forma del libro. Nos ofrece una visita guiada por algunos de los discos que recuerda y cómo fue su composición o historias alrededor de éstos. Los capítulos están encabezados por títulos de canciones o álbumes. Hay algunos chismes: Lydia Lunch tratando de seducir a Thurston Moore. Hay algunos riffs con tintes sociológicos, como uno que compara a Madonna en los años 80 con Lana Del Rey, más adelante inevitablemente aparece Kurt Cobain y Nirvana, incluso Courtney Love, a quien no le tenía nada de aprecio. Durante un tiempo, el libro parece más un collage. El problema se aclara cuando Gordon regresa a la vida familiar, específicamente con el nacimiento de su hija, Coco. Describe su obra de arte, maternidad y matrimonio: el primero, familiar y reconfortante; el segundo, desafiante y gratificante; el tercero, desgarrador. Después de 27 años juntos, Gordon sospecha que Moore la engañó, que le fue infiel y estaba teniendo una aventura. Resulta que tiene razón. Estos son algunos de los pasajes más crudos del libro, y no sólo porque sean algunos de los más recientes, a principios de la década de los años 2010. Cuando ella dice que siente compasión por él pero que no puede perdonarlo, se siente como si estuviera escogiendo sus palabras como armas. El matrimonio termina y la historia de Sonic Youth termina después de 30 años. También concluye ahí el libro. No tiene una gran escena final, no después de la enojada y triste explicación de la ruptura. Se trata de supervivencia, como persona y como artista. Da clic aquí para comprarlo en Amazon o también se encuentra a la venta en algunas librerías.

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Exploraciones sonoras: la belleza oculta de Explosions in the Sky

19 septiembre, 2020 / Dejar un comentario / Shuffle / Ivan Luna Luna / Explosions in the Sky, postrock

Música oscura, abatida y emocional. Con Explosions in the Sky las líneas de guitarra en capas limpias y melódicas siempre aparecen en gran medida como un elemento básico del post-rock. En cada uno de sus discos gira el dial en retrasos apilados y reverberaciones cavernosas y permite que la belleza de sus melodías bailen entre sí, revoloteando y brillando en suaves reflujos. La sección rítmica se limita a texturas suaves, invitando a la música a inflarse suavemente hacia afuera en lugar de surgir y explotar. Si bien las guitarras explotan de vez en cuando, como una “obligación” para una banda post-rock , en general evitan el melodrama de bandas como los japoneses Mono. Además, son eminentemente escuchables. En una cultura musical convencional donde un gancho y un coro para cantar lo puede ser todo, aquí hay música que vio que los géneros instrumentales ya no estaban relegados a un nicho de oyentes que están “en ese tipo de cosas”. Los fanáticos de Mogwai y Sigur Rós, incluso Tortoise, también se sentirán familiarizados; mientras que un rastreo rápido de cualquier grupo orientado al post-rock generalmente encontrará una banda vocal de guardianes. Explosions in The Sky se formó en 1999 en Austin, Texas, pero la gente que siguió su trabajo llegó en los años siguientes. Ellos han reconocido su deseo de hacer música de muchas formas más alineadas con el pop, “captando inmediatamente tu atención y llegando a tus emociones”, y la música que se muestra vio este objetivo plenamente realizado y reconocido. Your hand is mine, es la canción más conocida y popular de la banda y con muy buenas razones. Presentado como telón de fondo para innumerables momentos que necesitan una inyección emocional, son 8 minutos de perfección melódica instrumental; profundamente impregnadas de tristeza y, sin embargo, irresistiblemente edificantes, las trampas de conducción y los patrones suavemente ascendentes se entrelazan elegantemente en elevadas corrientes ascendentes, todo construido alrededor de un riff central. Explosions in the Sky es música en la que se puede entrar en cualquier momento, cualquier dolor, alegría o miedo, tomarte de la mano con alguien querido o amado y conducirte a través de sus notas. Es un trabajo que reconoce también toda la belleza que ofrece la Tierra, en una época en la que la humanidad se aleja cada vez más entre sí y del entorno natural que nos creó. Discos de estudio – How Strange, Innocence (2000)– Those Who Tell the Truth Shall Die, Those Who Tell the Truth Shall Live Forever (2001) – The Earth is not a Cold Dead Place (2003) – All of a Sudden I Miss Everyone (2007)* – Take Care, Take Care, Take Care (2011)* – Prince Avalanche (2013) – The Wilderness (2016)

