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Conoce 9128.live, 24-7 streaming de música electrónica y Ambient

Esta es una plataforma que NO PARA, toca las 24 horas música. Ideal para ponerla a sonar mientras realizas tus actividades. ESCUCHA AQUÍ LA PLATAFORMA: https://9128.live/ Fundado por A Strangely Insulated Place en agosto de 2019, 9128 se creó como un destino seleccionado para mostrar a amigos, artistas y sellos dentro de la comunidad de música ambiental y electrónica, un colectivo de música con ideas afines. Su objetivo es tener un calendario 100% curado por sellos y artistas y su programación regular girará en torno a la música de todos los involucrados, junto con programas programados de nuestros socios. Siempre activo, siempre gratis, con miles de pistas ahora en rotación aleatoria cuidadosamente seleccionadas de nuestros sellos y artistas asociados. Detalles de la transmisiónNo tienen limitaciones específicas sobre la música que tocamos, realiza curaduría a nivel de sello/artista. Generalmente, la música presentada en 9128 se alinea con la estética de ASIP e incluye un espectro de ambient, drones, grabaciones de campo, experimental, banda sonora, clásica moderna, electrónica/IDM y techno profundo. 9128 Live Fácil de acceder. Sin inicios de sesión, sin muros de pago. Disponible como un sitio web normal, en una URL dedicada o dentro de otros servicios o aplicaciones que pueden hacer las cosas un poco más convenientes. Siempre funcionando. Música de fondo sin tener que preocuparte por lo que suena o cuándo termina. Escuchar música nueva. Disfruta esta experiencia a la hora que gustes, sin desplazarte y decidir qué reproducir, solo quería presionar reproducir y volver a tus actividades. Quizá esta estación de radio atrae a más personas y apoye a más artistas directamente en Bandcamp, pasando menos tiempo en el mundo de las redes sociales y las listas de reproducción en streaming. Nuevas formas de presentar la música. 9128 reproduce música de su catálogo – sellos y artistas. Ellos viven entusiasmados de ofrecer nuevas experiencias auditivas, como programas dedicados, estrenos de álbumes, espacios temáticos, exhibiciones de artistas y sellos discográficos y más. ESCUCHA AQUÍ LA PLATAFORMA: https://9128.live/ Si, según la definición de Eno, la música ambiental debía escucharse de fondo, entonces esperamos que esta sea la mejor música de fondo que puedas pedir.

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Los 10 conciertos gratuitos con mayor asistencia de todos los tiempos

Desde The Rolling Stones hasta Rod Stewart, los 10 conciertos gratuitos más concurridos de todos los tiempos cuentan, como era de esperar, con una colección de los nombres más venerados de la música contemporánea. En 1997, Jean Michel-Jarre, el pionero de la electrónica realizó un concierto en Moscú para celebrar el 850 aniversario de la ciudad. Fue la primera actuación de Jarre en Rusia, celebrada en la Universidad Estatal de Moscú, e incluso incluyó un enlace con la estación espacial rusa como parte del espectáculo. Los asistentes rusos al concierto acudieron en masa a la actuación, y el compositor francés acumuló una audiencia de más de 3,5 millones, convirtiéndose en el concierto gratuito más concurrido de todos los tiempos. Aunque las cifras suelen estar sujetas a estimaciones (o exageraciones) debido a la naturaleza de los eventos gratuitos, muchos conciertos afirman haber obtenido una audiencia de más de un millón. Jean-Michel Jarre ocupa casi un tercio de los diez primeros, con su espectáculo de celebración del Día Nacional de Francia en 1990 en París y un espectáculo de 1986 para el 150 aniversario de Houston, lo que le valió dos lugares más en la lista. La lista de los conciertos gratuitos más importantes de la historia de la música: 1. Jean-Michel Jarre, Moscow, 1997 – >3,500,000 2. Rod Stewart, Rio de Janeiro, 1994 – >3,500,000 3. Jorge Ben Jor, Rio de Janeiro, 1993 – 3,000,000 4. Jean-Michel Jarre, Paris, 1990 – 2,500,000 5. Monsters of Rock (with AC/DC, Metallica, The Black Crowes, Pantera, and E.S.T.), Moscow, 1991 – 1,600,000 6. Live 8, Philadelphia, 2005 – 1,500,000 7. The Rolling Stones, Rio de Janeiro, 2006 – 1,500,000 8. Jean-Michel Jarre, Houston, 1986 – 1,300,000 9. Various artists, Havana, 2009 – 1,100,000 10. The Beach Boys, Philadelphia, 1985 – 1,000,000 Fuente: faroutmagazine

