Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

El difícil e inquietante poder de Double Negative, el nuevo álbum de Low

Low es una banda ahora con doce álbumes que está cumpliendo 25 años juntos, pero a juzgar por el tono de Double Negative, no están en humor festivo. El álbum es un cambio notable para el trío de Duluth que los pone de vuelta en la experimentación de Drums and Guns del 2007, su arma acústica en respuesta a la guerra de Irak. Género: Slowcore | Dream pop | Rock | Glitch pop Label: Sub pop ★★★★ Low ha cumplido realmente con su nombre y ambición de crear canciones en bruto y sombrías. Como galvanizados por un mundo que una vez más se está derrumbando, Low ha llevado su sonido aun más hacia el borde de la desintegración.  Las canciones y las técnicas de grabación las han desgarrado y reconstruido de una manera que engendra discordia y confusión. Las armonías características entre el guitarrista Alan Sparhawk y la baterista Mimi Parker están fragmentadas con trozos de voces que suben a la superficie para entonar siniestramente que no es el final, es solo el final de la esperanza. Esto da la impresión de que las pistas se grabaron desde el interior de un túnel de viento. Entre tanta distorsión y bajos que hacen estremecer los huesos, existen durante todo el disco momentos claros de serenidad y desesperación inesperados que provocan una mayor sacudida. Estas dos emociones están inextricablemente unidas en todo el álbum con la expresión de la desolación, también como el comienzo de la esperanza.  Un disco en el que todas las canciones son casi imposibles de describir, exigentes para escuchar y experimentar por derecho propio. Una pieza verdaderamente inmersiva, de escuchar difícil que te atrapa en un mundo de dolor y tristeza, exponiendo emociones dentro de los espacios cerrados y leyes propias del álbum antes de liberar la cura y serenidad necesarias. Un disco difícil de analizar y de escribir sobre él. Al igual que como la fascinante música de Low, a veces hacer menos es realmente más. 

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Simple Minds en CDMX, noche de nostalgia y calidez

El show de veteranía, impacto, nostalgia y calidez que Simple Minds desplegó dentro de su única presentación en Latinoamérica y primera para la CDMX en su haber, demostró que conservan el mismo desteyo a pesar de los diferentes cambios de alineación en su haber que le hizo triunfar en los años ochenta, apoyados fundamentalmente, en el carisma y la voz de un Jim Kerr todavía elástico y con pasos de baile muy peculiares, de un setlist equilibrado y genuino-especial en donde los grandes éxitos de sus épocas doradas se abrazaron de forma melódica y exacta con las canciones de su nuevo disco: Walk Between Worlds. A veces, se debe estar ahí en el momento perfecto pese a cualquier circunstancia, como la noche del 20 de Septiembre del 2018 en el Pepsi Center WTC, presenciando la  gira de uno de los grupos anclados a varios triunfos de antaño y que se han salido de nuevo de gira con el entusiasmo de presentar un nuevo disco, ofrecen la sorpresa de alimentarse de un último trabajo a la altura de lo que significó su estrellato, con temas decentes que conviven sin estridencias en la selección de canciones interpretadas en vivo. Tal es el caso de esta gira Walk Between Worlds Tour. Éxitos que conviven en la memoria colectiva como Waterfront o Love Song, comparten escena con canciones del más reciente disco: Summer o The Signal And The Noise, y la conjunción funciona realmente bien. De esta forma, el público recupera a los Simple Minds y descubre a una versión de la banda que ofrece toda la calidad en su nueva encarnación del siglo XXI. El inicio es enérgico y desde entonces sabes que será una larga noche y que se pondrá aún mejor, hay que relajar el ambiente para después volver a explotar, aunque eso signifique ponernos todavía más melancólicos. Los clásicos son un regalo inconmensurable para un público entregado al delirio de temas como  Promised You a Miracle, The American, Someone Somewhere (In Summertime), un bellísimo cover a The Call con Let The Day Begin y por supuesto,   Don´t You Forget About Me junto con Alive And Kicking, la perla maestra del Once Upon A Time.  Quizá la gran ausente para algunos fue Theme For Great Cities, probablemente una de las maravillas instrumentales por siempre mejor grabadas en la historia de su género, el post  punk. Sanctify Yourself  para cerrar, nos devuelve al Jim Kerr más revoltoso, descarado y con un toque de rebeldía violenta. El Jim Kerr que con su voz, una voz que sigue sonando como la de esos Simple Minds que surfeaban en la cresta de la ola del éxito en los años 80, ese Jim Kerr, ese mismo, termina de cantar para poner así fin a una noche inolvidable, el desenlace a la historia sobre música y décadas, notas y paso del tiempo, guitarras que son recuerdos y canciones capaces de poner a los asistentes contentos y satisfechos. Una noche dedicada a todas las personas que tuvieron un re encuentro especial con otras personas, con canciones, con momentos  o con sus familias y que tuvieron una oportunidad invaluable de ver a los Simple Minds después de tantos y tantos años.

