Depósitio Sonoro

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Los beneficios de la música Ambient para la salud mental y la concentración

La música ambient es un género centrado en el uso de paisajes sonoros, ritmos sutiles y melodías relajantes para crear una atmósfera envolvente y etérea. En las últimas décadas, esta música ha ganado reconocimiento no solo por sus cualidades estéticas, sino también por los efectos positivos que tiene en la salud mental y la capacidad de concentración. Conocida por reducir la ansiedad, mejorar el enfoque y fomentar la creatividad, la música ambient ofrece una experiencia auditiva transformadora. El ambient surgió en los años 70 con artistas como Brian Eno, quien buscaba crear sonidos que fueran tanto interesantes como relajantes. Se caracteriza por su estructura minimalista, baja intensidad rítmica y predominancia de sonidos ambientales que permiten que la música se mezcle naturalmente con el entorno, generando una experiencia que va más allá de la simple escucha. Hoy en día, el ambient ha evolucionado en subgéneros como el dark ambient, el space ambient y el drone ambient, pero su enfoque sigue siendo el mismo: crear un espacio sonoro relajante y contemplativo. Beneficios para la Salud Mental La música ambient ha demostrado ser especialmente útil para gestionar la salud mental, ya que ayuda a reducir el estrés y la ansiedad. Aquí se destacan algunos de sus beneficios más relevantes: Beneficios para la Concentración Más allá de sus efectos en la salud mental, la música ambient también es una herramienta eficaz para mejorar la concentración y el rendimiento cognitivo. Esto se debe a su capacidad para crear un entorno auditivo sin interrupciones ni distracciones: Música Ambient en la Terapia de Sonido La terapia de sonido utiliza frecuencias específicas para equilibrar el cuerpo y la mente, y la música ambient se ha convertido en una herramienta eficaz para ello. Las vibraciones de baja frecuencia presentes en este género ayudan a reducir la actividad en la corteza prefrontal del cerebro, una zona relacionada con el pensamiento analítico y el estrés. Esto facilita un estado de paz y relajación en el oyente, ideal para quienes buscan alivio de la ansiedad y el insomnio. Artistas y Álbumes Recomendados Para quienes deseen comenzar a explorar la música ambient, aquí se encuentran algunas recomendaciones: Conclusión La música ambient se ha convertido en una herramienta poderosa para quienes buscan mejorar su bienestar mental y su rendimiento cognitivo. Sus beneficios para reducir el estrés, facilitar la concentración y fomentar la creatividad han convertido este género en una opción ideal para la vida moderna. A medida que la popularidad del ambient crece, cada vez más personas descubren su capacidad para transformar los momentos de escucha en experiencias de sanación y autoconocimiento.

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La composición musical: un reflejo de la desintegración mental

