Depósitio Sonoro

Oscar Adame

“Pretty Little Baby” revive la carrera de Connie Francis, ícono viral

A sus 85 años, Connie Francis, una de las voces más influyentes de la música pop de los años 50 y 60, está experimentando un renacimiento inesperado gracias al éxito viral de “Pretty Little Baby” en TikTok. La canción, grabada en 1962 y que en su momento pasó desapercibida en las listas, hoy ha catapultado a la artista a una nueva era de relevancia, demostrando que su legado musical sigue más vivo que nunca. Un resurgimiento generacional Mientras muchas leyendas de su época han quedado en el archivo musical, Francis ha logrado lo que pocas artistas clásicas consiguen: conectar con una audiencia joven. La canción, con su melodía nostálgica y letra tierna, se ha convertido en un soundtrack masivo para videos de bebés, mascotas y moda retro en TikTok, acumulando más de 15 millones de creaciones y 10 billones de vistas en la plataforma. “Estoy emocionada y abrumada. Grabé esta canción hace 63 años, y ahora una nueva generación la está descubriendo. ¡Es increíble!”, expresó Francis, quien en décadas recientes había mantenido un perfil bajo. Impacto en streaming y reconocimiento renovado El fenómeno TikTok ha tenido un efecto dominó en su carrera: Además, las versiones internacionales de “Pretty Little Baby” (antes disponibles solo en vinilo) han sido lanzadas en streaming por primera vez, atrayendo a fans antiguos y nuevos en español, francés, italiano y más. Reconexión con el público y legado reforzado Antes de este boom, Francis era recordada por clásicos como “Who’s Sorry Now” y “Where the Boys Are”, pero su nombre no resonaba con fuerza en la cultura pop actual. Hoy, su resurgimiento la ha colocado de nuevo en conversaciones globales, con medios y jóvenes fans explorando su discografía. “Esto no solo es un hit viral, es la reivindicación de una artista que rompió barreras en su época grabando en múltiples idiomas y siendo una de las primeras mujeres en dominar la industria”, comentó un crítico musical. ¿Qué sigue para Connie Francis? Aunque la cantante no ha anunciado nuevos proyectos, el éxito de “Pretty Little Baby” ha generado especulaciones sobre posibles reediciones, documentales o incluso sincronizaciones en películas y series que aprovechen su nostalgia. Mientras tanto, Francis disfruta este segundo aire: “La música es atemporal, y este momento me lo ha confirmado. ¡Gracias a todos los que están haciendo que mi historia siga viva!”. Con este resurgimiento, Connie Francis no solo recupera un lugar en las listas, sino que reafirma su estatus como una leyenda eterna de la música.

“Pretty Little Baby” revive la carrera de Connie Francis, ícono viral Leer más »

“Eggy Gonzmar estrena ‘Fotos’, una balada rock que evoca la nostalgia de los recuerdos”

El músico y creador de contenido mexicano Eggy Gonzmar, también conocido como Eggy Gm, arranca el 2025 con el lanzamiento de “Fotos”, un sencillo que combina la esencia del rock melódico con toques contemporáneos. La canción, una balada emotiva, funciona como un homenaje a aquellos instantes capturados en imágenes, donde los recuerdos perduran más allá del tiempo. Con una producción que equilibra piano, guitarras y sintetizadores, “Fotos” logra un sonido cálido y nostálgico, pero sin perder frescura. Gonzmar describe la pieza como una carta de amor a las memorias que se resisten a desvanecerse: “Quise crear algo que resonara con esa sensación de mirar una foto antigua y revivir lo que sentías en ese instante”, explica el artista. Este lanzamiento no solo refuerza su estilo —una mezcla de rock, pop y elementos retro con un enfoque moderno—, sino que también anticipa una serie de proyectos musicales planeados para este año. Con una carrera que abarca composición, producción y ejecución del bajo en proyectos independientes, Eggy ha consolidado una identidad sonora que conecta con un público diverso. Además de su labor musical, su presencia en redes sociales y colaboraciones con festivales y marcas en la CDMX lo han posicionado como un artista versátil y en constante evolución. “Fotos” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a los oyentes a sumergirse en una experiencia auditiva cargada de emotividad.

