Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

Virgen Siamesa – Música inteligente para las masas

Fotografía por: Leslie Sánchez.   Virgen Siamesa nos ofrece lo que a mí en lo personal me gustaría definir como: música electrónica cromatizada, en su EP debut: Música Inteligente para las Masas. Fotografía por:  David Basilio.  El núcleo de este par de composiciones dan origen a una forma de música en trance con sampleos y repeticiones de verdades y sonidos distorsionantes, se siente un proceso de grabación que adhiere cinismo y locura, es un registro seductor que nos obliga a acercarnos progresivamente a las máquinas gobernando las mentes, elevando suave pero constantemente el pulso y abriendo los sentidos de nuestra percepción. Es un EP firme a las reglas de la música como psicotropico auditivo y, después de unos minutos, nos grita, nos golpea, ya estamos atrapados en su encanto. Música Inteligente para las Masas de Virgen Siamesa resulta en momentos oscuros, un estímulo de todos nuestros temores y deseos, estamos ante uno de los nuevos proyectos de música electrónica nacionales con sed del legado de Psychic TV  o Throbbing Gristle.

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Un poco de historia y diferencias entre un sampleo y un remix

Es un tema controversial y aunque pareciera muy sencillo  no queda del claro para algunos que no están relacionados con el tema de la diferencia que existe en utilizar sampleos o hacer un remix en una canción, no es lo mismo. Acá abordamos un poco el origen e historia. Nos gustaría mencionar que parte del origen de los sampleos provienen de músicos aficionados al jazz, todo esto a inicios del siglo XX, quienes a menudo lo practicaban en vivo con pequeñas partes de otras canciones de composiciones ajenas, esto, digamos, a modo de homenaje hasta que esa broma interna se fue popularizando entre la comunidad y cada vez era más inevitable. Por supuesto que al público le encantaba y eso hacía que los conciertos de jazz fuesen más divertidos y la asistencia incrementara. Posteriormente es cuando aparece el francés: Pierre Schaeffer que fomentó el uso de samples pregrabados y los manipulaba loopeando, cambiando el pitch, subiendo la velocidad o bajándola dependiendo de lo que sus obras de avant garde requerían y ya en la década de los años 80 es cuando aparecen los primeros samplers digitales encabezados por la marca AKAI. En resumen un sampleo es tomar unos segundos o alguna parte de otra canción e incrustarla sobre una de composición propia y un remix es reversionar y trabajar todo el track.

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The Soft Moon: del dark-horror a la experiencia humana

The Soft Moon explora algunos de los aspectos más oscuros de la experiencia humana entre la vergüenza, culpa, violencia, desesperación y el odio a sí mismo. Su música es un motor intenso entre lo dark y el noise que recorren tus sentidos, ya que los sintetizadores están grabados con tonos altísimos  que desequilibran al escucharse voces más matizadas que causan desesperación en lugar de pura ira. Se trata de algo minucioso, sin duda,  definido por sel horror. Moraleja: hay belleza en el espacio que se convierten en delicadas melodías.

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Retrospectiva de 4 películas del director F.J. Ossang: poeta, músico, escritor y cineasta

F.J. Ossang es uno de los principales cineastas de culto franceses de los últimos años, amante de la música industrial y cantante del grupo punk M.K.B (Messagero Killer Boy) Después de 30 años, F.J. Ossang ha logrado convertirse ya en uno de los principales cineastas de culto franceses. Ha estado en el mundo del cine desde 1982 cuando estrenó Le dérniere enigme. Un cortometraje en el que deja constancia de otra de sus grandes pasiones: la música. En su banda sonora participan algunos de lo grandes pioneros del punk y la música industrial: Cabaret Voltaire, William Burroughs, Throbbing Gristle, Killing Joe, Public Image Limited. Ossang vivió en carne propia toda la movida punk gracias a su banda M.K.B (Messagero Killer Boy), de la que fue vocalista. Sus películas  casi siempre son en blanco y negro y con claras influencias en el expresionismo, surrealismo, el cine negro y la literatura. Es un director “muy francés con todo lo bueno y malo que ello conlleva”, como alguna vez leímos en una nota de el periódico El País, de España. Te hablamos de 4 películas que puedes encontrar en mubi.com DRARMA GUNS (2010) “F.J. Ossang imaginó una obra completa que surge de la imaginación de un hombre muerto, mezclando la cultura americana, griega y francesa”. 2. THE CASE OF MORITURI DIVISIONS  Una retrospectiva del poeta, músico y cineasta punk. Su primera obra de crítica política, mitos re-mezclados y espíritu renegado. Ubicados en un mundo donde los punks han dado la espalda a la sociedad y coquetean con la muerte.   3.-THREASURE OF THE BITCH ISLANDS “Fascinante viaje junto a un grupo de científicos locos hacia los confines más oscuros del destino de la humanidad, Treasure of the Bitch Islands es un cóctel molotov de belleza anárquica”. 4.-DOCTEUR CHANCE 1997 Esta febril película on the road recorrer el desierto de Atacama. Con Marisa Paredes y Joe Strummer como amantes, Doctor Chance por primera vez ve al poeta punk a todo color. Aquí el trailer de la película, filmada en Francia y Chile  en el año de 1997, específicamente en Iquique, mamiña (cementerio).  En esta película participo Joe Strummer (ex-vocalista de The Clash) y Francisco Reyes, actor chileno. Una vez que ya conoces los trailers de las cintas, puedes encontrarlas en mubi.com

