Depósitio Sonoro

Entrevistas

Entrevista con And So I Watch You From Afar antes de su presentación en Forever Alone Fest

Estamos a pocos días de la quinta edición del Forever Alone Fest donde se presentará por primera vez en México And So I Watch You From Afar, banda de Irlanda del Norte. Conformada por los guitarristas Rory Friers y Niall Kennedy, el bajista Johnny Adger y en la batería Chris Wee, quienes desde 2005 han se han movido dentro del math rock y el post rock, cuentan a la fecha con 5 álbumes de estudio. Platicamos con Chris sobre su próxima visita a México 1. Han pasado 14 años de trayectoria, tocando en grandes escenarios, festivales y en muchos países, ¿cuál ha sido su experiencia más emocionante? Como todos venimos de ciudades pequeñas en el norte de Irlanda, creo que la mejor experiencia ha sido explorar el mundo a través de las giras. Hemos visto lugares increíbles y conocido a tanta gente interesante en todos los ámbitos de la vida. Pero en términos de una sola experiencia en una gira, probablemente el mejor momento fue con Them Crooked Vultures en una gira por Europa en 2011, fue igualmente surrealista e increíble salir y compartir un escenario con Dave Grohl, John Paul Jones y Josh Homme. 2. ¿Qué es lo que pasa en su cabeza cuando están tocando en el escenario, lejos del ritmo y los acordes? Diría que, en su mayoría, no necesariamente nos estamos concentrando solamente en nuestros instrumentos, sino que probablemente estamos absorbiendo la atmósfera de la multitud y el sonido que estamos haciendo juntos. 3. Cuando comenzó el proyecto, ¿cuáles fueron / son las bandas o los músicos que influyeron en su música? Todos empezamos a tocar en varias bandas de rock y punk a lo largo de los años, pero en el momento en que empezamos con ASIWYFA, yo diría que bandas como At the Drive In, Fugazi y Mogwai fueron una gran influencia para nosotros. 4. Dos años de The Endless Shimmer han pasado, ¿habrá nuevo material pronto? Sí, siempre estamos trabajando en material nuevo, de lo contrario nos aburriremos. Así que sí, definitivamente lanzaremos nueva música en 2020, no estamos seguros todavía de qué forma tomará. 5. ¿Qué fue lo primero que pensaste cuando te invitaron a tocar en México? Todos estábamos muy emocionados cuando recibimos la invitación, había sido un sueño tocar en México durante muchos años. Nos hemos reunido y escuchado de muchos fanáticos de México, así que nos alegramos de que finalmente podamos venir a tocar para ustedes. 6. Además del tour, ¿qué más los emociona de visitar México por primera vez? Estamos muy emocionados de ver un poco de su increíble arquitectura antigua, así como su comida, porque somos grandes fans de la comida mexicana, por lo que esperamos explorar y comer todo lo que podamos. 7. ¿Hay alguna banda mexicana de la que sean fan? No conocemos muchas bandas, pero esperamos ver a DJ Perro tocando en el Forever Alone el sábado. Este sábado se estarán presentando por primera vez en México, en Forever Alone Fest. En este link pueden comprar sus boletos para asistir. 

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Entrevistamos a la banda Kaguu previo a su presentación en Forever Alone Fest 3