“Eggy Gonzmar estrena ‘Fotos’, una balada rock que evoca la nostalgia de los recuerdos” Leer más »

“Grief is a Garden: La evolución de Fotoform hacia un sonido más profundo y personal”

Con Grief is a Garden (Forever in Bloom), Fotoform demuestra que ha madurado no solo en lo sonoro, sino en lo emocional. Si su anterior trabajo, Horizons, era un grito desesperado, este nuevo álbum es una meditación, un viaje introspectivo que explora el duelo desde múltiples ángulos. Desde el inicio, el álbum atrapa con su atmósfera. Las guitarras envolventes y los bajos profundos crean una base sólida sobre la que Kim House construye sus letras, cargadas de imágenes vívidas y emociones crudas. “The Hollow” es un ejemplo perfecto: una canción que combina ritmos pulsantes con letras sobre la fragilidad humana, mientras que “Fallow” sorprende con su minimalismo acústico, demostrando que Fotoform no teme experimentar. Geoff Cox brilla con su trabajo de guitarra, que va desde líneas melódicas hasta distorsiones que evocan caos y dolor. Por su parte, Michael Schorr (batería) aporta ritmos que fluctúan entre lo hipnótico y lo desgarrador, como en “Bloom”, donde la percusión parece imitar el latido de un corazón herido. El álbum no es perfecto—algunas canciones podrían beneficiarse de un mayor dinamismo—, pero su coherencia temática y emocional lo compensa. Grief is a Garden no es un disco para escuchar de fondo; exige atención, y quien se adentre en él encontrará una experiencia catártica. Conclusión: Fotoform ha dado un paso adelante en su carrera, entregando un álbum que es a la vez oscuro y esperanzador. Una obra que confirma su lugar en la escena del post-punk moderno.

“Grief is a Garden: La evolución de Fotoform hacia un sonido más profundo y personal” Leer más »

TrashCRIOLLO: La revolución sonora de La Guarida del Dragón

El álbum TrashCRIOLLO de La Guarida del Dragón, alias de Jaime Pareja, es una obra que rompe esquemas y redefine la identidad musical del Perú con una fusión audaz de géneros. Desde sus primeros compases, el disco se erige como una experiencia inmersiva que desafía cualquier intento de clasificación, tejiendo un puente entre la tradición y la modernidad, la herencia y la vanguardia. Jaime Pareja, con su maestría y visión artística, logra encapsular en este trabajo una exploración sonora tan radical como emocionante. Un viaje sin límites La riqueza de TrashCRIOLLO radica en su diversidad estilística. Es un álbum que no teme cruzar fronteras, tanto geográficas como musicales. La esencia afroperuana se mezcla con la crudeza del punk, los ritmos urbanos y la psicodelia, generando una amalgama de sonidos que reflejan el propio recorrido del artista. Nacido en la costa peruana y con un fuerte vínculo con la música criolla, Pareja ha sabido incorporar su bagaje personal en cada tema del disco. Los ecos de la cumbia psicodélica de los años 70 resuenan con una nueva energía, revitalizados por la producción moderna y los elementos electrónicos. La influencia del hip-hop en los beats, las guitarras criollas distorsionadas y la actitud rebelde del punk rock conviven en armonía, demostrando que las etiquetas musicales pueden ser borradas cuando la creatividad es el eje rector. En este sentido, TrashCRIOLLO no solo es un álbum, sino un manifiesto de identidad, una declaración de libertad artística y cultural. Emoción y vanguardia en cada canción Cada track de TrashCRIOLLO cuenta una historia, abordando temas que van desde la relación personal de Pareja con la música hasta su deseo de explorar lo desconocido. Se percibe una constante búsqueda de significado y de un espacio propio dentro del vasto universo sonoro latinoamericano. El álbum está lleno de contrastes: la nostalgia de la infancia se encuentra con la rebeldía del presente, la dulzura de las melodías criollas se enfrenta a la crudeza del punk, y la herencia musical se fusiona con una producción contemporánea de primer nivel. El sencillo “hambre.” ya ha captado la atención internacional y es una muestra perfecta del espíritu de TrashCRIOLLO: una pieza intensa, visceral y profundamente arraigada en la tradición peruana, pero con una mirada puesta en el futuro. La inclusión de La Guarida del Dragón en la lista de “Los 20 artistas y canciones que deberías conocer” de Rolling Stone no es casualidad; es una prueba de que su propuesta está resonando más allá de las fronteras del Perú, generando un impacto global. El renacimiento de una identidad musical Lo que Jaime Pareja ha conseguido con TrashCRIOLLO es mucho más que un álbum innovador. Ha creado un espacio donde las raíces y la experimentación pueden coexistir sin restricciones, donde la herencia cultural no es una barrera, sino una plataforma para la reinvención. Con este trabajo, La Guarida del Dragón no solo reafirma su talento y visión artística, sino que también abre un camino para futuras generaciones de músicos peruanos que buscan desafiar lo establecido y redefinir su identidad sonora. TrashCRIOLLO no es solo una colección de canciones; es una experiencia, un viaje de autodescubrimiento y una celebración de la riqueza musical de Latinoamérica. Sin duda, es un álbum que marcará un antes y un después en la escena alternativa y que merece ser escuchado con la mente y el corazón abiertos.

