Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

Matmos regresa con un arsenal de sonidos plásticos

El dúo de música experimental regresa después del exquisito Ultimate Care II con un álbum enfocado a los diversos sonidos que los materiales plásticos pueden generar Género: IDM | post-industrial | ambient-techno | glitch | experimental | Label: Thrill Jockey ★★★★ Desde su inicio en 1995, Matmos ha estado en una búsqueda constante para unir la música electrónica con la música “música concreta”. En su disco debut Quasi-Objects el dúo hizo uso de objetos comunes obteniendo sonidos fascinantes. En su cuarto álbum, A chance to cut is a chance to cure, el dúo utilizó muestras de sonidos grabados durante procedimientos médicos, una vez mas, para construir temas de música electrónica inteligente. Esta noción de utilizar una única fuente de sonido alcanzó su punto máximo con Ultimate Care II, que desplegaba temas con sonidos grabados en su totalidad dentro de una lavadora. El resultado de esta investigación de larga duración ha sido un asombroso registro de música electrónica experimental que va desde el IDM irregular hasta música con tintes post-industriales.  El dúo regresa con otro concepto, uno que golpea mucho más: el plástico. El nuevo álbum de Matmos es un himno a una de las principales causas de contaminación del planeta en todas sus diversas formas. Así que aquí vienen en forma de sonidos, las tuberías de PVC, el plástico en burbujas y la espuma de poliestireno. Eso eso no es todo, en este álbum Matmos exploró el sonido de implantes mamarios de silicona y grasa sintética humana. Todos estos “instrumentos” conforman la estructura de nuestra realidad.  Materiales que se usan en la vida diaria y es así como Plastic Anniversary puede llegar con una tonalidad familiar.  Hay momentos en el álbum que Matmos adopta un enfoque casi clásico de la música electrónica. Las muestras de sonido procesadas y las diversas fuentes de sonido trabajan juntas para llevar a cabo una revisión de las tradiciones musicales pasadas con ritmos ceremoniales sin dejar la experimentación sonora compleja, llevando a Matmos a mostrar sus intenciones artísticas de un nivel superior.     

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Fyre Festival, el festival más fraudulento y sus promesas incumplidas

¿Qué buscamos hoy en día en un festival? Buena música, experiencias o aparentar en nuestras redes sociales que llevamos una vida de influencer.   Uno de los eventos más mediáticos en los últimos años, y no precisamente por su éxito, fue el Fyre Festival, el festival fallido que en 2017 se hiciera viral a través de la foto de un sándwich poco apetitoso publicada en redes sociales por uno de los asistentes. A casi 2 años de lo ocurrido, el Fyre Festival revive nuevamente debido al éxito de dos documentales sobre el tema, que asaltaron las plataformas de streaming a principios de este 2019. Por su lado Fyre Fraud, dirigido por Jenner Furst y Julia Willoughby Nason y que puede verse en el servicio de suscripción de videos bajo demanda Hulu, es un documental que hace un acercamiento al desastre a través de entrevistas a gran parte de los responsables, incluido Billy McFarland, el joven empresario que orquestó este aclamado fraude. Cuatro días después, Netflix estrenó Fyre, del director Chris Smith, en donde hace una impresionante narración que poco a poco te va llevando a vivir, y a sentir, lo que sucede cuando llevas una gran mentira hasta el último momento.    Trailer Fyre Fraud, por Hulu: Trailer Fyre, por Netflix: El Fyre Festival fue diseñado para que fuera una de las experiencias más impresionantes jamás vistas en algún otro evento de esta especie: una fiesta exclusiva en una isla privada en las Bahamas, con las Top models e influencers más codiciadas del momento, alojamientos de lujo para los asistentes y un line up que incluía artistas como Major Lazer, Blink 182, Migos, Disclosure DJ Set, entre otros. El documental también muestra cómo realizaron esta costosa y exitosa campaña de publicidad, que fue quizás lo único que realmente existió de la idea del Fyre Festival: supermodelos, influencers y celebrities lograron que el exclusivo evento fuera sold out sin importar el costo, pues algunos de los asistentes defraudados llegaron a pagar más de 3,000 dólares por entrada supuestamente VIP. Con todo eso tan prometedor, ¿qué podía salir mal? Y es que, justo nada salió bien. Según el documental, la isla no contaba con la infraestructura necesaria para un evento como tal y desde ahí les empezó a llover sobre mojado, literal, pues incluso a escasas horas del inicio del festival una tormenta cayó sobre la zona empapando los alojamientos de lujo, que no eran más que casas de campaña procedentes de la ayuda humanitaria de un huracán. Fyre: la fiesta más exclusiva que nunca sucedió, termina en demandas, cárcel y posturas de los involucrados en este gigantesco fracaso. Sin tanto spoiler más te invitamos a verlo en el enlace de aquí abajo. Link para verlo en Netflix, aquí.

