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Conoce Musicmap, infografía interactiva que describe las definiciones, relaciones y sub-géneros de últimos 146 años de la música

Musicmap es una infografía interactiva que describe las definiciones, relaciones y sub-géneros de los últimos 146 años de la música. Musicmap es relacionar cientos de estilos musicales en un mapa interactivo De acuerdo con inductriamusical.com: “El resultado de años de trabajo realizado por el arquitecto belga Kwinten Crauwels, Musicmap tiene una profundidad de datos impresionante. Los géneros están codificados por colores: azul para blues, góspel y jazz; amarillo para rock, rojo para electrónica. Seis tipos de líneas punteadas describen las diferentes relaciones entre 234 sub-géneros. Al hacer click en uno, se abre un cuadro de descripción y una playlist de YouTube (próximamente también una de Spotify)”. “El Musicmap: Genealogía e Historia de los Géneros Populares de Música desde sus Orígenes hasta el Presente (1870 – 2016) es una herramienta llena de interesantes detalles, un experimento con miras a lograr ofrecer un panorama perfecto de todos los géneros populares de música. Es un proceso que nunca acaba y requiere de aportaciones adicionales de la comunidad internacional. La versión actual ofrece un punto de partida que en principio podría alcanzar las siguientes metas *Informar a cualquier persona, sin importar edad o nivel educativo, acerca de conocimientos básicos sobre géneros musicales.*Inspirar a las personas a explorar el mundo de la música, y descubrir música fuera de su zona de confort.*Mejorar las bases de datos existentes sobre géneros musicales y ofrecer un marco complementario para una taxonomía musical automática.*Dar iniciativa a una plataforma (WIKI) que permita alcanzar un panorama casi perfecto y actualizado.*Motivar el uso de los géneros y al mismo tiempo disuadir el encasillamiento.*Reducir la discriminación y el prejuicio basados en géneros musicales”. La aplicación nos permite relacionarlos, averiguar qué tienen en común y un largo etcétera que muestra usando una serie de líneas de correlación que vinculan unos con otros. Un lugar en el que perderse durante horas y en el que podrás saciar tu curiosidad por conocer más y más detalles sobre la música. Con información de: industriamusical.com

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Contador revela que el dueño de Spotify ha ganado más dinero en 1 año que cualquier artista

En los últimos 12 meses, el fundador de Spotify, Daniel Ek, ha ganado más con la plataforma que cualquier artista. Se informa que sus ganancias durante un período de 12 meses equivalen a 115 mil millones de transmisiones. Drake, Ed Sheeran, Billie Eilish e incluso Taylor Swift no pueden superar los 345 millones de dólares que Ek ha ganado en el último año. Básicamente, parece que todos los músicos del planeta Tierra (o al menos los que están en Spotify) están trabajando para él. Esta sorprendente estadística ha sido revelada por el contador de regalías Hunter Giles en su IC Newsletter. En él, calcula el valor de retiro de las acciones que poseen los altos ejecutivos de Spotify y calcula cuántas transmisiones necesitaría un músico para acumular esa riqueza en un año. Ek ocupa el primer lugar con una cifra que se necesitarían 115 mil millones de transmisiones para realizar. Para poner eso en contexto, Taylor Swift es la artista con más reproducciones en la plataforma con un total de 76 mil millones hasta la fecha en abril de 2024. En segundo lugar después de Ek está otro ejecutivo de Spotify, Martin Lorentzon, cuyas acciones por valor de 166,8 millones de dólares equivalen a 55,6 mil millones de reproducciones. Esto lo convertiría en el noveno artista más reproducido de todos los tiempos. Se produce después de que Spotify anunciara ganancias récord de unos 3.810 millones de euros (3.200 millones de libras esterlinas) en el segundo trimestre de 2024, tras un recorte del 17% en su plantilla a finales de 2023 y la noticia en abril de que había decidido ‘ “Desmonetizar” todas las canciones que hayan tenido menos de mil reproducciones, una decisión que ya ha afectado a miles de músicos en apuros. Sin embargo, Giles tiene cuidado de señalar que su análisis no pretende en sí mismo vilipendiar a los ejecutivos de Spotify. “Personalmente, no creo que Ek y la pandilla sean ‘buenos’ o ‘malos’ como personas”, dice, “y el objetivo de esto no es avergonzarlos… En mi humilde opinión, el mal actor aquí [en mi humilde opinión] ] es lo mismo de siempre: incentivos desalineados que no logran compartir adecuadamente la riqueza entre las partes interesadas, también conocido como capitalismo tardío. Estas personas simplemente están haciendo un buen trabajo al alcanzar las marcas desalineadas, y no creo que sea cierto o útil pensar en ellos como genios malvados que quieren robar dinero a los artistas”. Con información de: musicradar.com