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Roma: la música que definió a México en los años 70

En diciembre del 2018 llegó a Netflix la galardonada película Roma, de Alfonso Cuarón. Una película que se enfoca en la vida de Cleo, una empleada doméstica en la Colonia Roma del México de 1970. La película ganadora del Oscar por Mejor Director, Mejor Película Extranjera y Mejor Fotografía logra transportar al espectador de vuelta al pasado, a través de los recuerdos de Alfonso Cuarón. Además, estuvo nominada a Mejor Sonido y Mejor Edición de Sonido, a cargo del talentoso Sergio Díaz, quien se encargó de encontrar cada uno de los elementos sonoros que hacen que la película tenga una gran peso evocativo. En cine, los elementos que componen un filme, como la fotografía, dirección, escenografía y el vestuario, le dan a éste las herramientas para sumergir al espectador dentro de ella. Pero hay un elemento en específico que llega a empatar con las fibras sensibles de la persona, y ese es la música. Uno de los elementos más fuertes dentro de la película multipremiada de Cuarón, es el Diseño de Producción, el cual, ha llevado al equipo de este departamento a reconstruir, con detalles minuciosos, el México de 1970. Roma es una película que carece de música original, todo lo que podemos escuchar dentro de este viaje a los recuerdos del pasado, son los sonidos que nos remiten a ciertos lugares, como el sonido del afilador, el del camotero, o inclusive ruidos, como los gritos de comerciantes ambulantes o el tráfico. Y es aquí, que la música entra de forma circunstancial, apareciendo como guiños, constituyendo un elemento fundamental para transportarse a esa época. El México de 1970 es una época definida por movimientos sociales que agitaron al país. Las marchas y represiones estudiantiles del ’68 y ‘71 dieron visibilidad a los problemas nacionales e hizo evidente el autoritarismo gubernamental. De este primer movimiento, la música de protesta se volvió parte del espíritu de los estudiantes, siendo Óscar Chávez y Judith Reyes los músicos que serían la voz del movimiento junto con Joan Baez, Leonard Cohen, Bob Dylan y Peter Seeger, quien fue invitado por el Partido Comunista a tocar en la Facultad de Ciencias de la UNAM. Los grupos de Rock&Roll de la década los 60 comenzaron a diluirse, Enrique Guzmán, César Costa y Johnny Laboriel dejaban Los Teen Tops, Los Camisas Negras y Los Rebeldes del Rock respectivamente, y comenzaron a forjar sus carreras como solistas. Mientras tanto, el movimiento hippie comenzaba a influenciar a los estados fronterizos. Si se tuviera que elegir a un género musical que haya definido a esta década, definitivamente sería el de balada romántica con arreglos sinfónicos. A pesar de las cosas que sucedían en el país, esta música sirvió para poder hacer al mexicano olvidar su realidad. Es en 1970, año en el que transcurre la película, que las carreras de artistas como Leo Dan, Juan Gabriel, José José y Rocío Durcal se consolidaron y marcaron a gran cantidad de la población haciendo que sus canciones vivan hasta nuestros días. Los grupos sudamericanos y españoles encontraron en México la cúspide de sus carreras, como lo fueron Los Pasteles Verdes, de Perú, Los Terrícolas, de Venezuela, o Los Ángeles Negros de Chile. Por ejemplo, Leo Dan, originario de Argentina, llegaba a tierras mexicanas en 1970 con el éxito Te he prometido. Él era gran aficionado de la música mexicana, y aquí, grabó otras canciones que le llegaron al público nacional, como Toquen mariachis canten y Mi última serenata. Este año, significó también el nacimiento de El Príncipe de la Canción, José José, quien tuvo como primer éxito la canción La Nave del Olvido. Meses después, se presentaría ante un público internacional televisado en el II Festival de la Canción Latina, con sede en el Teatro Ferrocarrilero de la Ciudad de México, en dicho evento, cantó por primera vez el éxito que marcó su carrera para siempre, El Triste. El Divo de Juárez, Juan Gabriel, después de graves problemas financieros e incluso penales, lanza en 1971 su primer disco Alma Joven, con el sencillo No tengo dinero, este álbum -al igual que con José José- ayudó a posicionarlo como uno de los interpretes de balada romántica más importantes del país. La música que nunca ha faltado en el corazón de los mexicanos es la de artistas como Álvaro Carrillo, Javier Solís y los clásicos Pedro Infante, José Alfredo Jiménez y las irreverentes canciones de Tin Tan. Todos estos artistas, consolidados 20 años antes, seguirían marcando a la población. Pero no todo fue música romántica y baladas durante la década de los años 70. Esta década representó el punto de quiebre para las bandas de rock nacional. Había una división musical demasiado amplia, porque, a pesar que los artistas antes mencionados eran de consumo masivo, las clases populares y sectores más contestatarios se inclinaron al rock. Es así, que tres meses después de la Matanza de Corpus, se llevó acabo el primer festival masivo de música en México, el Festival de Rock y Ruedas de Avándaro, considerado el Woodstock Mexicano, el cual estaba programado para 5 mil asistentes, que verían una carrera de autos acompañados de bandas, pero la asistencia final fue alrededor de 150,000 personas, que experimentaron en el festival una especie de catarsis social que emanaba del recuerdo de las matanzas de los años anteriores, además de expresar el amor libre y el uso de drogas. Fue en este festival que la banda Three Souls In My Mind, después conocida como El Tri, que marcaría y sería el estandarte del rock de esa década. Después de este evento, el gobierno mexicano prohibió grandes reuniones juveniles, para evitar nuevos movimientos y cerró las puertas en el país a grupos internacionales de rock a presentarse por esta misma razón. Es por eso, que la música en México que llegaba a las grandes audiencias, era aquella que fuera más tranquila y de temas más generales. Roma se desarrolla entre 1970 y 1971. Como se puede observar, este par de años sirvieron como punta de lanza para el desarrollo

