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Anthony Braxton, saxofonista y compositor que cruza la línea entre la tensión y la liberación musical

Dedicamos esta nota a Anthony Braxton (1945), saxofonista infatigable que va más allá de los estándares, al cruzar la línea entre la tensión y la liberación musical. El estándar es un concepto por excelencia en el jazz. Una composición canónica re-interpretada y desensamblada tanto por los nuevos intérpretes como por los viejos establecidos: obras que consolidan su lugar en la tradición en virtud de su capacidad duradera para transformarse y mantener la esencia de su identidad. Definido así, el saxofonista y compositor Anthony Braxton es algo así como un estándar. Con más de 350 obras a su nombre, ha sido anunciado como una luminaria del jazz libre (free jazz) con influencias como John Coltrane, Paul Desmond o Eric Dolphy; así como un compositor radical de ópera y piezas orquestales en el linaje de experimentadores como Karlheinz Stockhausen. Su música, a menudo, encapsula lo que podría verse como “difícil” en el jazz: vibraciones explosivas de energía, armonía mareada e impredecible, ruido gutural directo, pero siempre mantiene una mano guía en la melodía, manteniendo su identidad sonora inefable. Nacido el 4 de junio de 1945 en Chicago, comenzó a tocar el saxofón alto en su adolescencia y continuó haciéndolo en una banda del ejército de Estados Unidos. En 1966, se unió a la innovadora Asociación Cooperativa de Free-Jazz para el Avance de los Músicos Creativos (AACM, por sus siglas en inglés) y se convirtió rápidamente en un músico original. Experimentador incansable, fue el primero en grabar un álbum completo de solos de saxofón no acompañados (For Alto, 1968). Se trasladó en 1969 a Francia y ganó rápidamente reputación internacional. Realizó una gira y grabó como solista en flauta, saxofón y clarinetes, así como con sus cuartetos, que incluyeron (en la década de 1970) al bajista David Holland y al trombonista George Lewis y (en la década de 1980) a la pianista Marilyn Crispell y al baterista Gerry Hemingway . También trabajó con los pianistas Dave Brubeck, Muhal Richard Abrams y Chick Corea; la Orquesta Globe Unity; bop músicos; e improvisadores de jazz libre con sede en Europa. Braxton también compuso, inspirado por John Cage, Karlheinz Stockhausen y otros, piezas escritas en gráficos de colores y tituladas usualmente con diagramas. Algunas de sus obras incluyen For Two Pianos (1982); Creative Orchestra Music 1976, un álbum importante de partituras de grandes bandas de jazz; For Four Orchestras (1978) con 160 músicos y cuatro directores; y una serie de óperas titulada Trilium, que funciona para configuraciones de cámara, para 100 tubas y para 4 palas amplificadas y una pila de carbón. A lo largo de su carrera, Braxton ha desarrollado diferentes sistemas musicales, especialmente Ghost Trance Music, que describió como “melodía que no termina“. En la década de 1990, Braxton también actuó como pianista y ya en el siglo XXI lo podemos encontrar de gira por el mundo. También es conocido por ser padre de Tyondai Braxton (1978), compositor, cantante y guitarrista estadounidense de rock de vanguardia, improvisación libre y jazz contemporáneo, conocido ampliamente por su presencia como fundador del grupo Battles, en el que tocó únicamente en la etapa inicial de la banda. Hasta a la fecha tiene publicado alrededor de 9 discos como solista.

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La librería de Radiohead, estrategia de marketing que llega 20 años después

