Depósitio Sonoro

Oscar Adame

TrashCRIOLLO: La revolución sonora de La Guarida del Dragón

El álbum TrashCRIOLLO de La Guarida del Dragón, alias de Jaime Pareja, es una obra que rompe esquemas y redefine la identidad musical del Perú con una fusión audaz de géneros. Desde sus primeros compases, el disco se erige como una experiencia inmersiva que desafía cualquier intento de clasificación, tejiendo un puente entre la tradición y la modernidad, la herencia y la vanguardia. Jaime Pareja, con su maestría y visión artística, logra encapsular en este trabajo una exploración sonora tan radical como emocionante. Un viaje sin límites La riqueza de TrashCRIOLLO radica en su diversidad estilística. Es un álbum que no teme cruzar fronteras, tanto geográficas como musicales. La esencia afroperuana se mezcla con la crudeza del punk, los ritmos urbanos y la psicodelia, generando una amalgama de sonidos que reflejan el propio recorrido del artista. Nacido en la costa peruana y con un fuerte vínculo con la música criolla, Pareja ha sabido incorporar su bagaje personal en cada tema del disco. Los ecos de la cumbia psicodélica de los años 70 resuenan con una nueva energía, revitalizados por la producción moderna y los elementos electrónicos. La influencia del hip-hop en los beats, las guitarras criollas distorsionadas y la actitud rebelde del punk rock conviven en armonía, demostrando que las etiquetas musicales pueden ser borradas cuando la creatividad es el eje rector. En este sentido, TrashCRIOLLO no solo es un álbum, sino un manifiesto de identidad, una declaración de libertad artística y cultural. Emoción y vanguardia en cada canción Cada track de TrashCRIOLLO cuenta una historia, abordando temas que van desde la relación personal de Pareja con la música hasta su deseo de explorar lo desconocido. Se percibe una constante búsqueda de significado y de un espacio propio dentro del vasto universo sonoro latinoamericano. El álbum está lleno de contrastes: la nostalgia de la infancia se encuentra con la rebeldía del presente, la dulzura de las melodías criollas se enfrenta a la crudeza del punk, y la herencia musical se fusiona con una producción contemporánea de primer nivel. El sencillo “hambre.” ya ha captado la atención internacional y es una muestra perfecta del espíritu de TrashCRIOLLO: una pieza intensa, visceral y profundamente arraigada en la tradición peruana, pero con una mirada puesta en el futuro. La inclusión de La Guarida del Dragón en la lista de “Los 20 artistas y canciones que deberías conocer” de Rolling Stone no es casualidad; es una prueba de que su propuesta está resonando más allá de las fronteras del Perú, generando un impacto global. El renacimiento de una identidad musical Lo que Jaime Pareja ha conseguido con TrashCRIOLLO es mucho más que un álbum innovador. Ha creado un espacio donde las raíces y la experimentación pueden coexistir sin restricciones, donde la herencia cultural no es una barrera, sino una plataforma para la reinvención. Con este trabajo, La Guarida del Dragón no solo reafirma su talento y visión artística, sino que también abre un camino para futuras generaciones de músicos peruanos que buscan desafiar lo establecido y redefinir su identidad sonora. TrashCRIOLLO no es solo una colección de canciones; es una experiencia, un viaje de autodescubrimiento y una celebración de la riqueza musical de Latinoamérica. Sin duda, es un álbum que marcará un antes y un después en la escena alternativa y que merece ser escuchado con la mente y el corazón abiertos.

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Queen V y la rebelión de las REINONAS: Cuando la música se convierte en arma de transformación socia