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El legado que ha dejado Pete Shelley, cantante y guitarrista de Buzzcock

Pete Shelley, cantante y guitarrista de la legendaria banda Buzzcocks falleció el día de ayer a la edad de 63 años por un supuesto ataque de corazón en una localidad al norte de Estonia, confirmó su manager a la cadena BBC. Shelley, cuyo nombre real era Peter McNeish, formó junto a Howard Devoto en 1976 la banda Buzzcocks, uno de los grupos fundamentales del punk rock británico formada en Bolton, en el área metropolitana de Mánchester. Para ser precisos Shelley y Howard Devoto formaron Buzzcocks e iniciaron su carrera con el lanzamiento de su EP “Spiral Scratch” en 1977 y su álbum debut “Another Music In a Different Kitchen”, que se editó un año después; la banda dejó una huella importante en la escena del punk británico con sus reconocidos éxitos  Ever Fallen in Love (Whit Someone You Shouldn’t ve  y  What do I get?. El nombre para el grupo salió a partir de la revista Time Out que decía: “It’s the Buzz, Cock!”. La palabra “buzz” se utiliza para describir la emoción de tocar, mientras que “cock”, en Mánchester, se refiere a un compañero o amigo. Entonces, el nombre para la banda, creían, capturaba la emoción del movimiento punk emergente. Inspirados en una generación que creció bajo el descontento y valores contrarios a los establecidos, Buzzcocks junto a bandas como Sex Pistols, The Ramones y The Clash definieron un sonido que se ligó con aquel relato, se trataba de acordes simples y temáticas políticamente contestarías. Aunque contestatario, su punk por azares se convirtió en mainstream y su música en un gran legado que prevalece hasta nuestros días. Dicho legado de Shelley es precisamente su agresividad rítmica y su cinismo lírico como resistencia al conservadurismo de una época que intentaba opacar a una juventud naturalmente inconforme y sin oportunidades. Buzzcocks se separó en 1981 y desde entonces y hasta 1989 Pete Shelley se centró en su carrera como solista. El músico inglés también tuvo así su carrera de la cual nos dejó un acervo de 5 ingeniosos álbumes con tintes futuristas, de los que destacan “Homosapien” (1981), Haven & The Sea (1986) y XL-1 (1983). Desde 1989 y hasta la actualidad, Buzzcocks había vuelto con giras y discos. Sin duda, estamos de luto ante la pérdida de un personaje clave de la escena del punk, pues Shelley representa la esencia de aquel irrepetible movimiento de lucha musical que ha influido por décadas a generaciones de músicos.

