Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

El nuevo mini álbum de Laurel Halo “Raw silk uncut wood” y su intención de confundir a la gente

Un año despues de Dust, la productora Laurel Halo ha lanzado nuevo mini álbum que se dirige hacia la musica ambient llamado Raw Silk Uncut Wood a través de Latency Recording. Género: Ambient | Experimental | Avant Garde Label: Latency Recordings ★★★★ A diferencia de Dust álbum que estaba lleno de voces de Halo y otros colaboradores, el nuevo mini álbum de Laurel Halo se dirige hacia la música ambiental con contribuciones del violonchelista Oliver Coates y el percusionista Eli Keszler. Este nuevo proyecto está acompañado por dos composiciones de diez minutos, el primero de los cuales fue lanzado el mes pasado.  El titulo Raw Silk Uncut Wood proviene de una traducción de Tao Te Ching de Lao-Tu por la autora Ursula K. Le Guin, y la portada con la figura andrógina pálida que fuma y mira a través de una ventana está tomada de la pintura al óleo de Prince S de la artista Jill Mulleady. Un álbum complejo y difícil de descifrar sobre todo por el contraste al haber logrado un sonido tan característico en Dust. Halo se ha propuesto en este álbum confundir a su audiencia aun más, lo que tal vez indica que su música es tan juguetona y variante como su persona después de todo.   

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Deepchord “Immersions” dub techno profundo e inspirador

Rod Modell regresa como Deepchord en su primer lanzamiento en solitario para Astral Industries con un dub techo profundo e inspirador. Género: Ambient | Dub Techno | Deep House Label: Astral Industries ★★★★ El nuevo EP consta de dos impresionantes piezas de formato largo que capturan el sonido emotivo y tranquilo que Rod nos ha enseñando y ha perfeccionado a lo largo del tiempo. Por un lado, texturas ambientales destacables que en “Immersion I” se convierten a lo largo de los 18 minutos  en un dub techo profundo e inspirador y por otro lado en “Immersion II” Modell pinta paisajes sonoros prístinos de ondas suaves y onduladas apuntalados por pulsaciones sumergidas que suben a la superficie para continuar sus exploraciones en el espacio profundo.  Dos temas muy refinados e inspiradores que se sientan en el apogeo del dub techo.  

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Turning Jewels Into Water, explosión sonora retrofuturista de New York y Haití

Turning Jewels Into Water es un dueto iniciado por el percusionista neoyorquino Ravish Momin y por la ingeniera electrónica experimental Val Jeanty , de Haití. Su misión recae en exponer la realidad contaminante del presente distópico con una explosión sonora infecciosa y retrofuturista. Mitad orgánica, mitad maquinista, en su debut Which Way is Home? se plantea un camino de liberación empática. La unión del dúo inició en el Otoño del año pasado en Brooklyn, Nueva York, durante una sesión de jam en Pioneer Works, plataforma creativa y aventura multidisciplinaria en la que Momin realizó una residencia que rápidamente evolucionó hacia una revelación ritual y profunda ceremonia. Voces, beats dislocados y una amalgama digital se descifraron entre sueños linguísticos y fantasmas espaciales; como si el imaginario de Bladerunner se encontrará con la poesía negra de Nathaniel Mackey, para desencriptar cifras gnósticas desde un cableado quemado. El surgimiento espiritual del proyecto se nutre de tradiciones afroamericanas y la infancia en Mumbai de Ravish Momin, así como el voodoo nativo de Jeanty: juntos vuelan hacia nuevos mundos y estallidos musicales.   Así, Turning Jewels Into Water es un nuevo inicio con raíces futuristas que dan lugar a dubs mutantes, ondas senoidales, percusiones polirrítmicas e interferencias estáticas de una consola áerea, mediante tornamesas embrujadas y sintetizadores post-apocalípticos fundidos en la herencia del jazz, el illbient y la afroelectrónica. Turning Jewels Into Water es Ravish Momin (batería electrónica, loops en vivo, programaciones) y Val-Inc (tornamesas y percusiones electrónicas). Which Way Is Home? ve un lanzamiento en vinil y formato digital en verano de 2018, vía FPE Récords.