TrashCRIOLLO: La revolución sonora de La Guarida del Dragón Leer más »

Queen V y la rebelión de las REINONAS: Cuando la música se convierte en arma de transformación socia

Queen V, la cantante, productora y compositora que ha irrumpido en la escena musical como la voz disruptiva del pop alternativo, lanza su nuevo himno “Libre en el Club”, una explosiva declaración de autonomía y empoderamiento femenino que promete revolucionar no solo la pista de baile, sino también las estructuras sociales y musicales de la industria. Tras el éxito de su debut “Absurda Oferta”, lanzado el 28 de junio de 2024, Queen V consolida su lugar en el panorama musical con una propuesta audaz que fusiona melodías adictivas, texturas atmosféricas, ritmos envolventes y letras incendiarias. “Libre en el Club” no es solo una canción, es un movimiento: las REINONAS han llegado para tomar el control. Un himno que trasciende la música Con una mezcla vibrante de trap alternativo, beats contundentes y letras que desafían las normas, “Libre en el Club” se erige como el soundtrack de las mujeres que brillan sin miedo en la noche. Queen V no solo canta sobre resistencia y poder, lo encarna. Este tema es una advertencia clara: las mujeres no son objetos de deseo ni fantasías masculinas, son “furias envueltas en brillo”. Las REINONAS dominan la noche El movimiento REINONA ya está en marcha. Las primeras activaciones en Montañita y Olón han demostrado que esta no es solo una idea, sino una comunidad en expansión. Mujeres que buscan referentes auténticos y disruptivos han encontrado en Queen V un estandarte. REINONA es una mentalidad: no encajar, no cumplir expectativas ajenas, imponer tendencias en lugar de seguirlas. Es la fusión de lo femenino con lo feroz, de la elegancia con la disrupción. Una experiencia multisensorial “Libre en el Club” no llega sola. Acompañada de una campaña de activación que trasciende las plataformas digitales, la canción se convierte en una experiencia viva. Bailarinas, creadoras de contenido y mujeres que representan esta energía han sumado su voz y su cuerpo a este himno de liberación. Queen V no solo habla de empoderamiento, lo hace tangible. Es tiempo de bailar en libertad Las REINONAS no piden permiso.Las REINONAS queman lo que las oprime.Las REINONAS dominan el club. “Libre en el Club” ya está disponible en todas las plataformas digitales. Únete al movimiento y descubre por qué Queen V es la voz que está redefiniendo el pop alternativo.

Queen V y la rebelión de las REINONAS: Cuando la música se convierte en arma de transformación socia Leer más »

Fotoform transforma el duelo en arte con Grief is a Garden

Fotoform, el proyecto musical liderado por Kim House y Geoff Cox, ha dado a conocer Grief is a Garden, un adelanto de su próximo álbum que encapsula la esencia del duelo a través de una composición lírica y sonora profundamente conmovedora. La canción, una suite de casi cinco minutos, combina guitarras cristalinas y sintetizadores atmosféricos, creando un paisaje sonoro que oscila entre lo íntimo y lo expansivo. La voz serena de House flota sobre este tejido instrumental, invitando al oyente a una reflexión meditativa sobre la pérdida. La ironía del destino quiso que, durante la promoción del álbum, Jeff, hermano de Kim, falleciera, añadiendo una capa de autenticidad inesperada al proyecto. “Fue como si la vida nos pusiera a prueba”, confiesa Cox. “Habíamos creado estas canciones sobre el duelo y de pronto nos encontrábamos viviéndolas en tiempo real”. Este giro trágico convierte Grief is a Garden en un testimonio aún más poderoso de cómo el arte puede surgir de las experiencias más dolorosas. Fotoform, cuyo nombre rinde homenaje a un movimiento fotográfico expresionista, ha consolidado un sonido que fusiona el dream pop etéreo con la energía del post-punk. Su álbum debut (2017) fue aclamado por la crítica y apareció en listas como las de The Big Takeover y KEXP. Con este nuevo trabajo, la banda no solo reafirma su evolución, sino que ofrece una catarsis musical que resonará en quienes han enfrentado la pérdida.

