Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

FABRICLIVE se despide con Kode9 y Burial

A principios este año Burial se asoció con The Bug para un proyecto en colaboración que siguió a un 2017 lleno de lanzamientos como Rodent, el sorpresivo Subtemple EP y el Pre Dawn / Indoors. Ahora la leyenda del dubstep se ha alidado al productor del Reino Unido Kode9 con quien lanzará la centésima y última entrega de la serie de mezclas FABRICLIVE del club nocturno Fabric.  La mezcla de 74 minutos se lanzará el 28 de septiembre y solo en ese momento se dará a conocer la lista de temas. Tambien el álbum estará disponible digitalmente en CD y en vinilo.  Aunque se dice que la serie FABRICLIVE ha llegado a su fin, se especula que una nueva era de mezclas comenzará el próximo año después de que FABRICLIVE 100 salga a la venta en octubre. 

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Perfume Genius vuelve a iluminar No Shaped, su obra maestra del 2017 con un increíble EP de remixes

No Shape el exitoso álbum nominado al Grammy de Perfume Genius y uno de los considerados mejores álbumes del 2017 volvió a ser iluminado nuevamente con un EP de remixes lanzado en junio pasado. Género: Indie Pop | Chamber pop | Folk | Art – pop Label: Matador Records ★★★★ Mike Hadreas, Perfume Genius, recientemente lanzó Reshaped, un EP de seis pistas que remezcla canciones de su gran álbum No Shape del 2017. Los artistas que contribuyeron en este EP incluyen al productor neoyorquino mmph; al productor y solista inglés Mura Masa; al productor y Dj estadounidense Jam City quien trabajó con Kelela; a la artista en solitario de Hyperdub, Laurel Halo; al cantante y compositor Blake Mills; y a la relativamente artista nuevo de pop con sede en Brooklyn, King Princess.  Hadreas intentó elegir a personas que coincidieran con el revoltijo de emociones que aparece en No Shape. Quería elegir a personas que traerían ese extraño tipo de tensión de música pop pero con algo de subversivo debajo. Reshaped es un de los álbumes de mixes que se postula para ser de los mejores del 2018. 

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Rainforest Spiritual Enslavement llega a MUTEK MX

MUTEK MX en su edición número 15 ya está listo para recibir a Rainforest Spiritual Enslavement  (alias Dominick Fernow). Pareciera como si hubiera  surgido de todo eso que asecha a una escena subterránea velada en secretos, pecados y delitos. Fernow crea pasajes siniestros fuera del mundo real e inspirado en mundos alternos al oscurantismo. Ha liberado numerosos casettes que datan de finales de los 90 bajo su alias Prurient hasta que finalmente desarrolló un sonido de culto bajo las sombras del vaticano en 2011. Cada versión  deja al descubierto una fotografía o pasaje militar y un título de alguna emisión extremadamente rara, maneja todo un concepto abstracto. La música de Fernow cuenta con la etiqueta de Blackest Ever Black, Hospital Productions  y Modern Love. Por supuesto, no es un archivo mucho más profundo de las liberaciones en virtud de sus muchos otros aliases. El acto en vivo que presentará está cargado de  explosiones espirituales, atmósferas negras y como su sello  lo ha venido marcando: una conceptualización de la guerra en donde las únicas ruinas serán las que dejen bailando cada uno de los asistentes. Rainforest Spiritual Enslavement es  hostil y oscuro, está hecho de patrones profundos, repetitivos, distorsiones, percusiones y dark synths perfectamente equilibrados a través de las paredes  cerebrales que habitan en Fernow. Su música es turbia y difícil, golpea fuerte y no deja lugar a respiro,  es una extrema composición que redefine ritmos industriales, irregulares, atemporales, adormilados y que van por igual pintando un nuevo laberinto para mostrarnos un panorama infernal, pero todo ello abrazado a la corriente ambient de tintes oscuros. Sus álbumes son muy directos y de gran propulsión,  siguen la línea de un cambio evolutivo visible a una conexión funcional afinada al  sentir inhumano, al apocalipsis. No se pierdan la oportunidad de verlo en MUTEK 2018, creemos que al menos una generación de asistentes quedarán  satisfechos  y será algo sin precedentes. Los factores como adrenalina, venganza,  atmósferas densas ante  los límites asfixiantes serán los nuevos significados de una tortura que  abruptamente se intensificará dentro de sus cuerpos en una excelente plataforma como lo es el festival. Es la mejor apuesta para una experiencia sombría,  como si nos sumergiéramos en las profundidades de los abismos más para descubrir a nuestros peores fantasmas.