Queen V, la cantante, productora y compositora que ha irrumpido en la escena musical como la voz disruptiva del pop alternativo, lanza su nuevo himno “Libre en el Club”, una explosiva declaración de autonomía y empoderamiento femenino que promete revolucionar no solo la pista de baile, sino también las estructuras sociales y musicales de la industria. Tras el éxito de su debut “Absurda Oferta”, lanzado el 28 de junio de 2024, Queen V consolida su lugar en el panorama musical con una propuesta audaz que fusiona melodías adictivas, texturas atmosféricas, ritmos envolventes y letras incendiarias. “Libre en el Club” no es solo una canción, es un movimiento: las REINONAS han llegado para tomar el control. Un himno que trasciende la música Con una mezcla vibrante de trap alternativo, beats contundentes y letras que desafían las normas, “Libre en el Club” se erige como el soundtrack de las mujeres que brillan sin miedo en la noche. Queen V no solo canta sobre resistencia y poder, lo encarna. Este tema es una advertencia clara: las mujeres no son objetos de deseo ni fantasías masculinas, son “furias envueltas en brillo”. Las REINONAS dominan la noche El movimiento REINONA ya está en marcha. Las primeras activaciones en Montañita y Olón han demostrado que esta no es solo una idea, sino una comunidad en expansión. Mujeres que buscan referentes auténticos y disruptivos han encontrado en Queen V un estandarte. REINONA es una mentalidad: no encajar, no cumplir expectativas ajenas, imponer tendencias en lugar de seguirlas. Es la fusión de lo femenino con lo feroz, de la elegancia con la disrupción. Una experiencia multisensorial “Libre en el Club” no llega sola. Acompañada de una campaña de activación que trasciende las plataformas digitales, la canción se convierte en una experiencia viva. Bailarinas, creadoras de contenido y mujeres que representan esta energía han sumado su voz y su cuerpo a este himno de liberación. Queen V no solo habla de empoderamiento, lo hace tangible. Es tiempo de bailar en libertad Las REINONAS no piden permiso.Las REINONAS queman lo que las oprime.Las REINONAS dominan el club. “Libre en el Club” ya está disponible en todas las plataformas digitales. Únete al movimiento y descubre por qué Queen V es la voz que está redefiniendo el pop alternativo.

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Fotoform transforma el duelo en arte con Grief is a Garden

Fotoform, el proyecto musical liderado por Kim House y Geoff Cox, ha dado a conocer Grief is a Garden, un adelanto de su próximo álbum que encapsula la esencia del duelo a través de una composición lírica y sonora profundamente conmovedora. La canción, una suite de casi cinco minutos, combina guitarras cristalinas y sintetizadores atmosféricos, creando un paisaje sonoro que oscila entre lo íntimo y lo expansivo. La voz serena de House flota sobre este tejido instrumental, invitando al oyente a una reflexión meditativa sobre la pérdida. La ironía del destino quiso que, durante la promoción del álbum, Jeff, hermano de Kim, falleciera, añadiendo una capa de autenticidad inesperada al proyecto. “Fue como si la vida nos pusiera a prueba”, confiesa Cox. “Habíamos creado estas canciones sobre el duelo y de pronto nos encontrábamos viviéndolas en tiempo real”. Este giro trágico convierte Grief is a Garden en un testimonio aún más poderoso de cómo el arte puede surgir de las experiencias más dolorosas. Fotoform, cuyo nombre rinde homenaje a un movimiento fotográfico expresionista, ha consolidado un sonido que fusiona el dream pop etéreo con la energía del post-punk. Su álbum debut (2017) fue aclamado por la crítica y apareció en listas como las de The Big Takeover y KEXP. Con este nuevo trabajo, la banda no solo reafirma su evolución, sino que ofrece una catarsis musical que resonará en quienes han enfrentado la pérdida.

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Dari Alecio y la rabia como motor de cambio

En un mundo donde la música parece haberse convertido en un producto más del mercado, artistas como Dari Alecio nos recuerdan que el arte puede ser un vehículo para la reflexión y la transformación. Su más reciente álbum, JESÚS ARIÁN, no es solo un disco; es un manifiesto generacional, un grito desesperado de una juventud que crece en un país marcado por la desigualdad y la incertidumbre. Dari Alecio, el joven moreliano de 21 años, ha construido una carrera basada en la experimentación y la honestidad. Con JESÚS ARIÁN, da un paso más allá, presentando un alter-ego que funciona como espejo de las contradicciones y frustraciones de su generación. JESÚS ARIÁN, el personaje que da nombre al álbum, es un mesías moderno que promete liberar a la humanidad a través de la rabia. En el interludio MISÁNTROPO, declara: “la rabia es el motor del cambio, la cura de la puta miseria”. Esta frase resuena con una generación que ha crecido en un México lleno de desafíos. La rabia, ese sentimiento que muchos intentan ocultar, es aquí reivindicada como una fuerza transformadora. Dari Alecio no solo habla de la rabia; la canaliza en su música, creando un sonido que es tan caótico como catártico. JESÚS ARIÁN es, en ese sentido, más que un álbum; es un espejo que refleja las contradicciones y los miedos de una generación. Dari Alecio no es solo un artista; es una voz necesaria en un mundo que parece haber olvidado el poder de la música como herramienta de cambio.

