Depósitio Sonoro

Entrevistas

Entrevista a Mabe Fratti: un faro que alumbra la desperanza del subsuelo

Encontrar artistas que crean un cuerpo de trabajo tan especial parece una labor difícil, requiere de una búsqueda exhaustiva pero se vuelve una pasión cuando esa misma búsqueda logra frutos. Mabe Fratti, compositora y ejecutante extraordinaria es una claro ejemplo de lo anterior, su obra incorpora emociones que tocan fibras al escucha, que conmueven y que siempre están bajo la lupa de experimentación de un movimiento que va siempre en avante a panoramas mucho más complejos de lo que podrían apreciarse a primera impresión y que, además posee una carga emocional casi palpable. La cellista guatemalteca radicada en la CDMX, lanzó el pasado mes de mayo uno de los mejores álbumes en lo que va del presente año. Pies sobre la Tierra es un trabajo abstracto y sentimental que cuentan historias tan inteligibles que es inevitable no sentirse sumergido bajo un mar de emociones intensas como el océano en el que su música habita. Holes Records, la disquera capitalina fue la encarga de publicar dicho trabajo, y es una de las apuestas más importantes del sello en este año, los cuales se han mantenido activos de manera prolífica en el subsuelo, como un faro que alumbra la escena y que ante tanta confusión y desesperanza que pareciera presentarse alumbran como una guía para nuevas propuestas arriesgadas y llamativas. Esta es una conversación con Mabe Fratti, sobre dicho trabajo, lo que representa y lo que busca su obra en estos tiempo donde la esperanza es un hilo del cual pocos nos sostenemos. Pies sobre la Tierra, es sin duda un parte aguas en tu carrera, un trabajo que desprende una sensibilidad casi palpable, y que cruza la experimentación sonora que ha sido muy presente en tu trabajo con melodías delicadas y cercanas a la canción pop. ¿Cómo fue el proceso creativo por el que atravesaste para crear éste trabajo? Creo que se vio alimentado por varias cosas que he aprendido tocando en eventos de improvisación libre que conlleva aprender a escuchar — y (se que suena abstracto) a través de escuchar creo que fui aprendiendo a editar mi música y decidir qué se queda y que se va entendiendo que cosas son armoniosas con lo que yo considero que es “mi sonido” — supongo que no es tan fácil igual determinar eso pero por ahí va mi aprendizaje hasta ahora. El primer corte fue Todo lo que querías saber, una canción increíble, ¿Qué es lo que cuenta Pies sobre la Tierra? (si es que cuenta algo) Es un poco de la experiencia de la realidad y cómo nos habla. “Soy el aire que colapsa con tu piel” puede ser la línea más clara que conecte con esta idea. Has intervenido en otros proyecto como lo es Love Dies o Amor Muere, ¿Cómo influyó ese cruce y colaboración con grandes músicas, en este nuevo álbum? En muchísimo, desde que admiro mucho el trabajo de Gibrana, Camille y Concepción y las escucho con mucha atención también pues hay colaboraciones con Concepción en una canción. O por ejemplo, un día antes del lanzamiento le mande la música a Camille para que me diera retroalimentación. Me dijo que me recomendaba que le agregara “frecuencias bajas” un consejo abierto pero muy bueno. La apliqué. ¿Cómo fue la decisión y la relación de lanzar el álbum en colaboración con Hole Records? Ya conocía de Hole Records y a la gente de la disquera y son músicos también (Tajak). Gente muy buena onda, y fue casi que muy un primer pensamiento a la hora de pensar hacer esto con una disquera fueron los primeros en quienes pensé. Me sentí muy feliz que hayan aceptado.

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Rocco de HVOB, una buena alternativa radical en la era del streaming

Los álbumes dobles son cada vez más populares en la música electrónica. Sin embargo, solo unos pocos logran en cerca de 80 minutos un equilibrio perfecto entre la euforia y la relajación. Anima Mundi de Vril podría considerarse un buen ejemplo. Género: Techno | Downtempo | Dance Label: [PIAS] ★★★★ El dúo de productores vieneses HVOB quiso construir música sobre esta idea y creó historias coherentes sobre dejar ir, despedirse y reorientarse. El concepto se basa principalmente en la dramaturgia de los temas individuales, que a veces, toman una dirección completamente diferente de lo que inicialmente se podría esperar.  HVOB ofrece buena música alternativa radical a la música rápida en la era del streaming, en donde la música está un poco agotada y desgastada, además en Rocco, no hay una estructura clara que combine las pistas individuales en una unidad homogénea, característica que constituye a los grandes álbumes dobles de música electrónica. 