Radiohead es una banda que siempre ha estado en tendencia no sólo por la música; sino por la importancia de su proceso de composición y fusión de géneros. Hoy, demuestra que su legado le permite explorar nuevas maneras de distribuir su trabajo El año 2001 daba sus primeros pasos, la música del 2000 nos sorprendía poco por no cumplir con tal responsabilidad. De inmediato, los ortodoxos de los noventa añoraban e idolatraban viejas leyendas y la responsabilidad caía en aquellos viejos héroes musicales que querían hacer nuevos himnos. Había un aire de impavidez que, de manera natural obteníamos por ser sobrevivientes del Y2K: la tecnología era nuestro nuevo puente a lo inimaginable. Todas las películas de ciencia ficción eran nuestro parámetro de realidad, la expectativa era tremenda. Con esa esperanza comenzamos a ver experimentos en conjunto con la inevitable muerte del video. MTV se enterraba y apostaba por contenidos que en lugar de explorar la imaginación nos llevaban a un vacío existencial que empataba con el incierto de una generación nueva que se gestaba en el nacimiento de una nueva era tecnológica. En ese instante existió un proyecto cuya responsabilidad era con ellos mismos y capaces de llevarnos a un camino de autocrítica severa en esta nueva era. Se cuenta que entre Radiohead y su productor de cabecera Nigel Godrich dejaban canciones en el estudio, encerradas esperando su momento, esperando no a los escuchas; sino al entorno. Es fue el momento en el que sentados en una mesa decidieron crear uno de los discos que marcó una vertiente para la banda cuyo nombre no es más que un referente al mayor cáncer que sufriríamos como sociedad ante nuestra propia vida, Amnesiac. El 5 de junio de 2001 justo a mitad del año, iniciando una nueva década, la banda inglesa propuso compartir con nosotros un disco maravilloso, sucesor de una sesión que le dio vida al Kid A; no obstante, algunos no notaron el mensaje creado entre líneas de estas dos obras que hoy recordamos. Hace siete años, un usuario de Reddit publicó una pregunta ya que él había adquirido la edición especial de  Amnesiac, pocos recuerdan que esta edición era un libro rojo extraído supuestamente de Nosuch Library.     De acuerdo con el usuario de Reedit, el libro contenía información vital, textos, diagramas e imágenes increíblemente importantes. “Este libro ha sido olvidado, ahora yacía polvoriento, amarillento, en un viejo cajón del escritorio en un ático cerrado que nadie podía encontrar. El libro tenía cubiertas de tela roja deshilachada, páginas frágiles y quebradizas; el escritorio tenía barniz descascarado, graffiti rayado de niños ahora viejos, ahora muertos; el ático tenía polvo, telarañas, fantasmas, una trampilla cerrada con clavos.  Reconstruimos el contenido del libro, unimos todos los fragmentos. De las librerías de segunda mano surgieron texturas, colores, portadas, lomos deshilachados, dorados gastados. Todavía estaba dibujando obsesivamente la figura del minotauro llorón, encontrando referencias a toros y dioses con cuernos en todas partes, trazando los templos de Mitra que los legionarios romanos habían dejado atrás.  Después de años, finalmente, pudieron rehacer el libro olvidado; al menos, un simulacro de ello, una versión imaginada de lo que podría ser. Este era el “empaque especial” para el Amnesiac de Radiohead, o este era un libro robado de la biblioteca, o era un envoltorio ridículamente exagerado para un disco compacto. Era un archivo encriptado, pero no en el sentido que la etiqueta de registro entendía. Estaba codificado con un significado oculto; todo realmente significaba algo. ¿Pero qué? Había una imagen del mismo libro, pero más viejo, andrajoso. Había muchas fechas estampadas en la “tarjeta de la biblioteca” y palabras y frases extraídas de las tumbas de Kernow. Y, era muy importante, incluso, si era sólo una aproximación de un libro olvidado en un escritorio en un ático polvoriento”. Se cree que este usuario es en realidad algún integrante de la banda, o bien alguien que llevaba la parte de marketing y se le ocurrió crear esta historia e intentar dar difusión a uno de los discos menos vendidos de la banda. Pero analizando los medios y formas en las que Radiohead ha distribuido su música, llegamos a la conclusión de que la banda no sólo ha creado un estilo propio; sino ha desarrollado un camino de creatividad que por años ha llevado a sus fans a niveles irreales.   Por ejemplo, In Rainbows salió el 10 de octubre de 2007 y fue una declaratoria en contra de las disqueras y todos aquellos que roban deliberadamente dinero a costa de los artistas que crean música. Para este disco, cada usuario pagaba lo que ellos consideraban que valía. Muchos los llamaron locos, pero resultó que sus ganancias económicas fueron mayores a las que obtendrían a través de una disquera. Como nota importante un año antes de este suceso, una plataforma de origen sueco comenzaba y, hoy, es uno de los medios de difusión más importantes del mundo, esa plataforma es Spotify. Podemos citar más ejemplo innovadores, pero queremos centrarnos en su reciente planeación que, curiosamente es una Librería virtual , acaso será proveniente del lugar donde salió ese supuesto libro del que habló ese usuario de Reddit, o quizás hace 20 años imaginaron que toda su música viviría en este lugar. Simplemente la opciones imaginativas del porqué hoy Radiohead crea una librería virtual son inmensas, lo que es un hecho es que podrán encontrar verdaderas joyas, música, videos, conciertos, entrevistas y materiales no sólo de la banda, sino de cada uno de los integrantes. Dicho material, durante años, estuvo en cientos de lugares perdidos como aquel libro rojo. Demos gracias a que existe una banda que nos invita a imaginar y crear, que nos lleva a vivir experiencias únicas que sólo ellos pueden contar. Por cierto, amigo lector, recuerda que, como cualquier biblioteca necesitas de una credencial para adquirir tu libro, despreocúpate ya que también pensaron en ello. Acata las reglas y lo más importante: ¡no corras! NOTA: Les dejo varias playlist creadas por los integrantes de Radiohead que están disponibles en Spotify; en ellas encontrarás la música que sonó en el lanzamiento físico del A Moon Shaped Pool, en distintas tiendas del mundo.  