Fotoform transforma el duelo en arte con Grief is a Garden Leer más »

Dari Alecio y la rabia como motor de cambio

En un mundo donde la música parece haberse convertido en un producto más del mercado, artistas como Dari Alecio nos recuerdan que el arte puede ser un vehículo para la reflexión y la transformación. Su más reciente álbum, JESÚS ARIÁN, no es solo un disco; es un manifiesto generacional, un grito desesperado de una juventud que crece en un país marcado por la desigualdad y la incertidumbre. Dari Alecio, el joven moreliano de 21 años, ha construido una carrera basada en la experimentación y la honestidad. Con JESÚS ARIÁN, da un paso más allá, presentando un alter-ego que funciona como espejo de las contradicciones y frustraciones de su generación. JESÚS ARIÁN, el personaje que da nombre al álbum, es un mesías moderno que promete liberar a la humanidad a través de la rabia. En el interludio MISÁNTROPO, declara: “la rabia es el motor del cambio, la cura de la puta miseria”. Esta frase resuena con una generación que ha crecido en un México lleno de desafíos. La rabia, ese sentimiento que muchos intentan ocultar, es aquí reivindicada como una fuerza transformadora. Dari Alecio no solo habla de la rabia; la canaliza en su música, creando un sonido que es tan caótico como catártico. JESÚS ARIÁN es, en ese sentido, más que un álbum; es un espejo que refleja las contradicciones y los miedos de una generación. Dari Alecio no es solo un artista; es una voz necesaria en un mundo que parece haber olvidado el poder de la música como herramienta de cambio.

Dari Alecio y la rabia como motor de cambio Leer más »

La innovación sonora de Onda Tropical: un análisis técnico de la obra de Rodrigo Martínez Torres

El concierto Onda Tropical, compuesto por Rodrigo Martínez Torres para acordeón diatónico y banda sinfónica, representa un punto de intersección entre la música tradicional latinoamericana y la composición contemporánea. Diseñado específicamente para la solista La Coreañera y el Ensamble de Dartmouth College bajo la dirección del Dr. Brian Messier, la pieza no solo desafía los límites del acordeón dentro del repertorio sinfónico, sino que también introduce un enfoque estructural innovador basado en patrones de onda. Desde una perspectiva técnica, la obra se compone de tres movimientos: Rebajado, Cristalino y Rayado, cada uno con características armónicas, rítmicas y texturales distintivas. En Rebajado, Martínez Torres utiliza armonías expansivas y tempi ralentizados que evocan la estética de la cumbia rebajada, un subgénero caracterizado por su cadencia pausada. Este movimiento hace uso extensivo de registros graves en la instrumentación de alientos, generando una sensación de profundidad y resonancia. El segundo movimiento, Cristalino, se distingue por su delicada textura sonora, con un uso prominente de polifonías y transiciones modales. La orquestación aquí se orienta hacia efectos de timbre y color, donde la combinación del acordeón diatónico con los vientos de madera y las cuerdas altas crea una sensación etérea, inspirada en la resolana del ocaso. Finalmente, Rayado representa el clímax rítmico del concierto. En este movimiento, Martínez Torres incorpora patrones sincopados y repeticiones inspiradas en la textura del vinilo desgastado. El uso de glissandi en la sección de alientos y la alternancia entre diferentes subdivisiones del pulso dotan a la pieza de un carácter enérgico y vertiginoso, evocando la esencia de la cumbia sonidera y sus transiciones estilísticas. A nivel técnico, Onda Tropical demuestra la capacidad del acordeón diatónico para integrarse en una estructura sinfónica sin perder su esencia popular. La interacción entre la solista y la orquesta está diseñada para destacar la riqueza del instrumento, mientras que la obra en su conjunto funciona como un puente entre la tradición sonidera y la música de concierto contemporánea. Con su reciente presentación en el Jordan Hall del Conservatorio de Nueva Inglaterra, Onda Tropical se consolida como una obra innovadora dentro del repertorio latinoamericano, con un tratamiento compositivo que desafía las convenciones tanto de la música sinfónica como de la cumbia tradicional.

La innovación sonora de Onda Tropical: un análisis técnico de la obra de Rodrigo Martínez Torres Leer más »

Scroll al inicio