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Entrevistas

Entrevista con Boy Harsher: canciones íntimas e insulares

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Boy Harsher se ha vuelto cada vez más y más sólido, su estilo de producción y su manera de interpretar canciones es hipnótico y enérgico, su base dark wave y post industrial cálida conectan perfecto con el lado sensible de sus sintetizadores y sus voces etéreas y abismales, tan cálidos como inquietantes y apoyados por Djs como Silent Servant y muchos más su sonido e impacto se ha vuelto feroz y bailable, lo cual nos encanta.  Susurros, gritos, armonías, sentimientos, amor y desgracia conjuran un imperio de oscurantismo en donde los sintetizadores nunca mueren. Platicamos en exclusiva con ellos antes de su presentación en el Foro Normandie como parte de las actividades del Festival Cloak & Dagger.   1.- ¿Cuándo se conocieron los dos y fue que decidieron formar el dueto? ¿Por qué Boy Harsher después de Teen Dreamz?    Augustus: Nos conocimos en Savannah, GA en 2012. Fundamos una galería y organizabamos espectáculos musicales extraños y así decidimos colaborar. Jae: Teen Dreamz no era realmente serio, solo estábamos tratando de descubrir qué queríamos hacer.   2.- ¿Cuáles son sus principales influencias? Augustus: Me puse a hacer música a través del hip hop. Cosas como A Tribe Called Quest, Wu Tang, Cannibal Ox y Mobb Deep. También me gustaba mucho el punk y la new wave, Joy Division y New Order eran mis bandas favoritas desde que era muy joven. Me gusta pensar que fue una combinación de esos dos mundos lo que me llevó a donde estoy ahora. Jae: Siempre me han encantado los vocalistas con voces más profundas y extrañas. Recuerdo cuando escuché a Nico por primera vez, qué sensación.   -Encontramos muchas referencias con ustedes respecto a Chris y Cosey de Throbbing Gristle. ¿Crees que tienen similitudes con ellos? Augustus: Chris y Cosey son una de mis bandas favoritas. Compré Songs of Love and Lust en una tienda de discos en Columbia, SC porque me gustó la portada. No sabía nada de ellos en ese momento, pero definitivamente cambió mi vida. Jae: 100% admiración. Nada se compara con ellos. 4.- Además de la música electrónica, ¿qué tipo de música escuchan en sus listas de reproducción? Augustus:  White Pony de los Deftones,  Zombie de Fela Kuti, Slow Sundown de Holy Motors, etc. Jae: Voy por todo el lugar, acabo de comprar Cosmic Wink de Jess Jess Williamson y Bloodletting de Concrete Blonde. Siempre tendrán a Anna Domino y Anne Clarke en mixes que quizás sean electrónicas por derecho propio. 5.- Sabemos que estudiaron cinematografía, películas y todo eso . ¿Qué película les gustó su soundtrack? ¿Tienes algún plan para crear música para una película? Augustus: Sí, me centré en cinematografía, dirección y diseño de sonido en la universidad. Para proyectos de clase obtuve una nota de Akira, They Live y 2001 Space Oddity. De hecho, estoy en conversaciones para componer para un cortometraje este invierno. Jae: Me gustaría crear mi propia película. 6.- Éste sábado tocan en  México por vez primera, ¿qué podemos esperar de su presentación?  ¿Qué tipo de espectáculo veremos? Augustus: Mucho baile, rápido, ruidoso, y con suerte mucha niebla. 7.- Sus canciones… ¿de qué hablan? ¿Política? ¿Amor? ¿Protesta? Cuéntenos qué más. Jae: Nuestras canciones son íntimas e insulares. Celebramos la angustia más que el amor, probablemente solo trato de captar un sentimiento en lo que escribo. 8.- ¿Cómo  sienten en la escena electrónica actual? Hay algunos festivales enormes como Tque presenta a “artistas” que tocan canciones de reggaeton y todo eso. ¿Creen que la escena electrónica está ahora llena de errores? ¿Cuál es su opinión sobre estos festivales? Augustus: ¡Me gusta el reggaeton! ¡Creo que es un punto para llevar el underground a algo más grande! El EDM ha llevado la música electrónica a la corriente principal, lo que valida lo que hacemos más. DJs y productores están recibiendo mucho más reconocimiento que nunca. Ya no tienes que ser un músico entrenado formalmente para hacer música, lo que sin duda trae algunas ideas nuevas. 9.- Cuéntenos sobre sus próximos planes de producción, colaboraciones y tours. Augustus: nuestro nuevo álbum ‘Careful’ sale a la venta el 1 de febrero en nuestro propio sello Nude Club. Saldremos de tour durante unos 2 meses después de eso. Jae: Esperemos algunas colaboraciones emocionantes también.   Respecto a la política: ¿cuál es su opinión sobre el gran muro que Trump quiere construir y las acciones que tomó con las familias mexicanas que separan a los niños de sus padres? Jae: Esta noche estamos viendo a las tropas estadounidenses disparar gases lacrimógenos contra los solicitantes de asilo. Es devastador y ridículo. Las acciones de nuestro gobierno son vergonzosas y no apoyamos el muro, definitivamente. Augustus: es totalmente desagradable. Toda la retórica alrededor de los Estados Unidos/México es muy retorcida. Incluso si miras películas o programas de televisión estadounidenses sobre México, solo se trata de violencia y carteles. Es un problema monumental que debemos enfrentar ahora.   INTRO Y TRANSCRIPCIÓN AL ESPAÑOL DE LA ENTREVISTA POR: ROB ANAYA.    