El secreto mejor guardado méxico-estadounidense de math-rock se llama Kaguu. Su proyecto comenzó en 2015 bajo el nombre Kaguu e influenciados por bandas como Covet, TTNG, Tricot y Elephant Gym, por decir algunos, sacaron Hawkridge, su primer EP en 2K17. 1.- ¿Cuánto tiempo llevan tocando? 1. Kaguu nació en el 2015 como un proyecto mio (Rafa) que hice en mi habitación en Houston, Tx. No fue hasta el 2015 que Kaguu se convirtió en lo que es hoy. Nick Acker y Ricardo Delgado se unieron al proyecto (ahora banda) ese año. Y ese mismo año, sacamos nuestro primer EP “Hawkridge” 2.- ¿Cómo catalogan su música? 2. A nuestra música la catalogamos como Rock Progresivo/Math Rock con elementos de los soundtrack de Nintendo 3.-¿Llegaron a éstos géneros o tipo de música por azares en composición o si planearon específicamente tocar eso? 3. Yo siendo el compositor, sí planeaba entrar a esos géneros. Las melodías en las canciones son inspiradas de varios videojuegos. La batería, sin embargo, está basada más en el Metal Progresivo, ya que es la música que Nick escucha más. Combinamos ambos elementos, y nos da el sonido que tenemos ahorita+ 4.-Van a tocar al Forever Alone Fest 5, ¿qué podemos esperar de este show? 4. En el FAFV, tocaremos a un estilo enfocado en los 3 instrumentos principales de la banda (guitarra, bajo, bateria). No usaremos backing tracks para dar el sonido más puro. 5.-¿Cómo perciben la escena en la que se mueven y/o la escena del Forever Alone Fest? 5. La escena y las bandas que están involucradas en el FAFV las vemos como hermanos/as que tienen las mismas metas que nosotros. Apoyernos entre nosotros es fundamental para poder crecer juntos. 6.-Van a tocar en ArcTangGent, nos da mucho gusto, ¿cómo sucedió todo? Nuestro sueño de tocar en ArcTanGent se hizo realidad gracias a INTRSTLRS. No estuvieramos ni cerca de cumplir ese sueño sin su apoyo y ayuda atravez de todo el tiempo que hemos trabajado juntos. No hay forma de repagarles la manera en la que nos han ayudado! 7.-¿Qué buenas bandas han escuchado recientemente que nos pudieran recomendar a nuestros lectores? Bandas que nos han motivado ultimamente en interpolar un sonido nuevo al material nuevo que sacaremos este año son: Snarky Puppy, JYOCHO, Tigran Hamsyan, POLKADOT STINGRAY, Eve, Periphery y The Ocean.   ¡NO PUEDEN FALTAR ESTE SÁBADO 1 DE JUNIO A VERLOS A ELLOS Y MUCHO TALENTO MÁS EN FOREVER ALONE FEST V! Dando clic aquí puedes comprar tu boleto.

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Entrevistamos a la banda de Perú, Millones de Colores, previo a su presentación en México