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Reseña de “Infirmary” y “Unknown Summer”, EP entre el productor británico Burial y Kode9

“Infirmary” y “Unknown Summer” son dos temas del productor británico Burial, incluidos en su EP “Tunes 2011 to 2019,” lanzado en diciembre de 2019. Este lanzamiento recopilatorio reúne una selección de tracks que Burial había lanzado como sencillos o en EPs a lo largo de esos años, mostrando la evolución de su estilo. “Infirmary” “Infirmary” es un ejemplo del enfoque característico de Burial hacia el sonido atmosférico y melancólico. El track se destaca por su construcción sonora densa, que combina elementos de música ambiental, ritmos de garage y dubstep, y un uso distintivo de samples vocales distorsionados. El tema refleja una sensación de desolación y soledad, aspectos recurrentes en la música de Burial. La textura granulada y las voces fantasmales que aparecen y desaparecen en la mezcla contribuyen a la creación de una atmósfera inquietante, casi cinematográfica. “Unknown Summer” “Unknown Summer” también forma parte del mismo EP y sigue una línea similar en cuanto a atmósfera y estructura. Este tema es más etéreo, con capas de sonidos ambientales que evocan una sensación de nostalgia y pérdida. La pieza es menos rítmica y más abstracta en comparación con otros trabajos de Burial, destacándose por su enfoque en la creación de un paisaje sonoro que parece reflejar un verano desconocido y pasado, lleno de memorias fragmentadas y emociones difusas. Ambos temas son representativos de la capacidad de Burial para evocar emociones profundas y complejas a través de sus producciones minimalistas pero cargadas de significado. La habilidad del artista para combinar elementos de diferentes géneros de una manera única y evocadora ha consolidado su lugar como una figura influyente en la música electrónica contemporánea.

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Berlioz, sonidos que resuenan a fans del jazz y a entusiastas del house

Berlioz, también conocido como Tom Berlioz, es un músico, productor y DJ emergente inglés en la escena del jazz-house. Su trabajo ha empezado a ganar reconocimiento por su enfoque innovador y su habilidad para fusionar elementos del jazz con las estructuras y ritmos del house. Información Relevante Datos Curiosos Importancia en la Escena Musical En resumen, Berlioz es un artista prometedor en el mundo del jazz-house cuya importancia radica en su capacidad para innovar y fusionar géneros, creando un sonido único y atractivo que resuena tanto con los fans del jazz como con los entusiastas de la música electrónica.

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Historia del free jazz y algunos de sus artistas más importantes

El free jazz es un subgénero del jazz que surgió en la década de 1960 y se caracteriza por la improvisación libre, la ausencia de estructuras armónicas y rítmicas predeterminadas, y un enfoque experimental que rompe con las convenciones tradicionales del jazz. A continuación, se presenta un resumen de la historia del free jazz y algunos de sus artistas más importantes. Historia del Free Jazz Orígenes y Desarrollo Artistas Principales del Free Jazz Ornette Coleman John Coltrane Cecil Taylor Albert Ayler Sun Ra Pharoah Sanders Archie Shepp Legado del Free Jazz El free jazz ha dejado una huella duradera en la música contemporánea. Su enfoque en la improvisación y la libertad artística ha influido en numerosos géneros y ha abierto nuevas posibilidades para la experimentación musical. Aunque inicialmente fue recibido con escepticismo y controversia, el free jazz ha sido reconocido como una forma vital de expresión artística que continúa inspirando a músicos de todo el mundo.

