Oscar Adame

En una era donde la música suele fabricarse en soledad frente a una pantalla, donde los beats se programan y las voces se autoajustan hasta perder cualquier imperfección humana, el gesto del Karen Zárate Quartet al grabar “Impulso” en tomas únicas, sin red, sin posibilidad de corrección, adquiere una dimensión casi política. Es una declaración de principios: esto sucedió, y sucedió así, y no volverá a suceder igual. Hay algo profundamente conmovedor en escuchar un disco donde se percibe a los músicos escuchándose mutuamente. Parece obvio, pero no lo es. En gran parte de la producción musical contemporánea, la escucha ha sido reemplazada por el click, por la pista separada, por la posibilidad infinita de editar hasta que todo encaje en una perfección estéril. El cuarteto de Karen Zárate, en cambio, nos recuerda que el jazz, en su esencia más pura, no es un género: es una ética. La ética de estar presente, de responder, de asumir el riesgo de que el otro haga algo inesperado y tener que seguirle el paso. La decisión de trabajar a partir de fragmentos, “frases, dibujos o escenarios a completar” en lugar de partituras cerradas es reveladora. Zárate no impone; propone. No dicta; sugiere. Y al hacerlo, confía en sus músicos no como ejecutantes, sino como coautores. Enrique Jiménez (saxofón), Katzer Suárez (piano) e Ian Gurman (batería) no están ahí para “interpretar” las ideas de la contrabajista; están para completarlas, para darles carne y aliento, para llevarlas a lugares que quizás ella no había imaginado. Esa confianza, esa generosidad creativa, es quizás el gesto más radical en un medio artístico a menudo dominado por el ego y el control. “Lluvia”, la pieza más celebrada del EP, funciona como manifiesto de esta filosofía. No describe la lluvia desde afuera; la construye desde dentro. Cada instrumento aporta una textura, una capa, un matiz. Y el contrabajo, gracias también al trabajo excepcional de grabación de Jan Boker, puede permitirse el lujo de ser melódico sin dejar de ser rítmico, de flotar sobre la textura colectiva sin perder su función de ancla. Es una lección de equilibrio: cómo ser protagonista sin dejar de ser parte. Pero lo que hace verdaderamente especial a “Impulso” es que esta filosofía colectiva no resulta en un producto frío o intelectual. Por el contrario, hay una calidez, una humanidad, que atraviesa cada nota. Se siente la incertidumbre real en los compases iniciales de “Carnaval”, cuando piano y batería aún no saben bien qué hacer. Se siente el riesgo asumido en “Armolodía”, esa pieza que su propia autora describe como “la más fea” y que sin embargo contiene una honestidad desarmante. Se siente, sobre todo, el placer de cuatro personas haciendo música juntas, en el mismo lugar, al mismo tiempo. En un mundo que nos empuja cada vez más hacia el aislamiento digital, hacia la comunicación mediada por pantallas, hacia la producción musical en compartimentos estancos, escuchar “Impulso” es un recordatorio de lo que estamos perdiendo. La música, en su forma más vital, no es un producto: es un encuentro. Y el Karen Zárate Quartet nos invita a ser testigos de ese encuentro, a asomarnos a esa habitación donde cuatro almas deciden, durante el tiempo que dura una toma, confiar la una en la otra. Que haya sido grabado en un estudio que lleva la palabra “free” en su nombre —Pesticide Free Music— no es casualidad. La libertad, aquí, no es ausencia de reglas, sino **presencia de escucha**. Libertad para proponer y para responder, para guiar y para dejarse llevar, para equivocarse y para acertar colectivamente. “Impulso” es un disco breve —apenas un EP— pero su resonancia promete ser larga. No solo por la calidad de sus composiciones o la destreza de sus intérpretes, sino por lo que representa: la supervivencia de una forma de hacer música que confía en lo humano por encima de lo tecnológico, en el riesgo por encima de la seguridad, en el encuentro por encima del aislamiento. En tiempos de inteligencia artificial y producción algorítmica, el jazz sigue siendo, afortunadamente, un territorio donde lo único que no se puede simular es la escucha genuina. Karen Zárate y su cuarteto lo saben. Y nos lo recuerdan con cada nota.

