Depósitio Sonoro

Toro Degollado

La oscuridad sonora de Soft Kill y Ritaul Howls

Soft Kill y Ritaul Howls son uno de los mejores exponentes del Post Punk y Darkwave que exploran experiencias realmente emocionales, donde se puede sentir el dolor y cierta melancolía con encanto pop.   Just A Body EP by Soft Kill Into The Water by Ritual Howls     Son dos bandas que sus pesadillas pueden sonar románticas al igual que el ruido industrial puede parecer ¡inexplicablemente atractivo! Es una meditación sobre la muerte y el dolor de la vida cotidiana. Hoy comienza su gira por el país gracias a Fuerza Booking (que es importante echarle un ojo) en Tijuana para finalizar en CDMX un gran preámbulo para una de las fiestas mas esperadas de género “Cloak & Dagger” simplemente Imperdible.

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Estreno. Mono – “Nowhere now here”, la evolución del sonido

 La banda instrumental japonesa Mono, que por más de 2 décadas, ha evolucionado su sonido a través de 9 álbumes de estudio, cumple totalmente su objetivo “hacer sentir al oyente”, mucha música tiene ese fin común, pero con Mono se escribe en GRANDE. Están celebrando sus 20 años de trayectoria con su décimo álbum de larga duración, editado por la disquera alemana Pelagic Records ¡el día de hoy! Sorprende con un cambio de alineación, un nuevo baterista en reemplazo de Yasunuri Takada. Este álbum encierra 2 décadas de exploración con una contemplación reflexiva, la obra abre a niveles similares, una receta típica de la banda, parece querer refinar su sonido muy establecido, After You Comes The Flood emula un intro fantástico y emocional, cumple su compromiso con el género. Comienza con una explosión auditiva donde convergen todos los instrumentos, una fusión de oscuridad y de luz que se mueven transitoriamente hacia la iluminación, en Breathe el cambio es radical, un corte melancólico que incorpora electrónica y por primera vez en la historia de la banda canta Tamaki Kunishi y no decepciona. Una canción hermosa. En Nowhere Now Here sigue en la misma línea y forma de álbumes pasados, que les funciona tan bien: un intro melódico pasando por un crescendo progresivo y guitarras relucientes; Far and Further es una canción ambiental con un loop electrónico que evoca una sensación de posmodernidad; en el bello corte Sorrow mantiene un ‘going’ edificante que transcurre suavemente a una cima celestial. Parting conmueve con un sonido clásico, lleno de cuerdas y que termina con un movimiento preciso. Meet Us Where The Night Ends muestra su magnífica paleta instrumental que cada vez es más amplia. Es increíble cómo evoluciona con capas de guitarras y baterías y la eficacia con que la banda te lleva a un estado predesible, ¡lleno de grandes gestos melódicos y corrientes ascendentes de distorsión eufórica! Funeral Song funge como una alfombra roja para recibir el corte final Vanishing, Vanishing Maybe donde hay un encanto distintivo en la compleja simplicidad, con un toque shoegazing que fluye a un clímax de rasgueo frenético. Foto por: Chigi Kanbe Hacer música instrumental ‘fuerte’ es un logro en sí mismo. Se siente una madurez en su sonido que ha mejorado con la edad, los 2 álbumes pasados se sintieron con falta de ideas, un poco atascados y sin conexión. Éste regreso es revitalizante, no habían creado un disco tan bien logrado desde For My Parents misma fórmula antigua, pero al escucharlo la fórmula desaparece y todo lo que queda son las imágenes y emociones conmovedoras. monoofjapan.com FB @monoofjapan Twitter : monoofjapan IG: monoofjapan Youtube: Mono (Japan)  

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10 impresionantes discos lanzados en octubre de 2018

