Depósitio Sonoro

Nostalgia

Mira a Beastie Boys en Bonnaroo 2009, el último show que dieron juntos

El show de Bonnaroo 2009, pasó a ser legendario puesto que quedó registrado como el último concierto que dieron juntos los Beastie Boys, ya que como sabemos, Adam Yauch fue diagnosticado con cáncer y falleció en 2012 en su natal Manhattan, Nueva York.   Bonnaroo está estrenándolo en su canal de YouTube y aquí te lo dejamos para que disfrutes de esa esencia y energía que tenían, en lo que no sabíamos que sería el último show de Beastie Boys sobre la fas de la tierra. Quizá te ponga feliz y melancólico al mismo tiempo.   https://www.youtube.com/watch?v=0oNDwGtL3cQ&t=3s

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Documental: alguna vez el jazz fue considerada la música del diablo

El jazz es hoy por hoy uno de los géneros más influyentes en la historia de la música, han pasado décadas y décadas desde su nacimiento en el siglo XX y nuevas generaciones son adoradoras de sus sonidos, ¿pero sabías que alguna vez fue considerada como música del diablo? Quizás lo siga siendo, como el título de este documental, mucho misticismo  rodea esta vanguardia musical que inquietó en su momento a la sociedad. Gracias a este documental podemos viajar a los orígenes del jazz, en donde artistas y músicos como Louis Armstrong o Paul Whiteman marcaron una época y revolucionaron a la cultura negra y a la musical para siempre. El jazz tiene su orígenes en las ciudades de Nueva Orleans y en Mississippi, pero ya alcanza su popularidad en Chicago en la década de los 20s, y más allá de un género musical; en realidad su cosmos creativo nace gracias a la unión y comprensión de varias razas y culturas humanas, buscando cómo alzar su voz y ser escuchados con un fin común: la libertad. Nace como canto de protesta y una nueva forma de expresión de baile pero también fue muy mal visto en sus inicios por la sociedad américana y se consideraba como un nuevo movimiento satánico de los jóvenes. Sin duda es un gran documental que nos da una visión más amplia sobre esta música.

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Mira una serie de 3 documentales sobre la historia de Black Flag, Dead Kennedys y Crass

Serie de 3 documentales de 30 minutos cada uno, realizados por MOCA (Museo de Arte Contemporáneo de Los Angeles), sobre el arte gráfico en el trabajo de 3 bandas de punk rock clásicas icónicas: Black Flag, Dead Kennedys y Crass. Entrevistas con ex miembros y con los artistas mismos. Episodio de BLACK FLAG: Trailer: https://youtu.be/VCj8jGkrupk Documental: https://youtu.be/N0u04EqNVjo Episodio de DEAD KENNEDYS: Trailer: https://youtu.be/-bulX1o0e2o Documental: https://youtu.be/CiMLQqNFTyI Episodio de CRASS: Trailer: https://youtu.be/ulHH3oQGEW4 Documental: https://youtu.be/ubzKiomuUB0 Fuente: Documentales de punk, rock y metal (Grupo en Facebook)

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De Eskorbuto a La Polla Records, rock radical vasco, el documental

  El Rock Radical Vasco tiene su origen en los primeros años de la década de los 80s, específicamente en 1983 como punto de partida cuando José Mari Blanco, en su momento mánager de La Polla Records al lado de Marino Goñi, dueño de las disqueras Soñua y Oihuka, acuñaron el termino debido a la escena y bandas nacientes de la época y movimiento, entre ellas las Vulpes, Eskorbuto, Vómito, Anti-Regimen y muchas más.   Descubre a los principales protagonistas en este documental, cuáles fueron sus pros y sus contras de crear música en aquel momento con ese mensaje y rebeldía, y cómo fue que abanderaron sus influencias musicales través de diferentes estilos como el punk, el ska o el reggae y el alma de bandas como The Clash y Sex Pistols que fueron de las primeras grandes bandas en exportar el género a todo el mundo.

