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Retrospectiva sobre Ryoji Ikeda: Vanguardismo entre el sonido, la ciencia y el arte visual

Ryoji Ikeda es uno de los artistas más influyentes e innovadores del arte contemporáneo y la música experimental. Reconocido por su capacidad para fusionar sonido, datos y visuales en experiencias multisensoriales únicas, Ikeda ha desafiado las convenciones artísticas y musicales, redefiniendo los límites de la percepción humana. Primeros pasos y contexto Nacido en Gifu, Japón, en 1966, Ryoji Ikeda comenzó su carrera como DJ, explorando el minimalismo y los patrones repetitivos en la música. Su fascinación por el sonido puro, las matemáticas y los fenómenos perceptuales lo llevó a alejarse del enfoque convencional para adentrarse en la música experimental y el arte multimedia. Ikeda encontró su estilo característico al trabajar con sonidos digitales y frecuencias extremas. Inspirado por el minimalismo de Steve Reich y las exploraciones electrónicas de artistas como Alva Noto, desarrolló un enfoque singular que utiliza datos como materia prima para sus obras sonoras y visuales. Estilo y enfoque conceptual La obra de Ikeda se centra en la intersección de la música, las matemáticas y la tecnología. Emplea frecuencias ultrasónicas, ruido blanco, datos binarios y patrones visuales para crear experiencias inmersivas. Su trabajo no solo se escucha, sino que se siente y se observa, desafiando la percepción sensorial del espectador. Uno de los rasgos distintivos de Ikeda es su precisión milimétrica. Cada sonido, pixel y dato es cuidadosamente manipulado para lograr composiciones hipnóticas que exploran conceptos abstractos como el infinito, el vacío y la naturaleza del tiempo. Proyectos clave 1. “Datamatics” Este proyecto combina datos visuales y sonoros en una serie de instalaciones y performances en vivo. A través de la visualización de datos binarios, Ikeda transforma información abstracta en patrones hipnóticos que exploran la relación entre lo micro y lo macro, cuestionando nuestra capacidad de interpretar el flujo de datos en el mundo digital. 2. “Test Pattern” Esta obra emblemática traduce datos en tiempo real en patrones visuales y sonoros. Grandes proyecciones de líneas y pixeles en blanco y negro acompañan pulsos sonoros sincronizados, sumergiendo a los espectadores en un paisaje sonoro-visual minimalista. 3. “Supercodex” En este álbum y performance en vivo, Ikeda manipula datos digitales para crear una experiencia que combina frecuencias sonoras extremas y complejas visualizaciones. El proyecto busca explorar la música como una forma de codificación. 4. “The Planck Universe” Esta instalación monumental lleva a los espectadores a una inmersión en el mundo subatómico, utilizando datos científicos sobre partículas y el cosmos. Representa el interés de Ikeda por la ciencia y su capacidad para traducir teorías complejas en arte accesible. Colaboraciones y contribuciones Ikeda ha colaborado con diversos artistas, científicos y colectivos. Trabajó con el arquitecto Toyo Ito en instalaciones arquitectónicas y ha sido parte de proyectos con colectivos como Dumb Type, explorando temas como la tecnología, la sociedad y el tiempo. Además, su trabajo ha sido expuesto en museos y festivales de renombre mundial, incluyendo el Centre Pompidou en París, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), y la Bienal de Venecia. Impacto e influencia Ryoji Ikeda ha influido profundamente en los campos de la música electrónica, el arte visual y las instalaciones multimedia. Su enfoque científico y matemático ha abierto nuevas posibilidades para el arte contemporáneo, desdibujando las líneas entre disciplinas y redefiniendo cómo el arte puede interactuar con la ciencia y la tecnología. Su capacidad para hacer que el sonido y los datos “sean visibles” ha inspirado a una nueva generación de artistas interesados en las relaciones entre lo digital y lo humano. Legado y proyección futura Ikeda continúa expandiendo su obra hacia nuevos horizontes. Con el creciente interés en la inteligencia artificial, los datos masivos y las realidades virtuales, su trabajo sigue siendo relevante en un mundo cada vez más digitalizado. Ryoji Ikeda no solo ha transformado la percepción del sonido y el arte, sino que ha demostrado cómo la tecnología puede ser un medio para explorar lo sublime y lo desconocido, reafirmando su posición como uno de los artistas más visionarios de nuestra era.

