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Perfil sobre Merzbow: El Maestro del Noise y la Experimentación Sonora

Merzbow es el seudónimo artístico del músico japonés Masami Akita, considerado una de las figuras más influyentes y radicales dentro del género noise. Desde finales de los años 70, Merzbow ha redefinido los límites del sonido y la música con su exploración de la distorsión, la saturación y el caos auditivo. Su vasta discografía, que supera los 400 lanzamientos, lo convierte en una de las entidades más prolíficas e intransigentes de la música experimental. Orígenes y Filosofía Sonora Masami Akita nació en 1956 en Tokio, Japón. Durante su juventud, estudió bellas artes y se interesó en el dadaísmo y el surrealismo, influencias que más tarde impregnarían su estética musical. El nombre Merzbow proviene de una obra del artista dadaísta Kurt Schwitters, titulada Merzbau, un collage de materiales reciclados, reflejando el enfoque de Akita de manipular sonidos y texturas para construir sus composiciones. Sus primeras incursiones en la música estaban inspiradas por el rock psicodélico, el free jazz y la música industrial, pero rápidamente evolucionó hacia una forma más extrema de expresión sonora basada en la manipulación del ruido puro. La Revolución del Noise Durante la década de los 80 y 90, Merzbow se convirtió en una fuerza dominante dentro del underground del noise. Publicó una gran cantidad de álbumes en formatos cassette, vinilo y CD, en su mayoría a través de su propio sello ZSF Produkt y colaboraciones con sellos especializados en música experimental. Uno de sus trabajos más emblemáticos es “Venereology” (1994), lanzado bajo el sello Relapse Records, conocido por su catálogo de metal extremo. Este álbum, repleto de estridencias y capas de ruido abrasivo, marcó un punto de entrada para muchos oyentes provenientes del metal. A finales de los 90, Merzbow lanzó el ambicioso “Merzbox” (2000), una colección de 50 CDs que documentan su carrera y evolución sonora, consolidándolo como un referente absoluto del noise. Discografía Esencial Si bien Merzbow tiene una discografía monumental, algunos de sus discos más influyentes incluyen: Legado e Influencia Merzbow ha influenciado a múltiples artistas dentro y fuera del noise, desde el metal experimental hasta la electrónica y el avant-garde. Bandas de metal extremo, productores de música industrial e incluso compositores contemporáneos han encontrado inspiración en su trabajo. A lo largo de su carrera, ha colaborado con figuras como Boris, Sunn O))), Balázs Pándi y Keiji Haino, expandiendo los límites del sonido y el concepto de la música. En los últimos años, Merzbow ha incorporado un mensaje ambientalista en su obra, enfocándose en la protección de los animales y el veganismo, reflejado en discos como “Animal Magnetism” (2019). Conclusión Merzbow representa la música llevada a sus límites más extremos, donde el ruido se convierte en arte y la saturación en un lenguaje propio. Su obra sigue desafiando la percepción del sonido y la música, estableciendo un legado que trasciende el noise y se instala en la historia de la experimentación sonora.

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Kylesa revela nueva alineación y anuncia primeros shows de reunión