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Reseña del disco Dissidentova, de AGF

Dissidentova es una hauntología poética y feminista de la Rusia de mediados del siglo XVIII hasta la actual acompañada de una gran variedad de sonidos tensos y dinámicos al servicio de enmarcar y contar una historia fascinante. Género: Ambient | Experimental | Noise | Avant Garde Label: AGF Producktion ★★★ La colección sonora Dissidentova es una producción que explora el lenguaje feminista de la artista musical y poeta Antye Greie-Ripatti, conocida como AGF. Este trabajo se centra en la poesía, el arte sonoro y la historia de estos en Rusia desde mediados del siglo XVIII hasta la actualidad. AGF eligió a 16 personajes icónicos de la cultura rusa y creo tributos fragmentados, colocándolos en un orden cronológico. Participaron músicos y artistas sonoros rusos que colaboraron con ella para tratar de interpretar el paisaje musical de la Rusia actual. 

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Fischerspooner regresa después de nueve años con un álbum lleno de historia y erotismo

Tema por tema en Sir, existe una característica recurrente de la música que le da a Fischerspooner la oportunidad de entrar en una discusión profunda sobre su último álbum Género: Electroclash | Synthpop | Dance Label: Ultra Records ★★★ El duo de electroclash Fischerspooner regresó con álbum nuevo después de nueve años de receso. El disco se encuentra cargado de erotismo como siempre, incluso cuando cuenta la historia personal sobre el final de una relación de 14 años del cantante Casey Spooner. Explora también el reingreso de Spooner a la distracción sexual ahora definida por la tecnología, pero también las formas confusas en las que los sentimientos y la auto imagen están presentes en esas experiencias mientras examina simultáneamente los años de turbulencia emocional y sexual que experimentó con su expareja. Aunque las canciones pueden ser intensamente personales, Spooner no estaba haciendo este autoanálisis solo. El álbum en su totalidad fue coescrito y producido por Michael Stipe de la leyenda musical R.E.M. y en ocasiones con apoyo de Andy LeMaster desde su casa en Atlanta.  Según Spooner, Michael Stipe le ayudó a estar conectado emocionalmente y a confiar en su voz,  la cual trató de hacerla más cruda. Tambien Stipe le ayudó a crear nuevas formas de música y letras, el era mas que un productor. Fue un mentor y un gran amigo que lo guió y protegió durante la todo el tiempo que le llevo crear este nuevo álbum. El lo levantó de su punto personal más bajo. Este nuevo álbum es también un documento sonoro de esa experiencia.  

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El día que Clan of Xymox se hizo escuchar al estilo de Jonh Peel

Quien no ha escuchado a ese famoso DJ promotor de bandas importantes en los 80 que lamentablemente ya no está entre los humanos: Jonh Peel, precursor de darle un sonido original en vivo y en directo a cada banda, de entre su enorme lista encontramos a una camada de artistas hoy en día grandísimos que grabaron sesiones para él como: Joy Division, The Cure, Echo and the Bunnymen, New Order, Depeche Mode y The Smiths, por mencionar algunos. En 1985 Clan Of Xymox lanzó su primer LP homónimo y se perfilaba como una de las bandas del movimiento dark wave que mejor propuesta traía. Para su siguiente LP hicieron una parada para demostrar que no eran una banda del mainstream y optaron por hacer grabaciones con Jonh Peel, el resultado fue contundente, ese inicio del retumbar de un beat oscuro con la rola “Stranger” hace que Ronny Moorings  (vocalista y líder de la banda) alcance unos tonos graves parecidos al disco e incluso mejores. “Muscoviet Mosquito” (uno de los sencillos que más éxito tuvo la banda), muestra una perfecta conjunción de los instrumentos que al llevar cierta velocidad los hacia tocar de una manera extasiada mente atmosférica, y justo después en el momento llega “Seventh Time” en la cual la segunda vocal (Anka Wolbert) nos lleva a ese lado femenino que tenía la banda, no obstante, sin dejar a un lado ese lado oscuro y melancólico muy característico de la época. El momento cumbre se lo lleva “After the Call”, aquí la banda se enfoca en un momento de cierta reflexión hacia los pensamientos que tenemos a cada persona de algo que nos abruma y nos lleva a confundir sentimientos de una desesperación meramente hermética e imaginaria, Pieter Nooten (tecladista y compositor de la banda) nos muestra unas vocales que encajan perfectamente en esta bella pieza musical.   “Mesmerised” (que más adelante se cambiaría el nombre por “Medusa”) sería una de las rolas que quedarían en su próximo LP y una de sus mejores liricas hasta el momento escritas. Desde el comienzo se muestra unos teclados atmosféricos con toque de  nostálgica y un encanto de una hipnotizante demagogia llevada al romanticismo de un existencialismo puro que solo Ronny Moorings y Pieter Nooten podían plasmar en directo desde la cabina de uno de los mejores promotores musicales de la historia de la música, ¡John Peel!