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La interesante charla entre Rick Rubin y Brian Eno

Un placer este episodio. Rick Rubin y Brian Eno hablaron hace hace 3 años, justo antes del debut de la estación de radio Sonos de Eno, The Lighthouse, donde Eno programó durante días temas inéditos de varias épocas de su carrera. La conversación que tuvieron fue fascinante. Rick y Eno discuten las obras que han cambiado la concepción del arte de Eno incorporando la aleatoriedad en su música. Como lo menciona la descripción del video en Youtube: No muchos músicos citan el diseño o la arquitectura como inspiración. Pero sentado en un aeropuerto alemán bellamente diseñado en 1978, Brian Eno se inspiró para crear música atmosférica que complementara el espacio. Siguió su álbum histórico, “Ambient 1: Music for Airports”, y con él, Eno creó la música ambiental, un género completamente nuevo que aún prospera en la actualidad. La carrera de 50 años de Brian Eno está repleta de innovación. Comenzó a tocar sintetizadores a principios de los años 70 como miembro de la banda de glam-rock del Reino Unido, Roxy Music, y luego grabó una serie de álbumes en solitario, y finalmente produjo álbumes que definieron su carrera para una serie de bandas como U2, Devo, y Coldplay. En este episodio @RickRubin habla con Brian sobre su amor por el espacio musical que existe entre humanos y máquinas. Eno también recuerda haber predicho el nacimiento del hip-hop en la parte trasera de un taxi con @davidbyrneofficial y explica por qué escuchar a @Beyonce a través de una pared es extrañamente satisfactorio. Muchas sorpresas más en este video y su charla. ——- Rick Rubin (1961) personaje clave para la fusión del rap y metal. Nombrado el productor más importante de los últimos 20 años, también fue el DJ original de Beastie Boys. Este productor discográfico estadounidense, numerosas veces ganador del Grammy,​ es más conocido por su trabajo con el rap y el heavy metal, así también por la serie de discos de American Recording con Johnny Cash. En 2007, MTV lo nombró «el productor más importante de los últimos 20 años»​ y ese mismo año la revista Time lo incluyó en la lista de las 100 personas más influyentes del mundo. Brian Eno (1948), artísticamente Brian Eno o Eno, es un compositor, activista, cantante, artista conceptual, artista visual, ingeniero de audio, inventor, escritor, fotógrafo y productor musical inglés.​ A lo largo de su trayectoria ha desarrollado trabajos en géneros musicales como el ambient -del que se le considera un pionero-, el glam-rock -con Roxy Music-,​ la música electrónica​ y experimental.

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Sons Of Kemet y su disco Your Queen Is A Reptile, para entender el futuro del jazz

Para entender dónde está el futuro del jazz, es mejor seguir hacia dónde se dirige Shabaka Hutchings. Pocas figuras del jazz contemporáneo han cubierto tanto terreno en tan poco tiempo como el saxofonista y clarinetista nacido en el Caribe y afincado en Londres, que ha actuado con artistas como Jonny Greenwood de Radiohead y el pionero del jazz etíope Mulatu Astatke, y ha grabado y aparecido en unas seis docenas de créditos discográficos en los últimos 9 años. Por muy impresionante que pueda ser el volumen de su trabajo (incluidos algunos de los mejores discos de jazz de los últimos 2 años), es la vitalidad y la versatilidad lo que hace que valga la pena seguir esos créditos, desde el extenso jazz espiritual de Shabaka and the Ancestors hasta el jazz espacial escatológico de The Comet is Coming, además de haber contribuido al efímero y trascendente proyecto de Yussef Kamaal. Su mundo musical está en constante expansión. El camino que toma Hutchings en Your Queen Is A Reptile, el tercer álbum de su conjunto de jazz afrocaribeño Sons of Kemet, implica realizar un largo viaje a través de la historia negra. Es el primer lanzamiento del grupo para Impulse! Records, un sello que cambió la forma de la música a través de lanzamientos innovadores de artistas como John Coltrane, Charles Mingus y Pharoah Sanders, y hay una sensación similar de creatividad ilimitada en las nueve pistas aquí. También hay un espíritu activista que recorre estas pistas. Así, Sons of Kemet ofrece una afrenta a la figura británica al invocar los nombres de mujeres negras que cambiaron la historia, desde Harriet Tubman y Angela Davis hasta la propia bisabuela de Hutchings, Ada Eastman. Your Queen Is A Reptile, es un álbum político similar a lo que era el material profundamente espiritual de Pharoah Sanders a principios de los años 70, no tanto en los detalles de los temas que destaca sino en el mensaje más amplio y amplio que transmite. Éste es un álbum tanto sobre la alegría y la celebración de los negros como sobre la denuncia del patriarcado blanco (que toma forma como matriarcado). Esta es música que conmueve, como James Brown o Fela Kuti, de cuyo linaje la música de Sons of Kemet sin duda forma parte. Los furiosos ritmos brindan un telón de fondo para algunas de las músicas más intensas y poderosas aquí, las explosiones de saxofón de Hutchings son un contrapunto más abrasivo a la audaz línea de bajo de tuba. My Queen Is Yaa Asantewaa, que lleva el nombre de una reina madre anticolonialista de Ghana, toma un camino más sinuoso para alcanzar su clímax, con una inquietante sensibilidad psicodélica, mientras que “My Queen Is Anna Julia Cooper” adopta un enfoque más espacioso. El saxofón de Hutchings desempeña un doble papel: instrumento de respaldo discordante y líder serenamente seductor. No hay mucho en Sons of Kemet que sea tradicional, fuera de la tradición activista negra que honran y sobre la que construyen. Your Queen Is a Reptile tiene un sonido único construido sobre contrastes y contrapunto, cuyas influencias son transparentes pero de ninguna manera cliché u obvias. Es enojado e inspirador, funky y furioso, un álbum de jazz que no sólo suena a su época sino que refleja y contrarresta el tumulto del mundo que lo rodea. La banda estuvo activa del año 2011 al 2022, año en que se disovieron. Con información de: Treble

