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Luis Angel Martinez

14 Álbumes esenciales del Black Metal de la vieja escuela

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El black metal es un género extremo del heavy metal que se ha caracterizado por sus producciones crudas, a veces de baja fidelidad, riffs y ritmos súper rápidos, además de voces guturales que suenan como si los vocalistas estuvieran poseídos por Satanás, personaje con el que la mayoría de las bandas están obsesionadas. A continuación una lista en orden cronológico de algunos de los álbumes más representativos del black metal de la vieja escuela. 1. Bathory – “Under the Sign of the Black Mark” (1987) Un álbum clave que influenció a la escena black metal de noruega de principios de los 90s. Este es el tercer disco de Bathory, proyecto de Thomas “Quorthon” Forsberg (fallecido en 2004), quien normalmente grababa todos los instrumentos de sus álbumes. El título de este álbum ya anticipa un viaje oscuro. Un disco crudo, atmosférico, con letras satánicas y referencias a la mitología nórdica. 2. Samael – “Worship Him” (1991) Un álbum ausente a veces en este tipo de listas, pero es sin duda una obra de culto la cual fue publicada en una época en la que no había muchas bandas desarrollando este género. Euronymous (fallecido en 1993), miembro de la legendaria banda Mayhem, era un gran seguidor de Samael en esta etapa temprana en la cual ya habían definido su propio estilo: un black metal macabro y crudo, a veces lento, como doom metal, detalle que difiere de otras bandas del género de la época, cuyas composiciones tendían a la rapidez. “Into the Pentagram”, ejemplo de este estilo lento, es una canción clásica de black metal que evoca un poderoso ritual oculto. 3. Darkthrone – “A Blaze in the Northern Sky” (1992) Darkthrone pasó del death al black metal en este segundo disco, caracterizado por una producción low fi lo cual le da un aire más siniestro. Un disco con agresivos blast beats, guitarras con trémolo y voces roncas endemoniadas. Las letras tratan sobre satanismo, paganismo y anticristianismo. Tan esencial es este disco para el black metal que fue incluido en el 2020 en la exposición permanente de la Biblioteca Nacional de Noruega debido a su importancia cultural, además de considerarse un punto de partida para el black metal noruego. 4. Immortal – Pure Holocaust (1993) Otra producción cruda con blast beats y voces agudas guturales. Influencia clave para el black metal que vino en los siguientes años. Este segundo álbum de esta banda noruega contiene letras relacionadas con la nieve, el frío y paisajes fantásticos. Una obra que los posicionó como banda líder de este género por su brutal sonido y originalidad. 5. Dissection – “The Somberlain” (1993) Una mezcla melódica de death y black metal es lo que ofrece el disco debut de esta banda sueca. Más allá de sonar malvados como la mayoría de las bandas del género, Dissection logró un sonido más épico a través de la exigente musicalidad de sus composiciones, manteniendo siempre la oscuridad obligada del black metal. 6. Mayhem – “De Mysteriis Dom Sathanas” (1994) Tal vez el álbum más controversial de black metal que existe. La banda empezó a componerlo en 1987 pero debido al suicidio de su vocalista, conocido como Dead, y sumándole también el asesinato de Euronymous, guitarrista de la banda, el lanzamiento tuvo que retrasarse hasta 1994. Cabe mencionar que Euronymous fue asesinado por Varg Vikernes (sentenciado a 15 años), fundador de Burzum y quien grabó los bajos de este álbum. Básicamente el bajista asesinó al guitarrista. Pero dejando a un lado los sucesos, este álbum trasciende musicalmente por su creatividad musical con riffs inolvidables, baterías ejecutadas con rabia y locura, además de las increíbles y variadas voces guturales por el legendario Attila Csihar. Un álbum siniestro, macabro, envuelto en una neblina densa y maldita. 7. Emperor – “In the Nightside Eclipse” (1994) El álbum debut de esta banda noruega es una influencia pionera en el black metal sinfónico. Todos los elementos del black metal están presentes: producción cruda de baja fidelidad con rápidos y agresivos riffs de guitarra; cantos ásperos y agudos; pero con la innovación del uso de teclados sinfónicos, adornando con maestría las canciones y elevando su oscura atmósfera. Canciones con títulos hermosos y poéticos pero manteniendo el horror, la oscuridad y la obsesión por Satanás del black metal. 