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Reseña del libro: Improvisando, la libre creación musical

13 septiembre, 2020 / Dejar un comentario / Crónicas y Reseñas / Ivan Luna Luna / improvisación, Improvisar, Libros, Reseña de Libro

La improvisación como forma de expresión y de desarrollar ideas y conceptos. Un libro que a manera de ensayo habla sobre la improvisación como proceso básico en la creación artística. La improvisación ayuda a entender mejor actividades artísticas y sociales. Este libro explora diferentes procesos. Improvisando, la libre creación musical, se divide en 4 partes, la primera se ocupa de la libre improvisación en el concepto más amplio de la creación musical, con el propósito de llegar a una comprensión de esta práctica; la segunda explora las relaciones entre la libre improvisación y otras prácticas, como la composición, la improvisación dirigida, el free jazz y la libre improvisación electroacústica. La tercera trata algunos elementos constituyentes de la libre improvisación y propone algunas manera de concebiros para facilitar su entendimiento. Mientras que la cuarta parte aborda actividades no musicales directamente relacionadas con la libre improvisación y con la comunidad de improvisadores, tales como la programación u organización de conciertos y enseñanza. En este libro la palabra componer se utiliza para referirse a la creación en tiempo diferido. Aunque podemos decir que el compositor es el que hace composiciones, mientras que improvisador es que el que crea música mediante la improvisación. Aunque, ¿puede hacer alguien las dos cosas a la vez? La respuesta es sí, y no sólo en la música, sino también en otras ramas como la pintura o la escultura. En este sentido, existe una delgada línea o al menos una apreciación entre la improvisación y la gente que realmente no sabe de música; podemos mencionar a creadores como el compositor Paco de Lucía (1947-2014), quien llegó a afirmar “no saber de música”, cuando en realidad significaba solamente no sabía de escritura musical. La improvisación también puede ser llamada como: música en tiempo real. Para John Zorn hay que prever incluso las maneras de desobedecer las reglas. Como menciona el autor en este libro, en el proceso de creación el compositor mezcla actos de concepción y de percepción, igual que un pintor aplica pinceladas, luego se retira una cierta distancia para observar el resultado, luego pinta un poco más, para así decidir dejar para más adelante la finalización de su pieza. Para el improvisador su contexto es el proceso, no el producto. Comparte su proceso creativo creando su música en ese preciso instante y lugar, y los elementos: público, momento y lugar, repercuten en el resultado final. John Baily, experto en la improvisación rubàb de Afganistán, distingue entre la improvisación de rutina y la inspirada. Improvisar es términos generales es componer, es saber leer el lenguaje corporal. Este libro ahonda en diversas aristas en cuanto al tema, aunque el ensayo se siente de repente un poco repetitivo resulta muy interesante y lo recomendamos para todos los interesados en la libre creación y el desarrollo libre de las ideas. Actualmente el libro lo puedes conseguir en Amazon, en este link: https://www.amazon.com.mx/Improvisando-creaci%C3%B3n-musical-TURNER-M%C3%9ASICA-ebook/dp/B00B84BJSO Autor: Wade MatthewsNúmero de páginas : 244 páginasEditorial : Turner (enero 2013)

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Algunos de los lanzamientos más esperados en lo que resta de 2020