Los grandes de Savannah sludge, Kylesa, han ido anunciando gradualmente fechas de reunión, incluidas apariciones previamente anunciadas en el festival holandés Roadburn en abril y el festival de Toronto Prepare the Ground en mayo/junio, y ahora han anunciado sus dos primeros shows como cabezas de cartel en clubes de EE. UU. Tocarán un show en su ciudad natal el 4 de diciembre en District Live con Royal Thunder y The Maxines, seguido de un regreso a Nueva York el 6 de diciembre en Le Poisson Rouge con las leyendas del gritón pageninetynine. Kylesa también arrojó más luz sobre su reunión en una nueva entrevista con Decibel, revelando que a los co-líderes Phillip Cope y Laura Pleasants se les unirá la sección rítmica de los veteranos del crust punk neoyorquino Nauseau: Roy Mayorga (batería) y John John Jesse (bajo). Ellos han dicho: ¿Por qué decidiste buscar nuevos miembros? Phillip Cope: Laura y yo somos los fundadores y miembros constantes de la banda. Carl [McGinley] fue nuestro compañero de banda más antiguo durante casi diez años, pero consultamos con él y ya no toca la batería y nos ha deseado lo mejor. No tenemos nada más que respeto por todos los miembros anteriores. Ahora que casi todos vivimos en ciudades diferentes, decidimos reformar nuestra sección rítmica de una manera que tenga sentido en el lugar donde nos encontramos actualmente, y sentimos que esta es una alineación realmente sólida. ¿Cómo te decidiste por Roy y John John? Agradables: John John me contactó en IG “presentándose al servicio”, en caso de que necesitáramos un bajista. Ya habíamos hecho nuestro primer anuncio sobre Roadburn e Inferno, por lo que se corrió la voz de que nos estábamos reformando. Aunque estábamos hablando de posibilidades de formación en el fondo, todavía no habíamos solidificado una banda. Me sorprendió un poco cuando escuché de John John, así que medio en broma le envié un mensaje de texto diciendo: “¡Claro! Simplemente llama a Roy y nos pondremos en marcha”. ¡Al día siguiente recibí una llamada telefónica de Roy! Cuando llamé a Phillip sobre la posibilidad de tocar con estos chicos, apenas pude contenerme. Yo estaba como, “Amigo… está bien… ¿estás sentado? Tengo algunas noticias…” Creo que fue Phillip quien me habló de Nausea en primer lugar cuando probablemente tenía 18 años. Somos fans desde hace mucho tiempo e incluso hicimos un cover de una canción suya en su día. Acerca de experimentar por primera vez a Kylesa, John John Jesse dijo: “Los vi por primera vez cuando tocamos juntos a principios de la década de 2000 en Brooklyn, cuando yo tocaba la guitarra en Morning Glory. Me dejaron boquiabierto y soy un fan desde entonces”. Roy Mayorga los vio por primera vez en 2009 y dijo que “quedó impresionado de inmediato”. Phillip también dijo que aún no han escrito música, “pero no se ha descartado”, y Roy agregó: “La química definitivamente está ahí. Estoy seguro de que una vez que nos conozcamos aún más, sucederá algo realmente genial. Lo siento”. Con información de Brooklyn Vegan.

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Mira el docuemental “Sisters with Transistors”: El Papel Fundamental de las Mujeres en la Música Electrónica

El documental “Sisters with Transistors” (2020), dirigido por Lisa Rovner, es una obra esencial que rescata la historia de las pioneras de la música electrónica, mujeres que fueron clave en el desarrollo del género pero que han sido ignoradas en gran medida por la historiografía musical tradicional. A través de material de archivo, entrevistas y narración en off de la legendaria Laurie Anderson, el filme arroja luz sobre figuras revolucionarias que transformaron la música con osadía y creatividad. Redefiniendo la Historia de la Música Electrónica Cuando se habla de los orígenes de la música electrónica, los nombres que suelen mencionarse son los de Kraftwerk, Brian Eno, Karlheinz Stockhausen o Aphex Twin. Sin embargo, mucho antes de su éxito, un grupo de mujeres innovadoras ya estaba explorando sonidos futuristas con sintetizadores, osciladores y computadoras, desafiando las normas establecidas. El documental se enfoca en artistas como: Tecnología y Revolución Sonora “Sisters with Transistors” no solo presenta biografías individuales, sino que también explora cómo estas mujeres desafiaron las limitaciones de su tiempo. Durante las décadas de los 50, 60 y 70, la experimentación con la música electrónica era vista como un territorio exclusivamente masculino, con acceso limitado a recursos y reconocimiento. El documental enfatiza cómo estas pioneras no solo innovaron con la tecnología disponible, sino que en muchos casos ayudaron a desarrollarla. La película resalta su uso de sintetizadores modulares, grabaciones de cinta y computadoras tempranas, herramientas que sentaron las bases para la música electrónica contemporánea. Recepción y Legado Desde su estreno, “Sisters with Transistors” ha sido aclamado por su enfoque histórico y su importancia en la corrección de una narrativa musical incompleta. Ha sido proyectado en festivales como SXSW, Sheffield DocFest y CPH:DOX, recibiendo elogios por su meticulosa investigación y la calidad de su montaje. El documental también ha generado discusiones sobre la falta de reconocimiento de las mujeres en la historia de la música. A través de su archivo visual y sonoro, la película deja claro que la música electrónica no sería lo que es hoy sin la contribución de estas pioneras. Conclusión “Sisters with Transistors” es una obra fundamental para cualquier amante de la música electrónica, pero también para quienes buscan entender la historia de la música desde una perspectiva más inclusiva. Más que un homenaje, es una reivindicación de las artistas que, a pesar de las barreras impuestas por su tiempo, lograron revolucionar la forma en que escuchamos y entendemos el sonido. Mira aquí el documental completo: https://ok.ru/video/4378447448579