Estamos a unos cuantos días de la quinta edición del festival Forever Alone, primer festival de math-rock y post-rock en Latinoamérica que celebra a los corazones rotos y a la comunidad geek. Será el 1 de junio de 2019 en Galera. En el siguiente link puedes obtener tus entradas: bit.ly/FAFVboletia En esta etapa de pre Forever Alone Fest entrevistamos a la banda peruana Millones de Colores, quienes nos platican de su historia y su sorprendente sonido.   1.-¿Cómo comenzó todo allá en Lima? Alonso: conocí a Nicolás a fines del 2009 y teníamos mucha afinidad musical, habían muchas bandas que nos gustaban a los 2 como At The Drive-Inn, Hüsker Dü, Braid o Dinosaur Jr. Empezamos a juntarnos todas las semanas a ver películas y pasar el rato, un día decidimos ir a una sala de ensayo sin nada planeado. Efectivamente no hicimos nada que fuera remotamente una canción, salvo los últimos 3 minutos que estuvimos ahí. Unas horas después decidimos armar una banda.   2.-¿Cómo podrían describir su música? Alonso: Creo que la mejor definición que nos han dado ha sido catártica. Hay muchas descargas de energía en los shows. Tanto de nosotros como del público. Se da una enorme retroalimentación mientras tocamos y no hay nada mejor.   3.-¿Hay una escena activa de math rock, emo, punk, etc? Nicolás: Durante mucho tiempo la escena que formábamos con otras bandas no estaba definida por géneros. últimamente se están formando escenas más fuertes dedicadas a ciertos sonidos, como indie pop, math y emo. Alonso: Creo que algo que caracteriza a Lima es que hay bastante mezcla de bandas y géneros. Como es un público tan pequeño creo que en un show se mezclan los géneros para poder atraer a un público más variado y que al final haya algo para todos. 4.-¿Cuánto tiempo llevan tocando? Nicolás: Estamos cerca a cumplir una década como banda.   5.-¿Ya habían venido a México a tocar? Nicolás: Es nuestra primera vez en México, y estamos súper emocionados por la gira. Anteriormente habíamos ido a Panamá y Chile, pero esta será nuestra gira más larga hasta ahora. Alonso: Yo estuve en México antes, pero solo para una escala de 6 horas. Así que fui y aproveche en tatuarme y luego volví al aeropuerto.   6.-¿Les entusiasma estar en Forever Alone? ¿Qué podemos esperar del show? Alonso: Estamos muy felices de participar con bandas tan buenas y con muchas ganas de destruirnos tocando y que sea una fiesta. Nicolás: Estamos súper entusiasmados por tocar y agradecidos de poder formar parte del cartel. Con el FAF cerraremos el tour así que queremos dejarlo absolutamente todo en el escenario.   7.-¿Qué buenas bandas han escuchado recientemente que nos pudieran recomendar a nuestros lectores? Alonso: yo estuve escuchando mucho indie español como Carolina Durante, La Plata y Apartamentos Acapulco. Hace unos días salió el nuevo de Tyler The Creator que está muy bueno. Y de bandas sudamericanas lo de archipiélagos (Argentina), Sistemas Inestables (Chile) y Wanderlust (Perú). Fernando: El último de Ariana Grande que lo he revivido.   8.-¿Aparte de la música que otras cosas los inspiran? Nicolás: los libros Alonso: los amigos.