El soundtrack de la película Substance (2024) ha captado la atención tanto de críticos como de fanáticos de la música, gracias a su capacidad para elevar el misterio y la atmósfera de esta cautivadora obra cinematográfica. Dirigida por Guy Busick y basada en un thriller psicológico, Substance se sumerge en los temas de la paranoia y la distorsión de la realidad, y su banda sonora juega un papel clave en sumergir al espectador en el corazón oscuro de la trama. Uno de los aspectos más fascinantes del soundtrack de Substance es su capacidad para complementar la complejidad emocional de la película. La banda sonora, compuesta por Ben Salisbury y Geoff Barrow, conocidos por su trabajo en cintas como Ex Machina y Annihilation, sigue el estilo atmosférico y tenso que caracteriza su colaboración. En esta ocasión, el dúo ha creado una mezcla de electrónica oscura, texturas ambientales y pulsaciones rítmicas que acompañan los giros narrativos de la película. La música se convierte en una extensión de la mente fracturada del protagonista, con capas de sonidos sintéticos que evocan tanto aislamiento como confusión. A lo largo de la película, los sonidos se tornan cada vez más discordantes, con notas disonantes y distorsionadas que refuerzan el descenso psicológico que enfrenta el personaje central. Estos elementos se mezclan con momentos de calma aparente, creando una dinámica de tensión y alivio que mantiene al espectador en un estado de constante alerta. Influencias y Estética Sonora El soundtrack de Substance se inspira claramente en la tradición del cine de terror psicológico y el thriller. Hay referencias a composiciones de artistas como John Carpenter, conocido por sus bandas sonoras minimalistas y llenas de suspense. Además, también encontramos influencias del ambient y el drone, con pasajes musicales que recuerdan a obras de Brian Eno o Tim Hecker, lo que aporta una sensación de quietud perturbadora y misticismo. Uno de los momentos más impactantes del soundtrack llega en las escenas de mayor descontrol, donde la música adquiere una intensidad abrumadora, con capas de sintetizadores superpuestos, zumbidos y ritmos acelerados. Estos momentos no solo subrayan el caos interno del protagonista, sino que también invitan al espectador a sentirse atrapado dentro de esa misma espiral de incertidumbre. Canciones Destacadas: La Fusión de Música Original y Clásicos Redescubiertos Además de la música original, el soundtrack de Substance también incluye una selección de canciones previamente lanzadas que añaden una nueva dimensión a las escenas clave. Entre estas se encuentran temas de Joy Division y The Cure, dos bandas icónicas del post-punk y darkwave, cuyas letras y melodías coinciden con el tono melancólico y perturbador de la película. Estas canciones actúan como homenajes a una estética sonora que ha sido asociada durante mucho tiempo con el cine de suspenso. Una de las elecciones más memorables es el uso de “Atmosphere” de Joy Division, cuya tristeza melódica y letra enigmática acompañan una de las secuencias más emotivas y decisivas de la película. La inclusión de estas canciones ayuda a situar la película dentro de un contexto más amplio de narrativa oscura y existencial, conectando con audiencias que ya asocian estos sonidos con el misterio y la introspección. Impacto en la Cultura Cinematográfica y Musical El soundtrack de Substance (2024) ya se está posicionando como una de las piezas más relevantes del año, tanto dentro del ámbito cinematográfico como en el panorama musical. La combinación de composiciones originales vanguardistas con temas clásicos ha permitido que el público se sumerja profundamente en la atmósfera de la película. La música no solo complementa la trama, sino que se convierte en un protagonista más, arrastrando al espectador a un mundo de incertidumbre y paranoia. Para los fanáticos de bandas sonoras evocadoras y para quienes aprecian la fusión de música electrónica oscura y post-punk, este soundtrack es una joya indispensable. No cabe duda de que Substance dejará una huella duradera tanto en la música para el cine como en los soundtracks que exploran el terreno de lo psicológico y lo oculto.

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La importancia de la escucha profunda en la música