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John Zorn lanza The Book Beri’ah, Vol. 6 en compañía de los músicos mexicanos Klezmerson

El grupo mexicano Klezmerson se agrupa con tres percusionistas y varios invitados en este álbum que combina rock, jazz y funk con estilos klezmer y sonidos mexicanos; un híbrido inusual para asumir el sexto volumen del libro: Beri’ah, “Tiferet”, de John Zorn, el cual agrega  flauta y riffs de guitarra mientras interpretan complejas melodías y temas de Zorn “Con sede en México, Klezmerson es un conjunto super creativo en constante cambio dirigido por el violinista, compositor y arreglista Benjamin Schwartz. Aquí hacen entrega de Book of Angels aclamado por la crítica, con arreglos salvajes que combinan una variedad de tradiciones musicales mexicanas con la sonido de Masada. Con cuerdas eléctricas y acústicas, teclados, acordeones, saxofones y, por supuesto, una gran variedad de percusión latina, ¡Tiferet es uno de los discos más deliciosos e imaginativos de The Book Beri’ah!”, aseguró Tzadik, disquera de John Zorn. Klezmerson es una agrupación musical originaria de la ciudad de México, que combina melodías y ritmos de la tradicional música judía klezmer de Europa del Este, con ritmos latinos de estados del sur de México como Oaxaca y Veracruz; además de música gitana y de Medio Oriente.​ Los géneros musicales que manejan por lo tanto, van desde el klezmer, salsa, danzones, son huasteco, jarocho, cumbia, funk, rock y jazz, con especial homenaje al mambo de Dámaso Pérez Prado. Se encuentran activos desde el año 2003 hasta la fecha. Ésta es la segunda colaboración que hacen juntos, ya que en el año 2015 hicieron mancuerna para crear el álbum titulado Amon Book of Angel Volume 24.

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Las 4 canciones en la historia que influenciaron Blue Monday de New Order