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El muro sónico de Massacre 68 hoy

¿Cómo sonaría el Massacre 68 si aún tocara en diez o veinte o treinta años? ¿Veinte o treinta años más de cultura punk sobre la faz de la Tierra? ¿ El Massacre 68 sin Aknez en los gritos? En verdad, ¿cultura punk por más décadas? Podrían ser algunas irrisorias preguntas de adolescentes punketos a finales de la década de los 80 o inicio de los 90. Pues aquí estamos. Massacre 68 se ha reformado después de sus incendiarios conciertos a finales de 2015 en la capital del país, retornando a la alineación fundadora con July en los tambores, quien vive en Helsinki; Miguel Thrasher en el bajo, que persiste en el ex Distrito Federal; y Miguel Virus en la guitarra y voz, desde San Francisco, California. Aknez decidió dejar la banda en los primeros meses de 2016. La cultura punk causa revuelo en casi todo el planeta por su absorción en distintas movidas y circuitos, también por su obsolescencia en algunas regiones, por convertirse en objeto de mercadotecnia y consumo, por su entrada más amplia a museos, instituciones o universidades. Por esto y por aquello, por todo en realidad: el punk sigue siendo escandaloso a más de 40 años de su natalicio mediático en Estados Unidos e Inglaterra. Y Massacre 68, en plena gira por Europa durante el verano de 2017, grabó lo que es su segundo o tercer álbum, depende desde donde se mire el complejo panorama de relaciones entre sus integrantes. Para dejarlo claro: en 1990 publicaron No estamos conformes, una de las placas fundamentales del movimiento punk en habla hispana. En 1991 se disolvieron dejando más de una decena de nuevas composiciones para un álbum titulado Zonas marginadas, el cual se grabó sin aspavientos alrededor de 2006 y apenas recientemente fue publicado en una versión de pocas copias y nula difusión por un sello de California. Entonces El Muro es, en realidad, la nueva producción discográfica de Massacre 68, registrada en cinta magnética en un estudio finlandés al terminar la gira que los llevó por el Estado Español, Alemania, Suecia y Finlandia. Un gran cambio es una invaluable oportunidad para hacer algo fresco, retador, para renovarse: para hacer una declaración de principios. Para presentaneizarse, diría el escritor Leonardo da Jandra. O poner los pies en el presente, dicho de otra forma. Y El Muro es un álbum espléndido en ese sentido, además de un deleite aural para quienes amamos escuchar hardcore-punk de forma atemporal, más allá de modas y del qué dirán. Como pura y dura experiencia aural. El Muro es un tremendo disco que muestra en plena forma creativa, rasposa y madura a la otrora banda adolescente explosiva de la capital de México. Massacre 68 está aquí, tocando un hardcore-punk rabioso, que no niega en lo absoluto su influencia por la escuela finlandesa o nórdica, así como de bandas como Discharge u Olho Seco (de Brasil), pero también acudiendo a otras gestualidades sónicas, a rasgueos de cierta acidez y bajos que enmarcan creativamente algunas secciones más