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Max Cooper presenta el día de hoy “Identity” el segundo sencillo del tan esperado One Hunderd Billion Spark

Después de haber disfrutado hace algunas semanas Hope, el primer sencillo del nuevo álbum de Max Cooper One Hunderd Billion Spark, el día de hoy Cooper nos sorprende con Identity, detalles minúsculos en espiral al rededor de música inmersiva, impulsado por sonidos suaves y percusiones mínimas. Género: Techno – Ambient Label: Fields ★★★★★ Según Max Cooper dentro de su proceso de aislamiento para mirar hacia el interior en la base de su nuevo álbum, se volvió cada vez más consciente de los constructos en los que vivimos, las fábulas que nos decimos acerca de quienes somos y los sistemas que se crean. Es difícil de aceptarlo pero la idea de que somos un montón de constructos resulta quizá perturbador. Somos un montón de batallas personales contra presiones de conformidad, nacionalidad, religión, normas sociales y expectativas de clase; estamos cargados de restricciones que amortiguan nuestra verdadera personalidad, que siempre está ahí hirviendo a fuego lento, y en la pista de baile explotan al menos bajo un efecto extremo, la música (este párrafo es un intento de expresar para mí de forma pura, lo que Max Cooper traduce en música, en su nuevo álbum venidero).

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Throbbing Gristle la banda que siempre redefinía la palabra expectación

