Depósitio Sonoro

Nostalgia

Recordando a Mariusz Lewandowski (1960-2022), pintor del metal contemporáneo

“Estos mundos, aunque formados en los rincones más profundos de la mente humana, se rigen por principios completamente diferentes a los que conocemos”, narra el sitio web del pintor polaco Mariusz Lewandowski. Tal cual imaginó Richard Wagner a finales del siglo XIX, la época actual se ha caracterizado por la llegada de la “Obra de Arte Total”, un concepto que se refiere a la conjunción de artes visuales y sonoras en favor de una sola obra. A medida que la música contemporánea se ha refinado y ha ido evocando nuevos imaginarios sonoros y psicológicos, ha comenzado un proceso de simbiosis con el arte que lo ilustra, donde música e imagen trabajan en conjunto para la construcción de un mismo universo sensorial. En los terrenos del metal extremo, el nombre de Mariusz Lewandowski ha ganado un lugar respetado por su trabajo como ilustrador de portadas. El estilo que desarrolló, caracterizado por ser uno de los más intimistas y personales de su campo, lo llevó a colaborar con una treintena de bandas de diversos estilos de metal extremo. Lewandowski nació en la ciudad de Działdowo, Polonia, si bien la mayor parte de su obra la produjo en Górowo Iławeckie, al norte de su país. Desde temprana edad, creció en él una afición por el arte y las profundidades del subconsciente, gracias a su prematuro interés por el mundo del psicoanálisis. La inspiración para iniciar en la pintura la encontró en la obra de su compatriota Zdzisław Beksiński, otro reconocido pintor de escenarios surrealistas a quien también se le han dedicado páginas en el mundo del metal extremo. A diferencia de Beksiński, Mariusz Lewandowski no basó su obra en la imagen del monstruo y las criaturas del inframundo, sino en el terror del vacío. Sus pinturas plasman escenarios de ensueño que apelan a imágenes propias de la naturaleza terrenal, pero logran escapar a la lógica de la vida despierta. El espectador se ve privado de la oportunidad de volver al mundo conocido y, en su lugar, se da cuenta de su ínfimo lugar en el universo al hallarse de frente con ominosas representaciones de la vida y la muerte. Quizá fue esta misma lectura la que llevó a Dylan Desmond, vocalista del dueto estadounidense de funeral doom Bell Witch, a acercarse a la obra de Lewandowski para darle una nueva identidad a su proyecto, recién lastimado por el deceso del baterista Adrian Guerra (2016). Tras una larga cadena de correos, el resultado final fue la obra que originalmente lleva por título Essence of Freedom y apareció como portada del álbum Mirror Reaper (2017), la cual no solo materializó en sí misma todas las inquietudes pictóricas de Lewandowski, sino que le otorgó al funeral doom contemporáneo una de sus imágenes más icónicas. Los espacios sombríos que caracterizan al funeral doom y a los discos de Bell Witch encontraron en Essence of Freedom su justa traslación al lenguaje pictórico. Essence of Freedom inició el camino de Mariusz Lewandowski en el mundo del metal extremo. Así, el polaco llegó a plasmar su particular universo en álbumes de Nihïlanth, Necrogod, Heresy Denied, Abigail Williams y muchas otras bandas. El destino, además, llevó a Lewandoski a cohabitar un imaginario sonoro con su más grande influencia artística, pues en 2019 ilustró la portada del álbum Cairn de Mizmor, el cual sucedió a Yodh (2016), cuya portada corrió a cargo de Zdzisław Beksiński. Aunque el paso de Lewandowski por el metal extremo fue breve, no hay duda de que dejó un legado imborrable en torno a la forma de entender la comunión entre la imagen y el sonido de un álbum. Lewandowski dejó una última pintura inconclusa, donde una vez más quedó presente su inquietud por la omnipresencia de la muerte. El pintor, finalmente, habitará los paisajes del sueño eterno, donde le sonreirá de frente a sus criaturas con la fragilidad de un creador benevolente.