Estamos casi en la recta final del 2018 y hemos seleccionado los discos más atractivos e interesantes de octubre 2018. Fue un mes muy interesante entre Jazz, Thrash, Stoner, Dream Pop, Punk, mucha experimentación, etc. Si no lo has escuchado, dales una oportunidad. Aquí va.   1. Makaya McCraven – Universal Beings Sello: International Anthem Recordings Makaya McCraven es un científico del beat así como un reconocido productor en la escena de Chicago. Universal Beigns es una base sólida de jazz contemporáneo. Son sesiones grabadas en vivo que suelen tener una alta sensibilidad al hip hop, lo cual hace que los tracks sean muy digeribles y agradables. Un trabajo bastante coherente, ecléctico, audaz, inventivo y magistralmente concebido.  Universal Beings by Makaya McCraven   2. Uncle Acid And The Deadbeats – Wasteland Sello: Rise Above Records ¡Uno de los más esperados regresos de este año! La banda se ha superado una vez más, con una producción análoga en su totalidad suena fuerte y simple, su creatividad y musicalidad son evidentes en cada track. Riffs con un buen gusto y oscuridad desbordante.      3. Fucked Up – Dose Your Dreams Sello: Merge Records  Esta banda canadiense se la acaban de volar con este nuevo disco. Contiene una extraordinaria paleta de sonidos que van desde el Noise Rock, Psych, Kraut y el Hardcore. Las 18 pistas eclécticas se unen debido a una alegre alegría de vivir y son las mejores canciones de la carrera de la banda.  4. High On Fire – Electric Messiah Sello: eOne Records La banda originaria de Oakland CA que ha subsistido por más de 20 años ha entregado un extraordinario álbum. Con su sonido Sludge / Thrash Metal han homenajeado magníficamente a Lemmy Kilmister de Motörhead. Regresaron renovados con una producción impecable en manos de Kurt Ballou. Es quizás su disco más maduro que muestra sus monstruosas vibraciones de fatalidad con unos riffs claros que dejan una impresión para siempre.   5. Daughters – You Won´t Get What You Want Sello: Ipecac Records Daughters se habían separado a finales de los años 2000, en la década pasada, justo antes de editar su álbum homónimo, pero 8 años más tarde los tenemos sumamente renovados con un giro total y un sonido más noise y death rock atmosférico. Es un disco de vanguardia y asombroso, emocionante e irritable. Esperanzador como esperanzado, un álbum para disfrutarse de principio a fin.      6. Belzebong – Light In Darkness Estos maestros del Doom polacos más pachecos crean un ambiente de riffs lentos salpicados de Wah y Overdrive que fluye perfectamente en notas cósmicas. Su sonido es enorme y balanceado. Stoner instrumental duro para fumadores en potencia.       7. Julia Holter – Aviary Domino Recording La diversidad que contiene este material acentúa el crecimiento lúdico por parte de Holter. Aquí hay un sin fin de elementos, Art-Pop, Drones espeluznantes, Post-Punk, Dream Pop. Es un álbum de 90 minutos que se inspira en la poesía libanesa, música medieval y Blade Runner. Es caótico y ruidoso sin dejar de lado lo experimental.   Aviary by Julia Holter   8. Cloud Nothings – Last Building Burning Label: Carpark Records Un Álbum de 8 canciones con gran fuerza e impulso. Es un Indie Rock-Punk sencillo con una lírica increíble y que nunca se vuelven lentos y mantienen el `Going` emocionante. La producción es del magnífico Randall Dunn (Earth, Sunn O))), Wolves In The Throne Room). Una gran bocanada de aire fresco. Es un himno implacable tras otro en un total de 35 minutos. Visceral, directo y vulnerable, Cloud Nothings está en su mejor momento y eso se agradece.   Last Building Burning by Cloud Nothings 9. Unknow Mortal Orchestra – IC-01 Hanoi Sello: Jagjaguwar Records  De entrada no es un disco de free jazz ni nada que pretenda ser, es un álbum nacido en las sesiones improvisadas en el estudio de grabación y el resultado es favorecedor. Es un disco de pop con movimientos adyacentes al jazz. Un gran viaje alegre y prometedor al nuevo sonido de la banda.    10. Abyssal – Misanthrope  El nuevo álbum de esta banda de Funeral Doom oriunda de Tijuana, Baja California. Es hermoso y decadente. Su quinto álbum de estudio con un solo corte de 45 min que pasa de una melancolía a masivos tonos de guitarra. Un disco oscuro, letargico y repetitivo. M I S A N T H R O P E by A B Y S S A L

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Los mantras sonoros y minimalistas de la banda OM