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Entrevista con And So I Watch You From Afar antes de su presentación en Forever Alone Fest

Estamos a pocos días de la quinta edición del Forever Alone Fest donde se presentará por primera vez en México And So I Watch You From Afar, banda de Irlanda del Norte. Conformada por los guitarristas Rory Friers y Niall Kennedy, el bajista Johnny Adger y en la batería Chris Wee, quienes desde 2005 han se han movido dentro del math rock y el post rock, cuentan a la fecha con 5 álbumes de estudio. Platicamos con Chris sobre su próxima visita a México 1. Han pasado 14 años de trayectoria, tocando en grandes escenarios, festivales y en muchos países, ¿cuál ha sido su experiencia más emocionante? Como todos venimos de ciudades pequeñas en el norte de Irlanda, creo que la mejor experiencia ha sido explorar el mundo a través de las giras. Hemos visto lugares increíbles y conocido a tanta gente interesante en todos los ámbitos de la vida. Pero en términos de una sola experiencia en una gira, probablemente el mejor momento fue con Them Crooked Vultures en una gira por Europa en 2011, fue igualmente surrealista e increíble salir y compartir un escenario con Dave Grohl, John Paul Jones y Josh Homme. 2. ¿Qué es lo que pasa en su cabeza cuando están tocando en el escenario, lejos del ritmo y los acordes? Diría que, en su mayoría, no necesariamente nos estamos concentrando solamente en nuestros instrumentos, sino que probablemente estamos absorbiendo la atmósfera de la multitud y el sonido que estamos haciendo juntos. 3. Cuando comenzó el proyecto, ¿cuáles fueron / son las bandas o los músicos que influyeron en su música? Todos empezamos a tocar en varias bandas de rock y punk a lo largo de los años, pero en el momento en que empezamos con ASIWYFA, yo diría que bandas como At the Drive In, Fugazi y Mogwai fueron una gran influencia para nosotros. 4. Dos años de The Endless Shimmer han pasado, ¿habrá nuevo material pronto? Sí, siempre estamos trabajando en material nuevo, de lo contrario nos aburriremos. Así que sí, definitivamente lanzaremos nueva música en 2020, no estamos seguros todavía de qué forma tomará. 5. ¿Qué fue lo primero que pensaste cuando te invitaron a tocar en México? Todos estábamos muy emocionados cuando recibimos la invitación, había sido un sueño tocar en México durante muchos años. Nos hemos reunido y escuchado de muchos fanáticos de México, así que nos alegramos de que finalmente podamos venir a tocar para ustedes. 6. Además del tour, ¿qué más los emociona de visitar México por primera vez? Estamos muy emocionados de ver un poco de su increíble arquitectura antigua, así como su comida, porque somos grandes fans de la comida mexicana, por lo que esperamos explorar y comer todo lo que podamos. 7. ¿Hay alguna banda mexicana de la que sean fan? No conocemos muchas bandas, pero esperamos ver a DJ Perro tocando en el Forever Alone el sábado. Este sábado se estarán presentando por primera vez en México, en Forever Alone Fest. En este link pueden comprar sus boletos para asistir. 

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Entrevistamos a la banda Kaguu previo a su presentación en Forever Alone Fest 3