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Unsane reestrenará su álbum debut remasterizado

Treinta años después de su estreno, el álbum debut de Unsane se mantiene como una obra de culto entre amantes del noise rock. El nombre del grupo neoyorquino liderado por Chris Spencer aún figura en la lista de los proyectos favoritos de aquellos que siempre vuelven al sonido ecléctico y ruidoso característico de los primeros años 90. Por ello, este año verá el estreno de una versión remasterizada de su primer LP, la cual complacerá a audiófilos amantes del noise.El álbum Unsane, estrenado originalmente en 1991, llegará por primera vez a Bandcamp para permitir a los fans adquirirlo en formato digital, con las 12 canciones remasterizadas por Andrew Schneider, colaborador longevo de la banda. Además, este material también será reestrenado en formato de vinilo y disco compacto, los cuales incluirán la controversial portada original sin censura. Esta imagen, obra del ex bajista Pete Shore, también se imprimirá en una serie de playeras que también estarán disponibles vía Bandcamp. La reedición de Unsane responde a un esfuerzo de Chris Spencer por recuperar los derechos de la música de su banda. Para ello, ha fundado el sello Lamb Unlimited, cuya intención es “reunir bajo un mismo techo la música de Unsane y la de otros proyectos”, como aclara en Bandcamp. Posteriormente al lanzamiento del álbum Unsane, Spencer también trabajará en reeditar el LP Total Destruction (1993) que, al igual que su álbum debut, fue lanzado originalmente a través de Matador Records. Asimismo, el sello albergará proyectos alternos de los integrantes de Unsane, como The Cutthroats 9, donde también participaron Spencer y el bajista Dave Curran. El álbum debut de Unsane apareció durante el apogeo del noise rock en Nueva York, en una época donde la música de guitarras comenzaba a apropiarse cada vez más de los postulados estéticos del post-hardcore y el ruido se asomaba al gran público gracias a Sonic Youth y Nirvana. El álbum Unsane, como reflejo de una época de invención y genialidad neoyorquina, ha quedado en la historia como una pieza de culto. Por ello, el reestrenó congregará una vez más a fanáticos del noise y la disidencia sonora. La remasterización del álbum debut de Unsane se estrenará el próximo 23 de septiembre a través de Lamb Unlimited. La preventa para todas las ediciones del álbum, así como para la mercancía oficial, ya está disponible mediante el sitio en Bandcamp del grupo (https://unsane.bandcamp.com/). Mientras tanto, Unsane se embarcará en una gira por 32 ciudades de Europa y el Reino Unido, donde interpretará cortes de sus primeros álbumes.

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Mira el video completo del concierto final de Operation Ivy en 1989

Es hora de volver a visitar el último show de Operation Ivy, que tuvo lugar el 28 de mayo de 1989 en el icónico lugar de Berkeley 924 Gilman. No hace mucho se lanzó un video completo mejorado digitalmente (grabado por Shayne Stacy) del programa, y ​​es obvio a partir de este metraje que Op Ivy salió con fuerza. Se nota la química que tenían en el escenario, lo están rompiendo, y ya se ven y suenan tan listos como lo estarían 2 de ellos rápidamente con Rancid a partir de 1991.

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Recordando a Julee Cruise (1956 a 2022), pionera del dream pop