explorativas al tuca-tucazo. July es ahora con más lucidez un recio primitivo de la percusión hardcorera. “Refugiados de Siria” abre con suma potencia este álbum que, inevitablemente, señala al gobierno de los Estados Unidos como uno de los principales cánceres del planeta. “Nido de ratas” es una crítica al partido que hizo suya la revolución mexicana para engendrar una clase política y empresarial que aún domina este desigual y explotado país. “Exijo muerte” es una genial canción de inicio de los 90 que permite tender un puente entre su anterior sonido y su sello actual, un tema también adictivo por los riffs y el puntual coro: exijo muerte al presidente. “Detonación” y “La Cocina” más hardcore-punk frontal, furioso, éste último un tema alusivo a la situación social en Colombia que escribieron a su paso por este país también en 2016. Cabe destacar el tema “Comunidad infectada”, dedicada a la escena punk mexicana en su sector más parasitario, egocéntrico, consumista y negativo. Una necesaria reflexión para una movida la mayor parte del tiempo acrítica y auto-segregada. Una invitación de Massacre 68 para retomar la cultura punk en su forma politizada, activista y abierta. Musicalmente uno de los tracks más desbordantes con riffs, baterías y gritos desde el punk rock hasta cierto sonido indie y garage. A muchas y muchos no necesariamente punkys encantará esta rola. Quienes se hagan de El Muro en vinilo escucharán al cierre del lado A el brutal cover “Voittaako pahuus” (El fin) de Rattus, que ya había aparecido proveniente de una grabación de 1987. Esta nueva versión es doscientas veces más recia e infecciosa. Joya. En la versión mexicana que se publica en CD la encontrarán en español, muy potente, pero personalmente me quedo con este trallazo en finlandés, como la original. El lado B permanece en la ruta: “Escuadrón de la muerte”, “Sembrando muertos” y “Desaparecidos”, fuertes dosis hardcoreras para exponer un planeta en guerra, cuando no militar: extractivista, neoliberal, y el hambre de un lado a otro, mientras unos pocos viven a placer y deciden el presente y futuro de millones de personas. Después, el tema que da nombre a este álbum, dedicado al Hombre de lo que va de este milenio, por supuesto, Donald Trump: digno representante del Imperio y la mierda que esparce por todos sitios. Para finalizar, “Animal Humano”, una crítica ahora más amplia a nuestra especie, que históricamente pocas veces ha tomado en cuenta el entorno planetario como parte de su riqueza y legado. Ya lo dice, por ejemplo, el Comité Invisible en su reciente libro Ahora, que un terrible error del comunismo fue plantear una ideología y luego un sistema sin atender a la naturaleza como parte vital del proyecto político y social del ser humano. Grabado en estudio analógico con cinta magnética, impreso en vinilo y disco compacto, incluyendo un póster con ilustraciones del ya legendario Nene, collages del Dr. Lakra, trabajo gráfico de Laureana Toledo, letras en varios idiomas, fotografías y un cuidado formal importante de todo