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Love Dies: la comunión de Camille, Gibrana, Concepcion y Mabe Fratti: Una entrevista con uno de los conjunto sonoros femeninos más interesantes de la actualidad

En un mundo globalizado, donde las músicas y los géneros se mezclan con cotidianidad, donde da lo mismo, que el “pop” se entronque con las vanguardias sonoras más complejas, existen casos donde estas percepciones se vuelven difusas, e incluso atemporales a nuestra época. Un caso en especial es el de Camile Mandoki, Concepción Huerta, Gibrana Cervantes y Mabe Fratti, un conjunto de mujeres que se han mantenido activas y constantes en el circuito del subsuelo ya sea en solitario, como en conjunto o con sus respectivos proyectos, han llevado su obra por diferentes territorios musicales, inquietos y siempre bajo una vena experimental. Camile, creando piezas cercanas al ambient, ayudada de su voz; Gibrana con su banda, Vyctoria ha conseguido ensamblar una de las mejores bandas de la escena nacional, Concepción, quien a base de grabaciones de campo, manipula la cinta y crea paisajes sonoros que van desde lo letárgico hasta lo abrasivo, o Mabe Fratti, chelista y vocalista, que ensambla a la perfección – En solitario- los mundo de la experimentación y la sutileza de las melodías pop. El año pasado, el conjunto se lanzó por primera vez en un tour por Baja y Alta California, donde tuvieron la oportunidad de tocar por primera vez como grupo, entregándose al azar del momento, crearon atmósferas impensables, donde la música y los patrones sonoros que se formaban, transmitían a su vez, la energía que se intercambiaba entre las músicas, una experiencia que lo hacían sentir a uno, diminuto. Producto de esto, el grupo se ha formado como un ente y que, aunque sus miembros continúan creando proyectos alternos al grupo, no han dejado de seguir tocando como conjunto, en un mundo y un circuito -como lo es la música experimental- prácticamente dominado por el hombre. Por esto decidimos hacerle una entrevista a estas 4 grandes músicas, sobre su trabajo en conjunto, las problemáticas a las que se han enfrentado como mujeres en la música, y sus más recientes planes por lanzar un álbum como grupo. ¿Cómo fue que comenzaron a colaborar? Hace un par de años empezaron a colaborar en distintas alineaciones y surgió una gira a finales del 2018 en la cual decidimos preparar un set juntas que después decidimos grabar y darle continuidad. A finales del año pasado, se embarcaron en un tour por Baja y Alta California ¿Cómo fue dicha experiencia? Fue la primera vez que tocamos juntas bajo este concepto y fue una muy bonita experiencia ya que la gente y el público es muy cálida y generosa. También nos sentimos muy retroalimentadas por los músicos que trabajan en esta zona, como Gaspar Peralta, Fax, Rodo Ibarra, Parches, Lorelle Meets the Obsolete, Braulio Lam, Childs, Trillones, Paulina Sanchez Rubio, Martin Escalante, con quienes pudimos convivir y compartir tanto música como conversaciones y experiencias. Hace algunos meses insinuaron vía redes sociales, que formarían un grupo entre las cuatro. Y cada una tiene sus proyectos en lo que se ve enfocado regularmente, ¿Como nació la idea de formar entonces, un conjunto y grabar música entre las cuatro? Luego de la gira decidimos grabar el material y por lo tanto se consolidó la idea de agruparnos. Actualmente seguimos platicando de como nos gustaría continuar este proyecto en conjunto y cómo darle dirección. ¿Que han explorado musicalmente con este proyecto? Todas tenemos procesos diferentes, hemos conocido estos de una forma mutua para entender las necesidades y fortalezas de cada una tanto creativas como técnicas. En el proceso hemos descubierto que el universo sonoro puede ser una forma de lenguaje entre nosotras intuitivamente. ¿Han grabado algo con este proyecto y tienen pensado lanzarlo? Sí, grabamos en Enero del 2019 con Hugo Quezada lo que tenemos pensado lanzar a finales de verano. Las 4 se han desarrollado dentro de la música experimental, un mundo que en siempre ha sido dominado por las voces masculinas, en su mayoría. ¿Cómo se han sentido en ese aspecto, las 4 su desarrollo musical en este aspecto? Es verdad que ha sido así y que esto puede afectar, a niveles distintos, la interacción en la escena y diferentes cuestiones prácticas y emocionales. Sin embargo, no nos lo planteamos esto como una limitación al crear y nuestro proceso creativo y profesional parte de una búsqueda tan propia como colaborativa y esto no está presente al momento de crear.