8. Enslaved – “Frost” (1994) Segundo álbum de esta banda noruega la cual logró una de las obras de black metal vikingo más clásicas del género. El álbum mezcla un black metal súper extremo con elementos folk nórdicos. Un disco aclamado por sus evocativo sonido atmosférico, además de sus espeluznantes y poderosas voces guturales. 9. Satyricon – “Dark Medieval Times” (1994) El álbum debut de esta banda noruega los hizo ganarse un lugar especial en la escena del black metal noruego. Un disco aclamado por su originalidad y su siniestro sonido atmosférico. Destacan sus hermosos pasajes acústicos adornados con melodiosos teclados que le agregan una vibra medieval. Un álbum que suena antiguo, místico y extremadamente oscuro. 10. Moonspell – “Wolfheart” (1995) El álbum debut de esta banda portuguesa es una mezcla de gothic metal con black metal, logrando un sonido distintivo que los diferenció de otras de las bandas del género. Destaca la voz de Fernando Ribeiro, quien alterna entre un sonido gutural grave y una voz barítono limpia. Destacan también los pasajes con teclados ambient y arpegios limpios. Un disco bien producido, con imponente sonido y composiciones melodiosas, a veces con una atmósfera seductora . No esperen un black metal crudo de baja fidelidad. 11. Gorgoroth – “Antichrist” (1996) Segundo álbum de esta banda noruega. Una producción más cuidada comparada con la de su disco debut, pero mantiene la crudeza del sonido en vivo de la banda. Esto es black metal puro con su clásico blast beast, chillantes voces que no pasan desapercibidas, además de riffs malvados que evocan odio, blasfemia y posesiones demoníacas. 12. Cradle of Filth – “The Dusk and Her Embrace” (1996) Considerado como un disco emblemático del black metal sinfónico, “The Dusk and Her

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14 Álbumes esenciales del Death Metal de la vieja escuela

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El death metal sigue evolucionando (a casi 40 años de que surgió) como uno de los géneros más extremos que existen. A continuación, una lista en orden cronológico de algunos discos emblemáticos que aparecieron en los primeros años de desarrollo de este género. Es notable como las bandas fueron moldeando su sonido hasta pulir un estilo musical digno de análisis y estudio. 1. Possessed – “Seven Churches” (1985) Considerado por muchos críticos como el primer álbum de death metal de la historia. “Seven Churches” es una monumental transición del thrash al death. Esta conexión puede notarse en el sonido semi gutural de las voces y en el estilo de los riffs pesados, los cuales se mueven a la violenta velocidad del ritmo de la batería. Possessed, originarios de California, consiguieron en su disco debut un sonido crudo, casi low-fi, lo cual es parte del encanto de esta obra temprana del metal extremo. Como dato curioso, Jeff Becerra, vocalista y bajista, tenía sólo 16 años cuando se grabó este álbum. 2. Death – “Scream Bloody Gore” (1987) Primer álbum de esta legendaria banda de Florida. Los críticos han considerado este álbum como el que definió los elementos claves del death metal. Y es que Chuck Schuldiner, fundador y mente creativa principal de esta banda, llevó las composiciones a algo más agresivo de lo que ya estaba hecho. Ciertas canciones están inspiradas en películas de horror lo cual ayudó a moldear un concepto oscuro, violento y gore, elementos característicos de este género. 3. Morbid Angel – “Altars of Madness” (1989) Junto con los 2 álbumes mencionados previamente, este álbum también ayudó definir el sonido del death metal, sentando un nuevo precedente para la pesadez y extremidad, tanto musical como líricamente. Un disco caracterizado por sus interpretaciones extremadamente rápidas, composiciones complejas y una musicalidad técnicamente exigente. Morbid Angel, también de Florida, pulió el género con la sofisticación de sus composiciones, algo que desarrollaron asombrosamente en sus siguientes trabajos. Las letras del disco tratan temas sobre lo oculto lo cual, combinado con su sonido, crean un macabro misticismo que otras bandas adoptaron no sólo en el death, sino también en el black y el doom. 4. Sepultura – “Beneath the Remains” (1989) El álbum que abrió camino internacional a esta banda brasileña. Comparado con sus discos anteriores, “Beneath the Remains” viene con una producción mejorada, más agresivo y voces menos melódicas. Es en este álbum donde Sepultura encuentra su estilo, el cual ha sido una gran influencia dentro del death metal. Cabe mencionar también que este álbum ubicó a Brasil como un país cuyo música pesada es garantía de brutal calidad. A diferencia de los discos previamente mencionados en esta lista, este disco se inclina más a la protesta con temas como la guerra y la injusticia social. 