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Reseña de My Bloody Valentine en vivo en Los Ángeles

Poder ver a My Bloody Valentine en vivo fue para mi tal vez unas deudas pendientes más grandes de toda la vida. Supongo que a muchos fanáticos como yo les habrá pasado lo mismo. Prácticamente son contados los conciertos que hicieron en América, siendo más asiduos en los festivales europeos. Figurita difícil si las hay en los últimos años, a pesar de todas las re-diciones que han hecho y ese ya lejano disco nuevo que tuvimos que esperar por mas de 20 años, uno nunca sabe a ciencia cierta si todo quedará relegado a una promesa o no. Inicialmente el FYF, festival de música que se realizó el año pasado en Los Ángeles, los anunciaba como headliners en uno de sus días junto a bandas como The Breeders o Us Girls. De hecho usaron “Only Shallow” en algunas de sus promos. Por cuestiones relacionadas a seguridad del predio y algo que no terminé de entender con Janet Jackson, lamentablemente fue cancelado. Por un momento parecía que toda su gira en los Estados Unidos corría el peligro de quedar en stand by. A los pocos días anunciaron un concierto en el Shrine Expo Hall, sala antológica de dicha ciudad. Casi sin pensarlo compré mi boleto en el acto. El sueño del pibe. De ahí fue esperar dos meses hasta la fecha: parecía algo de otro planeta poder verlos finalmente. El 22 de Julio, el ingreso al Shrine Expo Hall estaba lleno de gente con playeras de Jesus & Mary Chain, Spacemen 3 y otras bandas afines. A diferencia de otros conciertos de bandas de los 90, el público no estaba relegado a gente en sus mid forties exclusivamente, había muchísimos jóvenes de diferentes edades, prueba fehaciente de que continúan siendo relevantes y de su trascendencia a través del tiempo. Cuando atravesé los controles de seguridad una organizadora me entregó un par de tapones para los oídos, algo que siempre me habían contado y que no imaginaba tan oficializado. El show tuvo de teloneros a una banda de postpunk de Detroit, muy buena, con un sonido que me recordaba a la Rollins Band. Por momentos pensé en por que no estaban tocando Ringo Deathstarr o tal vez Tamaryn, discípulos directos. Who cares! Con un estadio prácticamente lleno (tickets agotados) a las 21 hrs salieron y fue como si el tiempo se hubiese detenido “I Only Say” fue la primera canción, e inexplicablemente y teniendo en cuenta lo difícil que puede ser reproducir ese sonido en vivo, todo sonaba ajustadísimo y en su exacto lugar. Hasta ese momento el público estaba estático, como en un estado de shock. Siguieron con “When You Sleep” y ahí se desató una suerte de locura colectiva que se mantuvo hasta el final.  Ciertamente mucha gente los estaba esperando desde hace mucho tiempo. Unos visuales psicotrópicos acompañaban estoicamente cada canción, terminando de crear la atmósfera perfecta. El repertorio incluía en mayor parte canciones de Loveless, Mbv, algunas de Ins’t Anything, cosas puntuales de sus Eps y sus primeros discos. También tocaron 2 temas nuevos de los que no se sabe prácticamente nada. Cuando llegaron los clásicos como “Only Shallow” o “ Soon” la gente se volvió totalmente loca. Kevin Shields tenía a su lado lo que tal vez era la pared de amplificadores de guitarra más alta que vi en mi vida ubicada en un ángulo para no contaminar el resto del sonido. Bilinda Butcher transmitía algo como súper plácido, inmóvil, pero de ninguna manera distante, en dos o tres momentos hasta se la veía sonreír. A los 4 miembros originales se sumaba Jen Macro, una tecladista y guitarrista incidental, ubicada detrás de Bilinda Butcher, que dicho sea de paso era la encargada de tocar muchas veces melodías fundamentales en la mayoría de las canciones de Loveless. Colm Ó Cíosóig y Debbie Googe sin lugar a dudas los mas histriónicos de la banda, formando un frente sólido, interactuando entre si todo el show, moviéndose y tocando con muchísima energía. El pasaje de todas las bases electrónicas de Loveless a una batería Ludwig acústica fue ciertamente un plus: eran ejecutadas a un nivel de volumen, que, con la vibración, por momentos te llegaba a nublar la vista. Como bajista, siempre estuve muy intrigado en desentrañar las líneas de bajo que tocaba Googe pero a simple vista parecía como si le diera golpes al bajo. Aun ahora sigue siendo un verdadero misterio. El concierto cerro con “You Made Me Realise”, con un arreglo que extendía a casi 8 minutos la sección en la que la canción deriva en un noise estático para terminar cerrando el show con los últimos compases de la rola. Estando ahí no dejaba de pensar en el ingeniero detrás del publico en la mesa de sonido, un autentico privilegiado pudiendo escuchar toda esa maravilla sonora, canal por canal, track por track, algo con lo que muchos de nosotros siempre fantaseamos, ¿no es así? Mientras escribo esta breve reseña veo que van a participar del Desert Daze en California y estoy considerando seriamente repetir la experiencia. SETLIST I ONLY SAID WHEN YOU SLEEP NEW YOU NEW SONG YOU NEVER SHOULD HONEY POWER CIGARETTE IN YOUR BED ONLY TOMORROW COME IN ALONE ONLY SHALLOW WHAT YOU WANT THORN NOTHING MUCH TO LOSE WHO SEES YOU TO HERE KNOWS WHEN SLOW SOON WONDER 2 FEED ME WITH YOUR KISS YOU MADE ME REALISE

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25 años del Siamese Dream de The Smashing Pumpkins