Eran finales de los años 90 cuando la banda de culto Sleep, que compuso una obra maestra de más de 50 minutos, llamada Dopesmoker, dejaba de existir, y a su vez su guitarrista feroz y hambriento de creatividad, forma High On Fire. Mientras, la parte rítmica de Sleep pasa por un completo letargo musical y por más de seis años en los cuales Al Cisneros cae en una profunda depresión y se dedica a trabajar como instructor de ajedrez para niños en la bahía de California . A principios del año 2003, deciden juntarse para formar un proyecto con un alto contenido espiritual e introspectivo, que oscila entre el sufismo, Catolicismo e Hinduismo; deciden llamarlo OM! ‘El camino de las odiseas y monoliticos riffs usando un bajo distorsionado, sonando como un mantra super poderoso y minimalista. Mientras Chris Hakius y su gran capacidad de tocar con tanta fuerza, crean una constante gloriosa donde el Fénix se alza triunfante. Sus primeros 3 discos fueron grabados por Al Cisneros y Chris Hakius en su totalidad, bajo la tutela de Billy Anderson en la producción a excepción de ‘Pilgrim’ que lo produjo Steve Albini. Fueron ejercicios con un ritmo claro y contundente, el patrón vocal percusivo que realza los temas líricos tan oblicuos y obtusos como para ser en gran medida impenetrables. Los primeros trabajos de Om incorporan estructuras musicales similares al canto tibetano y bizantino.   El 5 de diciembre de 2007, Om tocó en Jerusalén, Israel. Su presentación duró más de cinco horas y una porción de aquel concierto fue lanzada en vinilo de 12″ por Southern Lord como Live at Jerusalem. Y Para finales del 2008 Chris Hakius decide abandonar la banda para dedicarle tiempo total a su familia. Al Cisneros invita a Emil Emos (Grails) con quien giró por Europa  y que encaja perfectamente con el sonido que vendría posteriormente sin perder en absoluto la esencia. Incorpora instrumentos como la tabla hindú, chello, flauta …. funge un equilibrio entre lo aplastante y lo meditativo.  Invitan a Robert Lowe (Lichens) un prolífico músico contemporáneo de música vanguardista, quien le da una constancia gloriosa y sin duda, una inclinación más suprema y oculta. “La empatía me libera”, dice en un pasaje de Advaitic Songs. A la fecha cuentan con un total de 5 álbumes de estudio en los que se les puede catalogar desde rock progresivo hasta stoner metal y doom. Sin embargo, por lo antes mencionado ellos han tomado un camino propio, con sonidos que fungen entre rituales y melodías más espirituales.

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Conciertos de música experimental en Centro Cultural España

En el marco de la exposición “Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España”, curada por José Iges y José Luis Maire que se inauguró el 12 de septiembre en el Museo Tamayo, presentamos un programa de conciertos de #músicaexperimental en las instalaciones del Centro Cultural de España en México. La idea es contrastar entre distintas generaciones, distintos backgrounds, distintas estéticas, rompiendo así con la dicotomía eterna entre academia o auto didactismo, ya que la actitud experimental en la creación trasciende esta polaridad.   La selección de estos creadores y de estas músicas es, de algún modo, equiparable a la de los creadores sonoros españoles de distintas generaciones representados en la muestra.   El programa se complementa con una mesa redonda entre creadores sonoros mexicanos que han realizado intercambios importantes con España, ya sea en el pasado remoto o cercano. La mesa intentará generar un diálogo para intentar descubrir los posibles paralelismos entre nuestras cercanas historias. 19 de septiembre / 8 pm / Sala Panorama / Entrada Libre Concierto de música experimental I 5 sesiones de improvisación con Antonio Russek, Generación Espontánea, Rogelio Sosa, Alacrán del Cántaro y Remi Álvarez.   Más información: https://bit.ly/2oQO9Hy

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El disco “Jane Doe” de CONVERGE cumple 20 años este 2021