Entérate de cómo New Order creó una de las canciones pilares para el desarrollo de la música electrónica hacia una nueva era. El origen de el Blue Monday sugiere que cada tercer lunes de enero es el día más triste del año, pero científicos aclaran que no es posible que exista un día específico para la depresión. Aún así, por razones socioculturales, existen factores estacionales que podrían coincidir en tal fecha y predisponer en el estado de ánimo general de las personas. Nosotros indagamos en la música que popularizó aún más este día y, sobre todo, en el impacto y la influencia detrás de la popular canción de la banda. New Order publicó por primera vez el 7 de marzo de 1983 su emblemática canción “Blue Monday“, y lo demás es historia; es una de las canciones más famosas y populares en el universo musical que conocemos y aunque no todo fue gloria y reflectores internos para la banda, como convertir la canción en el vinilo más venido de toda la historia, la leyenda cuenta y en voz de Tony Wilson, que la banda no ganó un solo centavo de ello, pues todas las ganancias se usaron para pagar las deudas que tenía The Hacienda, aquel mítico club que vio nacer a una de las movidas musicales más interesantes del siglo XX. De acuerdo con Bernard Sumner, “Blue Monday” fue inspirada por las siguientes cuatro canciones: 1.- El beat tuvo su inspiración en “Our Love”, de Donna Summer.     2.- Los arreglos fueron trazados e inspirados por “Dirty Talk”, de Klein + M.B.O     3.- Las líneas de bajo dibujaron su inspiración en “You Make Me Feel (Mighty Real)”, de la leyenda de la música disco, Sylvester.     4.- Por último, pero no menos importante: los sintetizadores del inicio y el final son un sampleo tomado del track “Uranium”, del álbum Radioactivity de Kraftwerk.     Cabe señalar que, a final de cuentas, terminaron por crear una de las canciones más originales de la historia, aceptando sus influencias y gustos por artistas que los inspiraron con una letra dedicada a su ex-compañero de la banda, Ian Curtis que se suicidó, pero adhiriendo sus visión musical hacia el futuro. Incluso, como anécdota y dato, hubo un altercado legal con “Love Reaction” de Devine, que es muy similar por no decir idéntica, pero que nunca terminó de explotar a nivel de ventas comercialmente como lo fue “Blue Monday”.  

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La música ambient y el cerebro

Pocas personas consideran adentrarse al mundo del ambient porque lo ven como pequeñas melodías utilizadas en los ascensores para acompañar esos cortos viajes incómodos; pero a lo largo del tiempo, de experimentación y largas horas de estudio, el ambient ya no es lo que solía ser. Quizá lo que la gente entiende mal de este género es que a menudo se confunde con la música clásica, y ambas se usan comúnmente para llenar el silencio en horas de trabajo y productividad Estudios recientes han relacionado a la batería (la forma más antigua y universal de hacer música) con la reducción de la ansiedad, el alivio del dolor, la mejora del estado de ánimo y en niños con autismo. Escuchar y tocar jazz, por ejemplo, entre otras formas de música sincopada, ha demostrado que puede promover la creatividad, mejorar las habilidades matemáticas y apoyar el bienestar mental y emocional. El uso de la música clásica definitivamente ha impulsado numerosos estudios que sugieren que escuchar música clásica puede mejorar la inteligencia y la concentración. Pero ¿por qué el ambient, un género que a menudo se caracteriza por su falta de sincopación, promueve frecuencias sonoras reductoras de estrés y efectos emocionales? El ambient parece haberse diseñado para combatir el estrés y la enfermedad, y en cierto sentido lo fue. Inicialmente el ambient se creó con la idea de permitir al oyente mejorar la percepción de su entorno y uno de los pioneros del género, Brian Eno adoptó el termino ambient para su obra Ambient 1: music for airports (1978), y definirla como “la música diseñada para inducir la calma y el espacio para pensar”. Esta descripción permite también ver una diferencia más clara entre la música ambient y la clásica, que a menudo se utilizan para cumplir tareas similares.  Para tener una constancia científica y no sólo una declaración artística del propósito de Brian Eno, investigaciones médicas recientes han validado los efectos del ambient sobre el comportamiento cerebral y el flujo de neurotransmisores. El propósito de lo que generalmente llamamos ambient ha evolucionado y cambiado en relación a los músicos y sus audiencias, pero no importa la intención o el límite de los géneros ya que todo tipo de música ambient tiene el poder terapéutico no sólo de reducir la ansiedad; sino también, de aliviar el dolor en pacientes recientemente operados y en pacientes con dolor crónico y reducir la demencia o el delirio en pacientes hospitalizados.  En un estudio realizado en la Unidad de Cuidados Críticos del Hospital Universitario de Londres en el que el grupo Darkroom tocaba ambient en vivo, el escritor y psicólogo líder del estudio, el doctor Charles Fernyhough concluyó que el ambient redujo los síntomas del estrés postraumático en los pacientes sobrevivientes de la Unidad de Cuidados Críticos además de reducir la incidencia de delirio.  Las respuestas fisiológicas cerebrales al ambient también han sido estudiadas ampliamente y varían de una persona a otra al igual que los gustos, pero numerosos estudios han demostrado un aumento en la producción de dopamina, serotonina, oxitocina y opioides internos (neutrotransmisores relacionados al placer y alivio de dolor) en personas expuestas a esta música.  Aunque para la mayoría de las personas el ambient es difícil de entender y escuchar, y para otras fluye de forma fácil, en la mayoría de las personas que sufren trastornos de ansiedad, estrés postraumático, insomnio o dolores crónicos, los paisajes sonoros mínimos, los silencios y las atmósferas sonoras sin palabras son más efectivas que cualquier medicamento.   

