Depósitio Sonoro

Estrenos

Un caos mágico: We Are Wolves presenta “Transitions”, el primer avance de su próximo y último álbum

Alexander Ortiz y Vincent Levesque se conocieron en la escuela de arte, en donde conectaron de inmediato: el tipo de personas que arrancan el mantel de una mesa perfectamente puesta simplemente para estrellar los platos contra el suelo. En el año 2000 crearon We Are Wolves, en el momento del ‘renacimiento del rock n’ roll’, pero supieron diferenciarse de toda esa camada de cinturones blancos y guitarras. Desempolvaron sintetizadores analógicos y cajas de ritmos pasados ​​​​de moda y conjuraron sonidos primitivos y fuertemente rítmicos superpuestos con voces al estilo de una terapia de gritos. En 2005, el sello Fat Possum Records los firmó para su primer álbum, Non-Stop Je Te Plie En Deux, y se convirtieron en una voz única en la explosión global de dance/art/punk liderada por contemporáneos como LCD Soundsystem, Liars, Bloc Party y DFA1979. Lanzaron cinco discos más durante las siguientes dos décadas, incluido el aclamado por la crítica Total Magique en 2007.  El momento culminante de su carrera llegó con Wrong, lanzado por Simone Records en 2016. Siguieron numerosas giras y actuaciones en algunos de los festivales más importantes del mundo: SXSW (Austin), CMJ. (Nueva York), The Great Escape (Reino Unido), Osheaga (Montreal), FIMPRO (México), Les Eurockéennes (Francia), Reeperbahn Festival (Alemania), teloneros de bandas como And You Will Know Us By The Trail of Dead, La conspiración (internacional) del ruido, El chisme, Gorillaz, Muse, Indochine y Bloc Party. Ahora, cinco años después del lanzamiento del EP La Main de Dieu, Ortiz y Levesque presentan “Transitions”, el primer avance de su próximo y último álbum, que enfrenta narrativamente una era de malestar social, sobrecarga de información, cataclismo ambiental y tiempos de guerra. El track cuenta con contribuciones de guitarra de Oliver Ackermann de A Place To Bury Strangers y Joseph Yarmush de SUUNS, Rock sintético, el garage rock, el cold wave, el post punk, la cumbia, la psicología tropical y rock alternativo de los 90, una mezcla que  abarca décadas. En conversación para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con Alexander Ortíz sobre lo necesarias que son las narrativas contraculturales, sus inspiraciones, influencias y métodos de creación, así como las razones por las que este será su último álbum oficial. ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más info: 

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Cereza Sangrienta y su electrizante debut

“Tempestad,” el primer sencillo de la banda mexicana de garage Cereza Sangrienta, es una presentación poderosa y emotiva que captura la melancolía de la juventud y la importancia de los recuerdos. La canción expresa un sentimiento crudo y melancólico sobre cómo a veces no apreciamos la felicidad del presente hasta que la perdemos, y es una excelente muestra del sonido único y auténtico de esta nueva banda mexicana, que promete convertirse en una sensación del garage en la Ciudad de México. El sonido de “Tempestad” está marcado por guitarras distorsionadas y letras introspectivas que evocan una sensación de nostalgia y reflexión. La canción se ha convertido rápidamente en un himno para los jóvenes que se sienten atrapados entre el pasado y el presente, buscando encontrar sentido en sus experiencias y recuerdos. La banda es buena para transmitir emociones profundas a través de su música, conectando con los oyentes de una manera que pocas bandas logran.  Con “Tempestad”, Cereza Sangrienta no solo se establece como una fuerza emergente en la escena musical de la Ciudad de México, sino que también demuestra su potencial para dejar una marca duradera en el género del garage rock. La combinación de talento, emoción y autenticidad en “Tempestad” asegura que Cereza Sangrienta continúe creciendo en popularidad y dejando una impresión duradera en sus fans y en la escena musical en general.

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Onda Tropical, I. Rebajado: Honrando las Raíces Musicales de México

Mexican Rarities presenta con orgullo “Onda Tropical, I. Rebajado” de Rodrigo Martínez Torres, una obra que combina la tradición musical latina con la grandeza de una banda sinfónica. Este lanzamiento digital marca un hito en la exploración de nuestras raíces sonoras, recordándonos la responsabilidad que tenemos como oyentes de comprender y preservar nuestra herencia cultural. La interpretación magistral bajo la dirección de Brian Messier y la destacada participación de Abi “La Coreañera” Pak en el acordeón resaltan la profundidad y la belleza de esta composición. “Onda Tropical, I. Rebajado” no solo es una celebración de la música, sino también un llamado a la reflexión sobre la importancia de valorar y proteger nuestras raíces musicales en un mundo globalizado. Rodrigo Martínez Torres, reconocido por su capacidad para capturar la esencia musical de América Latina, continúa elevando el perfil de la música contemporánea con su maestría en Práctica Sonora en Dartmouth College. Su trabajo refleja un compromiso profundo con la autenticidad y la innovación en la composición musical. Mexican Rarities, fundado para promover y preservar el patrimonio sonoro de México, sigue siendo un pilar en la difusión de la música mexicana en todas sus formas. Desde vinilos hasta plataformas digitales, el sello ha dedicado sus esfuerzos a educar y empoderar a los oyentes sobre la riqueza cultural y musical de nuestro país.