En la era de la inmediatez, donde la música se consume de manera rápida y fragmentada a través de plataformas de streaming y listas de reproducción, el concepto de escucha profunda se ha vuelto más relevante que nunca. La escucha profunda no solo implica oír música de manera pasiva, sino conectar de forma activa y consciente con cada uno de los elementos que componen una pieza musical, entendiendo su estructura, emociones, y el contexto que la rodea. Este enfoque cambia nuestra relación con la música, haciéndola más rica, significativa y transformadora. ¿Qué es la escucha profunda? El término “escucha profunda” fue popularizado por la compositora y filósofa sonora Pauline Oliveros, quien exploró este concepto como una forma de estar plenamente presente y atento en el acto de escuchar, tanto en la música como en los sonidos del entorno. Para Oliveros, escuchar profundamente significaba expandir nuestra percepción auditiva para captar matices que normalmente pasan desapercibidos. La escucha profunda es un acto intencional, que busca romper con la escucha pasiva y fragmentada para involucrar completamente nuestros sentidos y emociones. Se trata de percibir los detalles sutiles de la música: desde los cambios dinámicos, las texturas instrumentales, hasta las emociones subyacentes en una interpretación. Beneficios de la escucha profunda en la música La escucha profunda y los géneros musicales La escucha profunda no se limita a un solo género musical, aunque algunos géneros se prestan particularmente bien a este tipo de enfoque. Por ejemplo, el jazz y la música clásica son conocidos por su complejidad armónica y estructural, lo que los convierte en géneros ideales para una escucha más detallada. Sin embargo, incluso géneros más accesibles como el pop, rock o electrónica pueden ofrecer una experiencia más rica si se les escucha con plena atención. El ambient y el minimalismo son géneros donde la escucha profunda es prácticamente una necesidad para captar las sutilezas que a menudo son imperceptibles a primera vista. Estos estilos dependen de la repetición de patrones sonoros y la creación de atmósferas, lo que requiere una atención activa para apreciar los pequeños cambios y variaciones en la textura sonora. Cómo practicar la escucha profunda Conclusión La escucha profunda nos invita a reconectar con la música de una manera más intencional y consciente. No es simplemente oír lo que está sonando, sino estar presente y abrirse a las complejidades, emociones y belleza que la música puede ofrecernos. En un mundo saturado de información y distracciones, practicar la escucha profunda es un acto de resistencia cultural, que nos recuerda el valor de la atención y la importancia de dedicar tiempo a disfrutar y reflexionar sobre el arte sonoro. La música, en su máxima expresión, es más que una simple banda sonora para nuestras vidas; es una experiencia emocional y sensorial que merece ser apreciada en toda su profundidad.

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Oxomaxología, el miasma sónico donde solo el silencio habla