El primer encuentro de un oyente con Throbbing Gristle es casi invariablemente la experiencia musical más desconcertante que uno pueda tener. Es abrasivo, extraño y confuso, incluso a veces repugnante. Si uno no llega al horror de inmediato, una inevitable inundación de preguntas sigue: ¿Esto es música?, ¿Cómo es esta música?, ¿Por qué es esta música? y finalmente ¿Quién hace esta música?. Comprender a Throbbing Gristle requiere algo más que una apreciación del ruido. Requiere un abrazo de dadaísmo y provocación hostil en forma musical. Si bien las duras líneas de sonido creadas por Merzbow o Kevin Drumm pueden parecer imposibles de entender para los no familiarizados con estos sonidos, Throbbing Gristle es un tipo totalmente diferente de música. Eran, en diversos sentidos, noise, música hablada, arte, performance, música mutante, música electrónica, un concepto musical y un pop suficiente para mantener todos sus álbumes sorprendentes y repetidamente gratificantes.  En ese espectro de géneros y enfoques, Genesis P-Orridge, Peter “Sleazy” Christopherson, Chris Carter y Cosey Fanni Tutti encontraron la manera de hacer música difícil y desorientada como sea posible, pero lo hicieron de una manera que permaneciera interesante en todos los sentidos. A veces eso significaba crear verdaderas pesadillas auditivas. Antes de entrar en el cómo y por qué, lo mejor es familiarizarse con quién. Throbbing Gristle se formó en 1975 en el Reino Unido a partir de un colectivo de arte performance llamado COUM Transmissions cuyo objetivo primario era desafiar las aspectos convencionales de la sociedad británica, gran parte lo hacían de forma musical, pero realizaban actuaciones, exhibiciones y performances creando controversia en la sociedad en todo momento. Un volante con el logotipo fálico del grupo llevo al líder Genesis P-Orridge a tener problemas legales, y en 1976 durante su exposición “Prostitution” en el Instituto de Arte Contemporáneo llevó a los miembros del parlamento a arremeter en contra del grupo tachándolos como “saboteadores de la civilización”. Algo cruel y provocativo sin duda era la exposición que incluía fotos pornográficas, cuchillos oxidados, jeringas, pelo ensangrentado, así como objetos y productos femeninos usados. El significado de esto estaba en debate: ¿Qué había hecho que todo eso incomodara a la gente?.  COUM Transmissions terminó sus actividades en 1976 con una actuación de Throbbing Gristle, la primera bajo este nombre iniciando así el legado del grupo. Throbbing Gristle  era oficialmente una banda de cuatro músicos que funcionaban esencialmente como artistas performance, solo que en lugar de exhibiciones de desnudos con violencia simulada utilizaban instrumentos musicales; aunque esos elementos no desaparecieron de forma contundente ya que imágenes pornográficas y otras escenas impactantes y a veces grotescas eran a menudo parte importante de sus actuaciones. Sin embargo, la música siguió siendo la parte mas extraña y desorientadora de Throbbing Gristle. En realidad, no es música bonita ni melódica en ningún sentido convencional. La composición sonora de Throbbing Gristle esta llena de grabaciones de cinta distorsionadas acompañadas de una gran variedad de efectos extraños y frases habladas que en conjunto logran experimentos sonoros radicales pero estructurados.  Throbbing Gristle lanzó cuatro álbumes de larga duración en su propio sello Industrial Records, pero es el primer álbum (First Annual Report es el primer álbum grabado en estudio pero no lanzado intencionalmente por la banda)  llamado The Second Annual Report una obra de arte digna de mencionarse. Grabado a través de un cassette de la manera mas lodosa y sucia posible que le da una calidad encantadoramente desgarradora, The Second Annual Report habla de la naturaleza absurda de la banda en un escenario auditivo incómodo por una gran variedad de razones. El lado A presenta tres versiones de “Slug Bait” y cuatro versiones de “Margot Death”, el segundo lado contiene 20 minutos de “After Cease to Exist”. Describiendo cada elemento de Second Annual Report, “Slug Bait” es en tres partes separadas un canto discordante que mezcla entre ópera y una guitarra distorsionada una entrevista con un asesino real, mientras que “Maggot Death” es una canción real, verdaderamente ruidosa aunque solo consiste en insultos de P-Orridge hacía el publico.   Mientras Throbbing Gristle usaba el término industrial para etiquetarse mucho antes que el industrial se considerara genero o tuviera algún tipo de reconocimiento, su segundo álbum D.o.A: The Third and Final Report se consideró una pieza clave dentro de la ola industrial que surgió en los años 80´s. Un álbum que musicalmente es parecido al The Second Annual Report pero que contiene una gran variedad de temas con más cuerpo, pistas  con ruidos electrónicos, voces grabadas y otras rarezas extravagantes como pitidos y gorgoteos socavados con el típico bajo de Christopherson.  D.o.A: The Third and Final Report a pesar de tener muchas piezas confusas, es un escenario en que los temas de Throbbing Gristle comenzaron a tener mas importancia convirtiéndolo en uno de los 1001 álbumes que se tienen que escuchar antes de morir. Estos temas estructurados aparecen esporádicamente, pero cuando lo hacen, son de gran impacto.  La progresión de Throbbing Gristle hacia hacer música mas convencional los llevó a realizar su celebre y tercer álbum  llamado 20 Jazz Funk Greats, un disco que va en contra del ruido comercial, mas amigable para el público, tan antitético como su propio modo de pensar a veces incluso en la portada del álbum que parece realmente amigable hasta que uno se da cuenta que la fotografía es en Beachy Head, un lugar popular para el suicidio al sur de Inglaterra. Un álbum que tiene una clara divergencia con la caótica anarquía de D.o.A y The Second Annual Report. Un disco con ritmos y melodías que parece tener algún tipo de dirección. Un disco extraño y retorcido como se esperaba, pero no del todo desgastante en el que hay espacio para la abrasión desagradable y la lectura accesible.  Throbbing Gristle lanzó un álbum más después del 20 Jazz Funk Greats en 1980 llamado Heathn Earth que en cierto modo compartía la estética en vivo del Second Annual Report y los sonidos más rítmicos del 20 Jazz Funk Greats, sin embargo no fue un álbum tan convincente como sus predecesores pero si

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