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Existe una hermosa paradoja en el corazón de The Weigh, el nuevo disco de Weval

El nuevo disco de Weval recorre una delgada línea entre la alegría y la melancolía, con una elegancia suprema, que ofrece tonos de luz y oscuridad en igual medida. Género: Dance | Electrónica| Downtempo | IDM | Label: Kompakt ★★★★ Hay un hermoso conjunto de paradojas inherentes al segundo álbum de Weval, The Weight, que involucra luz y oscuridad, arte y pop, y otras polaridades demasiado numerosas para mencionarlas. Pero para todas las oposiciones diamétricas que esto sugiere, existe una síntesis excelente que finalmente resuelve todas esas polaridades en una secuencia maravillosamente entretejida de música instrumental y voces. Todo esto puede sonar bastante pretencioso, sin embargo, el álbum no lo es; es un disco totalmente accesible y engañosamente fácil de escuchar sin acercarse ni remotamente al territorio de escucha fácil.  Un álbum lleno de experiencias alegres y dificultades personales para los integrantes del dúo durante su creación. De hecho, la secuencia de este hermoso trabajo parece ser de vital importancia para la experiencia auditiva, como si estuviera cuidadosamente curada no solo para satisfacer al escucha, sino también para reflejar una cierta trayectoria emocional que de ninguna manera es teleológica.  Hay muchos giros y vueltas en el sonido y sentimientos a medida que el álbum progresa, y el efecto en general se siente hermético y atractivo al mismo tiempo. Este es un mundo de sonido que, al mismo tiempo, está cerrado y es autónomo,  parece inventar e invitar a una comunidad de oyentes que pueden deambular por la escena que ha creado. De esta manera, también funciona como un álbum que puede ser escuchado solo o en compañía, totalmente hacia afuera o completamente solitario en los auriculares o mientras se conduce. Esta versatilidad es solo uno de los muchos placeres que The Weight tiene para ofrecer.   

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Instalación para piano con AS de corazones microfoneado

Erick Diego nos presenta su nuevo proyecto: instalación  para piano con AS de corazones microfoneado.   Cabe mencionar que el el libro será publicado en Super Ediciones Prisma y esto es un adelanto exclusivo. Obras para piano #54 (dedicada a Unabomber) Piano Bomba cubierto de cartas réplica escritas por Theodore Kaczynski que explote al tocar al unísono “MI” y “Sol”   Obras para piano #57 (Homenaje a Hemingway) sentarse frente al piano con un vaso lleno de Ron en la mano izquierda y una escopeta cargada en la derecha   Obras para piano #56 (homenaje a Friedich Jürgenson) Desmantelar un piano de cola y fabricar tablas Ouija con su madera   Obras para piano imposibles de producir #64 (homenaje a Évariste Galois) cuando los viajes en el tiempo se popularicen y no sean sólo de uso militar (2256 aprox) comprar un piano en el año en que fue fabricado el primer revólver, 1832 caminar 25 pasos a distancia de él y dispararle un total de 21 veces.   Obras para piano #61 (dedicado a todos los cobardes) darle instrucciones a un bailarín de Tap maquillado de mimo a que, con completa inmovilidad (sobre el piano)  repita en voz alta: Porque nada hay oculto, que no haya de ser manifestado; ni escondido, que no haya de ser conocido, y de salir a luz   Obras para piano #63 (homenaje a David Lynch) convencer a un Pianista virtuoso mayor de cuarenta años de someterse al proyecto Bluebird (http://es.wikipedia.org/wiki/Proyecto_BLUEBIRD) para después ofrecer un concierto con la mente llena de falsos recuerdos.   Obras para piano imposibles# 377 extirpar todas las cuerdas de un piano (con ellas formar la palabra #nocturno sobre la playa) y meter dentro de la caja dos pianistas mujeres de 25 años con vestidos blancos, Enviarlo a la luna