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Julian Cope de The Teardrop Explodes, el enlazador de mundos

Escribí un manifiesto, hice una rola, y descubrí la historia de una canción creada originalmente en 1979 por Skin Patrol conocidos mundialmente como One Million Fuzztone Guitars, así es como Rock Section ve la luz por primera vez bajo los reflectores tenues de las arañas de saturno.   Una especie de balada post punk adelantada por algunos años, una pieza formidable del rock de la época pero visionaria, contundente y prestigiosa. Una elegía al rock como lanza  llamas desviada hacia el imperio de lo sensible. Pasan diez años y en 1989 Julian Cope, musicólogo y poeta, la descubre y decide que esa rola nació para poner a bailar a un gran público y de ahí sale esto: “Rock Section” by Dayglo Maradona (Original Mix by Julian Cope)   Y sin mucho trabajo convence al murciélago a copular como conejo con bolas disco que se derriten con sentimiento lo-fi tornasolado en sótanos de la UE. Para todo este malabar escoge un nombre hippie futbolista: “DAY GLO MARADONA” sarcástico y lúdico para un héroe del post punk que alcanzó relevancia en 1978 como cantante y letrista en la banda The Teardrop Explodes.       En todo ese deshielo de la espera que fue de 1989 a 2014, renace y mira la luz millenial de la espera pero de una manera increíblemente espectacular, si existe un remix que haga justicia a su historia fue gracias al genio de Andrew Weatherall ya reseñado en este muro con anterioridad responsable de Screamadelica de Primal Scream y de poner éxitos del punk sobre las pistas de baile, y por fin llega este sonido inmarcesible y contenido. Disfruten de esta gema espectacular dance.  

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Björk y PJ Harvey juntas covereando a The Rolling Stones en 1994

Björk y PJ Harvey estuvieron juntas covereando a The Rolling Stones en los Brit Awards de 1994, en su plena época de juventud que vale la pena recordar. ¿Quién hubiera precedido el legado que estarían por aportar estas dos mujeres en ese entonces muy jóvenes Bjork y Pj Harvey? Pocos o muchos, sí, pero el tiempo ha trascendido a su favor, al día de hoy ambas son un referente de las voces femeninas más importantes de los últimos años y décadas, cada una con su carrera más que consolidada e influenciando a la nuevas interpretes que surgen hoy en día. Recordemos, pues, con agrado aquella exótica versión a “Satisfaction” en vivo.

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La discografía de Autechre, un paseo por el olimpo de la IDM

Autechre es sin duda una de las revoluciones más interesantes de los últimos tiempos, el dueto británico formado por Rob Brown y Sean Booth ha llevado a niveles inimaginables la música electrónica, que con el paso del tiempo hemos podido por fin imaginar, digerir, y mejor aún, sentir con más cautela y apreciación. Reseñamos a continuación a manera de introducción cada uno de sus discos de larda duración (LP), es decir, no incluimos sus EPs, el viaje inicia con Incunabula de 1993 y termina con Exai del 2013. Incunabula (1993) Para ser el debut, lo primero que puedo pensar es en tratar de recordar algo que cercanamente sonará así en 1993, entre raves y techno. Sin lugar a dudas, fue un portal naciente hacia los caminos densos y abstractos de la electrónica por venir. Amber (1994) Quizá el disco más poético y uno de los más accesibles y clásicos dentro del universo Autechre. Está lleno de cuadrantes hermosos que me transportan a universos binarios, entre calma y cataclismo sintetizado de tintes arcanos. Excepcional en sí mismo. Tri Repetae (1995) Música que suena aún al futuro. Sistemático, interesante, innovador, colapsante y arquitectónico, “Eutow” me parece de lo más revolucionario. Además, éste disco,  lo puso en el mapa junto con Warp, la Rough Trade, una de las disqueras con mayor influencia de Inglaterra que ayudó a Autechre a llegar a nuevos escuchas. Chiastic Slide (1996) Creo que Rob y Sean asumieron intensamente el sentido de explorar los caminos más indefinidos de la síntesis en este disco. Tiene muchos sonidos que bien podrían ser una especie de drone/noise/ambient/IDM pero en un mundo de máquinas funestas. LP5 (1998) Fascinante obra pop dentro de los terrenos y estándares pop de Autechre, desde luego. Un disco sónico y pulsante. Vulnerable en texturas y beats. Un lado más humano y menos máquina en comparación de sus predecesores. Confield (2001) Primer disco del siglo XXI de Autechre y vaya manera tan ambiciosa de empoderar una cierta especie de síntesis distópica. Glitch matemático y de tintes robótico-industriales, elaborados en un mundo IDM, con este álbum volvieron a la vanguardia. Draft 7.30 (2003) Un álbum con energía diferente a los demás, Draft 7.30 es un nuevo portal, uno que se va expandiendo entre el desconcierto de diversas magnitudes frecuenciales, debatiéndose entre lo incisivo y lo retador. Untitled (2005) Uno de sus discos más pesados y extraños, la escucha de repente es bastante densa, tiene buenos momentos pero son pocos realmente, es un disco, crudo y complejo, y los ritmos mutan a lo incierto con canciones larguísimas, como “Sublimit” de casi 16 min. Un disco regular, de los más raro y casi poco disfrutable que han hecho. Quaristice (2008) Es el primer disco en el que abren con “Altibzz” un track totalmente ambient, se siente más soluble la manera en la que trabajaron los tracks y hay bastantes atmósferas más androides y de sensaciones eléctricas. IDM óptimo y más aterrizado en su línea clásica. Oversteps (2010) El disco “mainstream” de Autechre pero no tan popular dentro de su ranking. Me parece el mejor para entrarle por primera vez a su mundo, está en ese punto medio de lo que es su alcance entre el experimentalismo sonoro complejo y el más sutil. Sin duda es atractivo en su totalidad. Exai (2013) Un disco obsesivo sonoro/melódico que crearon hacia la síntesis de ruido vanguardista del 2013 en adelante, de tintes angelicales pero provocador en su idioma. Es una obra inquebrantable en los altos estándares del universo Autechre. Su último larga duración tras ya casi 7 años desde que salió. Ojalá les sirvan o ayuden estas referencia para interesarse en la música de Autechre o recordar alguno de sus discos,  escucharlos es una gran experiencia. Rob Brown y Sean Booth han creado alguna de la música más emocionante de nuestra generación, están en el olimpo de la Intelligent Dance Music de la disquera Warp Records.