El cuarteto emocional de la escena hardcore de Nueva Inglaterra mas impredecible y elegante de los últimos tiempos, Converge y su cuarto álbum de estudio lanzado un 4 de septiembre del 2001 a través de Equal Vision Records fue un suceso comercial en comparación de sus álbumes anteriores, el cual aborda temas de manera extraña como la angustia no correspondida, la frustración sin dirección y la implacable autoflagelacion, que hacen que Converge sea tan Catártico. El álbum canalizó la precisión de ‘Dillinger Escape Plan‘ para capturar el humor cáustico de Black Flag, creando un potente contrapunto del mundo real al escapismo del Post-Hardcore predominante actualmente, el vocalista sonaba como un elemento sónico, más percusivo y tonal que lírico que fluía con el dinamismo de la maquina avasalladora de Ben Koller lo que permite a los oyentes desarrollar una comprensión emocional del material aún incluso sin comprender precisamente las palabras, mientras Kurt Ballou completaba la catarsis en cortes como: Concubine, Hell To Pay, Heaven in Her Arms… “Escribir ‘Jane Doe’ fue sobre la esperanza y la desesperación que estaba tratando de buscar. Pensé que sería útil” dijo Bannon, ‘ pero no fue así’. Un disco que redefinió y abrió la brecha a una nueva generación de bandas que mezclan el hardcore, el post hardcore, el punk y hasta el neo-crust.

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Yob – “Our Raw Heart”, del doom metal a un ambiente minimalista

Yob, los titanes modernos de Oregon del Doom Catártico y tántrico, han creado una obra de 73 minutos solidificando su estatus como una de las grandes fuerzas artísticas del género. Su más reciente obra titulada ‘Our Raw Heart’ fue producida por ellos mismos que es la alineación constante de Mike Scheidt (Vhöl, Lumbar), el bajista Aaron Rieseberg (Norska) y el baterista Travis Foster, grabado en su ciudad natal (Eugene, OR) por Billy Barnett en ‘Gung Ho Studio’ y masterizado por Heba Kadry (The Mars Volta, Diamanda Galas, Slowdive). Género: Doom Metal – Sludge Label: Neurot Recording Es quizá su álbum más elegante. Una entrega con una progresión sónica e implicaciones emocionales de enfrentar la propia mortalidad, el documento es fascinante y adquirió un contexto más crudo (de lo habitual) el cual cuenta de forma introspectiva el proceso que pasó Mike, un severo caso de Diverticulitis, una enfermedad que lo tuvo al borde de la muerte a principios del 2017, pero pudo superarlo y creo su octavo álbum de estudio. La banda parece que está intrínsecamente conectada a la esencia espiritual, capturando profundamente al oyente con el arte musical, comienza la obra con ‘Ablaze’ que parece ser la continuación de “Marrow” de su anterior álbum ‘Clearing The Path To Ascend’ comparten una carga profundamente emocional y resonante, es un viaje hermoso como extenuante y tan bello como doloroso, se desarrolla y se transforma combinando una potencia y secciones contemplativas con largos tiempos de ejecución; en ‘The Screen’ es una valvula de escape emocional que recuerda bastante a ‘Atma’ por su riff rasposo fluye a través de la des construcción sistemática de los sentidos, a pesar de su naturaleza repetitiva, la canción tiene una sutil agresión que azota el cuerpo prolongadamente. ‘In Reviere’ crea un ambiente minimalista de atmósferas lentas y acordes limpios, una introducción muy tranquila para explotar en gritos discordantes, vuelve a un patrón establecido, pero a pesar de esta abrupta transición contiene un equilibrio justo de potencia y repetición. En ‘Lungs Reach’ la más corta del álbum contiene una estridencia y progresión inversa que se desvanece en un prolongado suspenso, para ‘Beauty In Falling Leaves’ es un viaje catártico, crudo y con una vulnerabilidad evidente en las voces de Mike, se elevan por encima de la música con una crudeza triunfante, “una simple alegría de estar vivo” tiene un gran impacto significativo. En ‘Original Face’ se destaca del resto del álbum por su optimismo, es un registro especial y único que canaliza el fuerte desempeño de Arron Reiseberg y Travis Foster mantienen un ritmo más rápido con una belleza pensativa y trascendental. Cierra con una canción más reflexiva ‘Our Raw Heart ‘ mezclando elementos suaves y rico en texturas con un mood desgarrador pero que al final deja una sensación de alivio, un tema que lucha con la mortalidad y finalmente persevera. Yob es un destacado en el mundo del metal artístico y ‘Our Raw Heart’ es el último testimonio de su alquimia musical, tiende a ser uno de los mejores álbumes del año. Trasciende el género y las tendencias, lo que demuestra que los riffs siniestros no tienen que ser mutuamente excluyentes.