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Discos de Jazz que Han Sido Sampleados en la Música Hip-Hop: Un Puente Entre Dos Mundos

El hip-hop y el jazz han mantenido una relación simbiótica desde los inicios del género en los años 70. Mientras que el jazz fue la banda sonora de la resistencia y la innovación en el siglo XX, el hip-hop tomó sus elementos rítmicos, armónicos y melódicos para crear algo completamente nuevo. Los discos de jazz han sido una de las fuentes más ricas de samples para los productores de hip-hop, quienes han transformado viejas grabaciones en beats icónicos que han definido el sonido del género. En este artículo, exploraremos algunos de los discos de jazz más sampleados en la historia del hip-hop, analizando cómo estos sonidos han influenciado a productores y MCs legendarios. 1. Miles Davis – Kind of Blue (1959) Sampleado por: Nas, The Roots, Madlib, J Dilla Uno de los álbumes más importantes de la historia del jazz y la música en general, Kind of Blue de Miles Davis ha sido una mina de oro para los productores de hip-hop. Su atmósfera relajada y su instrumentación evocadora han sido reutilizadas en múltiples ocasiones. 🔹 Ejemplo notable: 2. Ahmad Jamal – The Awakening (1970) Sampleado por: Nas, Gang Starr, Common, Jay-Z El pianista Ahmad Jamal ha sido uno de los músicos más sampleados en el hip-hop debido a su forma única de tocar, llena de espacios y pausas que permiten a los productores manipular sus sonidos con facilidad. 🔹 Ejemplo notable: 3. Herbie Hancock – Head Hunters (1973) Sampleado por: Digable Planets, De La Soul, A Tribe Called Quest, Dr. Dre Con su mezcla de jazz, funk y experimentación electrónica, Head Hunters ha sido un referente en la producción de hip-hop, especialmente en la era del boom bap de los 90. 🔹 Ejemplo notable: 4. Bob James – One (1974) Sampleado por: Run-D.M.C., LL Cool J, Wu-Tang Clan, MF DOOM Bob James es uno de los músicos de jazz más sampleados en el hip-hop, en especial su álbum One, que contiene sonidos icónicos que han sido reutilizados en incontables tracks. 🔹 Ejemplo notable: 5. Lonnie Liston Smith – Expansions (1975) Sampleado por: J Dilla, Madlib, The Beatnuts, Rakim Smith fue pionero en la fusión del jazz con el soul y la electrónica, lo que lo hizo una fuente perfecta para los productores de hip-hop, quienes han usado sus líneas de bajo y teclados espaciales en múltiples canciones. 🔹 Ejemplo notable: 6. David Axelrod – Songs of Experience (1969) Sampleado por: DJ Shadow, Dr. Dre, Lil Wayne, Mos Def Axelrod fue un innovador en la producción de jazz y rock psicodélico, lo que lo convirtió en una mina de oro para los beatmakers de hip-hop que buscaban atmósferas densas y cinematográficas. 🔹 Ejemplo notable: 7. Art Blakey & The Jazz Messengers – Moanin’ (1958) Sampleado por: Madlib, J Dilla, Black Moon, Jay-Z Art Blakey es un ícono del jazz, y su álbum Moanin’ ha sido una fuente frecuente de samples gracias a su energía vibrante y a sus secciones de vientos impactantes. 🔹 Ejemplo notable: 8. John Coltrane – A Love Supreme (1965) Sampleado por: The Roots, Mos Def, Flying Lotus, Madlib El legendario saxofonista John Coltrane ha sido un referente espiritual y sonoro para muchos raperos y productores, quienes han extraído de A Love Supreme su profundidad y misticismo. 🔹 Ejemplo notable: 9. Grant Green – Visions (1971) Sampleado por: Cypress Hill, RZA, DJ Premier, Madlib El guitarrista Grant Green es otro de los músicos de jazz más sampleados, en especial por productores como RZA y DJ Premier, quienes han utilizado sus líneas de guitarra para crear atmósferas cinematográficas. 🔹 Ejemplo notable: 10. Grover Washington Jr. – Mister Magic (1975) Sampleado por: Dr. Dre, 2Pac, A Tribe Called Quest, J Dilla Grover Washington Jr. es uno de los padres del jazz-funk, y sus melodías han sido utilizadas en múltiples canciones de hip-hop. 🔹 Ejemplo notable: Conclusión: El Jazz como Base del Hip-Hop El hip-hop se ha nutrido del jazz desde sus inicios, y los productores han encontrado en los viejos vinilos una fuente infinita de inspiración. Estos discos no solo han servido como material para samples, sino que han influenciado la manera en que se construyen los beats, la cadencia de los MCs y la estética sonora del género. Desde Miles Davis hasta J Dilla, el jazz y el hip-hop continúan entrelazándose en una conversación musical que sigue evolucionando. Lo que comenzó como una técnica de sampling ha dado paso a un diálogo más profundo entre estos géneros, con artistas que buscan integrar ambos mundos de manera más orgánica.

