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Crónicas y Reseñas

La historia detrás de Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space de Spiritualized

Este junio de 2024 se cumplen 27 años de ésta obra seminal, te contamos la historia que le dio forma y fondo a uno de los mejores discos en la historia del rock contemporáneo: Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space de Spiritualized. 1997 fue un año seminal para la música, al menos en tres vertientes: la alternativa, la electrónica y el pop. En ese entonces podías encontrar a bandas como Blur, Suede, Pulp y Oasis en la cúspide/ocaso de sus carreras, mientras una nueva ola de grupos de música electrónica como Daft Punk, The Chemical Brothers, Air, The Prodigy y Aphex Twin, comenzaban a desplazar a dichos grupos con todo y sus fans; al mismo tiempo que el mundo se sumergía en una salvaje promoción de las Spice Girls en radio, tv, revistas, periódicos y… latas de Pepsi. Seguidos por Hanson y Sixpence None The Richer, la base perfecta para lo que vendría después con Britney Spears. Existió también otro género que ganó mucha fuerza ese mismo año por la calidad interpretativa y el sonido experimental de bandas y artistas como Portishead, DJ Shadow, Massive Attack y UNKLE dieron vida al Trip Hop años atrás, mezclando samples y scratcheos propios de la música electrónica con el jazz fussion, rock y soul downtempo, para crear algo verdaderamente sublime. Entre tantas expresiones artísticas ocurriendo al mismo tiempo en diferentes partes del mundo, surgió una de las historias de triángulos amorosos mejor guardadas del rock con la llegada del disco Ladies and Gentlemen we are floating in space de Spiritualized, un disco de proporciones épicas que marcaría un antes y un después en la vida de Jason Pierce, -AKA J. Spaceman- vocalista y líder de la banda. La historia va así: A principios de los 90’s, de las cenizas de Spacemen 3, surgió Spiritualized, una banda que combinaba la psicodelia y el blues con el shoegaze, para crear algo denominado Space Rock, según Jason. Con la salida del disco debut de Spiritualized “Lazer guided melodies”, la banda llamaría la atención de Richard Ashcroft, vocalista de The Verve, que por ese entonces se encontraba promocionando su primer sencillo “All in the mind”, por lo que ambas bandas se embarcarían en una gira a principios del ’92, compartiendo su amor por Pink Floyd, los sonidos saturados, los pedales de distorsión y las drogas. Es bien sabido que mientras los chicos de The Verve viajaban al espacio con LSD, los integrantes de Spiritualized preferían perderse entre las dosis de heroína que encontraban en cada ciudad que visitaban. Desde ese entonces una chica rondaría todas las sesiones de grabación, los ensayos y las tocadas de la banda hasta convertirse en la novia de Pierce, para luego incorporarse a los teclados y unirse formalmente a la banda, su nombre: Kate Radley. A partir de entonces, Radley se convertiría en la musa inspiradora de Pierce, siendo el tema principal en algunas canciones de la banda como: “If I were with her now”  y “I want you”. Hasta aquí, todo parecía una historia de amor perfecta y sin complicaciones, pero la felicidad no es para siempre. En 1995, Spiritualized lanzaría Pure Phase un disco alabado por la crítica pero sin éxito comercial, mientras que The Verve haría lo propio con el maravilloso A Northern Soul, con el que ganarían los elogios de la prensa, y de Noel Gallagher (quién también se encontraba en el mejor momento con Oasis), para luego dejar la escena underground y dar el gran salto al mainstream en cuestión de meses. Fue en ese momento en que Ashcroft y Radley decidieron casarse en secreto, así es, leíste bien, ¡Ashcroft y Radley!… En otras palabras, uno de tus mejores amigos se casa con tu novia a tus espaldas. Increíble ¿no? Lo curioso del caso no es que se haya mantenido el secreto por más de 15 años o que nunca se hiciera un escándalo mayor en la prensa británica sobre el mismo, al ser revelado en 2012, sino que Radley siguió siendo parte de la banda 2 años más, aún después de terminar su relación con Pierce, hasta 1997, año en que se lanzara Ladies and Gentlemen we are floating in space, un disco por demás íntimo y destructivo que por fin llevaría a Spiritualized a la cima de éxito internacional, pero ¡a qué precio! En dicho disco, a Radley se le acreditaría como la encargada de los teclados, el órgano y el piano. Resulta obvio que dicho suceso provocó en Jason un efecto devastador que lo hizo recaer en su consumo de heroína, (que había dejado desde la llegada de Kate a la banda), pero al mismo tiempo exaltó su capacidad creativa a niveles insospechados, no solo a nivel lírico sino musical. Durante 2 años, Pierce tuvo a bien experimentar con el gospel,  R&B, soul, garaje rock, blues y jazz para generar 12 canciones de proporciones épicas, en su totalidad dirigidas a su ex novia. Casi tan revelador y oscuro como The Downward Spiral de NIN, Ladies… es la descripción perfecta de la autodestrucción de una persona después de una ruptura amorosa. Lo más irónico, sin duda, es que el disco inicia con la voz de Radley pronunciando casi como un susurro: “Ladies and gentlemen we are floating in space”, seguido por la voz de Pierce: “All i want in life’s a little bit of love to take the pain away”. Mientras que en I think i’m in love se hace una clara alusión al uso de heroína: “Love in the middle of the afternoon, just me, my spike in my arm and my spoon”, al igual que en la última canción Cop shoot cop: “There’s a hole in my arm where all the money goes”. Según declaraciones de Sean Cook, entonces integrante de la banda, Pierce no era tan prolífico al momento de escribir, pues por lo general se tomaba su tiempo y comenzaba con la parte musical, dejando que las letras llegaran a él poco a poco mientras se armaban las