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Entrevista con Lanza Internacional previo a su presentación en el Foro Indie Rocks

Todo comenzó cuando los hermanos Francisco y Mauricio Durán, integrantes de la banda chilena Los Bunkers, en unas de sus largas estadías por la CDMX, conocieron a Ricardo Nájera quien es el baterista del Instituto Mexicano del Sonido. La química ya se había apareció pues coincidían en escenarios, fiestas y conocían a amigos en común. Fue entonces cuando decidieron, los hermanos y Ricardo, hacer una banda como proyecto alternos a sus agrupaciones originales. Platicamos con Francisco Durán de Lanza Internacional y esto es lo que nos comentó sobre su banda y la presentación que tendrán en el foro Indie Rocks. ¿Cómo fue el encuentro entre los integrantes y cómo crearon el sonido de Lanza Internacional haciendo a un lado el sonido de sus bandas de origen? Francisco: Nos terminamos formando de una manera muy natural. Los Bunkers estuvimos viviendo en México un buen tiempo por ahí del 2008-2009 y en esa estancia conocimos a un montón de gente entre ellos a Ricardo quien conocía amigos en común. Comenzamos como un experimento en un estudio a tocar algunas cosas y a “palomear” primero como diversión pero enfocados a crear algo nuevo. Surgieron nuevas ideas y decidimos tomar el retro de crear una nueva banda y así fue, muy casual. Ahora ya estamos muy acoplados y creo que estamos empezando a hacer ruido entre la gente, obvio porque nos conocen de otras bandas y eso nos ha ayudado. Lanza Internacional encontró un sonido “propio” dejando atrás los acordes de Los Bunkers y la música electrónica kitsch-mexa del Instituto Mexicano del Sonido. Dan un salto cuántico y se estacionan en la primera década de los años ochenta para tomar los sonidos del New Wave y del Rock Pop de aquella época. ¿Cuál es la propuesta sonora de Lanza Internacional? Francisco: Como músicos evidentemente escuchamos mucha música de todas la épocas y de todos los géneros pero en especial el punto de convergencia entre los tres miembros de la banda es el New wave. Nos gusta mucho la música de Ultravox, A Flock Of Seaguls, evidentemente Depeche Mode en sus inicios, bueno, también de ahora y nos encanta New Order. Muchas de esas bandas incorporaban un sonido electrónico y eléctrico (guitarra y bajo) pero el equilibrio es perfecto en cuanto a sonido, ningún elemento se pierde y digamos que hay un sonido “balanceado”. Precisamente eso fue lo que intentamos hacer, una banda con un sonido de alguna manera simple pero balanceado, de hecho nuestro tercer sencillo el cual lleva por título “Tomar el sol” tiene un sonido muy cercano a lo que hizo New Order en sus primeros años. Queremos revivir esa época, que la gente baile y asuma el mensaje de nuestras letras. Tenemos mensajes introspectivos y por supuesto de crítica social y política. La música bailable no está peleada con las ideas. ¿Cuáles son los sitios en donde se han presentado y cuál es el rumbo que está tomando la banda? Francisco:Afortunadamente hemos estado en eventos muy importantes y la gente nos ha recibido bien, tenemos poco en la escena, al menos con este proyecto y en cierta forma estamos comenzando de un cero relativo pero la aceptación ha sido buena. Participamos en festivales como Coordenada, Tecate Sonora, 212 en Guadalajara por mencionar algunos y acabamos de estar en el Vive Latino en la edición número 20 y el escenario donde nos presentamos estuvo abarrotad, creo que superamos las expectativas de la gente y a nosotros también nos sorprendió que nos fuera a ver un montón de personas. Estamos comenzando y bueno, claro que tenemos marcado un rumbo, queremos convertirnos en una súper banda, llenar espacios grandes nosotros solos pero por el momento estar en festivales importantes es una buena plataforma. Ya el tiempo dirá. Debemos comenzar a ganar popularidad, las metas son a corto plazo y en estos pocos años la llevamos muy bien. Háblanos del disco que grabaron, sus rolas y de la presentación que van a tener en el Foro Indie Rocks Francisco: El disco tiene 10 canciones, todas como te comentaba con sonido new wave, post punk, rock pop, ya hemos lanzado tres sencillos y ahora en esta presentación vamos a  presentar nuestro cuarto sencillo que se llama “Remar hacia atrás”. El vídeo está bien divertido una especie de “stop motion” con fotografías sin embargo es uno de los temas más políticos de la producción, hacemos una crítica del sistema político actual y de las personas que se empeñan en abrazarlo. Estaremos presentándonos el día 11 de mayo en el Indie Rocks en un show muy completo, queremos además de tocar nuestras canciones, el disco en su totalidad y rendir un homenaje a Jorge González de Los Prisioneros. Lanza Internacional es el disco que se conforma de 10 temas inéditos y ya se encuentra disponible en formato físico y digital. El primer corte que se desprendió de este material fue “Mala fama”, dando una probadita de lo que sería el sonido de este power trio. En octubre de 2016 cortaron su segundo sencillo “Corredor”, con un sonido más fuerte, más stoner, que nace luego de la lectura de un cuento de Raymond Carver. Con este tema Lanza Internacional dejó claro la clase de músicos que son, su rango y bagaje musical, su 3er sencillo: “Tomar el sol”, es una canción que incita a sumergirse en un baile nostálgico hasta altas horas de la madrugada; un sonido muy fresco que podría remitirnos al synth pop de los 80 pero con un barniz de actualidad innegable. Con estos tres temas, que han tenido gran aceptación con el público chileno y mexicano, Lanza se presenta como una de las propuestas más fuertes dentro del rock actual, capaces de entretejer temas sociales, con canciones de amor futurista y temas introspectivos. Estarán presentándose en el Foro Indie rocks este 11 de Mayo.

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Entrevistamos a Los Mundos respecto a su disco: Calor Central