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Nirvana y el poder catártico del Nevermind a 29 años

¿Qué más se puede decir de un disco como el Nevermind? Más allá de lo que ya todos sabemos de este enorme portento musical: millones de discos vendidos; Smells Like Teen Spirit como la rola que definió a una generación; el trabajo de Butch Vig como productor; la escena emergente de Seattle y la importancia de MTV como catalizador de la escena grunge, etcétera, preferí abocarme a escribir lo que realmente significa para mí el Nevermind de Nirvana, que el día de hoy cumple 29 años.  Una solitaria criatura de apenas 4 meses flota desnuda en una piscina, sin ninguna complicación aparente y frente a ésta flota de manera tentadora el símbolo de poder más grande de la civilización occidental: un billete de un dólar fijado a un anzuelo de pesca. Tal vez, fue una metáfora de lo que significó la llegada de Nirvana a la industria musical y al consumo masivo: un grupo ingenuo y retador al mismo tiempo.   La primera vez que vi la portada tenía 5 años y fue gracias al tío rockero, que en ese entonces estaba tan metido en el grunge que decidió comprar los discos de Pearl Jam, Alice in Chains y Nirvana. La sola imagen del bebé desnudo era todo un escándalo para la moral de una familia católica de clase media mexicana. Obviamente yo no sabía nada de eso y básicamente me valía madre.   Sin embargo, esa poderosa imagen regresaría a mí durante la adolescencia para acompañarme en mi primer fracaso amoroso, la primera gran discusión con mis padres y la subsecuente salida de mi casa para vivir con mi abuela, mis primeras borracheras en la Voca 11, mi primer relación sexual, mi acercamiento con algunas drogas, el sentimiento de fracaso, el miedo de no saber qué hacer con tu vida a los 16 y algunos sinsabores más de la vida y del amor que se vieron envueltos entre canciones como Lounge Act, In Bloom, Lithium y Come As You Are; mientras que Territorial Pissings, Breed, Stay Away y Smells Like Teen Spirit, se convirtieron en mis mejores amigos al momento de querer romperle la cara a alguien y liberar toda esa energía contenida durante años. Los momentos más depresivos llegarían, por supuesto, de la mano de Drain You, Polly, On a Plain y Something in the Way de manera tan visceral y acertada que pereciera que las canciones me hablaban directamente a la cara. Resultaba muy fácil identificarse con el sonido y las letras, aun cuando se tratase de una banda norteamericana con otro nivel de vida (aparentemente) y otras raíces culturales. Al final, no éramos tan diferentes. Y a pesar de los detractores de Nirvana, (quienes siempre vieron una banda punk muy simplona a nivel musical) lo que queda como legado aparte de lo obvio, es un mensaje muy claro: No necesitas ser un virtuoso de la música, no necesitas maquillaje, ni pantalones de cuero, no necesitas ser un símbolo sexual, ni tener un mensaje político-social para ser un rockstar; lo único que necesitas es un poquito de actitud y un mensaje claro, contundente: Cualquiera puede tocar una guitarra y gritarle al mundo que está hasta la madre de todos y de todo. Saber eso cambia totalmente la perspectiva de un género dominado por personajes inalcanzables e intocables. Es ahí donde el discurso de Nirvana toma fuerza y se convierte en un momento crucial para la historia del rock: Todo el mundo estaba hasta la madre de Guns and Roses, Michael Jackson y Madonna. Era el momento de algo nuevo y Nevermind llegó en el momento preciso para cambiarlo todo. Larga vida a los poderes catárticos del Nevermind y al trabajo de Kurt Cobain.  

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Los Charlatans UK en el Plaza Condesa. 90 minutos de psicodelia