Texto por: Daniel Lazarini Gran parte de las tradiciones oscuras de la música radical mexicana están fincadas en las investigaciones realizadas por la unidad espectral conocida como Oxomaxoma, una constante invitación a lo invisible, a la interzona, al más allá. El próximo 23 de agosto del 2024 se celebran 45 años de manifestaciones de esta agrupación invaluable para las tradiciones experimentales locales, el lugar será la Fonoteca Nacional, donde se llevará a cabo una conferencia con los miembros fundadores y con artistas que han pertenecido a esta experiencia a través de las distintas mutaciones, así como periodistas y otrxs expertxs en la fenomenología de Oxomaxoma, también ofrecerán una serie de improvisaciones para la ocasión con la participación de José Álvarez, Arturo Romo, Rolando Chía, Armando Velasco, Luis Bishop, Rabbit Doll y Sarmen Almond. En el siguiente texto voy intentar sumergirme en la formidable trayectoria de uno de los proyectos mexicanos más oscuros, invertebrados y mutantes de las últimas cinco décadas. Desde sus inicios la energía plutoniana desarticulada se desplazó entre atmósferas y rituales que liberaron mensajes ocultos en los objetos, decodificación aural que manifiesta secretos subsónicos.  El origen de la molécula atonal fue 1976 con Hilozoizmo, un proyecto donde Arturo Romo, Víctor Rodríguez y Miguel Becerra realizaban música aleatoria, se encontraban deslumbrados por la corriente filosófica “hilozoísmo”, la cual asegura la existencia del “anima” en la materia, la naturaleza y los objetos. El trío había realizado avances notables en la investigación de psicofonías, concepto que se refiere a la aparición de registros de origen desconocido en grabaciones de audio.  En 1978 Romo conoce a José Álvarez en el colegio de Bachilleres, donde el primero estudiaba y el segundo trabajaba, sus gustos musicales y expectativas sonoras eran muy compatibles, la conversación sensorial entre ambas entidades bioacústicas se implementó en un discurso metafísico que sostuvieron en 1979 durante su primera grabación que se conoce como la etapa Álvarez-Romo, material en cassette que llega a la revista Eurock con base en Portland y dirigida por el periodista Archie Patterson, gracias al contacto que ya había establecido Carlos Alvarado con su proyecto Vía Láctea, Alvarado envío y recomendó una variedad de proyectos; Hilozoizmo, Álvarez / Romo, Oxomaxoma, Decibel entre otras propuestas oscuroníricas que se estaban escuchando en el México subterráneo de la segunda mitad de los setenta. De este CST se reeditó un fragmento en 2016 en formato vinyl, para el box set “Mexican Cassette Culture Recordings 77 – 82” del sello alemán Vinyl on Demand, posteriormente en 2019 el material aparece completo en una edición en cassette extraída de la exquisita caja de madera “Fanfarrias y Bostezos” editada por el sello mexicano Ruido Horrible que contiene cinco producciones clave realizadas en tape entre 1979 y 1997. Después de que Romo mostró las grabaciones con José a los demás integrantes de Hilozoizmo, lo propuso como miembro, el ahora cuarteto continúa sus exploraciones donde la voz y la onomatopeya gutural de José Álvarez ofrecen nuevas narrativas.  Oxomatización; “Marcha a lo absurdo y grotesco” La presencia del formato de cinta magnética conocido como cassette permite registrar audio de forma casera a un costo medianamente razonable, fue revelador entenderlo como un formato “accesible” que ofrece inmediatez y portabilidad además de la experiencia de reproducir y reconocerse en el espejo sonoro, un proceso clave en el ritual para diseñar y moldear la amalgama de elementos que subsisten en una atmósfera de invocación. Estas cintas DIY ultra limitadas distribuidas principalmente en Estados Unidos, Europa, y algunas pocas (casi nada) en México se agotaron rápidamente, por suerte Patterson también tenía un programa de radio en KINK FM donde expandía el alcance de su revista, compartiendo extravagancias sonoras de todo el mundo.  Hay distintas teorías que la prensa ha desarrollado a través de los años sobre los orígenes del nombre, hay quienes afirman que proviene del disco “Aoxomoxoa” (1969) tercer álbum de estudio de la banda psicodélica Grateful Dead, se trata de un palíndromo utilizado como mantra para entrar a la sala de edición de la película de la realidad. Otrxs especialistas aseguran que está tomado de las tradiciones y creencias Mexicas, directamente de “Oxomoco” señora de la noche, personificación del tiempo. También existen algunas investigaciones que sugieren que proviene del recurso retórico del “oxímoron”, en el cual una frase contiene dos conceptos que se contradicen, generando un tercer significado. Los orígenes son misteriosos y confusos tal como lo es el sonido de Oxomaxoma, sin embargo la versión oficial nos dice que una noche de 1980 Álvarez se encontraba descansando, ingresando a la fase inicial de sueño que aún permite percibir la realidad, la transición va diluyendo el aquí y allá, un estado al que define como duermevela, cuando escuchó una voz que le decía al oído la palabra Oxomaxoma.  Para este momento Hilozoizmo coexistía con Oxomaxoma, los integrantes eran los mismos en ambas caras de la moneda, hasta que decidieron hacer la transición total del nombre que definían como la búsqueda de un significado perdido, con una fuerte carga de humor negro, abrazando la cultura bizarra se trataba de forajidos sónicos, invocadores espectrales fuera del canon del blues o el rock, tal como se demuestra en su primera grabación bajo el nombre de Oxomaxoma; “UAM Azcapotzalco” (1981) cinta que también fue distribuida y comisionada por Eurock Magazine y más tarde reeditad en 2020 dentro del box set “Designios” donde la grabación aparece completa en CD-R, lanzado por el sello mexicano “El Otro Rock” del periodista y escritor David Cortés, un dedicado rescate que reúne lo más significativo de los rituales perpetrados en vivo entre 1981 y 1995. Con una alineación fáustica que comparten los materiales en vivo del 81 “UAM Azcapotzalco” y “ENEP Acatlán” se traduce como la invitación a cazar una sombra, un destello, el impulso de la imaginación que estimula el movimiento inverso;  José Álvarez, voz y susurros Arturo Meza, piano y voz Arturo Romo, tetragramatón y yeloguerlizet Miguel Pérez, percusiones y voz Víctor Rodríguez, detrefram 1927 y voces  Desde Hilozoizmo habían cultivado el hábito de dar vida a