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El vacío de la vida cotidiana: una entrevista con Memory Leak

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Cuando se habla de semilleros de bandas y proyectos en México, siempre se toman en cuenta 4 ciudades grandes del país: CDMX, Monterrey, Guadalajara y por último, Tijuana. Si bien existen excepciones a la regla, el último caso, es uno de los nichos más interesantes en cuestión de música independiente nacional, ya que por su cercanía con la frontera las propuestas nacientes, de éste “laboratorio fronterizo” conservando un sabor diferente a las del resto del país, y que bien podría atribuirse a ese clima tan diluyente que sucede entre California y la ciudad. Un ejemplo claro de esto, son Memory Leak, un joven cuarteto de Tijuana que mezcla la nostalgia y la melancolía de alcoba que en momento hace recordar a Slowdive o incluso reminiscente a los primeros Eps de My Bloody Valentine; pero aunado a un despliegue agresivo y enérgico que se mezcla entre las capas de ruido, y que denota esa influencia de músicas más cercanas al hardocre o el metal. El sonido de la banda podría ser un tanto difícil de categorizar, obtienen esa tristeza de los ecos dejados por la movida noventera británica, pero a la vez cargan con una presencia más violenta, misma que en envuelve el sonido de la banda en un círculo tan sensible como contundente. La banda representa ese cruce tan especial que en ocasiones pasa en la frontera, su sonido y su forma de crear canciones es una manifestación intrínseca de lo que es la vida entre San Diego y Tijuana. Su sonido puede ser fácil, la banda sonora de un día en la ciudad, esa melancolía de la monotonía, donde el inglés y el español se borran en las largas colas para cruzar “al otro lado”. Memory Leak, acaba de lanza su primer Ep, Graduate Into Nothing, grabado por el productor angelino Jack Shirley  y mezclado por Patrick Alexander (quien ha trabajado con bandas como Whirr, Loma Prieta, o responsable de haber grabado el Sunbather de Deafheaven) Está es una pequeña entrevista con Memory Leak, sobre sus orígenes, su experiencia como banda, y sus próximos planes: ¿Cuándo y cómo se formó Memory Leak? Memory Leak comenzó hace un año… La idea principal era formar algo bonito entre amigos, así que nos reunimos en casa de René (guitarrista/vocalista) para ensayar y combinar sonidos. Siempre hemos estado metidos en la música, ya sea tocando en otras bandas, escuchando a nuestros amigos o siguiéndoles la pista a músicos que nos gustan. El sonido de la banda refleja rápidamente influencias claras como el shoegaze o el dream pop de los 90, pero también está una fuerte presencia de música más agresiva o pesada, ¿Cómo se dio este impulso por mezclar dichos mundos? Queríamos tocar shoegaze; a Laura (guitarrista/vocalista) le gusta crear atmósferas y sonidos clásicos con sus pedales, Miri (bajista) encuentra atractivo el clima del dream pop ligado al rock alternativo, René (guitarrista/vocalista) y Zeki (baterista) vienen de escuelas hardcore/screamo; es algo que se queda sin querer. ¿Qué influenció en una primera etapa a la banda? Todo, nuestro estilo de vida, la música que escuchábamos dependiendo del mood, los shows a los que constantemente íbamos. También nuestra situación emocional y ciertas vivencias fueron de gran influencia. ¿Creen que vivir en TJ/SD es un factor importante de su sonido? Tijuana es una mezcla de todo y nos ha funcionado el dinamismo de la ciudad para inspirarnos. El poder ir y venir, ya sea shows o simplemente tener un mercado más amplio de instrumentos, nos ha abierto las puertas para experimentar sonidos y experiencias nuevas. Como también nos ha complicado un poco la vida cuando nos tenemos que poner de acuerdo para ensayar, ya que Zeki (baterista) y Laura (guitarrista/vocalista) trabajan en San Diego, es un poco de todo… ¿De dónde vienen las letras de la banda? Laura (guitarrista/vocalista) lo puede definir en una palabra: autoterapia. Viene de sentimientos acumulados a través de los años y escribir era una autoterapia de cómo se sentía en circunstancias que no podía explicarse. Constantemente preguntan por qué las letras de las canciones están en inglés y lo chistoso es que escribir en español hacía muy complicado poder expresar sentimientos; es un idioma muy romántico y fue más fácil generalizar lo que sentía en el momento usando un lenguaje que no conozco tan profundamente, como para tantear la superficie de algo muy complejo que daba miedo expresar. Fue un proceso de meses en el que no se esperaba que terminara en canciones, sólo escribía lo que sentía al momento, por lo general notas en el teléfono, como una manera de desahogo. Su primer EP, Graduate Into Nothing, fue producido por Patrick Alexander y mezclado por Jack Shirley, ¿Cómo se dio esta experiencia? Fue un proceso complicado, tuvimos dificultades para programar las grabaciones por nuestras distintas actividades y se dejó a medias la grabación durante algún tiempo. Fue poco después de nuestro primer show (en Blonde Bar/ SD) que nos motivamos a regresar al estudio y finalmente terminar nuestro primer demo. ¡Patrick se la rifa! Es una persona muy paciente y prácticamente lo consideramos nuestro quinto integrante, (si estás leyendo esto, gracias por los consejos). ¡Jack es increíble! Nos fascina su trabajo, así que no pensamos dos veces en contactarlo. Fue muy agradable trabajar con él, aportó muchísimo con su estilo y experiencia. Logró perfectamente el sonido que buscábamos para nuestro primer EP y por eso siempre le estaremos agradecidos.   Me imagino eran fans del trabajo del productor, este es un primer adelanto de lo que es la banda ¿Esperan en algún momento lanzar un disco de larga duración? Definitivamente un disco de larga duración sería lo próximo. No es algo sencillo de lograr, requiere de mucho esfuerzo y dedicación, pero sabemos que al final vale la pena. Tratamos de hacer todo con mucho cariño y de corazón. Aún no tenemos una fecha planeada, pero es algo que hemos platicado y estamos de acuerdo en continuar con un nuevo reto. ¿Qué es lo que sigue para Memory Leak? Divertirnos mucho,