Cuando una banda de rock es buena y además ha sido parte esencial de la historia de la música no importa que venga una y otra y otra vez a nuestro país. Ya van varias ocasiones que The Charlatans UK vienen a México y ayer una vez más volvieron a llenar el Plaza Condesa con psicodelia, sonidos groovy y rolas buena onda. La banda formada en Manchester en 1989 se presentó ayer con un concierto relativamente corto, un recital sencillo y sin mucha parafernalia. Las bandas leyenda no necesitan de eso, con su música basta. Luciendo un corte de cabello muy peculiar al estilo de “Cachirulo”, Tim Burgees y compañía estuvieron en el escenario por una hora y media…Sí…nos dejaron con ganas de más pues se quedaron muchas canciones en el tintero. El concierto empezó puntual, a la 21:00 hrs, para comenzar con Totally Eclipsing seguida de One to Another y una docena de rolas que hicieron brincar a unos, cerrar los ojos a otros y moverse muy al estilo Madchester. No podía faltar quien se vistiera para la ocasión con un suéter de hilo y pintado a rayas de colores  como el que usa algún personaje de Plaza Sésamo pero que fue muy característico del movimiento musical de Manchester en los años 80 y 90. Los Charlatans adoptaron una postura humilde, se comunicaban con el público como si estuvieran en una tocada de algún garaje de la casa de un amigo, preguntando qué canción querían escuchar, congratulándose de estar nuevamente en la Ciudad de México. No podían faltar en el set list las clásicas Weirdo y The Only One I Know, dos de sus temas que los llevaron a la cumbre. Finalizaron con un tema que podría haber hecho bailar a cualquiera, el órgano Hammond de Tony Rogers y la guitarra de Mark Collins retumbaron en las bocinas penetrando por los poros de la gente con unos solos espectacularmente pachecos y súper groovies. Sin duda el movimiento Madchester ha sido uno de los más importantes de los últimos 35 años y afortunadamente muchos pudimos, la noche de ayer, ver a una banda leyenda que siempre que se presenten en nuestro país nos dejará emocionados y con una gran sonrisa.

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Otto Von Schirach el chico más irreverente de Monkeytown Records lanza nuevo EP

El chico más irreverente de Monkeytown Records nacido en Estados Unidos pero de descendencia cubana y alemana, regresa con un EP lleno de ritmos que recuerdan profundamente a la música electrónica berlinesa pero con un gran toque de tropicaneidad. Género: Synthpop | Hard Techno |Breakcore | IDM Label: Monkeytown Records ★★★★ Los músicos van y vienen, a menudo dejando un rastro de mediocridad y sueños fallidos. Este no es el caso de Otto Von Schirach quien ha estado haciendo música desde su ciudad natal, Miami difundiendo mensajes místicos en todo el mundo durante casi veinte años y a sus fanáticos que aparecen a montones en los eventos en donde Otto se presenta para bailar sin parar en todo momento. Von Schirach ha cuidado bien sus raíces cubana y alemana, ya que se han convertido en un loco árbol tropical lleno de suculentas frutas de audio. Pero, ¿qué tan famoso es Otto?. Hace casi diez años en una tienda de discos en Berlín  llamada Staalplaat conocí a un tipo que llevaba una camiseta de Otto, y desde ahí busqué y seguí su música hasta hace unos años que Von Schirach ganó el Premio Mastermind de New Times en el 2014. Von Schirach se ha presentado en México en el 2011 junto a Silverio y ha tenido varias colaboraciones con los dueños de su actual sello discográfico, Modeselektor. Convertirse en padre le ha dado nuevas energías las cuales las ha dedicado a la música, lanzando recientemente un EP llamado Draculo a traves de Monkeytown Records, un álbum de cinco temas que nos revelan y reafirman la personalidad inquieta y la plasticidad absoluta con la que desarrolla su propio discurso musical. El nuevo disco de Otto se acompaña además de una pista audiovisual para el tema The Ufo is Waiting; posiblemente el tema que mejor resume el perfil desconcertante, enigmático e irreverente de Otto. 

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Relanzan disco debut de Bauhaus en conmemoración a sus 40 años