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Mark Webber de Pulp presentará libro sobre historia visual de la banda

El guitarrista de Pulp, Mark Webber, está publicando un libro que presenta una historia visual de la muy querida banda de Britpop. I’m With Pulp, Are You?, que se publicará en septiembre. reúne material de una extensa colección de objetos efímeros y que Webber ha recopilado durante cuatro décadas de participación con la banda. Además de las palabras de Webber, el libro incluye fotografías, folletos, portadas de discos, listas de canciones, insignias, carteles, recortes de prensa y productos promocionales, así como otro material promocional. Viene con un prólogo del líder de Pulp, Jarvis Cocker, y también incluye nuevos ensayos del escritor Simon Reynolds y del propio Luke Turner de tQ. En una declaración sobre I’m With Pulp, Are You?, Webber dijo: “Comencé a excavar las cajas de artículos efímeros de Pulp que había atesorado a lo largo de los años y me sorprendió descubrir tantas cosas que no había visto en mucho tiempo”. décadas, cosas que había olvidado por completo. Ha llevado un tiempo reunirlo todo en un libro y, mientras tanto, el grupo se reunió inesperadamente para volver a salir de gira. Estoy emocionado de finalmente compartir las cosas que he guardado y presentarlas de esta manera, junto con los recuerdos de mis experiencias al estar involucrado en Pulp desde la década de 1980 hasta ahora”. Pulp se encuentra actualmente en medio de una serie de fechas de gira de verano que incluyen apariciones en festivales como el Primavera Sound de Barcelona, ​​el Northside de Aarhus y el Øyafestivalen de Oslo. Se volvieron a reunir el verano pasado para tocar en sus primeros shows en vivo en más de una década. Fuente: Quietus

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El saxofonista de Sun Ra, Marshall Allen, cumple 100 años de vida

Qué grandeza el poder llegar a los 100 años haciendo lo más te gusta hacer: tocar música. Marshall Allen es un saxofonista alto estadounidense de free jazz y jazz de vanguardia. También toca flauta, oboe, piccolo y electrónica EWI. Es mejor conocido por su trabajo con Sun Ra, habiendo grabado y actuado principalmente en este contexto desde finales de la década de 1950, y haber dirigido The Sun Ra Arkestra desde 1995, después de la muerte de Sun Ra en 1993 y la muerte de John Gilmore dos años después. El crítico Jason Ankeny describe a Marshall como “uno de los saxofonistas más distintivos y originales de la era de la posguerra”. En este contexto el propio Marshall señaló: “Un hombre no puede aprender sin disciplina”. El gurú del jazz Marshall Allen cumple 100 años. Desde luchar en una unidad de caballería de la Segunda Guerra Mundial hasta compartir la visión de una utopía negra interestelar, el multiinstrumentista ha tenido un viaje musical como pocas músicos en la historia. Allen es nativo de Louisville, Kentucky, y se instaló en Filadelfia con su padre. A los 18 años (en 1942), se alistó en el ejército y tocaba el saxofón alto y el clarinete como miembro de la Banda de Servicio Especial de la 17.ª División, parte de la 92.ª división de infantería del ejército, ampliamente conocida como los Soldados Buffalo. Mientras estuvo en Europa, Allen actuó junto a artistas como Coleman Hawkins, Don Byas, Art Simmons y James Moody. “Incluso algunos miembros de la banda de Duke [Ellington], todos estaban allí”. Fue dado de baja con honores en 1949 y en lugar de regresar a Estados Unidos, optó por ir a Francia y matricularse en el Conservatorio de París, estudiando clarinete. Si bien la música de Sun Ra a menudo se ha descrito como abierta y libre, tanto Allen como Scott le dirán que, de hecho, es todo lo contrario. “Sun Ra odiaba la palabra ‘libertad’”. “Creía en la disciplina y la precisión; resolvió todo usando ecuaciones. La gente pensaba que estaban jugando a la libertad y que era [realmente] científico”. En el contexto de su cumpleaños número 100, Marshall Allen le da crédito a Sun Ra por haber vivido tanto tiempo, repitiendo el mantra de su líder: “Disciplina: no se puede lograr nada sin ella”. Puede que su gira internacional haya terminado, pero su música no: “Ahora puedo quedarme quieto y hacer mi trabajo”, ha dicho en entrevistas.