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John Hoffman, ganador de la audición para ser el nuevo baterista de Primus

Primus, la emblemática banda de funk metal liderada por Les Claypool, ha anunciado la incorporación de John Hoffman como su nuevo baterista, tras la sorpresiva salida de Tim “Herb” Alexander en octubre de 2024. La noticia fue confirmada el 8 de febrero de 2025, culminando un proceso de audiciones que atrajo a más de 5,000 aspirantes de todo el mundo. El Proceso de Selección Luego de la partida de Alexander, Primus lanzó una convocatoria global en noviembre de 2024, invitando a bateristas de todos los rincones del planeta a enviar sus postulaciones. La respuesta fue abrumadora, con miles de solicitudes recibidas. Entre los aspirantes destacados se encontraban miembros de bandas reconocidas como FEVER 333, Snarky Puppy y stOrk. ¿Quién es John Hoffman? John Hoffman, originario de Shreveport, Louisiana, es un baterista profesional con una trayectoria notable en la escena musical local. Aunque no es ampliamente conocido en el ámbito internacional, Hoffman ha demostrado una habilidad técnica y una versatilidad que captaron la atención de Les Claypool y el resto de la banda durante el proceso de audiciones. Reacciones y Expectativas La elección de Hoffman ha generado expectativas entre los seguidores de Primus, quienes esperan ver cómo su estilo influirá en la dinámica y sonido característicos de la banda. Se anticipa que su debut oficial con Primus ocurra en la próxima gira “Sessanta V2.0”, programada para llevarse a cabo entre abril y junio de 2025, donde compartirán escenario con A Perfect Circle y Puscifer. Con la incorporación de John Hoffman, Primus inicia un nuevo capítulo en su historia, y los fanáticos están ansiosos por presenciar la evolución de la banda con esta nueva alineación. Para conocer más sobre John Hoffman y su estilo de batería, puedes ver su audición para Primus a continuación:

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Pantha Du Prince – Black Noise: La Naturaleza y el Minimalismo en la Electrónica