5. Deicide – “Deicide” (1990) Otra banda de Florida con un disco debut cargado de blasfemia y riffs acelerados. Un disco que no pasa desapercibido por su agresividad sonora que estalla en medio de un feroz repudio a la iglesia y una espeluznante atmósfera satánica. 6. Entombed – “Left Hand Path” (1990) “Left Hand Path”, álbum debut de esta banda sueca, fue pionero en introducir el sonido “motosierra” de guitarra, un sello que adoptaron otras bandas de la escena sueca y que influenció también al death metal en general. Ese tono de guitarra fue logrado usando afinaciones en SI estándar a través de un pedal Boss HM-2 Heavy Metal con todos los controles al máximo. Un disco altamente elogiado por su sonido pesado y producción innovadora. 7. Atheist – “Unquestionable Presence” (1991) Considerado un álbum emblemático del death metal técnico. Esta otra banda de Florida más allá de crear un sonido extremo, experimentaron también con armonías similares al jazz, sutiles ritmos latinos y compases inusuales, logrando una brutal fusión a la que agregaron voces agudas demoníacas. Una locura de disco. Progresivo, alucinante y poderoso. 8. Autopsy – Mental funeral (1991) Una mezcla de doom y death metal, riffs lentos y súper pesados, voces que gruñen profundamente como surgiendo desde las entrañas de una tumba que guarda a un cuerpo podrido. Un disco que suena a horror, putrefacción y oscuridad. No hay título más atinado que “Mental funeral” para un disco de death metal sobre locura y muerte. 9. Grave – “Into the Grave” (1991) Otra banda sueca con un disco debut que destaca por sus creativos riffs y poderosa ejecución. Muerte, gore y violencia. Lograron un sonido crudo, extremadamente pesado y oscuro. Un álbum de culto entre los conocedores del death metal. 10. Suffocation – “Effigy of the Forgotten” (1991) Otro álbum pionero del death metal técnico. Extremadamente brutal pero sofisticado por la virtuosidad de su ejecución. Voces guturales muy graves (estilo grindcore), guitarras afinadas 4 tonos abajo y baterías violentamente precisas, por mencionar algunas características de esta locura de álbum. 11. Bolt Thrower – “The IVth Crusade” (1992) Esta banda británica logró un asombroso sonido death/doom, con épicos riffs que evocan una densa y oscura atmósfera. La portada ya anticipa brutalidad. Un clásico de culto que destaca por su impecable ejecución y diferente concepto a las demás bandas.  12. Sinister – “Cross the Styx” (1992) Disco debut de esta banda holandesa caracterizada por sus poderosos riffs y macabras voces guturales. Un estilo que pulieron en sus siguientes discos pero que ya sonaba increíble desde esta primera entrega. Sin duda una banda que representa lo mejor del death metal europeo de la vieja escuela. 13. Carcass – “Heartwork” (1993) Considerado como uno de los discos más grandiosos de la historia del death metal, “Heartwork” fue la cuarta entrega de esta banda inglesa la cual mostró una considerable evolución, pasando del distintivo goregrind de sus álbumes anteriores a un death metal melódico majestuosamente ejecutado. Un disco para hacer volar la cabeza de todo metalero. 14. Cannibal Corpse – “The Bleeding” (1994) No podía faltar esta banda de Florida en esta lista. “The Bleeding” es su cuarto álbum el cuál, de acuerdo a Soundscan, está en un

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5 músicos cuyos instrumentos fueron dañados por aerolíneas y agencias aduanales

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Viajar en avión con instrumentos musicales es todo un tema. Para todo músico, su instrumento va más allá de ser un simple objeto. Hay músicos que consideran sus instrumentos como una extensión de si mismos, una posesión con un valor sentimental especial y cuyo cuidado siempre debe ser extremo. Desafortunadamente, para algunos se ha vuelto realidad la pesadilla de un instrumento destruido por descuido del personal de un aeropuerto. A continuación desglosamos 5 desafortunados casos que sufrieron este horror, en su mayoría músicos altamente prestigiados y cuyos instrumentos estaban altamente valuados. 