El complejo firmamento del shoegaze y el dreampop se expande cada año —y más últimamente, ahora que estos estilos parecen haber formado ya una nueva ola de revivalismo—, pero siempre termina por apuntar a los mismos lugares. Uno de ellos, indiscutiblemente, es el Floating Into the Night (1989) de Julee Cruise, un álbum que ha pasado a la historia por su estrecha relación con la serie de culto Twin Peaks (1990 – 1991), clásico de David Lynch. El deceso de Cruise, ocurrido el pasado 9 de junio, nos invita a revisitar una música que se mantiene errante en medio del paso del tiempo. La historia de Floating Into the Night, el primer álbum de Julee Cruise, es conocida, pues se cruza con la biografía del mismo Lynch. Durante la producción de su filme Blue Velvet (1986), el director estadounidense había quedado fascinado por el estilo etéreo y melancólico de la canción “Song to the Siren” de This Mortal Coil, el supergrupo formado por artistas del sello inglés 4AD. Ante la negativa de esta disquera por permitir el uso del tema en su cinta, Lynch y su musicalizador Angelo Badalamenti decidieron crear su propia versión del tema. Para concretar esta idea, Badalamenti recurrió a una artista que conocía en sus días de trabajo en el teatro, una mujer con el aura y el timbre de voz perfectos: Julee Cruise. – El resultado fue la canción “Mysteries Of Love”, la cual no solo formó parte de la banda sonora de Blue Velvet, sino que también inició un proyecto más ambicioso a cargo de lo que ahora se había consolidado como una tercia musical. Se trataba de una colaboración musical firmada bajo el nombre de Julee Cruise como solista, en donde participó Lynch como letrista y Badalamenti como arreglista, quienes terminaron por desarrollar el estilo etéreo y susurrado tan característico de Cruise. Producto de este trabajo fue Floating Into the Night, álbum con el que Cruise entró de lleno en el mundo de la música, mientras que la serie Twin Peaks consiguió su identidad sonora con los temas “Falling” y “Rockin’ Back Inside My Heart”.Quizá por esto último resulta tan difícil separar el nombre de Cruise del de Lynch; si bien Floating Into the Night ha demostrado ser un álbum sólido por sus propias cualidades. Para 1989, el dream pop se encontraba en estado naciente gracias a las atmósferas etéreas de Cocteau Twins y a la poderosa distorsión de A.R. Kane. Sin embargo, el público general habría encontrado a los primeros muy densos y, a los segundos, muy ruidosos. Hacía falta un equilibrio entre ambos extremos con ayuda del componente “pop”. Así, el álbum de Cruise contribuyó a la comunión entre estilos que por entonces rozaban lo experimental y un formato de canción más habitual para las sensibilidad de los hits radiales. Cruise, con su voz apagada sobre atmósferas y letras surrealistas, abrió la puerta a la consolidación definitiva del dream pop en los 90, abanderado por grupos como Lush y Mazzy Star. Qué tan satisfecha quedó Julee Cruise con haberse convertido en leyenda gracias a Twin Peaks es un tema que continúa en discusión. Sin embargo, el paso de los años y la revisión de su material han permitido destacar su talento más allá de su trabajo en el cine. Tras terminar su relación artística con Lynch y Badalamenti —y salir de gira un tiempo con el grupo B-52’s en reemplazo de Cyndi Wilson—, Cruise lanzó 2 álbumes escritos por su propia pluma: The Art of Being a Girl (2002) y My Secret Life (2011, con DJ Dmitry). Si bien éstos materiales recibieron una tibia aceptación de la prensa, demostraron la capacidad de Cruise por desarrollar un discurso artístico por sus propios méritos, fuera de las inquietudes artísticas otrora marcadas por Lynch, incursionando en terrenos como el lounge y el trip hop.Independientemente de la revisión histórica de la música de Cruise, es un hecho que su influencia ha perdurado hasta el día de hoy en nombres como Goldfrapp o Lana Del Rey. Su partida ha permitido reconocer lo mucho que la música “de culto” trasciende los circuitos underground y, no solo eso, sino que también ha conseguido sacar de las sombras a shoegazers y amantes de la música oscura una vez más para el reconocimiento de una influencia en común. La dulce voz de Cruise, como un cuerpo celeste en el firmamento del “pop de ensueño”, es ahora una estela que se encuentra lejos, flotando entre la noche.

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Sobre el avance del cáncer del compositor Ryuichi Sakamoto

