Depósitio Sonoro

Oscar Adame

Marco Benevento estrena “Frizzante” y se incorpora al prestigioso sello Big Crown Records

El multiinstrumentista y productor Marco Benevento anuncia su llegada al aclamado sello Big Crown Records con el lanzamiento de su vibrante nuevo sencillo, “Frizzante”. Este movimiento marca un nuevo y emocionante capítulo para un artista cuya carrera se ha definido por una curiosidad sin límites y una maestría en el estudio que lo ha convertido en un colaborador codiciado. Benevento, un nombre respetado tanto en circuitos de jazz como de indie, ha forjado su reputación siendo un “alquimista de géneros”. Desde los escenarios de Coachella y el Newport Jazz Festival hasta las credenciales de producción para artistas como Clairo y Leon Bridges, su enfoque siempre ha priorizado la textura, la atmósfera y la colisión fértil entre el groove y la experimentación. Como señaló NPR, su música equilibra “el empuje del rock, la exploración del jazz y el éxtasis experimental del jam”. “Frizzante”, su debut en el catálogo de Big Crown, es una declaración de principios sonora. La pista es un banger soul-jazz efervescente, diseñado para la pista de baile. Desde un riff de piano contagioso e inmediato, la canción construye un edificio sonoro en ascenso constante, con capas de metales exuberantes, piano eléctrico y sintetizadores que orbitan alrededor de un groove implacable. Es una celebración pura, sin respiros, que encapsula el espíritu lúdico y la energía palpable que caracterizan su sonido. El lanzamiento se complementa con el lado B “Turandot”, una colaboración con la vocalista italiana Marianne Mirage. Esta pieza ofrece un contraste atmosférico y onírico, evocando un cruce entre Stereolab y Portishead, y demuestra la versatilidad y profundidad del proyecto de Benevento. Con este nuevo hogar en Big Crown, conocido por su cuidado catálogo de soul y funk contemporáneo de alta calidad, Marco Benevento se prepara para llevar su singular visión musical a un público aún más amplio.

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El enigma sonoro de ‘L’Ange Exterminateur’: el álbum fantasma que emitió una radio en Lituania

Una misteriosa transmisión de radio en Lituania ha puesto en circulación el rumor de un álbum escurridizo titulado “Paradiso – L’Ange Exterminateur“. El disco, descrito como “el Evangelio según Paradiso” por un locutor anónimo, se emitió durante un programa sobre interferencias de onda corta en una madrugada de abril, sin que se conozcan ni su origen exacto ni la fecha de su grabación. Desde entonces, circulan múltiples relatos contradictorios sobre su creación. Las historias sobre la producción del álbum son numerosas y fantásticas. Una versión sostiene que fue grabado con equipo analógico dañado durante un eclipse parcial en lugares que “ya no existen”, como una embajada soviética abandonada en Ciudad de México o una iglesia en ruinas en Galicia. Otra teoría sugiere que el disco, en realidad, no existe como una pieza unificada, sino que es una colección de fragmentos soñados y grabados por más de 30 músicos repartidos en tres continentes. Incluso se menciona el uso de una calculadora Casio modificada por un brujo zapoteco como instrumento clave. Musicalmente, se dice que el trabajo es un collage translingüístico y “multipalindrómico”. Los testimonios indican que contiene mensajes en hasta 15 lenguas, incluyendo idiomas muertos, esperanto quebrado y mezclas de portugués con alemán suabo. Su estructura permitiría escucharlo de principio a fin o en orden inverso, revelando cada vez una historia distinta pero complementaria, similar a “evangelios gnósticos perdidos”. Un tema mezclaría *samples* con percusión africana y voz en náhuatl con autotune. El grupo detrás del proyecto, Paradiso, se describe como “una banda europea con alma mexicana”, comandada por un enigmático vocalista mexicano. Se rumorea que está compuesto por mujeres europeas que nunca han tocado en vivo pero “lo saben todo”. Con su leyenda creciendo en la oscuridad de las ondas de radio y los relatos orales, L’Ange Exterminateur se consolida menos como un disco y más como un mito moderno, un presagio sonoro cuyo mensaje final sigue siendo un misterio guiado, según dicen, por un ángel exterminador desde las sombras.