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Gary Numan: entre la distopía del synth pop

Gary Numan fue y sigue siendo uno de los precursores indiscutibles de la escena electrónica, especialmente del denominado género: synth pop, todo ello, gracias a varios álbumes que revolucionaron el pop de esa época al darle un porte sintético a finales de los 70 en la música británica. En 1977 era el líder de Tubeway Army, una banda postpunk/new wave que tuvo un éxito medianamente aceptable en Inglaterra con éxitos como “Are Friends Electric?”, principalmente. De ahí, adoptó su nombre artístico de Gary Numan, influenciado por bandas como Ultravox y Kraftwerk, desarrolló una gran etapa en obras como Replicas o The Pleasure Principle que es de dónde se desprende “Cars” el himno del synth pop por todos conocidos y Telekon, un álbum más oscuro, la tercia suprema en la discografía de Gary Numan, a partir de ahí surgieron muchas cosas.   Es políticamente correcto decir que la carrera de Gary Numan ha sido un vaivén de emociones y permanecía. Después de alcanzar todo el éxito tan inmediato que jamás se imaginó , parecía mal preparado para el tipo de atención que le había traído su nueva fama, algo a lo que nunca antes estaba acostumbrado ya que desde siempre se declaró como un chico tímido.   Las críticas y la prensa a menudo despreciaban su trabajo y prácticamente contribuyeron a que su carrera no fuera más allá, inclusive, no era tan del agrado de David Bowie. Todo eso lo orilló a anunciar su retirada del ámbito musical en 1981.   Sin embargo, con el pasar de los años no tardó en arrepentirse, y ha seguido cultivando una carrera en la que la tecnología ha jugado siempre un papel crucial en sus deseos de trascender; después de sus 3 primeros discos su carrera pasó desapercibida hasta que adoptó otro tipo de influencias entrando a los 90 y sobre todo en su disco: Savage: Songs From A Broken World.   Numan comenzó a componer música que era mucho más oscura, más pesada y de tonos puramente industriales, lo que sorprendió a muchos fan y reseñistas, que también comenzaron a revaluar la obra que había dejado años atrás ya que bandas como Nine Inch Nails y específicamente personajes como Trent Reznor quien lo reconoció públicamente como una de sus máximas influencias. Gary Numan es uno de los más destacados representantes de la generación synth pop británica que cohabitó con el punk, el postpunk y la new wave y que durante cuatro décadas después resulta indiscutible no admitir o valorar su rol como pionero de la escena electrónica contemporánea, pues sigue influenciado la música de nuestros días.    

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