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Juana de Arco en un mundo muy convulso: Una entrevista con la chelista Lori Goldston

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Mejor conocida como la chelista de aquel ya mítico unplugged de Nirvana, una figura que giró y grabó, tanto con el grupo noventero, como con una gran cantidad de bandas y proyectos emergentes del noroeste de Estados Unidos. Lori Goldston es un pilar fundamental para entender la música experimental y contemporánea del país vecino. A lo largo de su carrera ha sido parte de bandas como: la Black Cat Orchestra, o los pioneros de drone metal, Earth, donde fue miembro sobresaliente de una de las facetas más importantes de la banda nativa de Washington. Además de pertenecer a este antecedente marcado por el rock y la etiqueta “alternativo” Goldston ha creado un cuerpo de trabajo que, gravita entre la sensibilidad de la música clásica, y los inalcanzables andares de la improvisación y la experimentación sonora, mismo que le ha dado un gran dimensión a su obra; desde interpretando el trabajo de compositores de vanguardia, hasta ejecutando la de su autoría, se puede escuchar la sutileza y la maestría con la que, la chelista logra amordazar diversos elementos para crear piezas tan complejas como hermosas. En está ocasión, el hablar de Goldston cobra aún más relevancia ya que, está por lanzar un nuevo álbum inspirado en la película de origen alemán de 1928, dirigida por Carl Theodor Dreyer, The Passion of Joan Of Arc; álbum que lleva el mismo nombre, una banda sonora compuesta por 13 movimientos y grabado en una iglesia alemana del siglo XIX, acompañada de 2 músicos de alto renombre: Aidan Baker (Nadja) y Andrea Belfi. Un álbum accesible, que sorprende y encanta, tanto al escucha exigente como al que no ha entrado de lleno a estás músicas. Éste trabajo será lanzado bajo el sello mexicano Substrata, además presentar una serie de conciertos en solitario por nuestro país. Les presentamos esta entrevista con Lori Goldston sobre su nuevo álbum, Juan de Arco, y la relevancia que cobra éste personaje en la actualidad. Sebastian Franco: ¿Cómo nació la idea de escribir un álbum inspirado en la vida de Juana de Arco, y en la película del mismo nombre? Lori Goldston: Fui invitada a componer y tocar el score del filme hace muchos años cuando un amigo en Berkley, California fue invitado a una proyección especial con Marie Faconetti, la hija de la actriz que encarna a Juan de Arco en la película. Ella ya falleció pero fue muy popular en Francia, creo que como escritora y también por ser hija de la actriz; habló un poco antes de la proyección en ese entonces y fue un momento maravilloso conocerla y escuchar historias sobre su legendaria madre.Amo la película, la he visto docenas de veces. Cada ocasión veo algo nuevo en ella. SF: El álbum se grabó en Bochum, Alemania, en una iglesia evangelista del siglo XIX, misma que captura el sonido y la esencia de la obra, por lo menos para mí. ¿Por qué decidieron grabar el álbum en éste lugar? LG: El álbum fue grabado en vivo y al final pequeño tour por alemana. Fue simplemente suerte del promotor que tenía a alguien ahí para grabar todo lo que ocurrió. SF: En éste trabajo  colaboras con Andrea Belfi y Aidan Baker (Nadja), el resultado es asombroso pero ¿De dónde surgió la idea de colaborar con estos dos artistas? LG: No, de hecho fue idea de Robert Schulze (), quien dirige el sello discográfico Adagio 820 y una hermosa tienda de discos en Berlin, llamada “Bis Auf Messer”. El organizó el tour, y fue su idea que tocáramos juntos. Yo no conocía ni a Andrea ni a Aidan antes de que llegarán a Berlin para esos shows SF: Cuando escucho el álbum, da la impresión de que, todo el proceso fue igual de orgánico que el resultado ¿Fue el proceso creativo desafiante? LG: Son unos músicos maravillosos. Fue la intuición de Robert, le pareció que trabajaríamos bien los tres juntos ¡y funcionó! La verdad es que, todo se dio de manera muy natural y con muy poca discusión. Tanto Andrea como Aidan son músicos extremadamente competentes y generosos, los dos crean bellas ideas, muy dimensionales. Me siento muy afortunada de haber trabajado con ellos, de hecho en Diciembre volveré a tocar con Aidan en Europa, estoy muy emocionada por eso. SF: La obra se compone de 13 movimientos, y cada uno provee de sensaciones diferentes entre sí, para ti ¿Qué representa cada movimiento? LG: Gracias, el filme es muy extraño en tantas maneras, además de estar increíblemente bien construido. De verdad, me gusta esa paz tan extraña que me produce la película; la cual creo, siempre sigue la sombra y la dinámica de Arco. SF: Actualmente estamos viviendo un momento muy oscuro para las mujeres alrededor del mundo ¿Crees que la vida de Juana de Arco refleja mucho el momento que si vive en el mundo? LG: Su valentía y compromiso es hermoso, me inspira muchísimo. Estos son tiempos muy difíciles y creo que, todos podemos aprender de compromiso y visión que tenía el personaje. Lo que amo acerca de este filme es que, su historia es contada, no como un cuento de hadas (la cual podría ser una opción), sino, como la historia de una niña de granja iletrada que es abusada cobardemente por hombres arrogantes. Inclusive, aunque fue ejecutada es difícil no verla victoriosa. Ciertamente uno de los personajes más amados e idolatrados de la historia. SF: Tocaste en México hace unos días de mes con una pequeña gira ¿Qué esperabas de estos shows? LG: En serio amo México, me entusiasma tocar y poder estar más tiempo en el país en este tour.   Este próximo 30 de Agosto no te pierdas  a Lori Goldston,  quien estará en el 316 Centro y Depósito Sonoro tendrá los pormenores de este gran show.  Accesos disponibles en: http://soma316.boletia.com  