Lanzado en 2010 bajo el prestigioso sello Rough Trade Records, Black Noise de Pantha Du Prince es un álbum que fusiona minimal techno, ambient y elementos orgánicos para crear una experiencia sonora envolvente y contemplativa. Este trabajo se ha convertido en un referente dentro de la música electrónica por su riqueza textural y su enfoque en la relación entre el sonido y la naturaleza. Contexto y Concepto Hendrik Weber, el hombre detrás de Pantha Du Prince, venía de trabajar con sellos como Dial Records, donde había desarrollado un sonido profundo y melancólico en discos como Diamond Daze (2004) y This Bliss (2007). Sin embargo, Black Noise supuso un punto de inflexión en su carrera, al integrar influencias de la música concreta y el paisajismo sonoro, inspirándose en la acústica de los Alpes suizos. El concepto del álbum gira en torno a la idea de “ruido negro”, un fenómeno que representa el sonido residual del colapso y regeneración de la naturaleza. Esta exploración se materializa a través de paisajes sonoros que evocan bosques, montañas y espacios abiertos, combinados con ritmos hipnóticos y melodías etéreas. El Sonido de Black Noise El álbum se construye sobre capas de sintetizadores, campanas, percusión detallada y bajos profundos. Pantha Du Prince logra un equilibrio perfecto entre lo electrónico y lo orgánico, utilizando samples de sonidos naturales junto con estructuras de house y techno minimalista. Algunas características clave del sonido de Black Noise incluyen: Pistas Destacadas Recepción y Legado El álbum recibió elogios de la crítica especializada y fue considerado uno de los mejores lanzamientos electrónicos de 2010. Publicaciones como Pitchfork, Resident Advisor y The Quietus destacaron su enfoque innovador y su capacidad para trascender los límites del techno tradicional. En retrospectiva, Black Noise se mantiene como un hito dentro de la electrónica ambiental y el minimal techno, influyendo en artistas posteriores dentro de la escena experimental y deep house. Su combinación de naturaleza y tecnología sigue resonando en la música contemporánea, consolidando a Pantha Du Prince como una figura clave en la evolución del género. Conclusión Black Noise no es solo un álbum de techno; es una exploración auditiva de la relación entre el ser humano y su entorno. Con su producción meticulosa y su estética única, Pantha Du Prince creó una obra que sigue siendo relevante más de una década después de su lanzamiento. Es un disco imprescindible para quienes buscan una experiencia sonora profunda, emocional y trascendental.

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Björk sobre spotify: “probablemente es lo peor que le ha pasado a músicos”

La reconocida artista islandesa Björk ha expresado recientemente una crítica contundente hacia las plataformas de streaming, en particular Spotify, calificándola como “probablemente lo peor que le ha pasado a los músicos”. En una entrevista con el medio sueco Dagens Nyheter, Björk reflexionó sobre el impacto del streaming en la industria musical y el costo que esta significó para los músicos. Según la cantante, el modelo de negocio de plataformas como Spotify transformó no solo la manera en que se consume música, sino también el modo en que los músicos deben operar para sobrevivir. “La cultura del streaming ha cambiado a toda una sociedad y a toda una generación de artistas”, afirmó. Estas declaraciones se producen en un contexto donde la compensación económica que reciben los artistas por parte de las plataformas de streaming ha sido objeto de debate. Aunque Spotify ha informado que en los últimos 10 años ha pagado 60.000 millones de dólares a los artistas, con 10.000 millones solo en 2024, informes indican que Spotify paga menos por reproducción que Amazon Music, Apple Music y YouTube Music. El vicepresidente de Negocio Musical de Spotify, David Kaefer, defiende que la empresa ha incrementado significativamente los ingresos de los artistas y que el streaming ha restablecido el valor de la música. Björk no es la única artista que ha expresado su descontento con las plataformas de streaming. En noviembre de 2024, el baterista de la banda Anthrax, Charlie Benante, describió al streaming como “el lugar donde la música va a morir”. es.rollingstone.com La discusión en torno al modelo de negocio de las plataformas de streaming y su impacto en la sostenibilidad económica de los músicos continúa siendo un tema relevante en la industria musical actual.