Los Mundos es una banda originaria de Monterrey conformada por Alejandro Elizondo y Luis Ángel Martínez que desde Las Montañas – su álbum lanzado en 2016-, la banda regiomontana nos ofrece una propuesta única en donde fusionan la música y la literatura. Te ponemos en contexto con la banda y te presentamos esta entrevista. Con ese mismo concepto y bajo la influencia sonora de Melvins y Hawkwind, Los Mundos estrenan este mes Calor Central, un disco en donde deciden hacer un viaje sonoro a través de las venas de la Tierra para captar los sonidos más cavernosos de una mina ubicada al norte del país y representar un delirante texto de ciencia ficción de Julio Verne. Calor Central es una metáfora de Un viaje al Centro de La Tierra de Julio Verne ¿cómo representaron este concepto en cada uno de los tracks? Alejandro: Calor Central es un disco totalmente conceptual. El disco estuvo pensado para contar una historia de manera cronológica: tiene un principio, un intermedio y un final. Un viaje al centro de La Tierra de Julio Verne nos parece un relato muy inspirador. Nos gusta el horror y la ciencia ficción, entonces quisimos plasmarlo en este trabajo. Yo estuve encargado de la música y Luis de las letras, las cuales se acomodaron muy bien para describir la historia en este álbum. Luis: El álbum tiene su propia narrativa, existen momentos de emociones, misterios y seres raros. Desde el primer track intentamos interpretar la novela de Julio Verne, desde cómo los personajes escalan un volcán, tienen una vista increíble y empieza su aventura, se sumergen en un cráter, pasan por galerías subterráneas y por mares de lava que los ayudan a viajar por las venas de la Tierra. Sé que parte de la batería y las percusiones de Calor Central se grabaron en una mina abandonada en las cercanías de Monterrey, ¿cómo fue su experiencia dentro de aquel lugar? Alejandro: El lugar está a una hora y media en carro, es la Mina Hidalgo-Monterrey. Este disco fue totalmente experimental porque quisimos aterrizar el concepto a la realidad. De acuerdo a la historia del libro, quisimos hacer sentir al escucha que estaba entrando al centro de La Tierra. Durante la grabación llevamos un tambor, un yembé, percusiones y captamos el eco para grabar la primera canción, las demás las grabamos en el estudio. Quisimos hacer algo diferente, incluso, utilizamos dos baterías para componer el resto del disco. ¿Qué retos implica trabajar en un espacio así? Alejandro: Ya vas con la idea, las canciones están diseñadas para que suenen bien así. El lugar nos inspira mucho. Está increíble ir ahí. A diferencia de sus primeros trabajos, Calor Central se aleja de los sonidos del shoegaze y se concentra en la psicodelia, el stoner e incluso el space rock, ¿esto viene de una necesidad de explorar nuevos sonidos? Alejandro: Es parte de la evolución de la banda. Al principio éramos una banda a distancia y no pensábamos mucho las cosas. De hecho hacíamos cosas muy sencillas y grabábamos un disco en un mes. Conforme va pasando el tiempo, nos vamos poniendo retos, metas, aprendimos a tocar mejor, usamos diferentes escalas, pensamos más las letras, y como de alguna manera hemos pasado más tiempo juntos como banda, tenemos más comunicación. De esta forma nos hemos dado cuenta de que nos gusta mucho el metal, el shoegaze, los delays y todo ese estilo, entonces nuestro sonido cambia. Nuestro propósito no es sonar igual. En esta ocasión trabajaron con las disqueras Avandadoom (Monterrey), Cardinal Fuzz (Europa) y Little Cloud Records (E.U), ¿qué obstáculos han encontrado en la difusión de géneros que apuestan por la psicodelia y derivados en nuestro país? Luis: Nuestra música se relaciona con ese movimiento, como una forma de arte. Esos tres sellos se especializan en la psicodelia. Pero básicamente lo que hacemos es por amor al arte, nos gusta mucho tocar, hacer rolas y por eso lo hacemos, más que por ser aceptados. Alejandro: La música que tocamos no es para un mercado amplio, definitivamente no es para todo mundo. Cada banda tiene su público y hay públicos más reducidos, para gente clavada en la música. Más o menos lo que tratamos de hacer es proponer, cambiar perspectivas aquí y en otros lados. De hecho, en 2015 participaron en el festival Levitation en Austin Texas y en 2018 hicieron un live sessions en KEXP, ¿qué significó esto para su carrera? Luis: En 2015 estuvimos en Levitation y el año pasado estuvimos en KEPX, grabamos el live sessions en noviembre pero salió hace un mes. Eso representó un logro. Alejandro: Ha sido muy padre participar en un festival que te gusta y estar en lugares donde siempre querías estar. Claro que nos preferiríamos tener más presencia, pero igual eso implica trabajar más. ¿Cómo se visualizan en un futuro? Alejandro: Pues probablemente seremos más grandes, más maduros, más inteligentes y estemos haciendo cosas más retadoras. Nos podemos enojar e Igual y nos deshacemos (risas). De hecho, estamos trabajando en otro disco. Lo que te podría decir del nuevo material es que otra vez fuimos a la mina, pero ahí llevamos la batería y todo el equipo de grabación. Calor Central nos empujó a hacer esto.