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Entre el pop y la experimentación, entrevista con Matt Robidoux

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Matt Robidoux es, sin duda alguna, uno de los jóvenes compositores más interesantes en la zona del bay-area de California. El caso de Robidoux, es uno especial, formó parte en sus inicios de Speedy Ortiz, esa banda que muchos medios proclamaron como la promesa del “indie” (si es que eso aún se considera un género) tras tocar con ellos bajo una estructura cerrada y lineal en cuanto a lo musical, el músico decidió abandonar dicho formato y concentrarse en su propia obra, bajo un ejercicio egoísta de explorar constantemente diferentes vertientes sonoras, sin dejar jamás de caer en un cuadro que lo limite sónicamente. Inspirado en gran medida por Pauline Oliveros, lo cual se puede apreciar en 3 Pieces o Irish Collection (Feeding Tube 2016, 2017) donde el músico demuestra lo ecléctico de su obra, tanto la improvisación sonora, esa noción pop y melódica, casi melancólica, como también llevar su obra al límite de escribir piezas apegadas a ensambles contemporáneos, llevando su obra a espacios tan inesperados como arriesgados, sin dejar de perder el sentido inicial. Naturalmente la visión del nativo, Massachusetts, comenzó a escapar del formato del rock, para sumergirse en el sentido de la improvisación, la electrónica abstracta y el ruido, al mismo tiempo que fue escribiendo su propia música, bajo ningún tipo de estructura limitante. “Para mí, era importante alejarme de la estructura del rock n’roll. Yo vengo del este de Massachusetts, y en éste lugar existe una escena muy fructífera en cuanto a la improvisación libre y la experimentación electrónica, por lo que rápidamente me fui mezclando entre esa comunidad, y lo fui absorbiendo, creo que le debo mucho de esa experiencia, a lo que es hoy mi obra, también estar en ocasiones tocando con el colectivo Sunburned Hand of the Man, con ellos aprendí muchísimo, y fue cuando comencé a escribir mis propias canciones” Su obra refleja esa delicadeza y sensibilidad que emanaba Arthur Russell, pero mezclado sobre el vanguardismo guitarrístico de un joven Loren Connors o Alan Licht, esa presencia tremenda de jugar constantemente con la cuestión tonal, sumándose a ese manto popístico que envuelve cada minuto de su obra, donde se salta de lo experimental a lo más melódico. Dichas comparaciones podrían valer menos, y dar una idea de la obra de Robidoux pero, estás comparaciones son solo aproximaciones o reminiscencias, su obra forma una amalgama muy personal, con vibras de alcoba y que se reduce a ese sentimiento entre artista y público. “Siempre que tocó en algún lugar, trato de incluir a músicos locales en mi show, tratar de crear una conexión, una comunidad, también tratar de llevar está música que por lo general siempre se encuentra en nichos, en círculos cercanos al jazz o muy académicos; tratar de llevarlos a comunidades más apegadas al D.I.Y.” “La música experimental como género, no existe, no hay un sonido que se defina como experimental, para mi esa etiqueta significa tomar riesgos, significa también abrazar tu individualidad como compositor, generar tu propia estilo.” Robidoux es uno de los experimentadores sonoros más interesantes de la actualidad, y probablemente de los más accesibles, en su pensamiento no existe la demagogia y el esnobismo que se recrea a través de estos círculos del “avant-garde” y la academia, y eso se aprecia en su música de una manera clara, sin posturas ni pretensiones, sino, experimentando constantemente bajo una estructura similar a la canción pop. El compositor radicado en Oakland, está por lanzar su próximo álbum de estudio, que probablemente liberé a finales de año.   Bandcamp: http://mattrobidoux.bandcamp.com/album/cracker-cuts    