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La innovación sonora de Onda Tropical: un análisis técnico de la obra de Rodrigo Martínez Torres

El concierto Onda Tropical, compuesto por Rodrigo Martínez Torres para acordeón diatónico y banda sinfónica, representa un punto de intersección entre la música tradicional latinoamericana y la composición contemporánea. Diseñado específicamente para la solista La Coreañera y el Ensamble de Dartmouth College bajo la dirección del Dr. Brian Messier, la pieza no solo desafía los límites del acordeón dentro del repertorio sinfónico, sino que también introduce un enfoque estructural innovador basado en patrones de onda. Desde una perspectiva técnica, la obra se compone de tres movimientos: Rebajado, Cristalino y Rayado, cada uno con características armónicas, rítmicas y texturales distintivas. En Rebajado, Martínez Torres utiliza armonías expansivas y tempi ralentizados que evocan la estética de la cumbia rebajada, un subgénero caracterizado por su cadencia pausada. Este movimiento hace uso extensivo de registros graves en la instrumentación de alientos, generando una sensación de profundidad y resonancia. El segundo movimiento, Cristalino, se distingue por su delicada textura sonora, con un uso prominente de polifonías y transiciones modales. La orquestación aquí se orienta hacia efectos de timbre y color, donde la combinación del acordeón diatónico con los vientos de madera y las cuerdas altas crea una sensación etérea, inspirada en la resolana del ocaso. Finalmente, Rayado representa el clímax rítmico del concierto. En este movimiento, Martínez Torres incorpora patrones sincopados y repeticiones inspiradas en la textura del vinilo desgastado. El uso de glissandi en la sección de alientos y la alternancia entre diferentes subdivisiones del pulso dotan a la pieza de un carácter enérgico y vertiginoso, evocando la esencia de la cumbia sonidera y sus transiciones estilísticas. A nivel técnico, Onda Tropical demuestra la capacidad del acordeón diatónico para integrarse en una estructura sinfónica sin perder su esencia popular. La interacción entre la solista y la orquesta está diseñada para destacar la riqueza del instrumento, mientras que la obra en su conjunto funciona como un puente entre la tradición sonidera y la música de concierto contemporánea. Con su reciente presentación en el Jordan Hall del Conservatorio de Nueva Inglaterra, Onda Tropical se consolida como una obra innovadora dentro del repertorio latinoamericano, con un tratamiento compositivo que desafía las convenciones tanto de la música sinfónica como de la cumbia tradicional.

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Blaiz Fayah lleva el shatta al siguiente nivel con Shatta Ting

El dancehall sigue evolucionando, y Blaiz Fayah es uno de los artistas que está marcando la pauta. Con el lanzamiento de Shatta Ting, el francés vuelve a demostrar que no tiene competencia cuando se trata de hacer vibrar a la gente. Su estilo inconfundible y su capacidad para fusionar géneros lo han convertido en una figura clave dentro de la escena urbana global, y este nuevo álbum es una prueba más de su dominio absoluto. Shatta Ting está cargado de ritmos contundentes y colaboraciones explosivas, como “Money Pull Up” junto a Maureen y “Whole A Dem” con Le Jèm’ss. Pero lo que realmente hace especial a este proyecto es su enfoque en el shatta, un sonido caribeño que ha ido ganando cada vez más terreno en la música urbana y que Blaiz Fayah ha sabido llevar a una audiencia global. La energía del álbum es pura adrenalina, con beats que invitan a moverse desde el primer segundo y letras que encapsulan la esencia festiva y rebelde del género. Las cifras de Blaiz Fayah hablan por sí solas: más de 3,6 millones de oyentes en Spotify, 275 millones de reproducciones en la plataforma y un impacto masivo en TikTok. Cada lanzamiento suyo se convierte en tendencia, y Shatta Ting no será la excepción. “Money Pull Up” ya ha generado un nuevo challenge en redes sociales, con miles de usuarios replicando los pasos de baile que acompañan la canción. Además, su tema “Bad” sigue sumando reproducciones y consolidándose como un himno de las fiestas alrededor del mundo. El tour de presentación del álbum recorrerá varias regiones del mundo, incluyendo Europa, Canadá, África y Latinoamérica. Para los fans del dancehall, esta es una oportunidad imperdible para ver en vivo a uno de los artistas más importantes del momento. Sus shows son una combinación explosiva de energía, luces y baile, llevando la experiencia del shatta a su máxima expresión. El punto culminante de la gira será un concierto épico en el Olympia Hall de París el 31 de enero de 2026. Este evento no solo marcará un momento clave en la carrera de Blaiz Fayah, sino que también reafirmará su posición como un líder indiscutible en la escena dancehall global. Si Shatta Ting ha logrado consolidar su sonido en el estudio, en el escenario promete ser una experiencia inolvidable. Con este álbum, Blaiz Fayah no solo mantiene su reinado en el dancehall, sino que eleva el shatta a nuevas alturas, asegurando que el género siga creciendo y conquistando nuevas audiencias en todo el mundo.