El secreto mejor guardado méxico-estadounidense de math-rock se llama Kaguu. Su proyecto comenzó en 2015 bajo el nombre Kaguu e influenciados por bandas como Covet, TTNG, Tricot y Elephant Gym, por decir algunos, sacaron Hawkridge, su primer EP en 2K17. 1.- ¿Cuánto tiempo llevan tocando? 1. Kaguu nació en el 2015 como un proyecto mio (Rafa) que hice en mi habitación en Houston, Tx. No fue hasta el 2015 que Kaguu se convirtió en lo que es hoy. Nick Acker y Ricardo Delgado se unieron al proyecto (ahora banda) ese año. Y ese mismo año, sacamos nuestro primer EP “Hawkridge” 2.- ¿Cómo catalogan su música? 2. A nuestra música la catalogamos como Rock Progresivo/Math Rock con elementos de los soundtrack de Nintendo 3.-¿Llegaron a éstos géneros o tipo de música por azares en composición o si planearon específicamente tocar eso? 3. Yo siendo el compositor, sí planeaba entrar a esos géneros. Las melodías en las canciones son inspiradas de varios videojuegos. La batería, sin embargo, está basada más en el Metal Progresivo, ya que es la música que Nick escucha más. Combinamos ambos elementos, y nos da el sonido que tenemos ahorita+ 4.-Van a tocar al Forever Alone Fest 5, ¿qué podemos esperar de este show? 4. En el FAFV, tocaremos a un estilo enfocado en los 3 instrumentos principales de la banda (guitarra, bajo, bateria). No usaremos backing tracks para dar el sonido más puro. 5.-¿Cómo perciben la escena en la que se mueven y/o la escena del Forever Alone Fest? 5. La escena y las bandas que están involucradas en el FAFV las vemos como hermanos/as que tienen las mismas metas que nosotros. Apoyernos entre nosotros es fundamental para poder crecer juntos. 6.-Van a tocar en ArcTangGent, nos da mucho gusto, ¿cómo sucedió todo? Nuestro sueño de tocar en ArcTanGent se hizo realidad gracias a INTRSTLRS. No estuvieramos ni cerca de cumplir ese sueño sin su apoyo y ayuda atravez de todo el tiempo que hemos trabajado juntos. No hay forma de repagarles la manera en la que nos han ayudado! 7.-¿Qué buenas bandas han escuchado recientemente que nos pudieran recomendar a nuestros lectores? Bandas que nos han motivado ultimamente en interpolar un sonido nuevo al material nuevo que sacaremos este año son: Snarky Puppy, JYOCHO, Tigran Hamsyan, POLKADOT STINGRAY, Eve, Periphery y The Ocean.   ¡NO PUEDEN FALTAR ESTE SÁBADO 1 DE JUNIO A VERLOS A ELLOS Y MUCHO TALENTO MÁS EN FOREVER ALONE FEST V! Dando clic aquí puedes comprar tu boleto.

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Entrevistamos a la banda de Perú, Millones de Colores, previo a su presentación en México