Ryuichi Sakamoto ha proporcionado una nueva actualización sobre su salud y no son buenas noticias. Un año después del anuncio en el sitio web oficial de un diagnóstico de cáncer de recto, el segundo después del (superado con éxito) cáncer de garganta en 2014, el ecléctico músico anunció que se había sometido a nuevas cirugías los pasados ​​octubre y diciembre para extirpar un cáncer que se ha propagado a ambos pulmones mientras tanto. A pesar de los diagnóstico podemos seguir escuchado música nueva del compositor japonés. El diagnóstico, dice a través de Shincho, una revista de literatura japonesa (a través de Japan Times), es cáncer en etapa cuatro. Las posibilidades de erradicarlo son bastante escasas. Las declaraciones forman parte de un artículo más amplio titulado Vivir con cáncer, el primero de una serie de ensayos (¿Cuántas veces más veré la luna llena?) en los que Sakamoto repasa los últimos años de su vida (2009 a la fecha), junto con consideraciones sobre la existencia y la muerte. Tras el parón obligado de su primera enfermedad, el artista de 70 años volvió a publicar el disco asíncrono en 2017, reeditando posteriormente algunos trabajos, editando bandas sonoras y volviendo a colaborar con Alva Noto. Durante el primer confinamiento, el compositor transmitió una interpretación de piano sugerente e íntima para refrescar a las personas obligadas a regresar a casa por la pandemia (transmisión a continuación). En SA, en la página dedicada al artista, también se pueden encontrar algunas reseñas de las obras de la ex Yellow Magic Orchestra. Con información de la revista SENTIREASCOLTARE

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Reseña de ‘Punkt’, el “verdadero quinto álbum” de Faust

Dentro de la vastedad del krautrock, la agrupación Faust es una de las que mejor ha trascendido como representante de los postulados estéticos del movimiento. Álbumes como el Faust IV (1973) continúan en la mira de estudiosos e historiadores musicales, y cada uno de sus lanzamientos es recibido con el valor de una pieza de museo que complementa la complicada arqueología del rock alemán. Así lo demuestra Punkt, su estreno más reciente, el cual oscila entre las etiquetas de “álbum de archivo” y “álbum perdido”. Punkt fue estrenado por primera vez como parte del boxset titulado 1971 – 1974 de Faust, lanzado a finales de 2021. El álbum, salido de esta caja, comenzó a circular entre los fans bajo el título de “el verdadero quinto álbum de Faust” o “el último álbum de Faust”, pero esto fue más por la historia del material que por la continuidad con los trabajos de estudio anteriores. Tras el vuelco estilístico de The Faust Tapes (1973) y una atropellada gira por el Reino Unido, a Faust le parecía cada vez más complicado alcanzar notoriedad comercial. Por ello, el sello Virgin no solo se negó a lanzar aquel quinto álbum —entonces ya grabado y prácticamente listo—, sino que también envolvió al grupo en una disputa legal, la cual terminó por enterrar el nombre de Faust y llevarlo a la eventual disolución de su alineación original. Es por eso que el nombre Punkt, traducido del alemán como “punto final” o “cierre definitivo”, hacía sentido para describir el material resultante de estas grabaciones. Ahora, casi 50 años después de este incidente, y con un Faust que ha sobrevivido a múltiples metamorfosis, Punkt está disponible al público general, como una pieza que arroja luz sobre un eslabón perdido en la historia del grupo. En apenas 7 cortes, Punkt ofrece una faceta más primitiva del sonido de Faust, y una aproximación diferente a los postulados del krautrock. Las piezas que lo conforman se conducen a partir de un sentido de salvajismo escondido entre las percusiones y la mezcla, el cual contrasta con la refinada búsqueda de texturas habitual en otras obras de la discografía del movimiento. Sin embargo, en Punkt también figuran elementos comunes al trabajo anterior y posterior de Faust, como los pasajes extendidos de drone, los ejercicios de collage sonoro y la experimentación con las formas tradicionales de la música. En este sentido, destaca la penúltima pieza “Schön Rund”, la cual incursiona en el terreno del free jazz con momentos de improvisación libre y disonante del piano. Los fans acérrimos de Faust encontrarán en Punkt una reliquia que permitirá imaginar hipotéticos escenarios para el grupo, si acaso Virgin hubiera permitido el lanzamiento de este material como el quinto álbum, pero lo que de verdad sorprende de Punkt es su vigencia para los oídos contemporáneos: sus piezas basadas en patrones rítmicos y en la repetición, así como la intención de provocar una escucha inmersiva, confirman la estrecha relación entre el krautrock y la música electrónica de baile contemporánea. Sin embargo, el giro estilístico de Punkt respecto al resto de la obra del grupo propone formas musicales que sorprenden aun en otros mapas musicales, especialmente en los del ambient y la música industrial. No sabemos cómo hubiera evolucionado la leyenda de Faust si ésta hubiera terminado en Punkt, pero no hay duda de que hallamos en cada nuevo lanzamiento —¿o descubrimiento?— una refracción más de la infinidad del prisma abierto por la voluntad de experimentar con las formas del rock.