El 26 de enero de 1979, Bauhaus ingresó en Beck Studios en Wellingborough, Inglaterra, y creó la obra maestra de rock gótico: “Bela Lugosi’s Dead”. La canción  fue lanzada por Small Wonder Records el 6 de agosto de ese mismo año. Durante esa sesión, Bauhaus grabó otras 4 pistas, pero no fueron lanzadas: “Bite My Hip”, sería luego regrabada como “Lagartija Nick”. Las otras pistas inéditas en el EP son “Some Faces” y la versión original de “Boys”, que fue regrabada para el lado b original del posterior vinil 12 pulgadas. Este EP es considerado por muchos como la primera canción que identificó como rock gótico, que derivaría a su vez en la subcultura gótica. Durante su lanzamiento no entró en listas de popularidad, quizá por su extensa duración de más de 9 minutos y porque en ese momento era difícil de encasillar su música en un género. Para celebrar el 40 aniversario de Bauhaus, Leaving Records y Stones Throw Records están listos para emitir este tesoro inédito en un vinil de 12 pulgadas de The Bela Session. The Bela Sessions captura la primera vez que el vocalista Peter Murphy, el guitarrista Daniel Ash, el baterista Kevin Haskins y el bajista David J se juntaron en el estudio en enero de 1979.   La colección presenta el clásico de Bauhaus, Bela Lugosi’s Dead, la primera vez que ha estado en vinilo en más de 30 años. Bauhaus – The Bela Sessions 1. Bela Lugosi’s Dead 2. Some Faces 3. Bite My Hip 4. Harry (b-side) 5. Boys (Original)  Se puede hacer ya el preorder de este disco que será limitado a mil copias, dando clic aquí.   Murphy y David J estarán tocando juntos durante noviembre y diciembre para celebrar con 24 fechas el aniversario de su disco de debut. Nov 06: St Petersburg Aurora Hall, Russia Nov 07: Moscow Glavclub, Russia Nov 09: Belgrade Dom Omladine Beograda, Serbia Nov 10: Frankfurt Das Bett, Germany Nov 12: Zurich Mascotte, Switzerland Nov 14: Paris Bataclan, France Nov 18: Madrid La Riviera, Spain Nov 19: Barcelona Razzmataz, Spain Nov 21: Rome Orion Live Club, Italy Nov 22: Milan Fabrique, Italy Nov 23: Munich Ampere, Germany Nov 24: Bochum Christuskirche, Germany Nov 26: Wroclaw A2, Poland Nov 27: Berlin Columbia Theater, Germany Nov 28: Hamburg Knust, Germany Dic 04: Manchester O2 Ritz, UK Dic 05: Glasgow SWG3, UK Dic 06: Northampton Roadmender, UK Dic 08: Leeds Beckett SU, UK Dic 09: London O2 Forum Kentish Town, UK Dic 11: Copenhagen Store Vega, Germany Dic 12: Stockholm Nalen Sweden Dic 14: Athens Gazi Music Hall, Greece Dic 15: Thessaloniki Principal Club Theater, Greece

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KAGUU, nueva joya del Math Rock mexicano

El secreto mejor guardado méxico-estadounidense de math-rock lanzó hace apenas un par de meses una estupenda producción. Su proyecto comenzó en 2015 bajo el nombre Kaguu e influenciados por bandas como Covet, TTNG, Tricot y Elephant Gym, por decir algunos, sacaron Hawkridge, su primer EP en 2K17. Ahora se encuentran promocionando Wistful. Género:  Rock progresivo, Math-Rock ★★★★★ El disco Wistful  a “Ruby” como primer sencillo. 3 minutos y 27 segundos para perderse en los sonidos de los que esta banda se empieza a adueñar y que provocan distintos sentimientos. En sus palabras “todos están mezclados en este álbum”. La producción, mezcla y masterización de este disco estuvieron a cargo de Eleazar Williams, quien también tiene participación en algunas composiciones. El arte utilizado es de Yvette Young, ilustradora y compositora que es mejor conocida por tocar en Covet, banda de math de San Franciso. Ya pueden encontrar Wistful en iTunes Music, Spotify y Bandcamp. Sigan dan clic aquí a Kaguu en sus redes sociales.  

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Los Lagos, nuevo disco de Thomas Fehlmann, una muestra de su experiencia en la música

El último lanzamiento en solitario de Thomas Fehlmann, Gute Luft, tiene ya ocho años y después de esa banda sonora dub techno ambiental para el documental “24h Berlin”, Thomas Fehlmann regresa a sus 61 años con un nuevo álbum llamado Los Lagos. Género: Dub Techno | House | Dubstep | Electrónica | Minimal House Label: Kompakt ★★★★ Con una carrera musical que abarca más de 25 años, el compositor y pionero de la música electrónica suiza, Thomas Fehlmann se ha ganado el estatus y reconocimiento como uno de los padrinos de la música electrónica. Desde su época en la banda de electropop Palais Schaumburg, hasta las colaboraciones con Juan Atkins y Moritz Von Oswald, y las producciones legendarias como la mitad de The Orb, el hombre de 61 años ha buscado continuamente encontrar un nuevo espacio sonoro y conceptual.  Esta búsqueda es más evidente que nunca en Los Lagos, su último lanzamiento en el que Fehlmann presenta los diferentes enfoques musicales adquiridos en más de 25 años de experiencia dentro de la música electrónica, destilando pistas y ritmos que van desde sonidos que hacen recordar a la vieja escuela de Berlín y el synth-pop, hasta indicios de minimal techno de los noventas, vibraciones dub y efectos de sonido extraños, sonidos que en conjunto crean ritmos que desencadenan los instintos en la pista de baile dentro de un sistema de coordenadas.  Ha pasado ya tiempo desde que escuchamos por primera vez el proyecto en solitario de la leyenda de la música electrónica y la espera ha valido la pena. Los Lagos es el testimonio claro de la longevidad y experiencia de Fehlmann como artista. 

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