1. Myrna Herzog En 2018, Myrna Herzog, prestigiada intérprete israelí de viola, culpó a la aerolínea Alitalia de que su viola da gamba del siglo XVII fuera severamente dañada en un vuelo de Río de Janeiro a Tel Aviv. Herzog publicó fotos del instrumento en Facebook y comentó que eldaño ocurrió a pesar de que la aerolínea le había asegurado que la viola sería llevada manualmente a la parte baja del avión. Incluso el instrumento iba en su estuche rígido, el cual tenía un sticker de “frágil”. La aerolínea respondió lamentando lo sucedido, pero intentaron deslindarse diciéndole que la práctica común era comprar un asiento adicional para instrumentos delicados. Herzog mencionó que durante 48 años ha tenido muchos vuelos con violas, las cuales normalmente son acomodadas en el armario del avión o llevadas manualmente en la parte baja del avión. La aerolínea le propuso una compensación que ni siquiera cubría el estuche. Cabe mencionar que un instrumento antiguo como este, dependiendo de su fabricante, podría costar hasta dos cientos mil dólares. No se tiene documentado si alguna vez Herzog logró recibir alguna compensación justa por parte la aerolínea. 2. Ballaké Sissoko En 2020 la kora (instrumento africano de 21 cuerdas) del renombrado músico maliense Ballaké Sissoko fue dañada durante una inspección por la Administración de Seguridad del Transporte de Estados Unidos (TSA, siglas en inglés). El músico africano viajaba con su banda 3MA de Nueva York a París. La TSA lamentó el desafortunado suceso pero se deslindaron diciendo que, después de una revisión exhaustiva del reclamo, ellos no habían abierto el estuche. De acuerdo a una nota publicada en Los Angeles Times, Sissoko declaró que tuvo esta kora por 8 años y su costo fue de $5 mil dólares. Cabe mencionar que el ensamble de este instrumento puede llevar semanas. Sissoko también dijo que, tras el daño, se sentía como un huérfano pues una parte de él estaba perdida y ahora tenía que esperar semanas para conseguir una nueva kora. 3. Wu Man Wu Man, reconocida intérprete de la pipa (instrumento chino de cuerdas parecido al laúd), tuvo la mala suerte de que su instrumento (valuado en $50 mil dólares) fuera dañado en 2013 durante un vuelo con US Airways de Filadelfia a New Haven, donde tendría un estreno mundial con Kronos Quartet. Según la intérprete, había intentado guardar el delicado instrumento en un compartimento superior pero no cabía. Preguntó si podía colocarlo en el asiento vacío junto a ella, pero se lo negaron. Luego una azafata se ofreció en guardar la pipa en el armario del avión, donde descuidadamente la dejó caer, provocando que el cuello del instrumento se partiera en dos. La pipa iba en un funda blanda porque no existen estuches rígidos para un instrumento como este. Tampoco estaba asegurada porque las aseguranzas no tienen manera de valuar un instrumento exótico y poco conocido. Sin embargo, las cosas se resolvieron positivamente en este caso. US Airways llevó a Wu Man en avión a China, donde pudo conseguir una pipa nueva del mismo lutier que hizo la dañada. La aerolínea también pagó por el nuevo instrumento. 4. Alban Gerhardt En 2013 el violoncelista alemán, Alban Gerhardt, describió como “un acto de comportamiento brutal y descuidado” el hecho de que el personal de seguridad del Aeropuerto Internacional de Washington, partió en dos el palo de su arco, el cual fue fabricado en el siglo 19 por Heinrich Knopf, reconocido fabricante alemán proveniente de una dinastía de fabricantes de arco. El incidente ocurrió durante la inspección del estuche, un día antes de que Gerhardt interpretara el Concierto sinfónico de Prokofiev con la Orquesta Sinfónica de Madison en Madison, Wisconsin. El violoncelista presentó una reclamación con la TSA pero no esta documentado si fue compensado justamente. El arco estaba valuado en 20 mil dólares. 5. Dave Carroll Durante un viaje en 2008, este músico country canadiense tuvo la desgracia de que su guitarra Taylor fuera severamente dañada por los malos manejos de los empleados de United Airlines. Carroll reclamó a la aerolínea, pero le respondieron que no era elegible para una compensación porque no había presentado el reclamo dentro de un plazo de 24 horas. El músico tomó este incidente como inspiración para componer “United Breaks Guitars”, canción country pop cuya letra relata la anécdota con humor. Un videoclip del tema fue subido al canal de Youtube de su banda, Son of Maxwell, resultando un fenómeno viral que presionó a United Airlines para que terminara compensando a Carroll. El incidente desató un debate sobre el servicio al cliente y el poder de las redes sociales. De hecho, algunas aerolíneas usan ahora el videoclip en entrenamientos y capacitaciones para concientizar a sus empleados.