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Datos Duros// Trascender para ser escuchado.

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Toda la tierra se mueve como las olas, en medio del cielo se escuchan ruidos. El hombre se prepara para transformarse y se transforma. Canto Seri. Una canción y una foto bastó para buscar a “Hamac Caziim”, era un poco más de la una de la mañana  y logré contactar a su mánager (Diana Reyes)  que por suerte se encontraba en la Ciudad de México.  De hecho la banda cumplía compromisos en la ciudad, la última parada sería el Zócalo capitalino dentro del foro  de “La feria de la culturas indígenas”. Para entender el contexto de esta banda debemos centrarnos en una zona muy cercana a Punta Chueca, Sonora; México. Es ahí donde los ojos humanos  ven tierra firme, es ahí donde la comunidad “Seri” se organiza  principalmente de la pesca ya que es la más cercana a la Isla Tiburón; una isla de proporciones grandes dentro del Golfo de California. La vértebra de la comunidad “Seri” son  sus valores  que la sociedad moderna esta perdiendo, y estos son: compartir y ayudar para trascender. La comunidad esta en constante lucha por defender y preservar sus raíces entre las que destacan su lengua (‘Cmiique iitom) .   Algunos  “Seris”  son trilingües ya que dominan el español, ingles y su lengua natal. Dentro de esta necesidad de preservación Francisco “El Indio” Molina (Voz), Eliezer Barnett  (batería), Anselmo Morales (guitarra eléctrica) y Jeremías López  (bajo) decidieron formar una banda cuyo objetivo es  comunicar al mundo su cosmovisión, su historia, sus tradiciones y mantener  su lengua viva a través de un genero que como nos dice “El indio”, fue clave para ellos,  nos referimos al Metal. Todos éramos danzantes  en nuestro pueblo, la inmersión y conocimiento de culturas por alguna razón nos llevo a escuchar otra música en diferentes idiomas. Es ahí donde nos dimos cuenta que a los niños de la comunidad les gustaba el rock, nos comentó “El indio” Es así que decidieron formar a “Hamac Caziim” que significa fuego divino.  La bandera ideológica de la banda es concientizar a los pueblos de México para que conserven y mantengan viva su cultura y sus raíces. Eran las 7 de la noche y el cielo estaba un poco gris. La lluvia es una constante aquí en la ciudad no  cómo en su natal Sonora donde la lluvia no se ven a menudo.  El escenario esta listo y  “Hamac Caziim” también, decenas de personas poco a poco se congregaban. Cada uno vestido con trajes tipos de la comunidad “Seri” , también veo maquillaje en sus rostros representando figuras geométricas. Los instrumentos están listos , no hay más que esperar. Comienza el repertorio, una especie de ceremonia auditiva , la gente sigue llegando; mientras tanto “El Indio” canta, gran parte de estas canciones  giran en torno al mar, los tiburones, la mujer (como pilar dentro de la comunidad) y las antiguas hazañas de héroes y guerreros. Conforme avanza el concierto ví  gente bailar, ser libres. “El Indio” hace headbanging con su enorme cabello, los ritmos son precisos y llenos de energía. No hay voces guturales , todo parece un sonido que nos invita a perdernos de manera tranquila. Durante la presentación “El indio” nos habla en “Seri” nadie ó casi nadie entiende pero, sabemos cuando gritar y cuando no. La noche siguió y posterior a este cumulo de energía, entré con “El indio” a una pequeña sala improvisada para hablar de la historia que los llevo hasta aquí. Metallica, Overkill, Testament, Cannibal Corpse, Sepultura son bandas que marcaron la vida de “El Indio” y fueron parte de su conocimiento e incursión al metal. “El Indio” ríe pero a la vez  se le ve tímido, disfruta en demasía  el momento  las  charlas. Al preguntarle si le gustaría estar en algún festival de metal en México  o en el mundo respondió emocionado que, sí. Al final el objetivo sigue siendo compartir junto  con los demás integrantes  la magia de sus cantos con un genero que a su sentir los representa por la fuerza y energía. Para este año continuarán con la promoción de su álbum debut “Hamac Caziim (Fuego Divino)” pero el “El indio” nos deja la primicia que el próximo año habrá música nueva y prometen regresar a la ciudad para Enero o Febrero del 2019.