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La búsqueda del silencio en medio de la pista de baile: Aerea Negrot en el Museo Jumex

Encuadra. Recomendaciones culturales dentro y fuera del museo. Aerea Negrot es una mujer venezolana, trans y multidisciplinaria. Su rango vocal, capacidad creativa y condición migrante la convierten en una artista que puede ir del performance al escenario de los más prestigiosos clubs. Forma parte del colectivo Hercules and Love Affair pero también ha realizado música para cine, canta ópera y produce sus propios materiales sonoros. En la exposición <<Podría ser (una flecha)>>, una lectura del museo Jumex que se presenta en el museo del mismo nombre, Aerea colabora con Pauline Boudry y Renat Lorenz con la pieza Silence del 2006. Por su parte, curada por Catalina Lozano, <<Podría ser (una flecha)>>, pone sobre la mesa temas que abordan la mirada femenina, con una multiplicidad de artistas proclamadas feministas que cuestionan y exponen cánones enraizados en el espacio público, el cuerpo, la apropiación de la tecnología y la misma producción cultural. A pesar de ello, hay quienes aún piensan que “No se trata de un trabajo feminista, ni el tema es la mujer, tampoco propone una división del arte en masculino y femenino” , lo hace que la pregunta ¿Por qué el miedo al feminismo, 1 comenzando por la palabra misma? se mantenga vigente en nuestro contexto social. Son poco más de 45 mujeres artistas las que participan en <<Podría ser (una flecha)>> sin embargo la pieza Silence (2006) de Pauline Boudry y Renat Lorenz y protagonizada por la misma Negrot destaca por la potencia del mensaje. Los trabajos de Boudry y Lorenz, son conocidos por tomar citas y resignificar ideas de textos anteriores, tal es el caso en <> creada por Pauline Oliveros en 1970. En Silence la referencia es clara hacia la pieza <<4’33’’>> del compositor estadounidense John Cage; una de las obras más conocidas en el arte contemporáneo por su capacidad de reflexionar en torno al silencio como acto y concepto. El alcance de 4’33’’ ha sido tal que ha sido citada, homenajeada e incluso parodiada en numerosas ocasiones. La experiencia de Silence en el Museo Jumex comienza desde el momento de entrar en la sala. La indicación es entrar sin zapatos ya que la vídeoinstalación se muestra dentro de un cuarto alfombrado y pintado de blanco. Al centro, podemos ver a Negrot tras varios micrófonos interpretando la obra de Cage. Resulta importante señalar que el vídeo fue grabado en la plaza de Oranienplatz,que es parte del distrito multicultural Kreuzberg, uno de los territorios berlineses en donde se han dado lugar manifestaciones antirracistas y antiinmigrantes; lo cual otorga una carga política significante a la pieza. Por azares del destino mi visita estuvo acompañada de uno de esos grupos de señoras peliteñido rubio-cenizo/rubio-platinado que escuchaban a una guía que mimetizaba su estética. Así , al entrar al cuarto en donde se muestra Silence y escuchar la explicación de la guía se soltaron algunos comentarios por parte de aquel grupo uniforme como “Sí parece machito” o “Es hombre ¿verdad?” refiriéndose a la cantante venezolana. Tales expresiones echaron por una cloaca o quizá por la pieza de Sherrie Levine <> (un mingitorio) el increíble mensaje de resistencia, fuerza y empoderamiento de la triada NegrotBoudry-Lorenz. Recordemos que históricamente las flechas han sido utilizadas para acciones como la caza y la guerra, lo cual cobra una dimensión simbólica importantísima cuando se trata de equidad de género en espacios como lo es el Museo Jumex. Sin embargo, me queda claro que algunas de estas flechas se acercan más al centro de la diana y muchas otras salen simplemente volando al aire, dependiendo de cada espectador.   Visita PODRÍA SER (UNA FLECHA): UNA LECTURA DE LA COLECCIÓN JUMEX hasta el 31 de marzo del 2019.