El productor, músico y compositor José Biggs lanza “Deseos Hipnóticos”, una pieza que fusiona de manera sutil y envolvente sonidos del R&B, el Neo Soul y el Indie Pop, explorando una de las fuerzas más antiguas e inherentes al ser humano: el deseo. El placer, el contacto y la conexión con el otro se convierten en el eje central de esta propuesta profundamente íntima. Compuesta, producida, arreglada y mezclada por Biggs en su estudio LaZotea, en Ciudad de México, la canción cuenta con las interpretaciones vocales de Elvis De Yongol y Connie Isla. Elvis aporta un rap urbano potente y contagioso, sumándose también como compositor, mientras que Connie impregna el tema de sensualidad y calidez a través de una interpretación delicada, marcada por susurros y matices envolventes. La colaboración con Elvis surgió tras coincidir en una gira de Kim Loaiza y JD Pantoja, donde Biggs reconoció su talento y afinidad artística. Aunque el cantante ha destacado principalmente en el urbano y el reggaetón, esta invitación lo llevó a explorar una faceta más cercana al R&B y a una estética indie, logrando una interpretación más desnuda y emocional. Para completar la triada vocal, Biggs encontró en Connie Isla la voz ideal tras descubrir su álbum “Isla Mater”. Su experiencia en el Neo Soul y la sensualidad natural de su timbre aportaron la pieza faltante para construir una interacción vocal cargada de intimidad y complicidad. La grabación se realizó en LaZotea (CDMX), en un proceso orgánico que refleja el espíritu de la canción: suave, lenta y profundamente emocional. “Deseos Hipnóticos” cuenta además con un videoclip oficial dirigido por Faride Schroeder, una propuesta visual que traduce la carga sensorial del tema en una narrativa sutil entre la cercanía emocional y la distancia, reforzando la idea del deseo como una experiencia tanto física como imaginada.

El multiinstrumentista y productor Marco Benevento anuncia su llegada al aclamado sello Big Crown Records con el lanzamiento de su vibrante nuevo sencillo, “Frizzante”. Este movimiento marca un nuevo y emocionante capítulo para un artista cuya carrera se ha definido por una curiosidad sin límites y una maestría en el estudio que lo ha convertido en un colaborador codiciado. Benevento, un nombre respetado tanto en circuitos de jazz como de indie, ha forjado su reputación siendo un “alquimista de géneros”. Desde los escenarios de Coachella y el Newport Jazz Festival hasta las credenciales de producción para artistas como Clairo y Leon Bridges, su enfoque siempre ha priorizado la textura, la atmósfera y la colisión fértil entre el groove y la experimentación. Como señaló NPR, su música equilibra “el empuje del rock, la exploración del jazz y el éxtasis experimental del jam”. “Frizzante”, su debut en el catálogo de Big Crown, es una declaración de principios sonora. La pista es un banger soul-jazz efervescente, diseñado para la pista de baile. Desde un riff de piano contagioso e inmediato, la canción construye un edificio sonoro en ascenso constante, con capas de metales exuberantes, piano eléctrico y sintetizadores que orbitan alrededor de un groove implacable. Es una celebración pura, sin respiros, que encapsula el espíritu lúdico y la energía palpable que caracterizan su sonido. El lanzamiento se complementa con el lado B “Turandot”, una colaboración con la vocalista italiana Marianne Mirage. Esta pieza ofrece un contraste atmosférico y onírico, evocando un cruce entre Stereolab y Portishead, y demuestra la versatilidad y profundidad del proyecto de Benevento. Con este nuevo hogar en Big Crown, conocido por su cuidado catálogo de soul y funk contemporáneo de alta calidad, Marco Benevento se prepara para llevar su singular visión musical a un público aún más amplio.