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Datos Duros // La transformación del ser.

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Los sábados parecen más lunes que sábado, tráfico, stress, mi tiempo se ve mermado en el metro debido a una persona que se lanzó a las vías, obviamente murió. Que mal día para aventarse. Humo Negro by Desollado 40 minutos después de la cita por fin me encontré con Fabián Guitarrista de un proyecto que fue fundado recientemente con ex miembros de lo que fue “Muluc Pax”, “Tloke-Nahuake” y “Weedsnake”. Derivado a las ganas de seguir creando y vislumbrando un camino con raíces mexicanas nace  “Xipe Tótec” nuestro señor “El Desollado”. Llegamos a unos departamentos enormes hogar Ix Caban baterista de la banda, al entrar observe   un conglomerado de pequeñas sociedades aisladas de las avenidas cercanas, era una ciudad dentro de otra. Subimos un piso, entrando se encuentra  la mesa, una botella de ron, hierba  y hielos eran nuestros aliados esa noche, el motivo hablar con 3 de los integrantes de El Desollado. Buscar en internet  la palabra DESOLLADO da un contexto gráfico a horripilantes imágenes que no precisamente van con la banda.   Me gusta preguntarle a las bandas mexicanas si están orgullosos de ser mexicanos. Zip Pax bajista, nos comenta que su trabajo como músico ha sido comúnmente muy narrativo de México, es el aderezo a su trabajo. Ix Caban  explica que el nombre da origen a la transformación , al cambio de piel “Xipe Tótec”. El nombre de la banda  va más allá de la desgracia,  “Xipe Tótec” es algo positivo, es renacer,  es sembrar una semilla y ver crecer a una planta, nos platica Fabián bajista. El género que El desollado interpreta es  Doom-Stonner-Metal aunque los integrantes invitan a la gente a verlos sin estereotipos musicales  para que descubran la propuesta que estos tienen.  La linea creativa nace de sesiones Jam lo que permite que sus shows sean distintos ya que convive la improvisación  influenciada por la gente. A esto le sumamos la potente voz de Erick (Kan Balam Ahau) cuyo sonido hacen una atmósfera oscura.   Los tragos empiezan , la botella baja y los hielos se acaban, en el cuarto junto con nosotros conviven el gato y el perro Ix Caban, él es amante de los animales por lo que expresa estar en desacuerdo en la humanización de estos.  El soundtrack sigue y la platica continua mientras vemos videos  de Sleep, Revocation hasta Horse The Band.     El desollado ha participado en varios eventos del círculo resaltando la sexta edición del festival Lxs Grises donde fueron invitados a tocar en vivo y participar en el  álbum que conmemora la reunión con la canción “Implosión” sencillo que le ha permitido estar dando la vuelta en la escena metalera.   Hay mucho grupos mexicanos con una  gran calidad, en un corto plazo la gente será testigo de esto ya que muchos proyectos se les ve futuro, comenta Zip Pax.       Para la banda no ha sido fácil y lo viven, es ahí donde todos coinciden en  que para seguir generando y hacer sólida la escena la gente debe darse la oportunidad de ir y consumir lo nacional. Es importante que exista una retroalimentación donde alimenten los proyectos y no se enfríen. Por ahora están preparando un EP que saldrá en todas las plataformas disponibles , continuaran con giras tocando en lugares como El Mundano y siendo parte de distintos carteles con bandas del genero, estén pendientes de más noticias de El Desollado.

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Entrevista a Michelle Garza, cineasta y comprometida con la escena punk