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Las 5 guitarras subastadas más costosas de la historia

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Algo que tienen en común John Lennon, David Gilmour y Kurt Cobain es que algunas de sus guitarras han sido vendidas por millones de dólares. Más que simples objetos, estos instrumentos son piezas importantes de la historia y técnicamente han sido herramientas empleadas para componer, arreglar y ejecutar grandes obras maestras que revolucionaron la cultura moderna. Subastadas en su mayoría para fines caritativos, a continuación analizamos las 5 guitarras más caras de la historia. 1. La Martin D-18E que Kurt Cobain usó en el Unplugged de Nirvana Subastada por  $6,010,000 USD en 2020, esta es la guitarra que a la fecha ha costado más dinero en la historia. Fue comprada por el australiano Peter Freedman, dueño de la marca de micrófonos Røde, quien actualmente la exhibe en el museo Powerhouse de Syndey, Australia. Este modelo de guitarra es raro y coleccionable. Sólo se fabricaron 302 modelos y el que perteneció a Cobain fue el séptimo fabricado en 1959. Lo compró por $6 mil dólares en 1992 en Voltage Guitars, una tienda de instrumentos usados en Los Angeles. La única modificación que le hizo fue agregarle una pastilla Bartolini 3AV. El instrumento subastado también incluyó su estuche duro, el cual mantiene una impresión de la portada del disco “Feel the Darkness” de Poison Idea, pegada con cinta de aislar por Cobain a manera de sticker. El compartimiento interior del estuche contenía un paquete de cuerdas Martin a medio usar, tres púas y una bolsa de gamuza. El dinero recaudado fue donado como caridad al Hospital de Niños en Seattle. Se rumora que esta es la última guitarra que tocó el líder de Nirvana. 2. La Fender Mustang que Kurt Cobain usó en el video de “Smells Like Teen Spirit” Otra guitarra más de Kurt Cobain, esta vez comprada por $4,500,000 USD en 2022 por Jim Isray, dueño del equipo de futbol americano Colts de Indianapolis y considerado por Guitar Magazine como “el más grande coleccionista de guitarras en el mundo”. La casa de subasta Julien´s Auctions esperaba vender esta guitarra por $800 mil dólares pero Isray empezó ofreciendo 2 millones. Un instrumento más para su colección de artículos históricos del rock. Él mismo describió la guitarra como “una pieza de cultura americana que cambió la forma en la que vemos al mundo”. Una porción de la venta fue destinada al apoyo de la salud mental a través de la asociación Kicking The Stigma, fundada por Isray. El modelo de la guitarra es de 1969 (color Lake Placid Blue). Cobain la compró entre 1990 y 1991 en la misma tienda de Los Angeles que compró su Martin D-18E. La usó para grabar tanto en “Nevermind” como en “In Utero” pero la guitarra es principalmente asociada con su aparición en el videoclip de “Smells Like Teen Spirit”. Entre sus modificaciones estuvo el reemplazo del puente y de una de las pastillas. 3. La Black Strat de David Gilmour Subastada por $3,975,000 USD en 2019, esta Fender Stratocaster 1969 fue la que el guitarrista y vocalista de Pink Floyd usó para grabar canciones como “Money”, “Comfortably Numb”, “Shine on You Crazy Diamond”, entre muchas otras. Básicamente ha sido el instrumento con el que más se asocia a Gilmour, siendo su guitarra principal entre 1970 y 1986. Varias modificaciones tuvo alrededor de los años, como el reemplazo del puente por uno con tremolo, además de varios cambios en sus pastillas. Por un tiempo estuvo exhibida en el Hard Rock Cafe de Dallas, Texas, pero Gilmour solicitó se la regresaran en 2005. Incluso grabó con ella los solos de “The Endless River” (2014), último álbum de Pink Floyd. El comprador fue otra vez Jim Isray y esta venta tuvo también fines caritativos. Y, además de la Black Stat, también se subastaron otros cientos de instrumentos de Gilmour, entre ellos algunas guitarras Fender Broadcasters, Esquires, Telecasters y otras Stratocasters. 4. La Stratocaster “Reach Out to Asia” La intención de la subasta de esta guitarra, la cual fue autografiada por 19 músicos famosos, fue recaudar fondos para las víctimas de una serie de tsunamis ocasionados por un terremoto en el Océano Índico en 2004 (dejó más de 275 000 muertos). Esta Fender Stratocaster blanca (hecha en México) tiene la firma de los siguientes celebridades: Bryan Adams (quien organizó la recaudación), Mick Jagger, Keith Richards, Eric Clapton, Brian May, Jimmy Page, David Gilmour, Jeff Beck, Pete Townshend, Mark Knopfler, Ray Davies, Liam Gallagher, Ronnie Wood, Tony Iommi, Angus y Malcolm Young, Paul McCartney, Sting, Ritchie Blackmore y Def Leppard. Cabe mencionar que el precio en las tiendas de este modelo estándar de Stratocaster andaba alrededor de $350 dólares en 2004. Sin embrago, con el valioso autógrafo de cada músico y la intención de ayudar a los países damnificados, el instrumento terminó subastándose en 2005 por $2,700,000 USD. Nadie de esa lista de músicos tocó la guitarra pero la buena causa juntó fondos para ayudar a muchas personas. Sheikha Mayassa, miembro de la familia real de Catar y una de las mujeres más poderosas en el mundo del arte, fue la compradora de este instrumento. Sheikha también es la fundadora de Reach Out to Asia, organización benéfica sin fines de lucro.   