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Aparece en servicios de streaming el brillante disco de Pantha Du Prince, The Bliss (2007)

Pantha du Prince está lleno de texturas y de influencias. Su disco “This Bliss”, de 2007, es una especia de techno alemán contemporáneo. Está marcado por figuras geométricas sonoras y de entornos tan evocadores en los que el productor alemán creó su propio mundo. Cuando la historia recuerda el cruce entre la música indie y la música electrónica de baile en el lejano 2007, es probable que se fije en Justice, LCD Soundsystem o similares, pero esa no es la única manera de hacer música dance indie, como lo demuestra ‘This Bliss’. Que aunque tiene otra paleta de sonidos marcó un paso diferente con este su éste segundo LP. Es un disco hecho con suaves sintetizadores del Detroit techno, cuerdas y toques de campanillas a no un millón de kilómetros de la música ambiental post-rave hecha por gente como The Orb. ‘This Bliss’ es Minimal techno, es romanticismo melancólico, cuerdas susurrantes, beats, crujidos furtivos y lúgubres, podrían ser “el sonido de un bosque abandonado que elabora pacientemente su propia elegía, absolutamente distante y, sin embargo, silenciosamente triste mientras espera su propia desaparición”. Sucesiones de espectaculares arpegios de sintetizador que suenan casi esperanzadores. This Bliss fue nombrado el 55º mejor álbum de la década de 2000 por Resident Advisor. En días reciente el mismo Pantha Du Prince dio a conocer en sus redes sociales que el disco se encontraba en plataformas digitales (anteriormente al parecer no lo estaba). Lo anunció de la siguiente manera: “Tenemos el gran placer de presentar este Bliss por primera vez como una reedición digital.En 2007 este álbum provocó un huracán en mi vida.Amantes de la música de todo el mundo empezaron a escribirme y conocí a muchos de mis héroes de la época.Los periodistas escribían críticas entusiastas y entusiastas, de modo que mucha gente se interesó en mi trabajo como Pantha du Prince.Fue el boca a boca y las revistas curadas, myspace acababa de comenzar.Hoy se siente alineado para traer este disco nuevamente a la Luz después de no estar disponible físicamente durante una década y aparecerá por primera vez en servicios de transmisión (digital).Ahora es el momento de celebrar la Música desde un Corazón puramente poético y experimental.La mayoría de las piezas me llegaron mientras vivía en un antiguo monasterio secularizado en París y creaba una tienda de discos en St. germain, mientras disfrutaba de la vida nocturna, la escena artística y Fashion Guerilla de la ciudad. Me inspiré mucho en la música digital y hice un pequeño montaje de controladores y sintetizadores, así como grabaciones de campo de la ciudad y el entorno natural.Quería bailar y mover mi cuerpo con la música que estaba haciendo al mismo tiempo que disfrutaba de la atmósfera de eufórica melancolía que me faltaba en la mayoría de los clubes en los que había estado.Una forma de música de danza contemplativa que tiene una cualidad transportadora.Fui canalizado hasta mis oídos y huesos…Inspirado en la música concreta Pierre Schaeffer @INAGRM @daphneoram @Stockhausen @editionsmego música shoegaze de @slowdive, @ride y @mybloodyvalentine experimentos de @terrethaemlitz @snd @plaidmusic @aphextwin @boardsofcanada, Panasonic, ritmo y sonido, canal básico, Detroit Techno de @moodyman @carlcraignet @theoparish @undergroundresistace @ricardovillalobos70 @isolee _music @wolfgangvoigtEntonces creé la música que me faltaba para bailar, soñar, viajar en el tiempo y estar en un espacio de trance y conexión con mi entorno.Un lugar de Alegría algo rota“.

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