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SoundCloud lanza una tienda de merchandising donde los artistas se quedan con todas las ganancias

Actualmente, SoundCloud Store solo está abierta para artistas de Next Pro. SoundCloud ha lanzado un nuevo mercado de productos, SoundCloud Store, que permitirá a los artistas publicar sus propios diseños y productos para venderlos a sus fans.Según los términos actuales de la tienda, los artistas pueden enviar un diseño para un artículo de mercancía y luego dejar que SoundCloud cree maquetas del producto para ellos. Luego, la empresa creará los productos y se encargará del envío, así como del marketing en las redes sociales. Tal como están las cosas, SoundCloud no obtendrá ningún beneficio de las ventas de productos y el 100% del dinero recaudado se destinará a los propios artistas. Actualmente, SoundCloud Store solo está disponible para artistas de Next Pro, que es el nivel de suscripción paga de SoundCloud que brinda a los usuarios más funciones y funciones. Actualmente también está abierto solo a personas que residen en América del Norte y Europa. El rapero Denzel Curry es uno de los primeros usuarios de la plataforma que lanzó productos para vender a través de la tienda.

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Conoce Musicmap, infografía interactiva que describe las definiciones, relaciones y sub-géneros de últimos 146 años de la música

Musicmap es una infografía interactiva que describe las definiciones, relaciones y sub-géneros de los últimos 146 años de la música. Musicmap es relacionar cientos de estilos musicales en un mapa interactivo De acuerdo con inductriamusical.com: “El resultado de años de trabajo realizado por el arquitecto belga Kwinten Crauwels, Musicmap tiene una profundidad de datos impresionante. Los géneros están codificados por colores: azul para blues, góspel y jazz; amarillo para rock, rojo para electrónica. Seis tipos de líneas punteadas describen las diferentes relaciones entre 234 sub-géneros. Al hacer click en uno, se abre un cuadro de descripción y una playlist de YouTube (próximamente también una de Spotify)”. “El Musicmap: Genealogía e Historia de los Géneros Populares de Música desde sus Orígenes hasta el Presente (1870 – 2016) es una herramienta llena de interesantes detalles, un experimento con miras a lograr ofrecer un panorama perfecto de todos los géneros populares de música. Es un proceso que nunca acaba y requiere de aportaciones adicionales de la comunidad internacional. La versión actual ofrece un punto de partida que en principio podría alcanzar las siguientes metas *Informar a cualquier persona, sin importar edad o nivel educativo, acerca de conocimientos básicos sobre géneros musicales.*Inspirar a las personas a explorar el mundo de la música, y descubrir música fuera de su zona de confort.*Mejorar las bases de datos existentes sobre géneros musicales y ofrecer un marco complementario para una taxonomía musical automática.*Dar iniciativa a una plataforma (WIKI) que permita alcanzar un panorama casi perfecto y actualizado.*Motivar el uso de los géneros y al mismo tiempo disuadir el encasillamiento.*Reducir la discriminación y el prejuicio basados en géneros musicales”. La aplicación nos permite relacionarlos, averiguar qué tienen en común y un largo etcétera que muestra usando una serie de líneas de correlación que vinculan unos con otros. Un lugar en el que perderse durante horas y en el que podrás saciar tu curiosidad por conocer más y más detalles sobre la música. Con información de: industriamusical.com

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Contador revela que el dueño de Spotify ha ganado más dinero en 1 año que cualquier artista