Estamos a unos cuantos días de la quinta edición del festival Forever Alone, primer festival de math-rock y post-rock en Latinoamérica que celebra a los corazones rotos y a la comunidad geek. Será el 1 de junio de 2019 en Galera. En el siguiente link puedes obtener tus entradas: bit.ly/FAFVboletia En esta etapa de pre Forever Alone Fest entrevistamos a la banda peruana Millones de Colores, quienes nos platican de su historia y su sorprendente sonido.   1.-¿Cómo comenzó todo allá en Lima? Alonso: conocí a Nicolás a fines del 2009 y teníamos mucha afinidad musical, habían muchas bandas que nos gustaban a los 2 como At The Drive-Inn, Hüsker Dü, Braid o Dinosaur Jr. Empezamos a juntarnos todas las semanas a ver películas y pasar el rato, un día decidimos ir a una sala de ensayo sin nada planeado. Efectivamente no hicimos nada que fuera remotamente una canción, salvo los últimos 3 minutos que estuvimos ahí. Unas horas después decidimos armar una banda.   2.-¿Cómo podrían describir su música? Alonso: Creo que la mejor definición que nos han dado ha sido catártica. Hay muchas descargas de energía en los shows. Tanto de nosotros como del público. Se da una enorme retroalimentación mientras tocamos y no hay nada mejor.   3.-¿Hay una escena activa de math rock, emo, punk, etc? Nicolás: Durante mucho tiempo la escena que formábamos con otras bandas no estaba definida por géneros. últimamente se están formando escenas más fuertes dedicadas a ciertos sonidos, como indie pop, math y emo. Alonso: Creo que algo que caracteriza a Lima es que hay bastante mezcla de bandas y géneros. Como es un público tan pequeño creo que en un show se mezclan los géneros para poder atraer a un público más variado y que al final haya algo para todos. 4.-¿Cuánto tiempo llevan tocando? Nicolás: Estamos cerca a cumplir una década como banda.   5.-¿Ya habían venido a México a tocar? Nicolás: Es nuestra primera vez en México, y estamos súper emocionados por la gira. Anteriormente habíamos ido a Panamá y Chile, pero esta será nuestra gira más larga hasta ahora. Alonso: Yo estuve en México antes, pero solo para una escala de 6 horas. Así que fui y aproveche en tatuarme y luego volví al aeropuerto.   6.-¿Les entusiasma estar en Forever Alone? ¿Qué podemos esperar del show? Alonso: Estamos muy felices de participar con bandas tan buenas y con muchas ganas de destruirnos tocando y que sea una fiesta. Nicolás: Estamos súper entusiasmados por tocar y agradecidos de poder formar parte del cartel. Con el FAF cerraremos el tour así que queremos dejarlo absolutamente todo en el escenario.   7.-¿Qué buenas bandas han escuchado recientemente que nos pudieran recomendar a nuestros lectores? Alonso: yo estuve escuchando mucho indie español como Carolina Durante, La Plata y Apartamentos Acapulco. Hace unos días salió el nuevo de Tyler The Creator que está muy bueno. Y de bandas sudamericanas lo de archipiélagos (Argentina), Sistemas Inestables (Chile) y Wanderlust (Perú). Fernando: El último de Ariana Grande que lo he revivido.   8.-¿Aparte de la música que otras cosas los inspiran? Nicolás: los libros Alonso: los amigos.