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Escucha una playlist dedicada a Haruki Murakami y su escritura

Es conocido el papel que juega la música en la obra del prolífico novelista japonés Haruki Murakami. Tiene una pasión por el jazz, al que considera su primer amor cuando comenzó como propietario de un club de jazz en Tokio, y ha escrito dos colecciones de ensayos titulados Portrait in Jazz y Portrait in Jazz 2. Pero Murakami también es fanático de la música clásica y el rock&roll: las tres formas se entrelazan en sus novelas con historias recurrentes, bandas sonoras y telones de fondo. La música es más que temática, define su estilo literario, como dijo a los oyentes en “Murakami Radio”, su paso como DJ en Tokyo FM.     “Un libro es una metáfora”. Es mejor hacer que hable sobre música, lo cual le complace hacer, moverse sin problemas entre los estilos con los mismos saltos imaginativos que hace en la página. Daniel Morales ha creado una playlist para su más reciente novela llamada Killing Commendatore (2017). Una colección de música de Sheryl Crow, Puccini, el Modern Jazz Quartet, Mozart, Thelonious Monk, Verdi, Dylan , The Doors, Beethoven, Bruce Springsteen, Roberta Flack, The Beatles, The Beach Boys y más. ¿Cómo encajan todos estos artistas al mismo tiempo? Al igual que los extraños sucesos en el mundo de Murakami, tienes que dejar de tratar de darle sentido a las cosas y seguir adelante.   “En lugar de aprender la técnica de contar historias de alguien”, explicó alguna vez Murakami, “adopté un enfoque musical, siendo muy consciente de los ritmos, la armonía y la improvisación“. Quizás este enfoque explique la calidad evocadora de su prosa.   Al leer sus libros, “te sientes triste sin saber por qué”, escribe Charles Finch en The Independent, en una reseña de la última publicación de Murakami, Killing Commendatore (2017), “y sin embargo, dentro de esa tristeza brilla una pequeña parte de felicidad”. Podríamos decir algo similar acerca de los sentimientos evocados, un blues o una canción de Bob Dylan: la música nos ayuda a acceder a emociones para las que no tenemos palabras listas.   Murakami traduce ese anhelo en su escritura. “Las imágenes conocidas oscuras y solitarias que recorren sus novelas: lluvia, natación, pasta, jazz, un tipo particular de sexo cálido e impersonal, raíces que anhelan la verdad de la vida cotidiana”. Su novela más reciente,  Killing Commendatore, incluye un tercer arte: la pintura. Su protagonista, que busca reinventar su vida y obra, descubre un importante mensaje a través de una serie de eventos mágicos.   Entonces, dejamos en esta nota una Playlist sugerida para sumergirse en las letras y el mundo de Murakami.    

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33 años del Psychocandy de The Jesus and Mary Chain

Lanzado al universo musical un noviembre de 1985, el álbum debut de The Jesus and Mary Chain sentó muchas de las bases de géneros que después vendrían a clasificarse como shoegaze, alternativo o noise garage, entre muchos otros. Nos referimos al Psychocandy que cumple 33 años.   Su lugar en la historia de la música ha sido permanente y con toda dignificación, no hay nadie que no esté relacionado al género y que no haya pasado por éste disco. Así pues, los hermanos Reid comandando el espíritu de JAMC comenzaron la granbación de este disco inspirados en  bandas como The Stooges y The Velvet Underground, esa tercia más la producción de  Phil Spector  fue una locura total de lo que ahora es considerada una obra de culto.  La pared de sonido es la mejor manera de describir este álbum. Es un lío de ruido y estática, de encanto y pasión, de melancolía ensordecedora y de rabia explosiva. Todo eso repartido y perfectamente suministrado en menos de 35 min, ayudaron a JAMC a lograr la dirección deseada de ser una banda de rock que logró tener éxito entre la emergente escena de la electrónica a finales de los años  80.  La apertura del álbum inicia con “Just Like Honey” que es considerada una de sus máximas creaciones. Es merecedor de todos los elogios por el ruido, las letras y la forma en que se presentaban en vivo, este álbum es la perfecta conjunción de melodías escondidas detrás de letras tristes sobre el amor perdido y las insinuaciones al sexo, todas lanzadas como un poema penetrante. https://www.youtube.com/watch?v=z50jjb4iAzE

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