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Las canciones que formaron la carrera de Chelsea Wolfe

“Desde un amor adolescente por la banda sonora Romeo + Juliet de Fleetwood Mac y Baz Luhrmann, hasta encuentros en la vida real con Sunn O))) y Smashing Pumpkins, Chelsea Wolfe habla con Greg Hyde sobre los 13 discos que más impactaron su vida”. El metal y el gótico van de la mano con bastante naturalidad. No son lo mismo, pero hay similitudes que los unen, ya que cada uno de ellos es esencialmente una especie de elemento oscuro de la contracultura. Chelsea Wolfe (1983) no comenzó con todo el metal. Sus primeras grabaciones fueron moderadas, pero bastante inquietantes y con el tiempo agregó más y más pesadez a su sonido hasta el punto de que más o menos se convirtió en una artista de metal, o al menos en un metal adyacente. Hay algo sublime, distorsionado y hermoso que crece en la música de Chelsea Wolf, quien se ha convertido en un innegable monolito de atmósferas expansivas, hechizando a más y más personas. Y es interesante ahora conocer los cimientos de su creatividad. FUENTE: The Quietus

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Mira el documental NOLA: Life, Death and Heavy Blues from the Bayou, sobre el sludge y metal en New Orleans

Una serie-documental de 7 partes que examina a las personas y la cultura que ayudaron a fomentar bandas como Down, EyeHateGod, Crowbar, Acid Bath, Goatwhore y muchas otras. El documental presenta entrevistas en profundidad sobre las bandas, la catástrofe, las drogas, el suicidio, el asesinato y discos que ayudaron a dar forma al sonido de Nueva Orleans conocido en todo el mundo . Esto se hace desde un lugar de amor por la música y la escena, y nunca colocaré anuncios en este video. si aparecen, los propietarios de los derechos de autor los colocaron. gracias por mirar, espero que lo disfrutes. Eyehategod, Pantera, Down, Crowbar, Goatwhore y otros grupos de metal de Nueva Orleans aparecen en la nueva serie documental de siete partes de Noisey. Mike IX Williams, Jimmy Bower, Phil Anselmo, Pepper Keenan, Kirk Windstein y otros proveedores de sonidos profundamente fangosos pasaron unos días dando vueltas por Nueva Orleans con los cineastas Fred Pessaro y Jake Boyle. El resultado es la serie documental de siete partes “NOLA: Life, Death and Heavy Blues on the Bayou”, que presenta a esos músicos y a otros hablando sobre la génesis, el legado y el significado del metal de Nueva Orleans: heavy, desgarrador y, como explora la serie, más profundamente ligada a sus raíces en Luisiana de lo que uno podría pensar.

