Depósitio Sonoro

Shuffle

GG Allin, controversial del hardcore punk verdaderamente antisocial

GG Allin, fue nombrado a su nacimiento, como Jesucristo Allin el 29 de agosto de 1956, su hermano mayor Merle, de niño, no podía pronunciar Jesucristo y lo llamó GG. El hogar de GG no proporcionó el ambiente mas acogedor para los niños Allin, en una casa sombría sin agua corriente, ni electricidad, con aislamiento extremo gracias a su padre, el señor Merle Allin, un fanático cristiano que frecuentemente amenazaba con matar a su familia y los encerraba en el sótano para evitar todo tipo de conversación y contacto con el exterior, que finalmente se suicidó. Allin entró a la música a una edad muy temprana participando en bandas como Malpractice y Stripsearch, pero fueron los Jabbers quienes lo pusieron en el mapa. Luego de liderar varias bandas, GG Allin se consideraba el alma gemela de leyendas del country como Hank Williams y David Allan Coe lo que lo impulsó a grabar canciones country ilegales como Guns, bitches, brawls and bottles, Carmelita y Pick me up on your way down, incluidas en un álbum llamado Carnival of Excess.  Muchos músicos afirman que la música los mantiene fuera de problemas personales y pensamientos nocivos, y que sin ella habrían terminado en la cárcel o muertos, pero GG Allin estaba en un viaje totalmente diferente junto con su música. Para él, no había separación entre la vida y el arte: hacía música, terminó en la cárcel, y finalmente murió por su propia mano. Para GG, la música y la cultura del rock eran simplemente armas en su arsenal.  La producción de discos de Allin fue prolífica, con más de una docena de discos en su repertorio, Allin recorrió Estados Unidos sin descanso, dando conciertos con la convicción de que lo seguía una nube nociva que acabaría con él. Se calcula que fue arrestado cincuenta veces y finalmente encarcelado por golpear a un espectador en Michigan. El espectáculo de GG, entre actuación y efectos de drogas, incluía defecación, autoheridas, sangre, violencia y desnudez, dándole notoriedad por romper los límites de la ley, del comportamiento social y de las reglas sociales en general. El 27 de junio de 1993, Allin hizo su ultima presentación en el Gas Station en la ciudad de Nueva York, la luz se fue después de la segunda canción lo que causó un motín. Allin salió a la calle y se dirigió a un departamento en donde ingirió una dosis letal de heroína y fue declarado muerto al día siguiente, tenía 36 años. Allin había afirmado durante mucho tiempo que se suicidaría en el escenario, por lo que su muerte fue una muerte cliché del rock, algo que él no le hubiera gustado. Es difícil imaginar a GG Allin en un mundo del siglo XXI. Mucho ha cambiado, la vida actual se ha vuelto más conceptual, llevada a través de dispositivos móviles y en línea, y la experiencia visceral e inmediata ha dejado de lado el desapego voyeurista. La fascinación por el lado oscuro de la vida está todavía presente y se espera que llegue un antihéroe para romper las reglas de conformidad social y abrace totalmente a la oscuridad. GG Allin hizo todo eso.   Interprete, divisivo, destructivo y demente, GG Allin fue uno de los pocos músicos que convirtió el mito de los forajidos en realidad. Y que al final, miró al abismo, y el abismo lo miró a él. 

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Beautiful Noise, documental sobre la vanguardia de guitarras que vio nacer el shoegaze y dream pop