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Wendy Carlos: Pionera de la Música Electrónica y Compositora de Soundtracks Icónicos

Wendy Carlos es una de las figuras más influyentes en la música electrónica y la creación de soundtracks, conocida por su innovación en el uso del sintetizador Moog y por composiciones para películas clásicas que han dejado una huella profunda en el cine y la música. Su enfoque visionario ha convertido su obra en un legado en la historia musical, y sus soundtracks, en particular, representan una mezcla de vanguardia tecnológica y artística que todavía resuena en la cultura contemporánea. Primeros Años y Ascenso en la Música Electrónica Nacida en 1939 en Rhode Island, Wendy Carlos mostró un temprano interés en la música y la ciencia. Estudió física y música en la Universidad de Brown y luego en la Universidad de Columbia, donde conoció al legendario ingeniero Robert Moog, el inventor del sintetizador Moog. Carlos, fascinada por el potencial de este nuevo instrumento, comenzó a explorar sus posibilidades en una época en la que la música electrónica aún estaba en sus primeras etapas. En 1968, lanzó Switched-On Bach, un álbum innovador que adaptaba la obra de Johann Sebastian Bach al sintetizador Moog. Este álbum no solo demostró que los sintetizadores podían tener un lugar en la música clásica, sino que también tuvo un éxito comercial inesperado, ganando tres premios Grammy y popularizando el uso del sintetizador. Carlos transformó así el papel de la música electrónica y abrió el camino para otros músicos que la seguirían. El Éxito de Wendy Carlos en el Cine: Soundtracks Icónicos El talento de Wendy Carlos llamó la atención de algunos de los cineastas más influyentes de su época, y fue en el ámbito del cine donde su trabajo alcanzó un nuevo nivel de reconocimiento. 1. A Clockwork Orange (1971) Stanley Kubrick, uno de los cineastas más innovadores del siglo XX, eligió a Carlos para componer la banda sonora de A Clockwork Orange (La naranja mecánica). La música para esta película fue una mezcla de piezas clásicas reinterpretadas y música original compuesta en el sintetizador. Carlos tomó temas de Beethoven y Purcell y los reinterpretó para el Moog, dando a la banda sonora un carácter distópico que encajaba perfectamente con la atmósfera de la película. El soundtrack se convirtió en uno de los más célebres de la época y demostró el poder del sintetizador para crear atmósferas complejas y llenas de tensión. La música de A Clockwork Orange no solo complementa la narrativa visual de Kubrick, sino que también subraya la psicología de los personajes y el caos de su mundo. 2. The Shining (1980) Wendy Carlos volvió a colaborar con Kubrick para The Shining, otra obra maestra del cine de terror psicológico. La banda sonora de The Shining es una de las más inquietantes de la historia del cine, y Carlos logró crear una atmósfera de misterio y horror a través del uso de sintetizadores y técnicas de manipulación sonora. Aunque algunas piezas compuestas por Carlos y su colaborador Rachel Elkind no fueron incluidas en la versión final de la película, la influencia de su trabajo es evidente. La banda sonora incluye fragmentos que combinan temas oscuros con una instrumentación electrónica que enfatiza el aislamiento y la locura que dominan el Overlook Hotel. 3. TRON (1982) En 1982, Carlos compuso la banda sonora de TRON, la famosa película de ciencia ficción de Disney. Este proyecto fue un desafío técnico y creativo, ya que TRON fue una de las primeras películas en integrar efectos visuales por computadora, y la música debía reflejar esa estética futurista. Carlos utilizó una combinación de sintetizadores y orquestación para crear un sonido innovador y mecánico, que encapsulaba el mundo virtual de la película. La banda sonora de TRON es una de las primeras en fusionar sonidos electrónicos con música clásica, un concepto que inspiraría a numerosos compositores en los años venideros y que consolidó a Carlos como una figura central en la música de cine. Otros Trabajos y Colaboraciones Además de su trabajo en el cine, Carlos también lanzó varios álbumes experimentales y colaboró en diferentes proyectos artísticos. Beauty in the Beast (1986) es uno de sus álbumes más aclamados fuera del cine, en el que explora la microtonalidad y la fusión de diferentes estilos musicales del mundo. Otro álbum destacado es Digital Moonscapes (1984), en el que Carlos usa sintetizadores digitales para crear sonidos que simulan orquestas completas. Su trabajo ha sido influyente tanto en la música electrónica como en la música para medios audiovisuales, y es citada como inspiración por artistas de múltiples géneros. Legado e Influencia La influencia de Wendy Carlos en la música electrónica y en la industria del cine es incalculable. Su capacidad para reinventar clásicos en el sintetizador y su enfoque vanguardista la convirtieron en pionera, y sus composiciones redefinieron la relación entre la música y la tecnología. La obra de Carlos ha dejado una marca en generaciones de compositores y músicos, especialmente en aquellos dedicados a la música de cine, que encuentran en su trabajo un modelo de experimentación sonora. En la actualidad, la música electrónica y los soundtracks compuestos con tecnología digital y analógica son una norma en la industria. Carlos fue una de las primeras en explorar este territorio, y su capacidad para desafiar convenciones continúa siendo un ejemplo para aquellos que buscan expandir los límites de la música y el cine. Conclusión Wendy Carlos no solo transformó la música electrónica y el cine, sino que desafió las expectativas sobre lo que la música podía ser en el contexto de la tecnología. Su legado abarca décadas de innovación y su influencia es palpable en cada rincón de la música electrónica contemporánea y el cine de vanguardia. A través de sus bandas sonoras y su trabajo experimental, Wendy Carlos seguirá siendo una figura central en la historia de la música y el cine.