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Descubre la diversidad sonora en “Nada Que Celebrar”, el nuevo EP de Marc!

Directo de Caracas, Venezuela y radicado actualmente en la CDMX, te presentamos a Marc! un talentoso chico que te demostrará que ser emo nunca fue una etapa sino un estilo de vida y que, dentro de todos nosotros llevamos una energía punk que pide a gritos salir. Transformando sus experiencias en canciones, en esta ocasión Marc! comparte su nuevo EP “NADA QUE CELEBRAR”, un material en el que plasma a lo largo de cuatro tracks, una historia de amor tan intensa que te sentirás identificado. Donde además demuestra la versatilidad de su música y refrescante propuesta. Con el lanzamiento de este EP, el caraqueño también compartió el videoclip de su tema homónimo, una pieza donde recrea algunos de los momentos más lindos y divertidos de lo que fue su última relación sentimental, así como el triste vacío que dejó tras la ruptura. “NADA QUE CELEBRAR” estuvo bajo la producción de Iván “GONN” Infante, donde además contó con la colaboración de su amigo isra para el tema “La Salida”. Con el paso de los años, Marc! ha tomado más impulso dentro de la escena independiente, mostrando una mayor madurez dentro de su carrera musical y que al día de hoy lo demuestra con el lanzamiento de una de sus obras más completas hasta ahora.

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Reseña del nuevo y último disco de Shellac, titulado “To All Trains”

Como fanático de la música, no hay nada mejor que un grupo independiente con los recursos suficientes para hacer el disco que ellos realmente quieren hacer. Este ha sido (por alrededor de 30 años), el caso de la banda norteamericana Shellac, conocida por ser un poderoso trío inclinado a las guitarras pero no por ello cayendo en los convencionalismos de lo que generalmente conocemos como rock o noise rock. To All Trains es el nuevo material de la banda de Chicago, y a la vez un disco póstumo de Steve Albini, ingeniero, guitarrista y vocalista con Shellac. El sexto disco de estudio en su carrera fue lógicamente grabado y mezclado en Electrical Audio en Chicago, compuesto entre diferentes años: 2017, 2019, 2021 y marzo de 2022, lo cual tampoco es el común denominador de una banda que tiene un lanzamiento de estudio tradicional, pasando poco tiempo en el estudio y grabando todo el mismo mes o año. To All Trains presenta estructuras poco convencionales, un sonido de guitarra y de batería muy definido, que lleva siendo el sello de la banda desde 1994. Momentos de “spoken word” contrastado con gritos exaltados provenientes de la voz de Steve Albini. Letras dispares, algunas con más sentido que otras pero siempre coherentes dentro del Universo Shellac. Diez temas en menos de treinta minutos, lo que es conocido en la industria como un all killer, no filler, este álbum no tiene desperdicio alguno, y si bien uno puede tener canciones favoritas la realidad es que todo el disco es emocionante, haciendo (quizá sin querer), una pequeña retrospectiva a otros materiales de la banda hechos en el pasado. Quizá lo más complicado / extraño de este material de estudio es que no son canciones que vamos a poder escuchar ejecutadas en vivo. En una industria plagada por los números, inmediatez y otros males ¿Cuántas veces tenemos la oportunidad escuchar un disco que sólo tiene la intención de presentar el sonido real y crudo de una banda? Alejados de cualquier tipo de sencillo, alguna intención de pegar en la radio. Escucha To All Trains también en la página oficial de bandcamp de la banda, y mientras lo haces piensa que este es su primer disco de estudio desde hace 10 años, el último material de Shellac (al menos con esta alineación), y el último disco de Steve Albini como músico… y por si eso fuera poco y para terminar, piensa que el último track de álbum lleva por título I Dont’ Fear Hell, tema donde el mismo Albini canta la palabras “If there’s a heaven I hope they’re having fun, ‘cause if there’s a hell I’m gonna know every one”.