Beatiful Noise (que puedes disfrutar completo al final de esta nota) rinde homenaje a una generación de bandas vanguardistas en sus ecos de guitarra a finales de los 80 que dieron nacimientos a las etiquetas de shoegaze y dream pop que se volvieron icónicas como My Bloody Valentine, Cocteau Twins y The Jesus and Mary Chain, todos bajo la leyenda de que quienes los escucharon formaron una banda. Los miembros de las bandas mencionadas aparecen en el documental recordando como fue haber iniciado cada quien respectivamente en sus bandas, desde orígenes, anécdotas, disqueras, en especial le tenemos un gran cariño a la disquera de Creation Records de Alan McGee, quien absolutamente es un referente y  aparece de igual forma dentro del documental, que si no han indagado dentro de su disquera, tiene muchas y grandiosas bandas de este género y particularmente parecidas, son una escuela a esos sonidos.   Volviendo al documental, aparecen grandes personajes, desde Kevin Shields y Jim Reid o Neil Halstead, y demás bandas que vinieron después, contemporáneos, sobre todo,  cargando con ese estandarte encendido, como Ride, Slowdive, Pale Saints, Chapterhouse, Slowdive, Lush, Curve, Swervedriver, Loop, Medicine, AR Kane y los extraordinarios Seefeel, quienes después tomarían un camino hacía los terrenos del IDM, pero que surgieron de la escuela de Liz Fraser y Robin Guthrie.   La magia del documental son sin duda los efectos de guitarra muy procesados, o inclusive, los accidentes en el estudio de grabación y sobre todo la experimentación de pedales, todo eso, más las voces particulares y el estilo de interpretación de cada banda, ya que aunque parezca un movimiento, cada quien estaba muy metido en su concepto y en realidad eran muy diferentes en aspectos a fondo, no es que todos tomaron los mismos caminos. Otro punto interesante, son las entrevistas con Billy Corgan de The Smashing Pumpkins, quien menciona que en Chicago de joven fue importante poder asistir a ese tipo de conciertos en clubes pequeños, Trent Reznor de Nine Inch Nails, quien se inspíró en lo que hacían JAMC, aunque no musicalmente pero sí en espíritu, Wayne Coyne de The Flaming Lips y el mismísimo Robert Smith de The Cure, todos fans declarados de las bandas de las que se habla en el documental, éste último fan amoroso de los Cocteau Twins. Esperemos puedan disfrutarlo ya que los testimonios son en inglés y los subtítulos en japones, pero es el único archivo completo y disponible vía YouTube (sin necesidad de descargar de otras plataformas) por el momento, del cual se puede ver gratis. Es un gran documento a pesar de que salió en 2014 pero que no todos han podido ver desde su estreno.

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Michael Mantra y la música curativa

La música, como el cine, fotografía y otros medios artísticos, son un medio para expresar lo más profundo de nuestro ser para curarnos a nosotros mismos, y también a los demás. El trabajo de Mantra es una combinación de exploraciones sonoras bastante interesantes con beats binaurales, field recordings y mezclas armónicas que te hacen sumergir en un océano de calma y mucha tranquilidad. Él mismo decía que su música liberaba endorfinas, aquellos neurotransmisores opióides que se encargan de proporcionarnos bienestar y tranquilidad. Además de haber publicado varios álbumes bajo su nombre en diversos sellos como Silentes (Seele, Gigi Masin), Silent Season y Echospace (Intrusion, Brock Van Wey), Mantra colaboró ampliamente con Rod Modell a.k.a. Deepchord, uno de los productores más importantes de dub techno, creando así un bebé ambient-dub/techno que calma hasta la mente más atormentada. Bajo Silentes publican Radio Fore, un álbum grabado a 40 hz (ondas gamma) relacionado con un óptimo funcionamiento cerebral, y que además nos lleva a dos lugares con alta actividad UFO: la primera parte del álbum se sitúa en el Radiotelescopio de Arecibo, el segundo más grande en su tipo; la segunda parte es un viaje por Gulf Breeze, Florida; playas en las cuales hubo mucha intensidad de avistamientos UFOs en 1987. Michael falleció a principios del 2014, dejándonos piezas musicales para curar nuestras mentes, ayudarnos a practicar la meditación y desarrollar el temple. Este es el link para escuchar, preferentemente con audífonos:

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So This Is Permanent: homenaje a Ian Curtis de Joy Division a 40 años de su suicidio