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Love Dies: la comunión de Camille, Gibrana, Concepcion y Mabe Fratti: Una entrevista con uno de los conjunto sonoros femeninos más interesantes de la actualidad

En un mundo globalizado, donde las músicas y los géneros se mezclan con cotidianidad, donde da lo mismo, que el “pop” se entronque con las vanguardias sonoras más complejas, existen casos donde estas percepciones se vuelven difusas, e incluso atemporales a nuestra época. Un caso en especial es el de Camile Mandoki, Concepción Huerta, Gibrana Cervantes y Mabe Fratti, un conjunto de mujeres que se han mantenido activas y constantes en el circuito del subsuelo ya sea en solitario, como en conjunto o con sus respectivos proyectos, han llevado su obra por diferentes territorios musicales, inquietos y siempre bajo una vena experimental. Camile, creando piezas cercanas al ambient, ayudada de su voz; Gibrana con su banda, Vyctoria ha conseguido ensamblar una de las mejores bandas de la escena nacional, Concepción, quien a base de grabaciones de campo, manipula la cinta y crea paisajes sonoros que van desde lo letárgico hasta lo abrasivo, o Mabe Fratti, chelista y vocalista, que ensambla a la perfección – En solitario- los mundo de la experimentación y la sutileza de las melodías pop. El año pasado, el conjunto se lanzó por primera vez en un tour por Baja y Alta California, donde tuvieron la oportunidad de tocar por primera vez como grupo, entregándose al azar del momento, crearon atmósferas impensables, donde la música y los patrones sonoros que se formaban, transmitían a su vez, la energía que se intercambiaba entre las músicas, una experiencia que lo hacían sentir a uno, diminuto. Producto de esto, el grupo se ha formado como un ente y que, aunque sus miembros continúan creando proyectos alternos al grupo, no han dejado de seguir tocando como conjunto, en un mundo y un circuito -como lo es la música experimental- prácticamente dominado por el hombre. Por esto decidimos hacerle una entrevista a estas 4 grandes músicas, sobre su trabajo en conjunto, las problemáticas a las que se han enfrentado como mujeres en la música, y sus más recientes planes por lanzar un álbum como grupo. ¿Cómo fue que comenzaron a colaborar? Hace un par de años empezaron a colaborar en distintas alineaciones y surgió una gira a finales del 2018 en la cual decidimos preparar un set juntas que después decidimos grabar y darle continuidad. A finales del año pasado, se embarcaron en un tour por Baja y Alta California ¿Cómo fue dicha experiencia? Fue la primera vez que tocamos juntas bajo este concepto y fue una muy bonita experiencia ya que la gente y el público es muy cálida y generosa. También nos sentimos muy retroalimentadas por los músicos que trabajan en esta zona, como Gaspar Peralta, Fax, Rodo Ibarra, Parches, Lorelle Meets the Obsolete, Braulio Lam, Childs, Trillones, Paulina Sanchez Rubio, Martin Escalante, con quienes pudimos convivir y compartir tanto música como conversaciones y experiencias. Hace algunos meses insinuaron vía redes sociales, que formarían un grupo entre las cuatro. Y cada una tiene sus proyectos en lo que se ve enfocado regularmente, ¿Como nació la idea de formar entonces, un conjunto y grabar música entre las cuatro? Luego de la gira decidimos grabar el material y por lo tanto se consolidó la idea de agruparnos. Actualmente seguimos platicando de como nos gustaría continuar este proyecto en conjunto y cómo darle dirección. ¿Que han explorado musicalmente con este proyecto? Todas tenemos procesos diferentes, hemos conocido estos de una forma mutua para entender las necesidades y fortalezas de cada una tanto creativas como técnicas. En el proceso hemos descubierto que el universo sonoro puede ser una forma de lenguaje entre nosotras intuitivamente. ¿Han grabado algo con este proyecto y tienen pensado lanzarlo? Sí, grabamos en Enero del 2019 con Hugo Quezada lo que tenemos pensado lanzar a finales de verano. Las 4 se han desarrollado dentro de la música experimental, un mundo que en siempre ha sido dominado por las voces masculinas, en su mayoría. ¿Cómo se han sentido en ese aspecto, las 4 su desarrollo musical en este aspecto? Es verdad que ha sido así y que esto puede afectar, a niveles distintos, la interacción en la escena y diferentes cuestiones prácticas y emocionales. Sin embargo, no nos lo planteamos esto como una limitación al crear y nuestro proceso creativo y profesional parte de una búsqueda tan propia como colaborativa y esto no está presente al momento de crear.