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Cluster Trees presenta “Y tal vez”, un nuevo sencillo que abraza la incertidumbre

El proyecto musical Cluster Trees ha lanzado su nuevo sencillo titulado “Y tal vez”, una canción que explora con sutileza el terreno emocional de las dudas, la esperanza y las posibilidades no dichas. La pieza, disponible ya en todas las plataformas digitales, construye una atmósfera íntima donde la vulnerabilidad y la expectativa se entrelazan. Con una narrativa sugerente, “Y tal vez” se sumerge en el vaivén interno de preguntarse “qué pasaría si…”, sin ofrecer respuestas definitivas. La composición apuesta por la contención: cada elemento musical está diseñado para acompañar la tensión de la espera y la posibilidad, creando un espacio sonoro que crece de forma pausada y permanece resonando después de la escucha. Con este lanzamiento, Cluster Trees reafirma su sello característico: la capacidad de contar historias emocionales complejas desde la introspección lírica y los paisajes sonoros cuidadosamente construidos. El proyecto, conocido por privilegiar la honestidad y una conexión directa con la audiencia, no busca resolver la incertidumbre en esta canción, sino abrazarla y convertirla en el motor creativo que sirve de punto de encuentro con el público.

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RappiCard Despliega su “Operación C.A.R.D.”: La Misión Navideña para Regalar con Inteligencia Financiera

Con la llegada de diciembre y la cuenta regresiva para las fiestas, la presión por encontrar el regalo perfecto sin descuidar la salud financiera se intensifica. Consciente de este desafío anual, RappiCard lanza su nueva campaña navideña: “Operación C.A.R.D. / Cada Año Regalos Diferentes”. Esta iniciativa ingeniosa busca transformar el estrés de las compras navideñas en una misión estratégica, combinando la emoción de una película de aventuras con los beneficios tangibles de una herramienta financiera inteligente. La campaña se presenta como un “plan secreto” que se activa cada diciembre, posicionando a la RappiCard no como un simple medio de pago, sino como el aliado clave que hace posible la magia y la alegría de la temporada. La narrativa se inspira en films de misión imposible, donde el objetivo es claro: regalar más, gastar menos y aprovechar al máximo las ventajas exclusivas que ofrece la tarjeta. Para llevar a cabo esta operación, RappiCard introduce al “Escuadrón de Duendes Especiales”, un equipo de personajes diseñados para personificar sus principales beneficios y guiar a los usuarios: Más allá de la creatividad y el componente lúdico, “Operación C.A.R.D.” refuerza el compromiso de RappiCard con una experiencia financiera simple, accesible y, sobre todo, inteligente. La campaña subraya que en un contexto económico donde cada peso cuenta, regalar bien no significa gastar más, sino gastar mejor, aprovechando cada herramienta a disposición. RappiCard no solo está vendiendo los beneficios de su tarjeta de crédito Visa (fruto de su alianza con Grupo Financiero Banorte); está ofreciendo un mindset, una forma más astuta y despreocupada de afrontar la temporada. Con esta misión, la marca reitera que su propuesta de valor va más allá de las transacciones, aspirando a ser un compañero estratégico que empodera a sus usuarios para que disfruten de la Navidad, sin que la cuesta de enero sea una misión imposible.

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Un Método Brillante: Por Qué ‘Et al.’ Es El Proyecto Mejor Logrado de Jiony

El décimo álbum de Jiony, ‘Et al.’, trasciende la etiqueta de simple disco colaborativo para consolidarse como un logro fundamental en su carrera, gracias a un método de producción claro y un resultado sorprendentemente cohesivo. El planteamiento era arriesgado: partir de catorce ideas inacabadas de corte trip-hop y entregarlas a una amplia gama de artistas, desde la poderosa Eva de Marcehasta el proyecto paralelo del propio Jiony, Karen y Los Remedios. Sin embargo, lejos de convertirse en una colección de piezas dispares, el álbum suena como un todo orgánico y deliberado. El éxito radica en la visión de Jiony como productor y arquitecto sonoro. En lugar de actuar como un simple ensamblador, estableció una paleta de sonido consistente, bajos profundos y texturados, ritmos orgánicos con swing, un ambiente general de calidez lo-fi, que sirve de columna vertebral y espacio común para todas las colaboraciones. Esto último permite que la poesía spoken-word de Ashlee Haze en “Elegy For The Girl I Used To Be” o el soul francés de Audae en “Déracinée” no suenen a elementos prestados, sino a partes naturales de un mismo ecosistema. La mezcla, impecable, integra cada voz e instrumento (como los notables aportes de Freddy Thompson) dentro de una atmósfera envolvente y de gran detalle, donde cada elemento tiene su espacio sin opacar a los demás. ‘Et al.’ es sin duda una lección de oficio y una demostración de que la creación colectiva, cuando está guiada por una dirección artística sólida y un conocimiento técnico profundo, puede producir obras de una unidad y una riqueza superiores. No es solo uno de los discos más interesantes del año en la escena electrónica independiente, sino la confirmación de Jiony como un productor con la madurez y la visión para orquestar la diversidad hacia un fin musical convincente y plenamente realizado.