Ian Curtis de Joy Division tomó la decisión ahorcarse en su casa el 18 de Mayo de 1980 de hace 40 años, acabando con un trágico sufrimiento personal, peor que dio vida a una de las leyendas más increíbles de la música underground, hoy por hoy, bastante popular, pero que no ha perdido su esencia.   So This Is Permanent es un tributo/homenaje para recordar la importancia de Ian Curtis, una especie de recordatorio de que pase lo que pase y terminen las cosas como terminen, algo bueno quedará para siempre.   Ian Curtis después de 4 décadas todavía sigue llorado por algunos, recordado por otros y conocido por nuevos. La única razón por la que sigue estando presente es gracias a la música que compusieron y a las letras que escribió, Joy Division logró definir el post punk británico y cambiar la música de Manchester y el mundo quizás, para siempre.     So This Is Permanent estará disponible todo el día de hoy 18 de mayo del 2020, míralo a continuación.   https://www.youtube.com/watch?v=Zr7pgDxS_kI

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Tugce Senogul: del cálido jazz a un trip hop poético

Tugce Senogul es una artista de Turquía que explora de manera sublime el mundo del jazz y sobre todo del trip hop, adentrándonos por capítulos sónicos de ensueño en su disco Gölgelerine.       Personalmente, Gölgelerine de la increíble Tugce Senogul, me remite al trascendental Dummy de Portishead, por supuesto que no es una comparación, ni mucho menos, pero como referencia es un buen punto de partida. Uno concreto y sincero.   Y es que la diversificación de ecos instrumentales como lo son los universos del jazz que tiene con influencia, fusionados perfectamente con el sonido de Bristol en los 90 sintetizadores experimentales de frecuencias complejas, lo proyecta musicalmente a un punto alto, es conmovedor, desgarrador, inspirador, mágico y con un poco de suerte… Inolvidable.   La música y la existencia de Tugce Senogul es algo que el arte necesita y que necesitará siempre, el saber que hay propuestas tan ambiciosas como ésta, estremecen, aún hoy, en el mundo actual y en esta crisis del 2020, aún, y a pesar, de haber salido en 2017, porque definitivamente es, un disco del futuro.  

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Yo no soy “periodista musical”: Yo escribo sobre música