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Entrevista con Lanza Internacional previo a su presentación en el Foro Indie Rocks

Todo comenzó cuando los hermanos Francisco y Mauricio Durán, integrantes de la banda chilena Los Bunkers, en unas de sus largas estadías por la CDMX, conocieron a Ricardo Nájera quien es el baterista del Instituto Mexicano del Sonido. La química ya se había apareció pues coincidían en escenarios, fiestas y conocían a amigos en común. Fue entonces cuando decidieron, los hermanos y Ricardo, hacer una banda como proyecto alternos a sus agrupaciones originales. Platicamos con Francisco Durán de Lanza Internacional y esto es lo que nos comentó sobre su banda y la presentación que tendrán en el foro Indie Rocks. ¿Cómo fue el encuentro entre los integrantes y cómo crearon el sonido de Lanza Internacional haciendo a un lado el sonido de sus bandas de origen? Francisco: Nos terminamos formando de una manera muy natural. Los Bunkers estuvimos viviendo en México un buen tiempo por ahí del 2008-2009 y en esa estancia conocimos a un montón de gente entre ellos a Ricardo quien conocía amigos en común. Comenzamos como un experimento en un estudio a tocar algunas cosas y a “palomear” primero como diversión pero enfocados a crear algo nuevo. Surgieron nuevas ideas y decidimos tomar el retro de crear una nueva banda y así fue, muy casual. Ahora ya estamos muy acoplados y creo que estamos empezando a hacer ruido entre la gente, obvio porque nos conocen de otras bandas y eso nos ha ayudado. Lanza Internacional encontró un sonido “propio” dejando atrás los acordes de Los Bunkers y la música electrónica kitsch-mexa del Instituto Mexicano del Sonido. Dan un salto cuántico y se estacionan en la primera década de los años ochenta para tomar los sonidos del New Wave y del Rock Pop de aquella época. ¿Cuál es la propuesta sonora de Lanza Internacional? Francisco: Como músicos evidentemente escuchamos mucha música de todas la épocas y de todos los géneros pero en especial el punto de convergencia entre los tres miembros de la banda es el New wave. Nos gusta mucho la música de Ultravox, A Flock Of Seaguls, evidentemente Depeche Mode en sus inicios, bueno, también de ahora y nos encanta New Order. Muchas de esas bandas incorporaban un sonido electrónico y eléctrico (guitarra y bajo) pero el equilibrio es perfecto en cuanto a sonido, ningún elemento se pierde y digamos que hay un sonido “balanceado”. Precisamente eso fue lo que intentamos hacer, una banda con un sonido de alguna manera simple pero balanceado, de hecho nuestro tercer sencillo el cual lleva por título “Tomar el sol” tiene un sonido muy cercano a lo que hizo New Order en sus primeros años. Queremos revivir esa época, que la gente baile y asuma el mensaje de nuestras letras. Tenemos mensajes introspectivos y por supuesto de crítica social y política. La música bailable no está peleada con las ideas. ¿Cuáles son los sitios en donde se han presentado y cuál es el rumbo que está tomando la banda? Francisco:Afortunadamente hemos estado en eventos muy importantes y la gente nos ha recibido bien, tenemos poco en la escena, al menos con este proyecto y en cierta forma estamos comenzando de un cero relativo pero la aceptación ha sido buena. Participamos en festivales como Coordenada, Tecate Sonora, 212 en Guadalajara por mencionar algunos y acabamos de estar en el Vive Latino en la edición número 20 y el escenario donde nos presentamos estuvo abarrotad, creo que superamos las expectativas de la gente y a nosotros también nos sorprendió que nos fuera a ver un montón de personas. Estamos comenzando y bueno, claro que tenemos marcado un rumbo, queremos convertirnos en una súper banda, llenar espacios grandes nosotros solos pero por el momento estar en festivales importantes es una buena plataforma. Ya el tiempo dirá. Debemos comenzar a ganar popularidad, las metas son a corto plazo y en estos pocos años la llevamos muy bien. Háblanos del disco que grabaron, sus rolas y de la presentación que van a tener en el Foro Indie Rocks Francisco: El disco tiene 10 canciones, todas como te comentaba con sonido new wave, post punk, rock pop, ya hemos lanzado tres sencillos y ahora en esta presentación vamos a  presentar nuestro cuarto sencillo que se llama “Remar hacia atrás”. El vídeo está bien divertido una especie de “stop motion” con fotografías sin embargo es uno de los temas más políticos de la producción, hacemos una crítica del sistema político actual y de las personas que se empeñan en abrazarlo. Estaremos presentándonos el día 11 de mayo en el Indie Rocks en un show muy completo, queremos además de tocar nuestras canciones, el disco en su totalidad y rendir un homenaje a Jorge González de Los Prisioneros. Lanza Internacional es el disco que se conforma de 10 temas inéditos y ya se encuentra disponible en formato físico y digital. El primer corte que se desprendió de este material fue “Mala fama”, dando una probadita de lo que sería el sonido de este power trio. En octubre de 2016 cortaron su segundo sencillo “Corredor”, con un sonido más fuerte, más stoner, que nace luego de la lectura de un cuento de Raymond Carver. Con este tema Lanza Internacional dejó claro la clase de músicos que son, su rango y bagaje musical, su 3er sencillo: “Tomar el sol”, es una canción que incita a sumergirse en un baile nostálgico hasta altas horas de la madrugada; un sonido muy fresco que podría remitirnos al synth pop de los 80 pero con un barniz de actualidad innegable. Con estos tres temas, que han tenido gran aceptación con el público chileno y mexicano, Lanza se presenta como una de las propuestas más fuertes dentro del rock actual, capaces de entretejer temas sociales, con canciones de amor futurista y temas introspectivos. Estarán presentándose en el Foro Indie rocks este 11 de Mayo.

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Entrevistamos a Los Mundos respecto a su disco: Calor Central