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Xeno & Oaklander estrena su disco Hypnos

Xeno & Oaklander son reyes del minimal electronics, llevan demasiado tiempo haciéndolo bien, en términos de síntesis, Hypnos parece haber alcanzado el siguiente nivel. Xeno & Oaklander han aumentado el poderío de su lluvia de ritmo sintético y han formado una relación más suave y cerebral con sus múltiples capas nuevas y acogedoras. A primera escucha puede sonar como algo habitual, pero si lo escuchas atentamente, puedes apreciar los matices refinados y la nueva actividad energética y sobre todo estética en sus nuevas composiciones. También se puede sentir el efecto de sus exploraciones ambientales debido a la madurez y estado de ánimo. Es un nuevo respiro, la verdad, tanto para ellos como para sus fans, creo que han abierto un nuevo catalizador para generar nuevas ideas y eso siempre se agradece. Hypnos tiene el alma y densas armonías con voces increíblemente matizadas. Ojalá podamos verlos en vivo alguna ocasión.

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The Downward Spiral, un álbum emblemático de Nine Inch Nails

Trent Reznor y Nine Inch Nails hoy en día no sólo son ya leyendas vivientes de la música alternativa sino también un referente muy importante sobretodo para quienes hacen música electrónica. El gran éxito de la banda de Ceveland realmente se debe a su segundo álbum: The Downward Spiral. Tras la salida del primer disco Pretty Hate Machine, Reznor y compañía rompían paradigmas respecto a la música electrónica pues, una mezcla de guitarras, sintetizadores y otros elementos eran poco usuales en la escena de los beats. Sin embargo, la aparición del álbum que hoy cumple 25 años fue para la banda una catapulta y un incendio en el buen sentido de la palabra. Con el, Nine Inch Nails estuvieron a punto de crear un nuevo género musical. Un disco con 14 canciones en su mayoría poderosas, agresivas y con letras de protesta hacia el sistema norteamericano y político mundial con metáforas progresivas y al mismo tiempo decadentes que invitan no sólo a la reflexión sino a una cueva revolución no sólo musical y social.     En las giras de este disco Reznor, quien se caracteriza por usar apoyo visual crudo, agresivo y bizarro, utilizaba imágenes de experimentos de Tomás Alba Edison en donde se electrocutaba a un elefante, causando euforia entre el público espectador. Un álbum que bien puede ser la mezcla de la velocidad de The Ramones con la agresividad y anarquía de los Sex Pistols con elementos electrónicos e industriales que solían usar los Alemanes Einstürzende Neubauten o los belgas de Front 242. Sin duda este álbum es el resultado de una ecuación musical similar a la teoría de la relatividad donde E=MC2 significa que la energía del disco es igual a la música contundente que viene envuelta en un empaque cuadrado del vinilo donde se guardan las poderosas rolas del The Downward Spiral. Si se dan cuenta no hago mención de un solo track para que lo escuchen lo descubran y lo dejen correr por sus venas y oídos.    

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Björk nuevamente al cine con el reestreno de una de sus primeras películas

En 1990 se estrenó en el Festival de Cine de Sundance, ‘The Juniper Tree’. Una película independiente y en blanco y negro de Islandia. Entre su elenco estaba una joven que tres años más tarde sería un éxito musical internacional, Björk. La película que relataba el cuento del mismo nombre de los Hermanos Grimm, pese a estar en el festival, nunca fue llevada al cine. Por ellos ahora se está preparando un estreno en salas con una versión remasterizada de la película a 29 años de su estreno limitado. La sinopsis oficial del film la describe así: “Ambientada en la Islandia medieval, The Juniper Tree sigue a Margit (Björk) y a su hermana mayor Katla (Bryndis Petra Bragadottir) mientras huyen por seguridad después de que su madre es quemada por brujería. Al encontrar refugio y protección con Johan (Valdimar Orn Fygenring) y su joven y resentido hijo, Jonas (Geirlaug Sunna Pormar), las hermanas ayudan a formar una improvisada unidad familiar que pronto se verá forzada por la creciente brujería de Katla. Fotografiado en su totalidad en los impresionantes paisajes de Islandia en un espectacular blanco y negro de Randy Sellars, The Juniper Tree es una película profundamente atmosférica, evocadora de Day of Wrath de Carl Theodor Dreyer y The Virgin Spring de Ingmar Bergman, y está llena de un despertar indeleble de una secuencia onírica (cortesía del legendario cineasta experimental Pat O’Neill). Una poderosa alegoría de la misoginia y sus tragedias asociadas, The Juniper Tree es un importante redescubrimiento para las audiencias de las casas de arte”. El estreno de la película sería en próximos meses aún por confirmarse la fecha exacta. Mientras, te dejamos el trailer de la cinta.

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