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Conoce a SUSS, banda que crea música Ambient-Country

La idea inicial de la banda SUSS fueron 2 palabras: “ambient” y “country”. Su inspiración irradia en diversos álbumes de Brian Eno y Daniel Lanois, específicamente en su disco “Apolo Atmospheres”; así como Ry Cooder con su disco soundtrack de la película “París-Texas”. Al escucharlos el oyente puede caer en ciertas estados de calma y hasta melancolía, propios de atmósferas creadas por artistas como Hank Williams. SUSS es una banda de New York City que hace ambient country. Sus actuales integrantes son: Jonathan Gregg: Pedal Steel, dobro Bob Holmes: Mandolin, baritone guitar, acoustic guitar, harmonica, violin, Keyboards Pat Irwin: Electric guitars, National guitar, eBow, harmonium, keyboards, melodica, loops Cuando salió su disco debut, Ghost Box, en 2018, fue un golpe que hasta el día de hoy sigue llamando la atención por el simple hecho de hacer algo poco común: Ambient con música Country. La banda de Nueva York parece haber aparecido de la nada, con una historia secreta, ya que sus miembros son gente veterana al menos de primera impresión de entre 60 y 70 años. “Con melena gris y chaqueta negra, parecían el tipo de cazadores de art-rock del centro de la ciudad que viven en las profundidades de las notas de John Zorn, pero sonaban como la música de una película de Ry Cooder si se escuchara al despertar de una sedación médica”, como lo escribió alguna vez la revista Pitchfork. Dos de sus integrantes, los multiinstrumentistas Bob Holmes y Gary Leib, tienen orígenes en Rubber Rodeo, una banda cowpunk de los años 80. SUSS, rescata sonidos clásicos del country y el bluegrass (pedal steel, mandolina, dobro, armónica) y lo manda a un desierto sonoro de calma. Su música dilata el mundo hasta un punto muy solitario, entre llanuras míticas y amplios cielos. Fue inteligente adoptar este concepto, al parecer nadie lo había hecho antes. Después de alrededor de 6 años de carrera a esta banda de veteranos hay que seguirlos con sus discos y notar su gran relevancia. Para más información de su música, mercancía y todos los detalles, visita su sitio web —> https://www.sussband.com/

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Playlist con artistas relevantes de Noir / Doom-Jazz

Dark jazz, horror jazz, jazz noir o doom jazz son nombres de un género musical que a menudo se analiza como una forma de jazz. Los nombres suelen asignarse a piezas musicales de orientación instrumental que combinan elementos de música jazz y ambient, con una marcada tendencia hacia la música con una atmósfera oscura y surrealista, y el elemento jazz juega un papel más reservado. El estilo surgió en la década de 1990 en el contexto del metal extremo. Lo que los intérpretes del dark jazz tienen en común es la mezcla de “ambient y jazz, noir y slowdown, doom y tonos melancólicos”. Muchos representantes del género también tienen referencias cinematográficas. Son frecuentes las reminiscencias del cine. La música se describe como “música principal influenciada por el jazz” y “música para películas nunca realizadas”. El jazz oscuro siempre se graba muy lentamente y generalmente con instrumentos de jazz reales o recreados digitalmente. Además de la atmósfera cinematográfica y la reproducción lenta, lo típico es un paisaje sonoro expansivo y atmosféricamente oscuro, cercano al doom metal. La transición a estilos musicales adyacentes y similares, como el ambient, el dark ambient y el post-rock, es suave. El jazz oscuro a veces se asemeja a una forma de post-rock. Sólo unos pocos instrumentos claramente identificables son comunes a los intérpretes de dark jazz. La mayoría usa baterías tocados lo más lentamente posible . También se suele utilizar contrabajo y vibráfono. Algunos músicos integran en el sonido otros instrumentos como el mellotron, el piano, la trompeta, la viola, el violonchelo o el saxofón. Sin embargo, rara vez se utiliza el canto. Algunos intérpretes, como The Mount Fuji Doomjazz Corporation (incluidos en ésta Playlist) dependen en gran medida de sintetizadores y secuenciadores para crear un sonido atmosférico, y sólo esporádicamente de instrumentos analógicos. Si bien muchos proyectos tienden a utilizar composición completa, otros se basan en la improvisación. El jazz oscuro se diferencia del jazz en que descuida los elementos característicos del jazz. En particular, se suelen evitar las improvisaciones solistas. Incluso los intérpretes que improvisan suelen evitar los solos y, en cambio, se concentran en crear una atmósfera general. Gert Keunen incluso llama al estilo “jazz para aquellos a quienes no les gusta el jazz“.

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