5. La Gibson J-160E de John Lennon Usada por Lennon para escribir y grabar canciones como “She loves you”, “Love me do”, “I Want to Hold Your Hand”, entre otros éxitos de Los Beatles, esta guitarra fue robada en 1963 durante un show en Finsbury Park (Londres) y fue así como estuvo desaparecida durante 50 años. En 2015, un hombre de California llamado John McCaw, quien había comprado la guitarra en una casa de empeño en San Diego a principios de los 70 sin saber que perteneció a Lennon, casualmente vio una vieja foto del instrumento en un número de la revista Guitar Aficionado, sorprendiéndose con la similitud para después contactar a expertos internacionales que acreditaron su autenticidad. Originalmente se estimó que la guitarra se vendería por entre $600 mil y $800 mil dólares. Sin embargo, un

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13 curiosidades sobre In Utero de Nirvana en su 30 aniversario

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Este mes cumple 30 años el último álbum de estudio que grabó Nirvana. Después del éxito global de “Nevermind”, grandes expectativas surgieron respecto a lo que vendría después. Por un lado, estaba la presión del sello disquero por seguir con un sonido comercial que asegurara ventas. Por otro, estaba la banda tomándose libertades creativas que no eran del agrado de los ejecutivos del sello. Si bien el álbum ofreció un sonido más crudo que el anterior y se estimaba fuera un fracaso, a la fecha ha sido certificado 5 veces platino y ha vendido más de 4 millones de copias sólo en EUA. Una obra de esta talla sólo puede guardar datos interesantes, algunos de los cuales analizamos a continuación. 1. Steve Albini no quiso producir el álbum pero aceptó porque sintió lástima por la banda Kurt Cobain escogió a Steve Albini como productor de “In Utero” por haber producido dos de sus discos favoritos: “Surfer Rosa” de Pixies y “Pod” de The Breeders. Albini era conocido por su preferencia estricta para grabar con equipo análogo envés de digital. Por otro lado, también era conocido por sus críticas abiertas a la industria musical, habiendo dicho repetidamente que explotaba financieramente a los artistas. Tras los rumores iniciales de que él produciría a Nirvana, negó su relación con la banda a través de un comunicado que envió a la prensa británica. Sin embargo, terminó aceptando después de recibir una llamada del manager de la banda y percibir que estaban a merced de su compañía discográfica, lo cual provocó pena ajena en él. Y, aunque le ofrecieron alrededor de $500,000 dólares en regalías, se negó a aceptarlas considerando que era inmoral y un “insulto al artista”. 2. Nadie de la disquera tuvo acceso al estudio y Nirvana tuvo que pagarle a Albini por las sesiones con su propio dinero Esta condición de pago la sugirió Albini con la intención de no lidiar en absoluto con DGC Records. Básicamente sólo tendría contacto con la banda y el personal de Pachyderm Studio. Los honorarios ascendieron a $24 mil dólares. Nirvana dejó claro a la disquera y a su empresa gestora (Gold Mountain) que no querían ninguna intrusión y ni siquiera les enviaron muestras de su trabajo en progreso. Albini declaró que todos los asociados con Nirvana eran “los pedazos de mierda más grande que he conocido”. 3. La banda y Albini solían hacer bromas por teléfono a celebridades durante los descansos No podían salir mucho del estudio dadas las condiciones frías y nevadas de los días de la grabación. Una de sus distracciones en ese encerramiento era hacer bromas por teléfono a gente famosa. Entre algunos a los que llamaron estuvieron Eddie Vedder de Pearl Jam y Gene Simmons de Kiss, dato confirmado por Albini en años recientes en el podcast Cobras & Fire. 4. El álbum se grabó en 6 días con Kurt Cobain completamente sobrio Nirvana llegó a Pachyderm Studio sin su equipo y pasó gran parte de los primeros tres días esperando a que llegara por correo. Una vez que comenzó la grabación, el trabajo avanzó rápidamente. Casi a diario, el grupo comenzaba a trabajar alrededor de mediodía. Tomaban descansos para