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Reseña de los nuevos relanzamientos y canciones inéditas de Broadcast

Pocos decesos han sacudido tanto a la comunidad de los géneros de nicho como el de Trish Keenan, vocalista y fundadora de Broadcast. No es para menos: el sonido y las inquietudes líricas del grupo de Birmingham aún despiertan la curiosidad de viejos y nuevos melómanos, pues la intersección entre música electrónica y experimentación sonora que practicó en un contexto de pop abrió nuevos derroteros en aquel estilo hoy conocido con el nombre de indietronica. Por ello, un nuevo lanzamiento de Broadcast es recibido hoy en día con cariño, aun cuando ha pasado casi una década desde su última aparición; década en la cual la música pop y electrónica han tomado caminos que parecían inimaginables hace 10 años, pero que encontraron una semilla en discos como el The Noise Made By People (2000) del grupo inglés. Mother Is The Milky Way, Microtronics Vol. 1 & 2 y Maida Vale Sessions, sus más recientes estrenos, presentan nuevas facetas de una banda que resultaba tan innovadora para su época como para la nuestra. Los 3 nuevos materiales de Broadcast llegaron casi como una sorpresa para nuevos fans, si bien siempre fueron uno de los lanzamientos más esperados por seguidores de la vieja época. Microtronics y Mother Is The Milky Way se estrenaron originalmente en 2009, pero se distribuyeron de manera limitada en los tours de la banda. Estos 2 álbumes, cada uno a su manera, reflejan el ansia de experimentación y ruptura de las convenciones musicales que Broadcast comenzó a tomar a finales de su carrera— la cual se plasmó sutilmente en el álbum Tender Buttons (2005), pero aún más en sus títulos posteriores—. En este sentido, Microtronics es un compilado de piezas instrumentales realizadas por la banda como el soundtrack imaginario de emisiones televisivas, mientras Mother Is The Milky Way es un disco de lados B del álbum Broadcast and the Focus Group Investigate Witch Cults of the Radio Age, donde el grupo incursionó en el terreno del collage sonoro. Aunque el estreno al público general de estos materiales es por sí mismo un suceso entre los fans de Broadcast, es el álbum Maida Vale Sessions el que de verdad apela a su nostalgia. Este material se conforma por 4 sesiones que Broadcast grabó en los legendarios estudios del mismo nombre de Londres, entre 1996 y 2003, apenas un año después de su formación y 2 antes de Tender Buttons. Así, deja ver la evolución de la banda desde sus orígenes hasta su establecimiento como un estandarte de la indietronica, en 15 cortes que recorren las metamorfosis temáticas y formales atravesadas en una década, pasando de los cambios en el estilo vocal de Trish hasta la integración progresiva de más elementos electrónicos. De igual manera, figuran versiones más orgánicas de clásicos como “Echo’s Answer” y “Come On Let’s Go”, las cuales demuestran el poder de las presentaciones en vivo de Broadcast, antes de que éstas se volcaran de lleno a la experimentación sonora. Maida Vale Sessions atestigua el crecimiento de uno de los grupos que hizo historia en su generación, mientras Mother Is The Milky Way y Microtronics capturan un instante singular dentro del mismo; los 3, en conjunto, se convierten en un documento lleno de sensibilidades extraordinarias. Si habríamos de preguntarnos por qué fueron necesarios 10 años para que estos materiales vieran la luz, seguramente encontraríamos la respuesta en la proliferación de nuevos canales de difusión. Sin embargo, una explicación más atinada reside en el espíritu mismo de la música de Broadcast, la cual existe entre la añoranza del pasado y el encanto de la hipnagogia. En estos tiempos, marcados por la crisis y la creciente violencia, es menester volver al sonido que evoca a nuestros sueños, y al poder de volver posible lo imposible.

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