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Explorando la abstracción sonora: Loop-Finding-Jazz-Records de Jan Jelinek

Lanzado en 2001, Loop-Finding-Jazz-Records es uno de los discos más emblemáticos dentro de la música electrónica experimental. Creado por el artista alemán Jan Jelinek, este álbum es una obra maestra que combina glitch, minimalismo y elementos del jazz, creando una experiencia auditiva profundamente introspectiva y futurista. Reconocido como un hito en el género, este trabajo trasciende etiquetas, desafiando las nociones tradicionales de la composición musical y el significado del jazz en la era digital. ¿Quién es Jan Jelinek? Jan Jelinek es un productor y compositor originario de Berlín, conocido por su habilidad para descomponer géneros musicales y reconstruirlos en formas abstractas. A lo largo de su carrera, ha trabajado bajo varios alias, como Farben y Gramm, explorando estilos que van desde el deep house hasta el ambient. Sin embargo, es con Loop-Finding-Jazz-Records que logró consolidar su reputación como uno de los pioneros del minimalismo electrónico. Jelinek es un maestro en el uso de samplers, procesadores y herramientas digitales para manipular fragmentos de audio, transformándolos en texturas rítmicas y melódicas. Su enfoque se centra en la deconstrucción: toma microfragmentos de grabaciones antiguas, muchas veces de jazz, y los reorganiza hasta convertirlos en algo completamente nuevo. El concepto detrás de Loop-Finding-Jazz-Records El título del álbum es una declaración de intenciones. Jelinek se sumerge en grabaciones de jazz de antaño, no para replicarlas, sino para desconstruirlas y reinterpretarlas mediante loops, glitches y texturas minimalistas. Sin embargo, lo que destaca en este proyecto es cómo el jazz deja de ser un género musical convencional para convertirse en una referencia difusa, presente en el espíritu pero transformado por completo en la forma. El disco reflexiona sobre la relación entre la música analógica y digital, y cómo la tecnología puede recontextualizar sonidos tradicionales en algo completamente nuevo. La esencia del jazz —la improvisación, el ritmo y la emoción— se mantiene viva, pero fragmentada y reinterpretada bajo el lente de la modernidad. El sonido de Loop-Finding-Jazz-Records El álbum se caracteriza por una atmósfera cálida y envolvente, construida a partir de bucles repetitivos y texturas granulares. Jelinek utiliza técnicas como la manipulación de vinilos, el procesamiento digital y el sampling microscópico para crear paisajes sonoros hipnóticos. A lo largo de los nueve temas del disco, el oyente se encuentra con: Canciones destacadas Cada pista del álbum ofrece una exploración única de las posibilidades del sonido y el espacio. Algunas piezas destacadas incluyen: Cada pista parece diseñada no solo para ser escuchada, sino para ser experimentada, ofreciendo diferentes emociones dependiendo del contexto y el estado de ánimo del oyente. Recepción crítica y legado Desde su lanzamiento, Loop-Finding-Jazz-Records ha sido aclamado por la crítica y los fanáticos como una obra revolucionaria dentro de la música electrónica. Es un álbum que no solo ha resistido la prueba del tiempo, sino que ha ganado relevancia en un mundo donde las fronteras entre los géneros son cada vez más borrosas. Medios como Pitchfork y Resident Advisor lo han elogiado por su innovación y por cómo redefine la relación entre lo digital y lo orgánico. También es considerado una referencia dentro del microhouse y el glitch, influyendo a artistas como Fennesz, Oval y Christian Fennesz. La vigencia de Loop-Finding-Jazz-Records En un mundo musical dominado por la inmediatez y la producción masiva, el trabajo de Jan Jelinek sigue destacando por su paciencia y atención al detalle. Loop-Finding-Jazz-Records invita al oyente a sumergirse en un espacio de contemplación, donde cada escucha revela nuevos matices y detalles. La vigencia del disco radica en su capacidad para trascender géneros y épocas, ofreciendo una experiencia que sigue siendo innovadora y emocionante más de dos décadas después de su lanzamiento. Conclusión Loop-Finding-Jazz-Records no es solo un álbum, sino una obra de arte que explora las posibilidades del sonido y la memoria. Es un testimonio del talento de Jan Jelinek para crear música que desafía las convenciones y redefine lo que entendemos por jazz y electrónica. Para quienes buscan una experiencia auditiva profundamente inmersiva y desafiante, este álbum es una joya que nunca pierde su brillo.

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