comer y cenar, terminando las sesiones a la medianoche. Para la mayoría de las canciones, grabaron pistas instrumentales juntos como banda. Para canciones rápidas, como “Very Ape” y “Tourette’s”, la batería se grabó por separado en una cocina para lograr un reverb natural. Albini usó 30 micrófonos para grabar las baterías de Dave Grohl. Por otro lado, Cobain agregó pistas de guitarra adicionales a algunas canciones, luego grabó solos y finalmente las voces. No se descartaron tomas y conservaron todo lo que grabaron. Albini se veía así mismo más como un ingeniero que como un productor. A pesar de sus opiniones personales, dejó que la banda eligiera las tomas. Las pistas vocales se grabaron en 6 horas y Albini señaló lo concentrado y sobrio que Cobain se mantuvo durante las sesiones. 5. Cobain calificó a las sesiones como el proceso de grabación más fácil que habían tenido Antes de la grabación, la banda preveía desacuerdos con Albini pues habían escuchado rumores de que era “un imbécil sexista”, una postura no aceptada por Nirvana. Sin embargo, una vez terminada la grabación, Cobain declaró que todo fluyó sin problemas. El corto tiempo en que se grabó el álbum y los asombrosos resultados demuestran que debió haber sido un proceso sencillo. Seguramente ayudó también la ausencia de los ejecutivos del sello. Además, según recuerda Krist Novoselic, la banda se había concentrado intensamente en ensayar las canciones previo a la grabación, logrando tenerlas listas y amarradas. 6. Contrario a lo acordado, Courtney Love interrumpió las sesiones A pesar de la condición de que nadie afuera de la banda intervendría en las sesiones, Courtney Love terminó haciéndolo (con Frances Bean incluida). Su presencia no fue grata ya que intentó meterse en el proceso, además de crear tensión al criticar el trabajo de Cobain y se rumora haber tenido un altercado con Grohl. 7. “Very Ape” fue grabada con una guitarra de aluminio Además de haber usado su Fender Jaguar y su Mustang para la mayoría de las canciones del álbum, Cobain grabó “Very ape” con una guitarra Veleno, instrumento construido de aluminio. Tal guitarra fue traída por Albini al estudio con la intención de lograr un sonido más brilloso y agresivo. Estas guitarras son raras y coleccionables. En los 70s se fabricaron no más de 200. Actualmente se venden hasta por $20,000 dólares. 8. Los ejecutivos de DGC Records odiaron la mezcla y estimaban que el álbum fuera un fracaso Una vez completada la grabación y mezcla, Nirvana envió cintas sin masterizar del álbum a ejecutivos de DGC y Golden Mountain quienes, de acuerdo a Michael Azerrad (autor de la biografía de Nirvana “Come as you are”), consideraron que el álbum era inescuchable y había incertidumbre de que la radio convencional aceptara la producción de Albini. 9. “In Utero” le dio mala fama a Albini

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10 datos curiosos sobre el theremín

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El primer instrumento electrónico en la historia no sólo es fascinante por su ingeniosa tecnología y el halo mágico que lo envuelve. Esta excepcional invención musical guarda tantos datos interesantes como para escribir una serie de artículos. Su historia está llena de sucesos increíbles y el legado que su inventor dejó es altamente valioso. Difícil no enamorarse de este instrumento que se controla sin contacto físico, además del asombroso aspecto visual de su diseño y la manera en que los theremistas lo manejan. 1. Su inventor fue un espía Como científico soviético, Leon Theremin, creador de este instrumento en 1919, entregó su vida y obra al servicio del espionaje de su país. Reclutado por la NKVD (agencia de seguridad rusa en aquel entonces), fue enviado a Estados Unidos durante la década de 1930 y pasaba información a Rusia sobre tecnología industrial estadounidense. Fue arrestado por el FBI en 1938 bajo sospecha de ser un espía. Después fue exiliado a un campo de trabajo en Siberia donde estuvo preso hasta 1947. Tras su liberación continuó trabajando como inventor y también fue profesor en el Conservatorio de Moscú donde enseñaba a construir theremines. 2. Lenin y Einstein conocieron el instrumento antes de que se volviera comercial En 1922 Leon Theremin mostró su invento a Vladimir Lenin quien se impresionó mucho con el instrumento e incluso él mismo lo probó. La invención era vista como un símbolo del progreso tecnológico de la Unión Soviética. Posteriormente en 1927, mientras estaba de tour por Europa promocionando su invento, Leon hizo una demostración del instrumento en Berlín para Albert Einstein quien quedó fascinado por el hecho de que sonará sin que fuera tocado. Como es bien sabido, a Einstein le gustaba mucho la música y sabía tocar violín. 