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Empieza hoy Festival Roadburn, la meca del metal y de vanguardia

El Festival Roadburn es la Meca de los seducidos por las artes obscuras experimentales y de la música psicodélica, de vanguardia, stoner, hardcore, sludge, rock, experimental, doom, entre otros. Es una celebración de artistas vanguardistas decididos a superar los limites de la música, ya sea sonica, emocional ó espiritualmente. Desde hace ya casi 20 años durante un largo fin de semana de cada abril la pequeña ciudad de Tilburgo en Holanda se llena de los metalheads provenientes de todo el mundo para sumergirse completamente en un ambiente ‘adecuado’ para aquellos que ven la música como un arte más ‘elevado’, con el fin de obtener una experiencia inmersiva y excluyente de cualquier tradicionalismo. No sólo es el principal festival de este tipo que existe, si no que ha inspirado innumerables imitaciones alrededor del mundo, su continua evolución para tratar de encontrar nuevos limites musicales y creativos, es lo que ha generado un alto grado de credibilidad y autenticidad. Una de sus tantas particularidades mas emblemáticas  es  invitar un curador para cada edición, en años pasados figuró Jus Oborn de Electric Wizard; Mikael Akerfeldt de Opeth; Lee Dorrian de Cathedral, Sunn O))), etc. Cada uno ha brindado una atmósfera y sabor únicos. Los tradicionales DJ Set terminando la noche, las exposiciones de arte, los paneles de discusión y la sala audiovisual son espacios que mas consienten al melómano musical. Adentrándonos a la edición de este 2018 el line up es fuera de serie (una vez más), Walter (fundador y director general) tuvo la gran idea de invitar al ícono del post hardcore Jacob Bannon (Converge, Wear Your Wounds), fundador de la afamada disquera Deathwish y un excelente diseñador gráfico e ilustrador, para invitar a bandas con una propuesta fascinante y ecléctica que tiene como invitados a Crowbar tocando su clásico Odd Fellows Rest. Además de los  representantes del Doom-Industrial, Godflesh, tocando Selfless, los canadienses vanguardistas de Godspeed You! Black Emperor interpretando dos sets únicos, el dúo de funeral Doom Bell Witch tocando su afamado y más reciente álbum de una rola de más de 80 minutos, los japoneses Boris tocando su clásico album Absolutengo en compañía de Stephen O’Malley de Sunn O))), la mágica colaboración de Cult of Luna y Julie Christmas tocando su álbum Mariner, el extraordinario último disco de ‘black metal experimental’ de The Ruins of Beverast, por mencionar algunos que son parte de esta excelente curaduría. El artista en residencia que no es más que la banda que tocará todos los días un set diferente, es Earthless que contará como invitados a Damo Suzuki (Can) y tendrá  colaboraciones con Kikagaku Moyo. Una de las cerezas del pastel en esta edición es la música que ambientará al festival en sí, se le comisionó a un ensamble llamado Waste of Space Orchestra que es una colaboración entre los finlandeses Dark Buddha Rising y Oranssi Pazuzu, y también  de Hugsjá que es un ‘super grupo de gente de ‘Enslaved y Wardruna’ tocando música folclórica nórdica. A última hora se anunció un pequeño tributo a Caleb Scofield •RIP• (Cave In, Old Man Gloom, Zozobra) por parte de Stephen Brodsky (Cave In, Mutoid Man) y Adam Mcgrath (Stomach Earth) donde tocaran covers acústicos y le rendirán honores. El arte principal corrió a cargo del genio Richey Beckett, qué fungio como curador de la exposición de arte que contará con la participación de John Dyer Baizley (Baroness), Jacob Bannon (Converge), Marten Donders, Thomas Hooper, Arik Roper y Costin Chioreanu. Enfatizar que es un lugar para la comunidad, un entorno inclusivo y acogedor, un festival creativo, didáctico, que ofrece una única oportunidad para envolverte de música de vanguardia ó simplemente puedes quedarte con lo que ya sabes y aún así tener una experiencia inolvidable. Así es el Roadburn.

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