Una misteriosa transmisión de radio en Lituania ha puesto en circulación el rumor de un álbum escurridizo titulado “Paradiso – L’Ange Exterminateur“. El disco, descrito como “el Evangelio según Paradiso” por un locutor anónimo, se emitió durante un programa sobre interferencias de onda corta en una madrugada de abril, sin que se conozcan ni su origen exacto ni la fecha de su grabación. Desde entonces, circulan múltiples relatos contradictorios sobre su creación. Las historias sobre la producción del álbum son numerosas y fantásticas. Una versión sostiene que fue grabado con equipo analógico dañado durante un eclipse parcial en lugares que “ya no existen”, como una embajada soviética abandonada en Ciudad de México o una iglesia en ruinas en Galicia. Otra teoría sugiere que el disco, en realidad, no existe como una pieza unificada, sino que es una colección de fragmentos soñados y grabados por más de 30 músicos repartidos en tres continentes. Incluso se menciona el uso de una calculadora Casio modificada por un brujo zapoteco como instrumento clave. Musicalmente, se dice que el trabajo es un collage translingüístico y “multipalindrómico”. Los testimonios indican que contiene mensajes en hasta 15 lenguas, incluyendo idiomas muertos, esperanto quebrado y mezclas de portugués con alemán suabo. Su estructura permitiría escucharlo de principio a fin o en orden inverso, revelando cada vez una historia distinta pero complementaria, similar a “evangelios gnósticos perdidos”. Un tema mezclaría *samples* con percusión africana y voz en náhuatl con autotune. El grupo detrás del proyecto, Paradiso, se describe como “una banda europea con alma mexicana”, comandada por un enigmático vocalista mexicano. Se rumorea que está compuesto por mujeres europeas que nunca han tocado en vivo pero “lo saben todo”. Con su leyenda creciendo en la oscuridad de las ondas de radio y los relatos orales, L’Ange Exterminateur se consolida menos como un disco y más como un mito moderno, un presagio sonoro cuyo mensaje final sigue siendo un misterio guiado, según dicen, por un ángel exterminador desde las sombras.

El proyecto musical Cluster Trees ha lanzado su nuevo sencillo titulado “Y tal vez”, una canción que explora con sutileza el terreno emocional de las dudas, la esperanza y las posibilidades no dichas. La pieza, disponible ya en todas las plataformas digitales, construye una atmósfera íntima donde la vulnerabilidad y la expectativa se entrelazan. Con una narrativa sugerente, “Y tal vez” se sumerge en el vaivén interno de preguntarse “qué pasaría si…”, sin ofrecer respuestas definitivas. La composición apuesta por la contención: cada elemento musical está diseñado para acompañar la tensión de la espera y la posibilidad, creando un espacio sonoro que crece de forma pausada y permanece resonando después de la escucha. Con este lanzamiento, Cluster Trees reafirma su sello característico: la capacidad de contar historias emocionales complejas desde la introspección lírica y los paisajes sonoros cuidadosamente construidos. El proyecto, conocido por privilegiar la honestidad y una conexión directa con la audiencia, no busca resolver la incertidumbre en esta canción, sino abrazarla y convertirla en el motor creativo que sirve de punto de encuentro con el público.

Con la llegada de diciembre y la cuenta regresiva para las fiestas, la presión por encontrar el regalo perfecto sin descuidar la salud financiera se intensifica. Consciente de este desafío anual, RappiCard lanza su nueva campaña navideña: “Operación C.A.R.D. / Cada Año Regalos Diferentes”. Esta iniciativa ingeniosa busca transformar el estrés de las compras navideñas en una misión estratégica, combinando la emoción de una película de aventuras con los beneficios tangibles de una herramienta financiera inteligente. La campaña se presenta como un “plan secreto” que se activa cada diciembre, posicionando a la RappiCard no como un simple medio de pago, sino como el aliado clave que hace posible la magia y la alegría de la temporada. La narrativa se inspira en films de misión imposible, donde el objetivo es claro: regalar más, gastar menos y aprovechar al máximo las ventajas exclusivas que ofrece la tarjeta. Para llevar a cabo esta operación, RappiCard introduce al “Escuadrón de Duendes Especiales”, un equipo de personajes diseñados para personificar sus principales beneficios y guiar a los usuarios: Más allá de la creatividad y el componente lúdico, “Operación C.A.R.D.” refuerza el compromiso de RappiCard con una experiencia financiera simple, accesible y, sobre todo, inteligente. La campaña subraya que en un contexto económico donde cada peso cuenta, regalar bien no significa gastar más, sino gastar mejor, aprovechando cada herramienta a disposición. RappiCard no solo está vendiendo los beneficios de su tarjeta de crédito Visa (fruto de su alianza con Grupo Financiero Banorte); está ofreciendo un mindset, una forma más astuta y despreocupada de afrontar la temporada. Con esta misión, la marca reitera que su propuesta de valor va más allá de las transacciones, aspirando a ser un compañero estratégico que empodera a sus usuarios para que disfruten de la Navidad, sin que la cuesta de enero sea una misión imposible.