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El dilema del fin de quincena: cómo comprar con Rappicard en Walmart

A todos nos ha pasado: abres la app del banco y la realidad golpea fuerte. Justo cuando necesitas hacer el súper, renovar algo en casa o caer en la tentación de un gadget, tu presupuesto parece decirte que no es el momento. Pero, ¿y si pudieras darte ese gusto sin sentir el golpe inmediato en tu cartera? Ahí es donde entra RappiCard, que ahora te deja pagar en Walmart a meses sin intereses (MSI). Sí, sin dramas financieros. Más libertad para comprar sin remordimientos Ya sea que necesites llenar el refri, cambiar ese electrodoméstico que ya pide descanso o simplemente darte un respiro con algo nuevo, ahora puedes diferir tus compras en Walmart con RappiCard. Sin anualidad, sin comisiones sorpresa, solo flexibilidad total. ¿Cómo funciona? Así de sencillo: Más razones para usar RappiCard Además de hacerte la vida más fácil en Walmart, RappiCard también te da: “Nuestro objetivo es que nuestros usuarios tengan más opciones para administrar su dinero de manera inteligente, sin dejar de lado sus necesidades y deseos. La alianza con Walmart refuerza nuestro compromiso de hacer las compras más accesibles y flexibles”, comentó RappiCard. Compra sin miedo al fin de mes Si ya tienes RappiCard, solo aprovéchala. Si aún no la tienes, quizá es momento de considerar una forma más inteligente de comprar. Walmart y RappiCard ahora te dan más opciones para administrar tu dinero sin que el fin de quincena te tome por sorpresa. Acerca de RappiCard Lanzada en 2021, RappiCard nació de la alianza entre Rappi y Grupo Financiero Banorte. Es una tarjeta de crédito Visa sin anualidad ni comisiones, aceptada en miles de comercios en México y el extranjero. Con beneficios como cashback en cada compra y la posibilidad de diferir pagos sin intereses, se ha convertido en una opción ideal para quienes buscan flexibilidad y control financiero. Conoce más en rappicard.mx.

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Nex explora el amor y la obsesión en su nuevo single: una historia de fantasía y realidad

Nex, uno de los nombres más respetados en la escena hip hop de México, acaba de lanzar un nuevo single que promete sacudir la escena musical. Con una carrera forjada en las calles de Nezahualcóyotl, el rapero y productor sigue demostrando por qué es uno de los artistas más auténticos y respetados del género. El nuevo tema, producido por Dabeat on the beat, fusiona el hip hop con un toque de reggaetón romántico, creando una atmósfera sonora que atrapa al oyente desde el primer compás. La canción narra una historia de amor y fantasía, explorando cómo el enamoramiento puede convertirse en obsesión. El videoclip, por su parte, profundiza en esta idea, mostrando al protagonista persiguiendo a una mujer que, poco a poco, se revela como una ilusión. Este lanzamiento no solo refuerza el lugar de Nex en la escena musical, sino que también abre una nueva etapa en su carrera, marcada por una madurez artística y una capacidad narrativa que pocos pueden igualar.

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