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Escucha la música coldwave, industrial y minimalista de UK de 1978 a 1990

V/A – Prophecy + Progress: UK Electronics 1978-1990 es una compilación que encapsula parte de la historia de lo que fue una gran época para el underground y la experimentación de la música electrónica en Reino Unido   Prophecy + Progress: UK Electronics 1978 – 1990 by VARIOUS Desde vertientes industriales, de minimal wave,  coldwave y minimal synt surgieron varias propuestas arriesgadas y que manejan un arte transgresor hacia la música de síntesis. Algunos de los protagonistas fueron Clock DVA, Vice Versa, Konstruktivists, Five Times Of Dust, Schleimer K, entre otros. Sin duda este movimiento musical hizo hincapié en la autenticidad y, a menudo, persiguió una experimentación electrónica que se había explorado en las décadas anteriores para trazar un presente que sigue hasta nuestros días.

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La historia de los Skinheads, documental desde la visión de Don Letts

El músico y director de cine, Don Letts, nos cuenta desde su visión y experiencia con testimonios de personajes claves, de los inicios del movimiento skinhead, entre ska, rocksteady y más. El movimiento skinhead surgió en Inglaterra en los años 60s y 70s, sus raíces de esencia, principalmente nacen en la cultura obrera, de ahí el tipo de vestimenta que se adoptó como el uso de botas, overoles, camisas y tirantes; en aquella época, era la ropa de más alcance, la más barata y de fácil acceso, por decirlo de alguna manera.   Esta sub-cultura fue encabezada por jóvenes que estaban entregados a la música con gran devoción, entre ritmos y sonidos apegados al ska, el reggae, el rudeboy y el rock steady que nacieron en Jamaica; fue una subcultura predecesora a lo que años después llegaron a ocupar otros movimientos como lo fue el punk y el Oi!   También, un distintivo del que siempre se habló y no para bien, fue el de su postura política, bastante discutible y conflictiva hasta el día de hoy; algunos coinciden y otros no, algunos se quedaron en ella y otros siguieron simplemente el camino de la música, y absolutamente hay muchas preguntas sin resolver y gira un misticismo en torno a todo ello, sin embargo, todas esas dudas o la gran mayoría de ellas respecto de la política y prácticas que giraron en torno a ellos, quedan despejadas en este documental que cuenta con testimonios de los primeros skinheads que vivieron los primeros años del movimiento, un gran registro producido por la cadena televisiva BBC y el gran Don Letts, un personaje clave de la cultura británica que lo vivió en carne propia.

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Después de cinco años de exilio autoimpuesto, Vladislav Delay regresa

Durante 20 años, el artista finlandés Sasu Ripatti, ha creado música electrónica que supera los límites del underground. Más famoso como Luomo o Vladislav Delay, el trabajo de Ripatti ha influido en la música de Animal Collective, hasta en el sonido de la música ambient de las últimas dos décadas Intransigente y sin miedo a crear nuevos alias y desaparecerlos con la misma rapidez, el viaje musical de Sasu Ripatti abarca desde el tecno hasta el jazz, incluso, en sus inicios, como baterista de una banda de black metal. A finales de febrero Ripatti regresa como Vladislav Delay, su proyecto más consistente después de un paréntesis de cinco años, estrenando una nueva pieza audiovisual titulada Rakka en la que Ripatti se abre a nuevos caminos una vez más saliendo del mundo del ambient para entrar en un terreno más duro y más experimental, inspirado en las desoladas mesetas rocosas del círculo polar ártico.  Por el momento, Vladislav Delay ha publicado un sombrío y misterioso tema llamado “Raajat”, que bien parece musicalizar una vereda rocosa cubierta de nieve y una densa neblina blanca. Rakka saldrá a la venta el 27 de febrero gracias al sello alemán Cosmo Rhythmatic. 

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