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El ruso presenta “FU7URE”: un viaje íntimo sobre el tiempo y la identidad en su debut discográfico

En un panorama musical donde la autenticidad brilla como un faro escaso, irrumpe con fuerza el ruso, seudónimo de Andrey Alfonso Álvarez Krutitskaya, para marcar un antes y un después en su carrera con el lanzamiento de su EP debut, “FU7URE”. Este no es simplemente un conjunto de siete tracks; es una bitácora íntima, un mapa emocional construido a partir de seis canciones y un interludio que, en conjunto, funcionan como un profundo y sincero diálogo introspectivo. El corazón del proyecto late al ritmo de una preocupación universal y a la vez profundamente personal: la inquietante y fascinante incertidumbre del mañana. ¿Qué nos depara el futuro? ¿Cómo navegamos el fluir imparable del tiempo? Estas preguntas son el combustible que enciende la creatividad del artista. Para traducir esta compleja introspección en sonido, el ruso se niega a encasillarse. “FU7URE”es un viaje auditivo que se desplaza con agilidad y propósito entre géneros. La fusión no es un mero ejercicio de estilo, sino una necesidad narrativa. El desgarro emocional encuentra su cauce en el trap, la nostalgia y la introspección se abrigan en momentos acústicos, la energía y la frustración estallan en bases de drum and bass, y la actitud confrontativa se viste de reggaetón. A través de este mosaico sonoro versátil y contemporáneo, el artista teje sus historias, narrando con crudeza y poesía sus experiencias en el amor, sus éxtasis y sus despedidas, la lealtad y la complicidad de la amistad, los lazos y las tensiones familiares, y, sobre todo, la búsqueda constante y a veces angustiante de un lugar propio en un mundo cada vez más polarizado y fragmentado. Sin embargo, la ambición de “FU7URE” trasciende lo puramente auditivo. El ruso concibe este proyecto como una manifestación artística integral, donde cada sentido debe ser interpelado. Es por ello que el EP se acompaña de una trilogía visual poderosa y simbólica, donde el sonido se materializa en imagen. Para este crucial cometido, el artista no recurrió a un equipo anónimo, sino que convocó a un círculo de amigos y colaboradores cuyo talento y visión compartida enriquecen la narrativa. Dirigidas por la mirada artística de Lucia Laborde Masera y Corina Vázquez Sánchez, y con la participación simbólica de su amiga de la infancia Sofía Campuzano, que encarna la pureza y el mito del “cisne blanco”, estas piezas visuales sumergen al espectador en el universo emocional del disco. La colaboración se extiende a la animación digital del destacado Mauyoneso y a la captura de momentos íntimos por la camarógrafa Gabriela Yarasseth. Este esfuerzo colectivo y multidisciplinario no es casual; subraya la filosofía central del artista: el arte verdadero no debe ser cómodo, sino un territorio desafiante que impulse el desarrollo constante. Para el ruso, estudioso de la Historia del Arte en la ENES Morelia de la UNAM y miembro del colectivo de diseño bioma 22, la creación es un organismo vivo que conecta música, imagen, espacio y emoción.

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Pacifica Desata su Verdad Más Potente con “In Your Face”

Tras los ecos de su explosivo debut, el dúo argentino Pacifica regresa para reafirmar su lugar en la escena con “In Your Face”, un segundo álbum que es pura declaración de principios. Formado por Inés Adam y Martina Nintzel, el proyecto consolida su sonido distintivo en trece tracks de rock vibrante, fresco y descaradamente honesto, demostrando que la promesa de su primer trabajo era solo el preludio de una fuerza creativa en plena evolución. “In Your Face” se presenta como un viaje sonoro introspectivo y enérgico. Con letras que navegan sin concesiones por el desamor, la traición, el deseo y el arrepentimiento, el dúo logra un equilibrio magistral entre la rebeldía juvenil y una vulnerabilidad conmovedora. Temas como “Indie Boyz” (que ya cuenta con video oficial) o el contundente cierre “Soltame!” encapsulan esta esencia: una mezcla de crudeza emocional y riff potentes, salpicada con un toque de humor y ligereza que hace la experiencia tan catártica como adictiva. Este lanzamiento no llega de la nada. Pacifica, nacida en 2021 de una amistad virtual forjada por la admiración a The Strokes, ha recorrido un camino meteórico. De covers en YouTube a firmar con TAG Music y girar por tres continentes, han refinado una fórmula que bebe del garage rock, el post-punk y el alt rock de los 90, pero suena decididamente propia y contemporánea. Su álbum debut “Freak Scene” (2023) y su reinterpretación acústica “NAK Sessions” sentaron las bases de un sonido que ahora, en “In Your Face”, alcanza una nueva madurez. Con este disco, Pacifica transita con audacia la delgada línea entre la fragilidad y la potencia, reafirmando que, en un mundo fragmentado, la autenticidad y la química entre dos amigas con guitarras pueden crear algo tan poderoso como inolvidable. “In Your Face” no es solo un título; es una actitud que posiciona a este dúo como una de las propuestas más emocionantes y genuinas del rock actual.