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Man Machine, uno de los mejores discos de Kraftwerk

En el año de 1978 surgió uno los mejores discos de Kraftwerk, que innovaron desde la década de los 70,  imponiendo nuevos estilos aun incomprendidos en esos tiempos.   The Man Machine trajo consigo una ola de nuevas tecnologías, modas y estilos de imponer la música electrónica que ya se venía gestando desde el francés Jean Michel Jarre, esto se ve reflejado en la portada del disco la cual muestra a estos jóvenes alemanes totalmente estéticos e inertes como si fueran unos mismísimos robots y eso se complementa en su primer track cuando lo único que vocalizan es “We Are The Robots”. “Space Lab” es una invitación a la ciencia ficción que se vivía a finales de los 70  en Europa, mostrando varios audiovisuales en sus presentaciones sobre imágenes espaciales que incautaban a la audiencia. Sin lugar a dudas Karl Batos y Ralf Hutter tenían esa genialidad de crear varios sonidos novedosos para el mundo que no estaba preparado para escuchar otra cosa que llevara guitarras, bajo y baterías. “The Model” fue en el que se convertiría en uno de los hits número uno de la banda alemana, ya que internacionalmente estuvo en las listas de los charts de varios países de Europa y Norteamérica, esto llevaba una cierta implicación de un momento subversivo en el mundo del modelaje atraiéndolo hacia la tecnología de un nuevo beat. Por su parte , “The Man Machine” el último tema del LP, mismo nos muestra una serie de sonidos un tanto futuristas que nos llevan a confundir un cierto pesimismo hacia sobre la música electrónica, pero esto no era sino una metáfora hacia el camino un tanto incierto de las nuevas tecnologías implantadas en la música.

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En defensa del Post Grunge: algunas joyas perdidas

Uno podría llegar a pensar que el Post-grunge es de esos géneros súper populares reconocidos y amados por todo el mundo, después de todo tienen como piedra angular a las cuatro leyendas de Seattle y a uno de los géneros más respetados a nivel mundial por su trascendencia y peso específico en la historia del rock, pero no.   De hecho, muchas de las canciones de las bandas pertenecientes a este género son comúnmente etiquetadas como placeres culposos, debido a que en muchas ocasiones la prensa especializada criticó severamente a muchas de ellas por “robar”  o intentar sonar como la copia de Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden o Alice in Chains y, la verdad, hay algo de razón en eso. Sin embargo, como bien decía Julio Martínez, ex-conductor de Radioactivo y Reactor, Nadie nace de 25, es decir, que todos atravesamos distintas etapas de madurez emocional que, puede cambiar nuestros gustos musicales a través de los años, o afirmar los que ya tenías. El Supuesto Inicio Tras la muerte de Kurt en 1994, y la súbita aparición del Britpop en Inglaterra, la escena musical alternativa de Norteamérica se encontraba de nuevo buscando su identidad en medio de una vorágine cultural, tecnológica y política que estaba cambiando la forma de ver, entender y comunicar al mundo: los celulares eran una revolución y empezaban a convertirse en un símbolo de estatus social; la producción de discos compactos ya había desplazado por completo a los cassettes y a los viejos vinilos; el internet comenzaba a ganar seguidores en el mundo; todo mientras el presidente Clinton metía su mano debajo de la falda de una becaria de la casa blanca de apellido Lewinsky y una oveja llamada Dolly se convertía en el primer mamífero clonado en el universo.   Fue en ese momento en el que bandas como Silverchair, Bush, Weezer, Live, Matchbox Twenty, Creed, obviamente Foo Fighters y un laaaaaargo etcétera, comenzaban a inundar las radios universitarias en todo el mundo con un sonido muy parecido al de la escena Grunge de Seattle, (tal vez un tanto edulcorado) a la par de otras bandas como Stone Temple Pilots, Smashing Pumpkins, Collective Soul, Candlebox, Live e incluso Radiohead (con su primer disco), que por momentos fueron catalogadas como Grunge. Pero más allá de ponernos “exquisitos” y emitir juicios de valor, (muy al estilo de Nicolás  Alvarado) entre una y otra banda o entre géneros musicales, preferí centrarme en las mejores rolas de éstas y otras bandas etiquetadas como Post-Grunge. Porque realmente no importa como surgieron o si copiaron cínicamente algunas fórmulas, melodías, o si se subieron al género de moda para llegar a la cima por un momento… a estas alturas ¿a quién le importa? Aunque, ciertamente, no son tan talentosos como sus antecesores inmediatos, sí crearon un pequeño sub-género de rock que por momentos tuvo sus destellos de genialidad y dieron pie al surgimiento de otros géneros como el también odiado Nü Metal, y seguramente tú alguna vez cantaste una o muchas de éstas rolas en las fiestas de la prepa, en tu universidad o en la reunión de tu generación de hace 2 semanas.