10 septiembre, 2020 / Dejar un comentario / Listas / Ivan Luna Luna

Aunque parece no haber muchos puntos brillantes este 2020, si hay motivos para ser optimistas es porque todavía se está lanzando nueva música. Te presentamos una selección cuidadosamente seleccionada de álbumes que nos regresan el entusiasmo. Uniform – “Shame” (Sept. 11; Sacred Bones) Los punks industriales de Nueva York, Uniform emitieron al menos un LP por año desde su debut en 2017, desde Wake In Fright, hasta la colaboración del año pasado con The Body, Everything That Dies Someday Comes Back. Poco más de un año después del lanzamiento de ese álbum, el grupo presentará su tercer álbum. Napalm Death – “Throes of Joy in the Jaws of Defeat” (Sept. 18; Century Media) Una de las bandas de grindcore más confiables y brutales en la historia del metal, de regreso con nueva música. Los lanzamientos de Napalm Death se han vuelto bastante interesantes en últimos años, si los intervalos entre ellos se hacen más amplios, invitar a John Zorn a tocar su sax en Utilitarian de 2012 fue un momento inspirador. Cualquiera que sea la forma que adopte la última banda, será el tipo de combustible que necesitamos para mantenernos motivados. Deftones – “Ohms“ (Sept. 25; Reprise) Tendremos un nuevo álbum de Deftones. El nuevo single “Ohms” presagia cosas prometedoras: guitarras crujientes, atmósferas y melodías contagiosas. Idles – Ultra Mono (Sept. 25; Partisan) Para su tercer álbum, Idles ha adoptado un enfoque diferente. Trabajando en equipo con el productor Nick Launay (Nick Cave, Killing Joke), la banda ha invitado a una larga lista de colaboradores a unirse a ellos, incluidos Warren Ellis de The Bad Seeds, David Yow de The Jesus Lizard, el artista de jazz Jamie Cullum, productor de hip-hop. Kenny Beats y Jehnny Beth de Savages. Eso parece una receta para sonidos impredecibles y los primeros sencillos del álbum han sugerido algunas desviaciones estilísticas. Public Enemy – “What You Gonna Do When the Grid Goes Down” (Sept. 25; Def Jam) Este año es el 30 aniversario de Fear of a Black Planet, y rápidamente recordamos cuán poderosa es la institución musical Public Enemy, con un nuevo álbum en camino a través de Def Jam; para la primera vez en décadas se siente como un momento significativo para uno de los grupos más grandes en la historia del hip-hop. Sufjan Stevens – “The Ascension” (Sept. 25; Asthmatic Kitty) Sufjan Stevens tuvo una racha prolífica el año pasado, lanzando 2 álbumes. Ahora se viene un álbum menos personal que Carrie y Lowell, sin embargo, su sencillo principal “America” es una canción de protesta que refleja un estado de ánimo de miedo y frustración que muchos de nosotros estamos sintiendo en este momento. Anna Von Hausswolff – “All Thoughts Fly” (Sept. 25; Southern Lord) El épico álbum de 2018 de Anna Von Hausswolff, “Dead Magic”, es el tipo de álbum oscuro que deja un impacto, sus largos cantos proporcionan un puente entre Dead Can Dance y Neurosis. Sin embargo, su seguimiento de ese álbum es algo diferente: es el valor de todo un álbum de instrumentos de órgano de tubos. Quizás un poco inesperado, aquí se usa para siniestras composiciones de ambiente oscuro en algún lugar entre Tim Hecker y Sunn O))). Es el sonido de la fatalidad en una catedral medieval. Sumac – “May You Be Held” (Oct. 2; Thrill Jockey) Lo que hace de Sumac una de las bandas más peculiares del metal es romper las reglas del mismo metal. La banda colaboró con el artista japonés de vanguardia Keiji Haino, además de incorporar cada vez más una mayor presencia de improvisación en sus propias composiciones. Bartees Strange – “Live Forever” (Oct. 2; Memory Music) El cantante y compositor Bartees Strange demostró genialidades con el lanzamiento del sencillo del año pasado “In a Cab”, al que siguió un inesperado debut en un EP. A principios de este año, entregó Say Goodbye to Pretty Boy, un conjunto de reinterpretaciones únicas de canciones de The National que, aunque técnicamente escritas por otra banda, mostraban la capacidad de Strange para transformar el material que tenía delante. Touché Amoré – “Lament” (Oct. 9; Epitaph) El grupo de post-hardcore de Los Ángeles persigue una gama más amplia de sonidos mientras emplean los servicios del extraordinario productor de metal Ross Robinson. Los 2 primeros sencillos revelan a la banda que nos ha estado golpeando los tímpanos durante años, pero con rastros más atmosféricos. Sun Ra Arkestra – “Swirling” (Oct. 9; Strut) Por primera vez en más de 20 años, Arkestra, guiado por el líder de la banda Marshall Allen, emitirá una serie de nuevas grabaciones que comprenden música antigua y nueva. Hay algunas composiciones originales nuevas, así como material reelaborado del vasto catálogo de Sun Ra. Helena Deland – “Someone New” (Oct. 16; Luminelle) Los primeros sencillos de la cantante y compositora Helena Deland ha demostrado ser una artista para mantener los ojos y los oídos en 2020. Una de las pistas, “Someone New ”, es un soñador, magnífico y destacado temprano que lleva la atmósfera sónica inmersiva de artistas como Moses Sumney y Half Waif. Actress – “Karma & Desire“ (Oct. 23; Ninja Tune) Han pasado 3 años desde AZD, su último conjunto completo de techno lo-fi nocturno. “Walking Flames”, el primer sencillo del próximo álbum Karma & Desire, presenta la voz de Sampha en una canción pop cálida y melancólica, algo diferente a lo que los oyentes, pero si este es el momento en el que Actress finalmente se vuelve pop, estamos listos. Pallbearer – “Forgotten Days“ (Oct. 23; Nuclear Blast) Una de las grandes bandas de doom metal. Pallbearer presenta su nuevo álbum para Nuclear Blast y los encuentra entregando un lote de canciones más cortas, pero con la misma inclinación por las estructuras de canciones progresivas y melodías siniestras. Emma Ruth Rundle & Thou – “May Our Chambers Be Full” (Oct. 30; Sacred Bones) Grabado después de una serie de actuaciones, Emma Ruth Rundle invitó a los arreglos a la banda de metal de Luisiana, Thou. El primer sencillo “Ancestral Recall”