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Trisomie 21 visita por primera vez México y los entrevistamos previo a su presentación en Eutanasia Fest

A veces sucede que, sin buscarlo, las obras de ciertos músicos capturan el espíritu de su tiempo para inmortalizarlo, es el caso de la banda de culto Trisomie 21 (T21), quienes comparten la creencia de que la música puede modificar los esquemas más convencionales y llegar a nuevos horizontes sonoros. Bajo la influencia de Kraftwerk y Joy Division la legendaria banda inicia su proyecto en los años 80 por los hermanos Phillipe y Hervé Lomprez en una localidad al norte de Francia. Aquel preámbulo hoy en día suele ser un recuerdo lejano, una vieja historia para el proyecto que cumple ya casi 40 años: Phillipe: Éramos un par de jóvenes que nos gustaban las cosas especialmente extrañas. Imaginábamos la música que nos gustaría hacer. Los sonidos helados y maquinales, nos resultaban especialmente atrayentes. -¿Por qué deciden llamarse Trisomie 21? Phillipe: Trisiome 21 es una anomalía genética. La palabra normalidad no nos gusta. Para nosotros la palabra normal está mal utilizada. Preferimos a la gente atípica porque son más interesantes y más originales. Nuestra música busca acercarse a esos mundos. Con la premisa de la anormalidad, el dúo buscó contradecir las tendencias, ello se reflejó en su sonido melancólico y en la personificación lírica de cada una de sus canciones que retratan a las sociedades industriales más maltratadas de Francia, pero que también hablan, en voz de Phillipe “de emociones que expresan cada parte de nuestras vidas”. -Pienso que “The Last Song” es una icónica de 1984 que definió a toda una generación, ¿cómo vivieron el espíritu del post punk de aquel tiempo? Hervé: Es difícil hablar de “The Last Song” porque es una canción muy vieja. Para nosotros han cambiado las cosas desde el “Chapter IV, le je ne sais quoi et le presque rien” al “Elegance Never Dies”. Phillipe: No podríamos decir que vivimos el espíritu del post punk. No escuchábamos esa clase de género, sólo hacíamos la música que queríamos. Hervé: La gente generalmente dice que Trisomie 21 es una banda de post punk, pero para nosotros eso no es una realidad. Phillipe: No sabemos ni lo qué es el post punk (risas). – Se trata de aquel mito de la clasificación musical ¿no es así? Phillipe: Claro. Yo creo que todo esto del “post punk” es una invención de los medios, es una forma de vendernos una idea de lo que es nuestra música. Habitados por la idea anti rockstar y los falsos ídolos, la música de T21 se convierte en un refugio, en un universo basado en un incendio personal. De esta manera, el lanzamiento de cada uno de sus álbumes se convierte en una tarea que se evapora y resurge por largos periodos de tiempo. -Después de 8 años de ausencia en 2017 lanzaron su último álbum de estudio “Elegance never dies”, ¿cómo fue el proceso creativo de este material? Hervé: Phillipe y yo nos juntamos para hacer el álbum, junto al nuevo guitarrista. Queríamos crear nuevas canciones y sonidos, intentando representar toda la obra de Trisiome 21. -¿Es difícil trabajar entre hermanos? Phillipe: Algunas veces sí. Vivimos en países diferentes, entonces sólo nos vemos cuando vamos a realizar un nuevo material o estamos en el escenario. Fuera de eso nos vemos 2 veces al año. No somos gemelos. Hervé: Al principio de la historia de la banda sí lo hacíamos. Ahora es algo muy especial, porque cuando trabajo en una canción lo hago solo y él también. Es un proceso por separado. Jamás nos vemos al principio de cada proyecto. Para los hermanos Lomprez persistir en un mundo donde la industria musical favorece las ventas y no la creatividad del artista, marca una diferencia entre las bandas que buscan definir su sonido a través de su sello particular y de quienes producen en serie fórmulas auditivas ya establecidas. Hervé: No nos gusta trabajar como si esto fuera una fábrica musical. Trabajamos en lo que queremos y cuando queremos, hemos descubierto que esto es de la mejor forma de hacerlo. Para nosotros esto no es un trabajo, no hicimos T21 para enriquecernos, hicimos T21 porque nos gusta la música, para hacer canciones con actitud. Phillipe: Esto es música independiente y esto es de lo que se trata, es la meta. Creamos nuestra propia escena o eso intentamos. De cierta forma para nosotros hacer música es una necesidad. Para finalizar la entrevista les pregunto ¿qué nos espera para el show de la noche del 2 de marzo? Phillipe: Placer, placer para ustedes. Verán un T21 muy feliz, es muy especial para nosotros estar aquí. Hervé: Trataremos de tocar cosas que la gente quiera escuchar. Y bueno, quienes pudimos tener la oportunidad de verlos tocar en vivo el sábado por la noche confirmamos aquella sentencia, pues Trisomie 21 entregó un show impecable, en el cual hicieron bailar a su público más oscuro de la Ciudad de México a través de los ritmos más misteriosos con canciones como Breaking Down, La Fête Triste, The Last Song y Jakarta.