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Soundset Music Festival, un festival dedicado exclusivamente al Hip Hop

El pasado 27 de Mayo se celebró la undécima versión del Soundset Music Festival, uno de los pocos festivales dedicados exclusivamente al Hip Hop (a diferencia de otros donde incorporan actos de soul, R&B, rock, etc), y también de los más grandes de este tipo, por lo tanto es ahora sin duda la Meca de cualquier Hip Hop Head alrededor el mundo. El Soundset Music Festival (SMF) a diferencia del Urban Beach Week, de Miami; o el Essence, en Nueva Orleans, tiene y/o ha tenido un line-up que no goza de mucho apoyo de la radio comercial o medios de comunicación masivos, aunque se nutre (inteligentemente y con buen gusto) de algunos actos populares para tener un equilibrio comercial, ya que nunca ha descuidado el aspecto indie de los artistas a presentar, el SMF llegó y arrebató la corona al West y al East Coast en cualquier otro festival especializado de este tipo en Estados Unidos. Así el hueco que dejo Rock the Bells y Paid Dues lo aprovecharon muy bien Slug y los Rhymesayers en pavimentar (sin querer) durante años una base fiel de admiradores a su música. Es así que todas estas hordas de fieles seguidores de Atmosphere y de Rhymesayers desde mediados de los años 90 (junto con nuevos seguidores) abarrotan no Nueva York,Los Angeles o Chicago, sino un parque en el centro de una ciudad famosa por el duro invierno, una película de los hermanos Coen y por ser cuna del artista antes conocido como Prince: Minneapolis. Nada mal para un festival que hace 11 años empezó como una fiesta de amigos para amigos. ¡Nos vemos en SMF 2019!

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Con Addendum, John Maus intenta apuntar hacia fascinantes nuevos territorios

La carrera musical de John Maus siempre ha sido intrigante. Su energía extravagante junto con su interpretación de la música pop de forma oscura y humorística lo posiciona en un territorio distintivo como compositor.   Género: Synthpop | Experimental pop | Lo-fi | Post-punk Label: Ribbon Music ★★ Addendum es el último lanzamiento John Maus, la continuidad de Screen Memories del año pasado, un esfuerzo más relajado en comparación con su trabajo anterior que muestra a Maus más pasivo, algo más amable y menos agresivo.  Addendum se aferra a todo lo básico de John Maus, la retrofuturista interpretación de los 80´s, los efectos vocales y lirismo inexpresivo de Maus; todo está presente, pero la música en si está estructurada de una manera un tanto diferente. No es un cambio radical pero su nivel de energía es más moderado. Algunas canciones en Addendum son más relajadas y discretas, y en ocasiones es lo que desafortunadamente minimiza el álbum como un todo. Esas canciones no son necesariamente malas por definición pero carecen de la naturaleza expansiva por la que Maus es conocido.  A pesar de que en ocasiones es difícil escuchar Addendum de una sola vez por la cierta monotonía y falta de energía, si existen fragmentos que ayudan etiquetar este álbum dentro de la estética de John Maus. 

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A 29 años del disco debut de The Stone Roses