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Conocí a Michelle Garza Cervera en su celebración de cumpleaños número 24. Era el año 2011 y esa noche de septiembre, gracias a algunos amigos con los que comencé a salir a tocadas de punk y fiestas por diferentes lugares de la Ciudad de México, fue como terminé al sur de la metrópoli, cerca de la carretera Picacho Ajusco, en el hogar de los padres de “Mich”, como suelen llamarla sus más allegados a esta joven cineasta que realiza cortometrajes desde 2009, destacando Isósceles (2012) y La Rabia de Clara (2016), los cuales han sido proyectados en distintos festivales alrededor del mundo. En la fiesta convivían músicos ligados al punk chilango, cineastas y viejas amistades de Mich. Y, algunos meses después, recuerdo que ella misma, la propia ex vocalista de Especie Fallida y, también, guitarra de Secreto Público, debido a nuestras amistades en común, a mí y a un amigo norteño (Mito da Pawa) nos pidió ayudarle a mover algunos muebles en una casa abandonada de la colonia Roma, donde filmaba escenas de Isósceles. La sorpresa fue que en ese acogedor hogar donde al parecer alguien se había suicidado (por eso ya nadie habitaba ahí), terminamos encontrando expedientes y fotos del asesinato de Luis Donaldo Colosio Murrieta, haciendo que ese día fuera más inolvidable. Ahora, cuando ya han pasado casi siete años de la fiesta de cumpleaños y que el miedo nos invadió en la casa de la colonia Roma, Mich, quien también en su carrera como cineasta a formado parte de México bárbaro II (2017), se encuentra desarrollando su primer largometraje, en Londres, gracias a una beca que obtuvo a finales de 2017. Entonces, y a la distancia, me puse en contacto con Mich, recordando algunas platicas que iban de David Cronenberg al punk rock que nos marcó de por vida en nuestra adolescencia, para así hablar de lo que se encuentra haciendo en el viejo continente, sus inicios en el séptimo arte, cómo ve las cosas dentro de la industria cinematográfica siendo mujer, entre otras cosas.   Hola, Mich. ¿Cómo estás? Parece ser que estás cumpliendo tus sueños de la infancia: escribes historias y las estás llevando a un formato audiovisual. Hola, gracias por tomarte el tiempo de hacer esto. De hecho, cuando era una niña quería ser dentista. Y eso que me daba terror ir porque no se me caían los dientes y tenían que inyectarme anestesia para arrancármelos. Igual de ahí decidí dejar el sueño de la odontología por el cine de terror.   ¿Recuerdas algunas historias que llegaste a escribir o imaginar de pequeña? Sí. Tengo varios cuentos guardados que escribí de niña. El que se me viene más a la mente, es El mundo secreto de mi amiga Katia. Katia fue mi primera amiga. Recuerdo que solía ser misteriosa y no contarme a detalle lo que le pasaba. Entonces, escribí una historia en la que ella me invitaba a un mundo secreto al que escapaba cada tarde, me daba una llave mágica para entrar y todo eso. El mundo consistía en un jardín salvaje donde todo sucedía al revés: la gente caminaba de manos, hablaba al revés, etcétera. Creo que estaba influenciada por la canción de Chabelo [“El reino del revés”], y también por la película de El jardín secreto [risas].   ¿Siempre quisiste hacer cine o en algún momento de tu vida te inclinaste por la literatura o algún otro tipo de expresión similar a lo que hoy en día haces con una cámara? Siempre estuve inclinada a escribir, sólo que mis ideas eran muy visuales y me costaba trabajo describirlas. Dibujaba al lado de mis textos para tratar de explicar lo que quería decir. Lamentablemente mis dibujos eran feos [risas]. Entonces, supongo que la solución, inconscientemente, fue que encontré el cine.   Lo pregunto porque, si no me equivoco, tus papás y hermanos también están envueltos dentro del arte y la creatividad. Así es. Lo chistoso es que a nadie más de mi familia le importa mucho el cine. Mis papás se dedicaban al diseño gráfico e industrial. Mi mamá hizo mucho grabado y, de hecho, sus imágenes tendían a ser fantásticas. ¡Era medio Sci-Fi mi jefa! Tal vez de ahí me vino algo.   ¿En qué momento decidiste dedicarte a la dirección y entrar al Centro de Capacitación Cinematográfico? ¿Qué cosas crees que tuvieron que influir para comenzar una carrera dentro de este medio? Primero tomé un taller de video en la preparatoria. El maestro era chido, recuerdo que me prestó un DVD de GWAR, el cual nunca regresé [risas]. A partir de ese curso creo que me obsesioné. En aquel entonces tenía un novio con el que me pasaba los días viendo películas. Nuestra meta era ver 20 a la semana. Luego descubrí el CCC [Centro de Capacitación Cinematográfico] y valió madre, tomé mi primer curso en 2006 con Gustavo Montiel, y me quedé hasta que me titulé, hace dos años, en 2016. Y, ahora, estás en el proceso de hacer tu primer largometraje. ¿Cómo vas con eso? ¿De qué va la historia? La verdad es muy loco ver como ya han pasado más de diez años desde que empecé a dedicarme a esto y aún me siento una novata. Cada vez pienso que está más cabrón hacer buen cine. El largometraje, por el momento se llama Huesera. Es un proyecto que me ilusiona mucho y que estoy desarrollando con dos amigas a las que admiro un chingo. Se trata de una mujer que tiene miedo de convertirse en madre, y ese miedo toma la forma de un monstruo que no la deja tranquila. Incluso te encuentras en la Universidad de Goldsmiths, en Londres, a donde llegaste gracias a obtener una beca. ¿Cómo se dio esto y en qué te estás preparando, aparte de desarrollar tu largometraje? ¡Cuando me dieron la beca no me la creía! Creo que la vendí con el argumento de que casi no hay mujeres en México que hagan cine fantástico, lo cual es verdad. Vine

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Datos Duros// Debo irme antes de que sea demasiado tarde.