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Renacimiento Sonoro: El Legado de Vanadium a la electrónica experimental en ‘Better Times’

El ecléctico universo sonoro de Pablo Nieto, bajo el alias de Vanadium, no conoce límites. Desde su debut con el sorprendente “Gwyrdd”, donde fusionaba IDM, Drum & Bass y Post- rock con maestría, ha continuado su exploración musical hasta alcanzar nuevas dimensiones en su último trabajo, “Better Times”. Con “Better Times”, Nieto no solo desafía las expectativas, sino que redefine por completo las fronteras del arte sonoro contemporáneo. Este álbum trasciende la mera categorización de género; es una amalgama de sonidos y emociones que se funden en una síntesis vertiginosa de innovación y expresión artística. Cada uno de los ocho temas de electrónica inclasificable es una invitación a un viaje sensorial, donde las melodías pop, emocionantes e icónicas, sirven como ancla en un mar de ritmos contundentes y evocadores. Desde los pulsantes beats de la IDM hasta los ecos distorsionados del post-rock, “Better Times” no solo nos lleva a través de paisajes sonoros cambiantes, sino que nos sumerge en un torbellino emocional donde cada nota es una revelación. La habilidad de Nieto para entrelazar elementos aparentemente dispares en una estructura coherente es verdaderamente impresionante, y esto queda patente en la riqueza y profundidad de cada composición. Pero más allá de su complejidad técnica, “Better Times” destaca por su capacidad para conmover y sorprender al oyente en igual medida. En un panorama musical saturado de fórmulas preestablecidas, este álbum se erige como un faro de originalidad y autenticidad. Nieto desafía las convenciones con audacia y determinación, recordándonos que el verdadero arte es aquel que se atreve a romper moldes y explorar nuevos territorios. En este sentido, “Better Times” marca un punto de inflexión en la carrera de Vanadium y en la música electrónica contemporánea en general. Es un testimonio del poder transformador de la creatividad y la innovación, una obra maestra que desafía las limitaciones del género y nos invita a explorar nuevos horizontes sonoros. En conclusión, “Better Times” no solo es un triunfo creativo para Vanadium, sino también un testimonio poderoso del poder transformador de la música. A través de este álbum, Nieto nos invita a sumergirnos en un viaje emocional sin precedentes, ofreciendo una experiencia auditiva que es tanto estimulante como conmovedora. Con su habilidad para fusionar géneros y su innegable talento para la innovación, Pablo Nieto se consolida una vez más como uno de los nombres más emocionantes y relevantes en la escena musical contemporánea.

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Robbers Transforma su Sonido con “Sleep”: Una Aventura Artística en Ascenso

La banda Robbers, tras una pausa en Estados Unidos, resurge con una metamorfosis sonora que fusiona psicodelia y garage en su último sencillo “Sleep”, acompañado por un deslumbrante videoclip a manera de cortometraje dirigido por Evelyn Muñoz. Este lanzamiento puede marcar un hito en la evolución de la banda, ya que demuestra su capacidad para producir contenido artístico sofisticado y cautivador. El vídeo, estrenado hace unas semanas, es más que una simple compañía visual para la canción; es una narrativa cinematográfica que explora la tristeza y la melancolía, transportando al espectador en un viaje reflexivo a través de la música. Este enfoque cinematográfico no solo resalta la canción, sino que también se erige como una obra independiente digna de apreciación. Con “Sleep”, Robbers logra amalgamar su estilo psicodélico con tonos melancólicos, generando una experiencia musical emotiva y singular. Esta fusión representa una evolución en la identidad musical de la banda, demostrando un notable crecimiento artístico. “Sleep” promete ser el umbral de un nuevo capítulo en el recorrido musical y artístico de Robbers, un augurio de futuras producciones de calidad. Con su sonido renovado y su habilidad para la innovación visual, Robbers merece un lugar destacado en el escenario musical contemporáneo.

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Kontax Reafirma su Posición como Artista Visionario con “Hasta Borrarme de Ti”

El proyecto musical Kontax, originario de Chetumal, Quintana Roo, ha lanzado su nuevo sencillo “Hasta borrarme de ti”, que forma parte del álbum debut notas q no son para ti. Este lanzamiento reafirma la posición de Kontax como un artista multifacético y visionario en la escena musical contemporánea. La canción “Hasta borrarme de ti” profundiza en la compleja paradoja del amor y los incesantes esfuerzos por desligarse de él, reflejando la evolución artística de Kontax a lo largo de los años. El sencillo se encuentra disponible en todas las plataformas de streaming, acompañado de un video oficial dirigido por Alejandro Peón y Rodrigo Chikani, que complementa visualmente la intensidad emocional de la canción. Kontax comenzó su carrera en 2012 enfocado en el género electrónico, pero siempre mostró interés por integrar elementos orgánicos en su música. Con el tiempo, estos elementos orgánicos se convirtieron en la base de sus composiciones, creando un estilo musical híbrido que combina lo digital y lo analógico. La canción se caracteriza por un beat pegajoso y un bajo y baterías con influencias del acid jazz, creando una atmósfera musical que rompe con la voz peculiar y diferente a lo que Kontax había presentado anteriormente. Esta combinación de elementos sonoros refleja la complejidad emocional del tema central de la canción: la paradoja del amor y los intentos infinitos por olvidar a una persona amada. Este sencillo también nos demuestra el dominio de Kontax en el género synthpop, incorporando una variedad de sonidos y texturas que crean una experiencia auditiva envolvente. Además, en esta nueva etapa, el artista se ha encargado de la producción musical, mezcla y masterización por cuenta propia, rompiendo con el estigma de que la calidad musical está reservada para aquellos con grandes presupuestos.

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