Corre el año de 1989 y mientras se vivía una explosión musical en Manchester sobre géneros como el rock, el techno, el dance, el acid house, entre otros, muchos grupos supieron llegar a niveles inimaginables de la escena de Manchester misma… un ejemplo de ello son The Stone Roses. La portada muestra el nombre mismo de la banda con unos gajos de cítricos regados y pegado a un muro grafiteado de una manera que hacía referencia al sarcasmo del arte mismo, no cabe duda que fue una de las mejores portadas de un álbum debut de ese año. “I Wanna Be Adored” se convirtió en un himno de una generación en la cual se buscaba reivindicar el rock británico de una forma más abierta, más liberal, más directa al hedonismo de un Ian Brown (vocales) que cantaba de una forma exquisitamente egocéntrica de lo que es llegar a ser adorado por todo el que le siguiera (al menos eso quería expresar la canción). Esa forma de abrir el disco impresiono a muchos, tanto que se llevó buenas críticas de la prensa nombrándolo uno de los mejores álbum debut dentro de la historia del rock. “Waterfall” se convirtió en otro hit en el cual esas guitarras empiezan con ese estilo clásico del brit pop, en ello se muestran unas líricas bastantes simples y hasta un tanto agridulces acompañadas de una bella conjunción de la batería y bajo. “Made of Stone” la cual fue producida por el mismísimo Peter Hook (ex bajista de New Order) y le dio su toque sublime,  los coros de esta canción hace que sea recordada como uno de sus mejores sencillos y sin dejar atrás las líneas de bajo de la mano de Hooky. “This Is The One” es una de mis canción preferidas ya que las líricas muestran la tierna lujuria de una adolescente al querer elegir a su pareja por primera vez,  las guitarras tomas fuerza mientras Ian Brown canta estremecido de lo que puede llegar a darse en este tipo de situaciones. “I am the Resurrection” cierra el disco de una manera fantástica ya que empieza con una batería un tanto básica y cierra con un solo de guitarra inolvidable de John Squire y  unas líricas haciendo referencia a lo que contrario a “I Wanne Be Adored” no necesita vanagloriarse de el mismo ni de nadie porque ellos mismos son la resurrección del rock británico en tiempos el que la música electrónica y el grunge tomaban gran parte de la industria musical. Uno de los mejores discos debut en la historia del R&R.

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#Estreno. Oneohtrix Point Never – “Age of”

El nuevo álbum de Oneohtrix Point Never es parte de un bosquejo en un mundo avanzado, enloquecido y autoinmolado, dejando atrás la inteligencia artificial para darle paso a una música electrónica sorprendentemente sentimental. Género: Electrónica | Experimental | Ambient | Drone | Vaporwave | Hypnagogic pop Label: Warp Records El octavo álbum de Daniel Lopatin mejor conocido como Oneohtrix Point Never está lleno de clavicordios en toda su extensión. Un instrumento que según el siempre suena igual sin importar como sean tocadas la teclas, emitiendo un sonido que recuerda a grandes salones con majestuosas fiestas y pelucas empolvadas; usado en este álbum para evocar la larga y persistente continuidad de la historia de la música y la evolución de la misma. Y es Lopatin quien comienza a romper en pedazos esos tonos majestuosos y sofisticados, cortándolos con gritos digitales en el tema inicial haciendo eco contra ellos mismos hasta que colapsen en un clangor indistinto en “myriad.industries”. Es cierto que el clavicordio puede ser un montón de sonidos monótonos, pero es Lopatin quien con una serie increíble de arreglos y detalles logra que cada nota modulada diga exactamente lo que quiere.  Oneohtrix Point Never encuentra también en Age Of  una forma relativamente nueva de música, ya que es el primer álbum que incluye voces prominentes a la mitad de sus canciones, algunas de las cuales se acercan a una forma genuina, aunque singular de pop. Esto tiene sentido, Loptain es actualmente uno de los artistas electrónicos más famosos del mundo, su atracción cruzada es especialmente notable para alguien que hace música tan vertiginosa y deconstruida como la suya.  Los temas del nuevo disco de Oneohtrix Point Never son distópicos, equilibrados entre lo mordaz y calmante, lejos de ser imposibles de escuchar fingen un collage de atractivo comercial sin caer nunca en la ironía de alguna escuela de arte, y hasta se pueden cantar en algunos de ellos. 

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Modeselektor lanza una nueva compilación con Actress, Vatican Shadow, Skee Mask y más

Tras el aparente final de su proyecto junto con Sascha Ring,Moderat, Sebastian Szary y Gernot Bronsert han reorientado su energía hacia el redesarrollo de su marca Monkeytown y el redespliegue de su querido proyecto Modeselektor. Género: Techno | Dubtecho | House | Electrónica | IDM | Dance Label: Monkeytown – Ninja Tune Modeselektor acaba de lanzar su cuarto álbum de la compilación Modeselektion este 1 de junio a través de Monkeytown y Ninja Tune. Este tremendo y 100% exclusivo álbum de 17 pistas incluye algunos de los nombres más innovadores de la música electrónica en este momento como Vatican Shadow, Skee Mask, Radio Slave, Lone, Actress, FJAAK, rRoxymore, Rodhad y muchos más. Además de esta increíble alineación, el álbum contiene la primera canción original de Modeselektor desde el 2015.  Según el duo de Berlín, la elección de los temas estuvo influenciada por su sed de música dance efectiva y después de casi cuatro años de gira con Moderat los chicos rudos de Berlín sintieron la necesidad de dedicarse nuevamente a lo que los hizo. 

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