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La dificultad de mantener viva una banda bajo las reglas y normas de las disqueras malditas o de empresarios que hacen y deshacen la labor artística de quienes generan ideas musicales es complicada, más viviendo en un país como México.  La contraparte es que a pesar de todo el cáncer que evita la difusión de cientos de proyectos en este país existen bandas que enfrentan al establishment musical y le pintan “Güevos” en la cara, utilizan todos los medios posibles para llevar su música a otros continentes ya sea de manera oficial ó pirata eso no les  importa.Es un sábado cualquiera en la CDMX, finaliza el ensayo de Black Overdrive me dispongo a hablar con ellos. -¿Que les enorgullece de ser Mexicanos?-Jajajajajajajajajajajajajajajaja -Los sopes, jajajaja, comenta Rene. Todos aceptan que no son nacionalistas, de hecho si hubieran nacido en cualquier parte del mundo, su sentimiento sería el mismo. Hay un minuto de reflexión y entre risas Ivan Nieblas aclara,  “Si contestamos esa pregunta la neta sería que estamos orgullosos de no vivir en un lugar con tantas restricciones como Venezuela o Israel, eso si esta cabrón”.    Esta banda es originaria de la ciudad de México y comenzó su historia  como cualquier proyecto. Las ganas de tocar y compartir con la gente sus influencias fue vértebra en el comienzo, tocaron covers de  Black Sabbath, Motörhead, Fu Manchu, Kyuss, Down, Anthrax y Slayer pero no contaban que estos no cumplían con las expectativas, es ahí que entre la improvisación e ideas  la banda logró armar maquetas interesantes que dieron vida a un primer álbum llamado “Discord” Mike Sandoval diseñó la portada de “Discord”  con tan solo ver las letras y escuchar una idea de los integrantes.  Rene Villanueva (lira), JC Pintor (las ollas), Ivan Nieblas (los suspiros)  y Ángel Castillo (en el me agarras) describen a Black Overdrive como una banda llena de odio y sed de venganza. La mayoría de las letras hablan de las cosas que les molestan y han sido cuestionados “por los fans” de usar el idioma Inglés para transmitir su mensaje aunque aclaran que  es un tema que corresponde más a que así el género es mejor auditivamente y la mayoría de las bandas que han escuchado durante toda su vida cantan en inglés. Platicamos entre otras cosa de  cual es la opción de Black Overdrive  sobre cómo utilizan las bandas ciertos foros para llevar mensajes de protesta. Recordamos aquella presentación de Gwar en el Hell and Heaven de este año o ahí mismo a Tenacious D siendo  los únicos que a través de su show levantaron la voz en México para decir que su presidente es un pendejo. Los Black Overdrive creen en la idea de que a través de una canción no pueden mejorar las cosas, pero esa opinión no limita las ganas de usar todo el material que te hace enojar para crear letras contestatarias  por ejemplo:  La guerra de calderón , la represión ordenada por Miguel Ángel Mancera ante eventos de protesta en la CDMX, la Iglesia como  punta del iceberg en temas de pederastia como no enojarse ante tantas injusticias.  La canción  “War Weather Worshipper” habla de la gente que hace política y guerra sucia complementamos esta rola con un video hecho por “El Rata” Rodriguez donde se ven imágenes  de Trump hasta algunas de  Lopez Obrador.Pasan los minutos y la plática da pie para hablar de cómo los recibe la escena Stoner en México.La pregunta surge ya que  hace tiempo platicando con una amigo que pertenece a una banda de surf me comentaba de la tan conocida “Policía del Surf”, las carcajadas de todos  se escuchan. Les platico que este grupo de personas  constantemente  organizan a bandas Surf a ser lo que es políticamente correcto para  mantener una imagen dentro de la escena  por ejemplo: usar cierta marcas de guitarra o de platillos para la batería, comprar discos en ciertos lugares o incluso sugieren  vestir ciertas cosas o marcas de ropa ya que  de lo contrario serán expulsados gradualmente y no tocaran en ciertos festivales que ellos organizan.Es gracioso para Black Overdrive ya que afirman que  eso ha existido de siempre y en todos los géneros, bandas que solo tocan juntas o en festivales donde siempre va hasta la misma gente, en el metal por ejemplo gente que si no es *TRVE no los dejan participar en ciertos eventos.  Un sector de la escena Stoner en México nos considera “La Stoner Elite” porqué no los invitamos a tocar con nosotros, porqué cobramos o porqué no tocamos en lugares culeros en donde no existen los medios para poder dar un buen show eso es una mamada, Ivan Nieblas. “Siempre habrá gente que se cree dueños de las escenas musicales y la neta qué weyes los que permiten esto” nos comenta J.C. Para este año 2018 Black Overdrive nos presentará el sucesor de Discord la fecha tentativa es para agosto la banda nos pide estar muy pendientes de sus redes sociales. *TRVE es un termino  que usan para decir que una persona compra y/o consume el genero de una manera exagerada suele ser un critico duro ante cosa que no consume.

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