Este texto dista mucho de ser una verdad absoluta, mucho menos de caer en adoctrinamientos dogmáticos, sino, un punto de visto crítico y personal.   El periodismo musical como lo conocemos, se ha vuelto una etiqueta que se ha prostituido de vez en vez, se ha prestado entre publicaciones y se ha amoldado ante la visión de algunos cuantos que dominan las editoriales. De círculos donde se cortan ciertas músicas por llevarnos de la mano a la novedad banal y poco trascendente. Pero, ¿quién nos enseña a escribir sobre música? podría ser un instinto, una necesidad oculta de comunicar que nos hace sentir una pieza, un artista o incluso un álbum entero. No podríamos remontar a publicaciones como Melody Maker en sus inicios, la misma Spin o la ya en decadencia Rolling Stone, donde se presentaba reportajes, opiniones sustentadas y existía una pasión sin parangón por la obra de los músicos. Cosa que hoy en día no lo es, la realidad en México, nos ha mostrado que, muchas veces nos remitimos ante la novedad pasajera, y dejando de lado a las propuestas nuevas que poseen un discurso sólido. Podría tratarse de eso, de cómo la música transforma la forma en que vivimos, en cómo nos vestimos, en cómo nos relacionamos con los otros, y en cómo nuestra vida en muchas ocasiones se ve circundada por la música y sus escenas. Un disco puede muchas veces cambiar la forma en que pensamos de nuestra realidad, sus letras, melodías y armonías pueden, en algunas ocasiones, transformar nuestro entorno. Llevarnos por sensaciones que se adormecen en el interior de nuestro cuerpo, en algún lugar que no sabemos en dónde se encuentra pero sabemos que existe. En México el periodismo musical, muchas veces se ha maquilado, se ha sentado en un sitio preferente ante los demás que, de verdad viven la música, ante aquellos – que existen muchos- saben en qué año, en qué sello, y quién produjo un disco, y lo pueden decir sin temor a equivocarse. Estos último no son periodistas musicales, son aquellos que escriben sobre música y que de verdad viven cada día por la música. Y no me refiero al capital cultural como tal, sino a un nivel de “nerdismo” del que muchos acomodados en el periodismo musical carecen. Y no todos los casos están abrazados en estos caracteres de la cultura pop, existen amantes de la música en publicaciones renombradas, y que hacen un trabajo de verdad honesto, que trabajan por poco y que de manera autodidacta han hecho una labor entregada y sincera. Siendo estos de gran apoyo a las pequeñas escenas, dando visibilidad a proyectos, yendo a los shows, y con solemnidad adentrándose al subsuelo sin pretensiones y sin ninguna bandera, y que se vuelven parte esencial de las escenas pequeñas que existen alrededor del mundo, lejos de ser “el enemigo”. Aquellos que registran los aconteceres de la escena, quienes están sembrados en el subsuelo y son testigos de la comunidad que se crea a espaldas de la industria y sus secuaces. De aquellos que, recolectan con periodicidad los eventos, los discos, las noticias y las palabras de cada uno de los actores que conforman esa “guerrilla” que circunda el subterraneo. Todos ellos quienes trabajan por poco y entregan todo, quienes se desviven por la pasión y no por el ego. Yo no podría subscribirme en el primer caso, a pesar de escribir sobre música, y parecer que hago algo parecido al periodismo. Prefiero estar en el subterráneo, rodeado de aquellos que, al igual que yo, no precisan de talleres de cómo escribir sobre música, ni otros adoctrinamientos externos. De los que, han pasado años en la sombra leyendo y leyendo revistas y libros sobre la misma. De esos a los que, su trabajo sobre la música posee un discurso ideológico y en veces hasta político. De esos que de verdad aman la música. Esta es, solo una declaración de principios de alguien que vive la música.

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Desde CAN a The Specials, My Bloody Valentine y más, escucha más de 900 Peel Sessions

La importancia del Dj John Peel de la BBC Radio en Gran Bretaña es un legado que vivirá para siempre, revolucionó la radio, la forma de entenderla y escucharla y abrió un portal infinito que seguimos disfrutando gracias a sus Peel Sessions. John Peel falleció en 2004 sigue siendo una fuente inagotable de descubrimientos musicales que aun siguen dando mucho sentido al panorama de variedad y discursos que la música en general tienen que ofrecer.   Escucha a continuación más de 900 sesiones de su legado frecuencial bellamente registrado, que incluye a bandas como The Cure, Buzzcocks, PJ Harvey, The Fall, Pavement, The Smiths, Killing Joke, Julian Cope, Pixies, The Jam, My Bloody Valentine, Nirvana, Sonic Youth y muchos más en dónde se logra envolver esa magia. Ingresa al portal sónico y decide cuáles escuchar, en este link:  escucha más de 900 Peel Sessions.

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El temple sónico de Koyaanisqatsi, una obra maestra de Philip Glass

Phillip Glass acaba de subir a Spotify para el deleite de nuestro aislamiento su obra maestra de 1982, el soundtrack de Koyaanisqatsi. Koyaanisqatsi es deslumbrante, ya que combina la cinematografía del único e inigualable Ron Fricke, quien goza de una visión extraordinaria a la que Philip Glass le supo dar un toque sublime en términos de composición.     Koyaanisqatsi es un viaje sónico y visual que nos lleva en un abrazo hacia el mundo natural, un mundo de paisajes de nubes, de pinturas oceánicas, y de momentos desérticos, llenos de calma pero también de intensidad, esa intensidad que se vive en la vida diaria, en casa o con los amigos o con el depredador mundo laboral. Disfruta en el video de aquí abajo esta obra maestra del cine-experimental en su totalidad:

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