En los últimos 12 meses, el fundador de Spotify, Daniel Ek, ha ganado más con la plataforma que cualquier artista. Se informa que sus ganancias durante un período de 12 meses equivalen a 115 mil millones de transmisiones. Drake, Ed Sheeran, Billie Eilish e incluso Taylor Swift no pueden superar los 345 millones de dólares que Ek ha ganado en el último año. Básicamente, parece que todos los músicos del planeta Tierra (o al menos los que están en Spotify) están trabajando para él. Esta sorprendente estadística ha sido revelada por el contador de regalías Hunter Giles en su IC Newsletter. En él, calcula el valor de retiro de las acciones que poseen los altos ejecutivos de Spotify y calcula cuántas transmisiones necesitaría un músico para acumular esa riqueza en un año. Ek ocupa el primer lugar con una cifra que se necesitarían 115 mil millones de transmisiones para realizar. Para poner eso en contexto, Taylor Swift es la artista con más reproducciones en la plataforma con un total de 76 mil millones hasta la fecha en abril de 2024. En segundo lugar después de Ek está otro ejecutivo de Spotify, Martin Lorentzon, cuyas acciones por valor de 166,8 millones de dólares equivalen a 55,6 mil millones de reproducciones. Esto lo convertiría en el noveno artista más reproducido de todos los tiempos. Se produce después de que Spotify anunciara ganancias récord de unos 3.810 millones de euros (3.200 millones de libras esterlinas) en el segundo trimestre de 2024, tras un recorte del 17% en su plantilla a finales de 2023 y la noticia en abril de que había decidido ‘ “Desmonetizar” todas las canciones que hayan tenido menos de mil reproducciones, una decisión que ya ha afectado a miles de músicos en apuros. Sin embargo, Giles tiene cuidado de señalar que su análisis no pretende en sí mismo vilipendiar a los ejecutivos de Spotify. “Personalmente, no creo que Ek y la pandilla sean ‘buenos’ o ‘malos’ como personas”, dice, “y el objetivo de esto no es avergonzarlos… En mi humilde opinión, el mal actor aquí [en mi humilde opinión] ] es lo mismo de siempre: incentivos desalineados que no logran compartir adecuadamente la riqueza entre las partes interesadas, también conocido como capitalismo tardío. Estas personas simplemente están haciendo un buen trabajo al alcanzar las marcas desalineadas, y no creo que sea cierto o útil pensar en ellos como genios malvados que quieren robar dinero a los artistas”. Con información de: musicradar.com

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Reseña de “Infirmary” y “Unknown Summer”, EP entre el productor británico Burial y Kode9

“Infirmary” y “Unknown Summer” son dos temas del productor británico Burial, incluidos en su EP “Tunes 2011 to 2019,” lanzado en diciembre de 2019. Este lanzamiento recopilatorio reúne una selección de tracks que Burial había lanzado como sencillos o en EPs a lo largo de esos años, mostrando la evolución de su estilo. “Infirmary” “Infirmary” es un ejemplo del enfoque característico de Burial hacia el sonido atmosférico y melancólico. El track se destaca por su construcción sonora densa, que combina elementos de música ambiental, ritmos de garage y dubstep, y un uso distintivo de samples vocales distorsionados. El tema refleja una sensación de desolación y soledad, aspectos recurrentes en la música de Burial. La textura granulada y las voces fantasmales que aparecen y desaparecen en la mezcla contribuyen a la creación de una atmósfera inquietante, casi cinematográfica. “Unknown Summer” “Unknown Summer” también forma parte del mismo EP y sigue una línea similar en cuanto a atmósfera y estructura. Este tema es más etéreo, con capas de sonidos ambientales que evocan una sensación de nostalgia y pérdida. La pieza es menos rítmica y más abstracta en comparación con otros trabajos de Burial, destacándose por su enfoque en la creación de un paisaje sonoro que parece reflejar un verano desconocido y pasado, lleno de memorias fragmentadas y emociones difusas. Ambos temas son representativos de la capacidad de Burial para evocar emociones profundas y complejas a través de sus producciones minimalistas pero cargadas de significado. La habilidad del artista para combinar elementos de diferentes géneros de una manera única y evocadora ha consolidado su lugar como una figura influyente en la música electrónica contemporánea.

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