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El Chamán del Sonido: Una Inmersión en el Universo de Sturle Dagsland

Sturle Dagsland habita una dimensión liminal, un espacio que para muchos es incomprensible, para otros invisible, pero que para los iniciados se erige como un portal hacia lo primitivo, un recordatorio de raíces enterradas en lo místico y lo mágico. Su música no se escucha; se experimenta. Es un viaje a un lugar anterior al lenguaje, donde las palabras son meras consecuencias de un sonido visceral que nace de las entrañas de la tierra y del alma. En una conversación íntima, el artista noruego nos sumerge en el ecosistema de su creación. Para él, su voz no es un instrumento, sino un bioma completo. Cada grito, cada soplo, cada eco no existe de forma aislada; todos cohabitan en una relación simbiótica. “No hay un personaje principal”, aclara, “todo se trata de ondas”. Su proceso es una danza constante entre lo intuitivo, lo analítico y lo subconsciente. No busca un equilibrio, sino “la cantidad precisa que me permita regresar vivo después de haber nadado en el mar”. Es un nadador en aguas psíquicas, y su voz es a la vez el oleaje y la embarcación. Quienes asisten a sus conciertos suelen describir la experiencia como un ritual ancestral, y es inevitable preguntarle si él se siente un simple canal de fuerzas mayores. Sturle responde con gratitud, consciente del poder sanador que su música puede tener para algunos. Pero va más allá: en el escenario, describe una simbiosis vampírica con el público. “Ambos extraemos y entregamos a través de la música. Somos como vampiros que nos alimentamos los unos de los otros, nos nutrimos de la música, y la música se alimenta de nosotros”. Esta energía ritualística no es una metáfora. Cobra vida tangible en el origen de su canción “The Ritual”, inspirada en una ceremonia real que realizó para un amigo en un momento crucial. “Fue una ceremonia musical a la medianoche”, relata, sumergiéndonos en esa noche imborrable. “Que involucró sangre, fuego, huesos, plumas, lágrimas de amigos cercanos y cenizas. Entierros, nado, cánticos, sueños, cuernos de cabra y luna llena”. No fue una composición, sino un acto de alquimia emocional destinado a sanar y marcar el inicio de un nuevo capítulo, una energía que luego intentaron capturar en el estudio. En su música, lo físico y lo espiritual vibran en la misma frecuencia. ¿Cómo se equilibra el instinto animal con la técnica cerebral? Sturle revela que incluso lo técnico puede ser un viaje al subconsciente, un éxtasis creativo donde se pierde la noción del tiempo. Aquí entra en escena su hermano Sjur, un inventor de sonidos que de niño construía robots con basura y que ahora transforma botes de desecho en instrumentos sagrados. “A veces lo más importante es enfocarte en el grito sin filtro que vive dentro de ti”, confiesa. “Otras, la tecnología puede desbloquear un lenguaje del alma que antes no sabías cómo hablar”. El poder del sonido como forma de magia es un principio que Sturle lleva en la sangre. Su madre le contaba que nació “la noche en que aullaron los gatos”, una historia que grabó en su subconsciente la potencia primordial de la voz. De niño, en los bosques de Noruega, su primera escuela fue la naturaleza. Allí, vocalizaba no para cantar canciones, sino para imitar pájaros, zorros y capturar la esencia del viento. Era una forma de “encarnar el paisaje”, de sentirse parte del entorno. Esa práctica se convirtió en el hilo conductor que unía el mundo exterior con su intensa vida onírica, un puente entre dos realidades que resonaban con igual fuerza. Su último trabajo, Dreams & Conjurations, se siente como un sueño colectivo, una memoria compartida entre lo humano y lo animal. Para Sturle, la comunicación con lo que está más allá de lo humano es inherente a su método. Sus canciones suelen nacer como una respuesta al lugar: exploran la resonancia de tanques de agua viejos, la acústica de un lago montañoso o la textura de un sintetizado procesado a través de circuitos modificados. Las “palabras que no son palabras” y el acto de “gritar con todo el cuerpo” son la base. Así, la música existe en su máxima expresión: no como una composición, sino como una conjura, un hechizo que desbloquea algo que antes no estaba ahí, invitándonos a recordar el eco ancestral que todos llevamos dentro.

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