3. Otras innovaciones de Leon Theremin Usando la misma tecnología detrás del theremín, Leon diseñó dispositivos de espionaje para escuchar a escondidas a las oficinas diplomáticas de EU. También se le atribuye el desarrollo de avances que posteriormente ayudaron a mejorar la tecnología de los televisores, así como también importantes innovaciones en el campo de la tecnología inalámbrica. Por otro lado, entre sus inventos musicales, además del theremín, también desarrolló el rhytmicon (en la imagen), la primera caja de ritmos de la historia, la cual creó en colaboración con Henry Cowell en 1932. Otras innovaciones musicales incluyen: el terpsitone (plataforma que convierte los movimientos de baile en tonos); y el theremin cello (un chelo electrónico sin cuerdas ni arco, con un diapasón de plástico y tres perillas para controlar volumen y tonos). 4. Originalmente el theremín tenía otro nombre El primer nombre de este instrumento fue “Etherphone” porque se creía que las ondas que producía eran similares a las del éter, un medio hipotético que se pensaba que llenaba el universo y transportaba ondas electromagnéticas. Posteriormente el nombre se cambió a theremín, después de que la RCA lo registró. 5. Influenció la creación del sintetizador Robert Moog, inventor del primer sintetizador comercial en 1964, construyó su propio theremín a los 14 años siguiendo los planos e instrucciones publicados en un número de la revista Electronics World. Posteriormente, siendo adulto, Moog publicó una serie de artículos sobre la construcción de theremines y vendió kits que estaban destinados a ser ensamblados por el cliente. Robert acreditó que su aprendizaje construyendo theremins lo llevó a crear su innovador sintetizador. 6. La partitura de la primera pieza escrita para theremín se extravió El compositor ruso Andrey Paschenko fue uno de los primeros músicos en explorar las posibilidades musicales del theremín. Se encargó de crear la primera composición orquestal escrita para este instrumento, titulada “Misterio sinfónico” y estrenada en 1924 por la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo. Posteriormente se perdió la partitura original, pero recientemente fue reconstruida por Olesya Rostovskaya, compositora rusa e intérprete del theremín. De esta manera, se llevó a cabo un segundo estreno de la obra en 2020 (96 años después del primer estreno) en el que también participó la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo. Básicamente esta compositora reconstruyó el “misterio” del borrador sobreviviente, dándole nueva vida y sonido a esta pieza. 7. Su venta fue temporalmente prohibida en Japón La venta del theremín fue prohibida en Japón de 2001 al 2006 como una medida del gobierno para reducir el desperdicio eléctrico en el país. El argumento fue que antiguos dispositivos, como los theremines, son un peligro de incendio y una fuente potencial de contaminación. Entusiastas de este instrumento obviamente se opusieron. El gobierno finalmente cambió la ley y la venta fue permitida de nuevo. 8. El primer mensaje de radio interestelar musical presentó un concierto de theremín Como parte de una serie de transmisiones de radio interestelar enviadas desde el radio telescopio R-70 en Eupatoria (Ucrania) hacia 6 estrellas similares a nuestro sol, un concierto de theremín fue transmitido hacia ese destino espacial en 2001. Esto sucedió 7 años antes de que la NASA enviara al espacio la canción “Across the Universe” de Los Beatles desde un radio telescopio en España. “El primer concierto de theremín para extraterrestres” incluyó piezas de Beethoven, Vivaldi, Rajmáninov, entre otros, y fue ejecutado por maestros del Centro de Theremín de Moscú. Las piezas fueron seleccionadas por los estudiantes. 9. Existe un ensamble de theremines con casi 300 intérpretes Masami Takeuchi, principal ejecutante del theremín en Japón, no sólo dirige el ensamble de theremines más grande del mundo, también creó un instrumento llamado “Matryomin”, el cual es un theremín en forma de matrioshka, la tradicional muñeca rusa, y está diseñado para tocarse en conjunto. En 2019 el Ensamble Matryomin, formado por 289 intérpretes, obtuvo un récord Guinness por ser la orquesta de theremines más grande en el mundo. Tal evento se llevó a cabo en Kobu, Japón y entre los miembros de este conjunto estuvieron la hija, la nieta y el bisnieto de Leon Theremin (Natasha, Masha y Peter Theremin). 10. Chile es la sede del Festival Internacional de Theremín Este evento anual celebrado en Santiago, Chile, presenta conciertos, clases, talleres y charlas

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