Se cumple un cuarto de siglo del Siamese Dreams de The Smashing Pumpkins, una de sus obras más viscerales previo a su gran éxito comercial. Han pasado 25 años desde que Siamese Dream fue lanzado,  un álbum en donde la ira y la tristeza son el motor predominante, la saturación sónica y sonora de estruendosas guitarras apasiguadas por cuerdas acústicas de igual forma, notas frescas y rasgueos viscerales, como si el solo hecho de escribir e interpretar estas canciones reabriera las heridas de Billy Corgan y de cualquiera que se sienta identificado. El disco abarca temas tales como el abuso infantil, el desamor, la soledad y la lucha continua contra las cosas jodidas de la niñes, la adolescencia y la vida, en el, en esta obra,  la banda convierte el furioso resentimiento del cantante en una exhibición de auto empoderamiento purificador. En Siamese Dream The Smashing Pumpkins perfeccionaron el arte de encontrar el triunfo en la tragedia, por lo que sigue siendo un audaz manifiesto de su ascensión a la historia del rock alternativo.

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“Sleep Like It´s Winter” el nuevo álbum de Jim O´Rourke, el músico que no hace música por que la disfruta

Jim O´Rourke regresa como solista con un álbum de 45 minutos de música increíblemente bella e incómoda. Género: Ambient | Experimental | Post-clásica Label: Nowhere Music ★★★★ Escribir sobre un músico como Jim O´Rourke es un desafío. Su trabajo raramente es lo que parece estar sobre la superficie, sus mecanismos cuidadosamente ocultos para que su música funcione en el oyente son el resultado de un proceso complejo e invisible. Una gran cantidad de estudios e inteligencia musical subrayan su música a tal forma que la hace sentirse completamente natural e incluso obvia, como si siempre existiera. Su enfoque creativo incluye un fuerte elemento de disciplina académica, pero que al final irradia mucha pasión y corazón.  En junio a través de Newhere Music se publicó el álbum titulado Sleep Like It´s Winter el cual es el primer álbum de alto perfil y en solitario de O´Rourke desde Simple Songs del 2015. Entre Simple Songs y Sleep Like It´s Winter se encuentran veintidós temas por separado de la serie Steamroom, un trabajo de O´Rourke que lanza en promedio cada uno o dos meses desde su pagina de Bandcamp. Si bien algunos de estos temas son canciones antiguas que se consideran dignas de exhumar de sus viejos archivos, este rápido flujo de lanzamientos también pueden incluir algo para aquellos de nosotros que esperamos encontrar pistas sobre el funcionamiento de su música. Ciertamente, algunas de las versiones de Steamroom que precedieron inmediatamente a Sleep Like It´s Winter comparten similitudes. Sin embargo, ninguno de estos temas tienen capas y texturas tan ricas; y aunque la música ambient casi por definición es música que desafía el análisis deslizándose principalmente en los márgenes de la conciencia, Sleep Like It´s Winter se siente como un álbum muy consciente, lleno de ideas y revelando algo nuevo en cada escucha.   

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La banda Wohl se va a Suecia pero necesita un poco de apoyo

Post-rock bien logrado y una ejecución en vivo impecable y poderosa es lo que caracteriza a Wohl. Desde finales de 2012, Angel, Samael, Amadeus y Octavio han creado canciones que rápidamente se han convertido de culto dentro de la escena nacional. Sólo tienen un LP: En vida y salió en 2017, pero les ha sido suficiente para ganar una comunidad increíble de seguidores. Este año fueron parte del Forever Alone Fest IV en CDMX y de la FIMPRO en Guadalajara, y ahora están en preparativos para llegar del otro lado del mundo al Live at Heart, en Suecia​. Este festival es el único de su tipo que sucede en Suecia, toma inspiración del legendario South by Southwest y pretende llevar la experiencia a Europa. Ellos afirman que no importa la nacionalidad ni el idioma, sino el deseo de crear material novedoso y único; ellos creen en el talento. Wohl ha sido elegido para participar por su singularidad y están buscando financiamiento para el viaje a través de una campaña en kickstarter. Pueden ayudarlos a llegar al festival a cambio de un CD o un cassette. Nos alegra mucho la noticia y estamos orgullosos de que el talento mexicano esté siendo reconocido en el extranjero. Para ayudarlos a financiar su viaje han comenzado una campaña en kickstarter, además de que el artista visual SNKHDS  lanzó un poster conmemorativo y todas las ganancias serán para la misma causa. Puedes apoyarlos y hacer que logren su sueño, dando clic en aquí.

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