Los Mundos es una banda originaria de Monterrey conformada por Alejandro Elizondo y Luis Ángel Martínez que desde Las Montañas – su álbum lanzado en 2016-, la banda regiomontana nos ofrece una propuesta única en donde fusionan la música y la literatura. Te ponemos en contexto con la banda y te presentamos esta entrevista. Con ese mismo concepto y bajo la influencia sonora de Melvins y Hawkwind, Los Mundos estrenan este mes Calor Central, un disco en donde deciden hacer un viaje sonoro a través de las venas de la Tierra para captar los sonidos más cavernosos de una mina ubicada al norte del país y representar un delirante texto de ciencia ficción de Julio Verne. Calor Central es una metáfora de Un viaje al Centro de La Tierra de Julio Verne ¿cómo representaron este concepto en cada uno de los tracks? Alejandro: Calor Central es un disco totalmente conceptual. El disco estuvo pensado para contar una historia de manera cronológica: tiene un principio, un intermedio y un final. Un viaje al centro de La Tierra de Julio Verne nos parece un relato muy inspirador. Nos gusta el horror y la ciencia ficción, entonces quisimos plasmarlo en este trabajo. Yo estuve encargado de la música y Luis de las letras, las cuales se acomodaron muy bien para describir la historia en este álbum. Luis: El álbum tiene su propia narrativa, existen momentos de emociones, misterios y seres raros. Desde el primer track intentamos interpretar la novela de Julio Verne, desde cómo los personajes escalan un volcán, tienen una vista increíble y empieza su aventura, se sumergen en un cráter, pasan por galerías subterráneas y por mares de lava que los ayudan a viajar por las venas de la Tierra. Sé que parte de la batería y las percusiones de Calor Central se grabaron en una mina abandonada en las cercanías de Monterrey, ¿cómo fue su experiencia dentro de aquel lugar? Alejandro: El lugar está a una hora y media en carro, es la Mina Hidalgo-Monterrey. Este disco fue totalmente experimental porque quisimos aterrizar el concepto a la realidad. De acuerdo a la historia del libro, quisimos hacer sentir al escucha que estaba entrando al centro de La Tierra. Durante la grabación llevamos un tambor, un yembé, percusiones y captamos el eco para grabar la primera canción, las demás las grabamos en el estudio. Quisimos hacer algo diferente, incluso, utilizamos dos baterías para componer el resto del disco. ¿Qué retos implica trabajar en un espacio así? Alejandro: Ya vas con la idea, las canciones están diseñadas para que suenen bien así. El lugar nos inspira mucho. Está increíble ir ahí. A diferencia de sus primeros trabajos, Calor Central se aleja de los sonidos del shoegaze y se concentra en la psicodelia, el stoner e incluso el space rock, ¿esto viene de una necesidad de explorar nuevos sonidos? Alejandro: Es parte de la evolución de la banda. Al principio éramos una banda a distancia y no pensábamos mucho las cosas. De hecho hacíamos cosas muy sencillas y grabábamos un disco en un mes. Conforme va pasando el tiempo, nos vamos poniendo retos, metas, aprendimos a tocar mejor, usamos diferentes escalas, pensamos más las letras, y como de alguna manera hemos pasado más tiempo juntos como banda, tenemos más comunicación. De esta forma nos hemos dado cuenta de que nos gusta mucho el metal, el shoegaze, los delays y todo ese estilo, entonces nuestro sonido cambia. Nuestro propósito no es sonar igual. En esta ocasión trabajaron con las disqueras Avandadoom (Monterrey), Cardinal Fuzz (Europa) y Little Cloud Records (E.U), ¿qué obstáculos han encontrado en la difusión de géneros que apuestan por la psicodelia y derivados en nuestro país? Luis: Nuestra música se relaciona con ese movimiento, como una forma de arte. Esos tres sellos se especializan en la psicodelia. Pero básicamente lo que hacemos es por amor al arte, nos gusta mucho tocar, hacer rolas y por eso lo hacemos, más que por ser aceptados. Alejandro: La música que tocamos no es para un mercado amplio, definitivamente no es para todo mundo. Cada banda tiene su público y hay públicos más reducidos, para gente clavada en la música. Más o menos lo que tratamos de hacer es proponer, cambiar perspectivas aquí y en otros lados. De hecho, en 2015 participaron en el festival Levitation en Austin Texas y en 2018 hicieron un live sessions en KEXP, ¿qué significó esto para su carrera? Luis: En 2015 estuvimos en Levitation y el año pasado estuvimos en KEPX, grabamos el live sessions en noviembre pero salió hace un mes. Eso representó un logro. Alejandro: Ha sido muy padre participar en un festival que te gusta y estar en lugares donde siempre querías estar. Claro que nos preferiríamos tener más presencia, pero igual eso implica trabajar más. ¿Cómo se visualizan en un futuro? Alejandro: Pues probablemente seremos más grandes, más maduros, más inteligentes y estemos haciendo cosas más retadoras. Nos podemos enojar e Igual y nos deshacemos (risas). De hecho, estamos trabajando en otro disco. Lo que te podría decir del nuevo material es que otra vez fuimos a la mina, pero ahí llevamos la batería y todo el equipo de grabación. Calor Central nos empujó a hacer esto.

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