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Entrevista con Loma Prieta, previo a su presentación en México

La intensidad sentimental, desesperados riffs y agresivos ritmos de Loma Prieta, llegarán a México.   Han pasado 6 años de su visita a tierras mexicanas donde tocaron temas de su álbum I.V., y varios temas de Dark Mountain y Last City. En este próximo tour esperamos poder disfrutar de nuevos temas de Self Portrait, como la clásica y anhelada “Satellite”, “Love” bañada en sentimientos profundos, el caos perfecto de “More Perfect”, entre otras más.   Los originarios de San Francisco, California, están por lanzar en verano su split con Jeromes Dream, banda de screamo que está de vuelta en los escenarios y que mejor que publicando un split con Loma Prieta.   Actualmente la banda conformada por Sean Leary, Brian Kanagaki, Val Saucedo y James Siboni, se ha caracterizado por su inicial hardcore punk, el constante screamo y la integración de elementos de power-violence.   Lo curioso es que, durante estos años, Loma Prieta ha logrado llevar un sonido admirable entre la armonía y el caos en este disco. Y no solamente en audio, la agrupación tiene una forma de ejecutar sus temas de una forma impresionante, tocando conscientes del mundo en constante evolución del post-hardcore y la influencia clara del shoegaze.   “A veces realmente estoy tocando envuelto en la energía y el conjunto se acabará en un instante, otras veces estoy más atento y concentrado.” -Loma Prieta   Este sonido reluciente los ha llevado a formar parte de una de las disqueras de gran renombre en el mundo: Deathwish, la disquera independiente fundada por Jacob Bannon y Tre McCarthy hace 19 años, le ha dado a Loma Prieta un gran empujón en su carrera musical. La agrupación ha llegado a países que nunca imaginaron con tan solo 14 años de trayectoria, viajando en avión, camiones, vans; visitaron Dinamarca, Suecia, Noruega, parte de Sudamérica, Alemania, Canadá por nombrar algunos.   “Esto puede sonar un poco cursi, pero realmente valoro el tiempo que pasamos viajando en carretera y estoy muy agradecido de la gran oportunidad de viajar alrededor del mundo juntos.” -Loma Prieta   Cada uno de ellos tiene vida propia y es complicada llegar a un punto de equilibrio entre la vida cotidiana y la música, ya que a medida que pasa el tiempo sus actividades personales les exigen más tiempo y calidad. No obstante, de dan el tiempo necesario para darle energía a Loma Prieta. Mismo tiempo que ha dado fruto, ya que han logrado establecer un peculiar sonido punk entre la desesperanza y la aspiración lirica de corazón abierto, plasmado en 5 álbumes de estudio donde resaltan los riffs trascendentales que de cierta forma llevan a estallidos de esperanza, más allá de la oscuridad que pudiera reflejar la banda.   “Creo que es mejor no analizar en exceso los géneros o subgéneros. Si escribimos una canción que a todos nos gusta, la lanzamos, no sentimos la necesidad de estar en una caja. Solo queremos crear algo que nos guste. Somos una banda punk.” -Loma Prieta   Su gira en México comienza el 1 de marzo en San Luis Potosí, pasando por Guadalajara y Puebla, para cerrar con broche de oro el domingo 3 en la CDMX. La cita de este cierre será el en Foro Bizarro, Colonia Roma, en donde se celebrará el sexto aniversario de Carcoma Records, serán acompañados por sus grandes amigos mexicanos, Joliette (durante todo el tour), Annapura y AMBR.    “Todos amamos mucho a México, amamos a su gente y los shows, la comunidad punk y la comida. Durante este año solo podremos hacer tours y estamos muy entusiasmados de que uno de estos será en México.”  -Loma Prieta

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