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Dreaming, el nuevo disco de Michael Rother, una mina de oro y ensoñaciones

7 septiembre, 2020 / Dejar un comentario / Estrenos / Ivan Luna Luna / Dreaming, Michael Rother, NEU!

Michael Rother, miembro fundador de los grupos de krautrock Neu! y Harmonia tiene un nuevo álbum este 2020 llamado Dreaming. Rother tenía una mina de oro de ideas y bocetos y los ha convertido en un álbum excepcional. El aislamiento persistente del encierro proporcionó estas condiciones. Con un horario despejado y distracciones mínimas, Rother desarrolló los bocetos musicales que habían estado inactivos en el disco duro de su computadora. “Siempre que estoy tocando en conciertos cuando viajo y estoy de gira, no tengo tranquilidad, así que no puedo concentrarme tan de cerca”, dice. “Fue el lado bueno del encierro, y aproveché bien la soledad de todo. Podía subirme a mi bicicleta y montar a lo largo del río que fluye justo en frente de mi casa. Esto fue en realidad un aislamiento de lujo”. Así fue como se creó este bello álbum.

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La importancia en el soundtrack de la serie Twin Peaks, creado por Angelo Badalamenti

30 agosto, 2020 / Dejar un comentario / Shuffle / Ivan Luna Luna / David Lynch, Twin Peaks

David Lynch y su serie Twin Peaks inspiró una nueva forma de televisión, la banda sonora de Angelo Badalamenti ha hecho eco a lo largo de las décadas, adquiriendo vida propia. En 1989 Lynch y el guionista Mark Frost estaban a punto de comenzar a hacer Twin Peaks, una serie en la que un asesinato expone la vida secreta de un pequeño pueblo en el Pacífico noroeste de los Estados Unidos, por lo que necesitaban una banda sonora. En la cabeza de Lynch, la música, las imágenes y la narrativa estaban entrelazadas, por lo que le dijo al compositor Angelo Badalamenti que imaginara que estaba solo en un bosque por la noche. El viento soplaba, una lechuza ululaba… Badalamenti eligió un motivo ominoso y bajo. Más lento, dijo Lynch. “Simplemente ralentiza las cosas y se vuelve más hermoso”. Ahora, le sugirió, imagínese a una adolescente angustiada que emerge de la oscuridad, acercándose. Badalamenti subió constantemente al teclado, resolviendo la melodía en un éxtasis alto antes de volver a caer en la noche. Sólo tomó 20 minutos y Badalamenti sugirió desarrollarlo más, pero Lynch respondió: “No cambie una sola nota. Veo Twin Peaks “. Y así, acababan de escribir el tema sobre Laura Palmer. Debutando el 8 de abril de 1990, Twin Peaks fue un ejemplo pionero de eventos televisivos, impulsados por un autor y posiblemente el primer fenómeno de la cultura pop de la década de los años 90, con fanáticos como Steven Spielberg, David Bowie y el líder soviético Mikhail Gorbachev. El álbum de la banda sonora fue un éxito internacional que aún resuena hasta nuestros días, se infiltró en el pop a un grado sin precedentes, homenajeado por artistas como Anthrax y Marilyn Manson, hasta KLF y Moby, quienes lanzaron su carrera incorporando el “Laura Palmer’s Theme”. Amar a Twin Peaks es también amar la música y el soundtrack creado por Angelo Badalamenti, lo que él ha llamado “mi trabajo definitorio como compositor”. “Si tarareas las primeras notas del tema de apertura, inmediatamente te transportas a otro mundo”, dijo alguna vez Jamie Stewart de la banda Xiu Xiu.

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