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Autechre comparte grabaciones de 12 shows en vivo de 2023 y 2024

Las grabaciones, que están disponibles para descargar y transmitir, provienen de actuaciones en París, Barcelona, ​​Sydney y otros lugares. En este link: https://autechre.warp.net/AE_2022- Autechre, el influyente dúo de música electrónica formado por Rob Brown y Sean Booth, se ha convertido en una piedra angular de la experimentación sonora, desde su origen en los años 90 hasta sus presentaciones más recientes en 2023 y 2024. La carrera de Autechre ha sido fundamental para la evolución de géneros como el IDM (Intelligent Dance Music), rompiendo las barreras de la electrónica tradicional y sumergiéndose en territorios de complejidad y abstracción musical que han marcado un antes y un después en la historia de este género. La Trayectoria y Legado de Autechre Con más de tres décadas de trayectoria, Autechre ha logrado lo que pocos artistas en la industria: mantener una visión sonora innovadora y única. Su sonido, caracterizado por una estructura no lineal, ha sido definido por la crítica como complejo, oscuro y futurista. Influenciados por géneros como el hip hop, la electrónica experimental y la música de vanguardia, su estilo ha sido pionero en la introducción de beats fracturados y texturas abstractas que desafían el tiempo y el espacio. Desde sus primeros discos, como Incunabula (1993) y Amber (1994), hasta lanzamientos recientes como Sign y Plus (2020), Autechre ha evolucionado constantemente, explorando texturas sonoras que parecen venir de un mundo paralelo. La importancia de su carrera no se limita a la producción musical, sino también a la manera en la que interpretan la tecnología, utilizándola como una extensión de su creatividad. Las Presentaciones de Autechre en 2023 y 2024 Tras un largo período de pandemia y de shows cancelados, Autechre regresó a los escenarios en 2023 con una serie de presentaciones que generaron gran expectativa entre sus seguidores. Con su estilo característico de mantener un show visualmente minimalista, enfocándose en la música y el ambiente, sus conciertos en 2023 capturaron la esencia de la complejidad de su sonido y ofrecieron una experiencia auditiva inmersiva. Los conciertos de Autechre han estado marcados por la ausencia de iluminación convencional y una propuesta en la que la música y los visuales oscuros crean un ambiente íntimo y desconcertante. En sus presentaciones recientes, la dupla utilizó elementos de improvisación en vivo y estructuras abiertas en sus sets, lo cual generó un ambiente único y completamente diferente en cada concierto. En su serie de presentaciones de 2023, Autechre apostó por una selección de sus trabajos más experimentales y retadores, integrando material nuevo y reimaginando tracks antiguos, explorando frecuencias, sonidos e intensidades que desafiaron los sentidos del público. Las Expectativas para 2024: Más Allá de la Experimentación Para 2024, Autechre ha anunciado nuevas fechas y promete llevar su presentación a un nivel aún más complejo. Los seguidores anticipan no solo los éxitos característicos de la banda, sino también la evolución de su técnica de improvisación, que podría incluir sets más largos y con cambios de ritmo y sonido más abruptos. Asimismo, es probable que incluyan nuevos tracks o versiones inéditas que demuestren su continua búsqueda de lo desconocido. Este año, además, Autechre se ha enfocado en proyectar una mayor cercanía con sus seguidores a través de plataformas de streaming y redes sociales, compartiendo fragmentos de sus ensayos y una mayor comunicación con el público sobre sus procesos creativos. Las experiencias de Autechre en 2024 reflejan un compromiso no solo con su música, sino con la experiencia sensorial y la manera en que la audiencia se sumerge en su universo musical. Importancia e Impacto en la Música Electrónica La influencia de Autechre en la música electrónica es incuestionable. Sus innovaciones técnicas y su capacidad para romper esquemas han inspirado a artistas de todo el mundo y de diversos géneros, desde la electrónica experimental hasta el hip hop instrumental y el ambient. Su manejo de sintetizadores, secuencias y efectos han revolucionado el uso de software musical, y muchos de sus seguidores y colegas consideran que su música es un puente entre el arte conceptual y la electrónica. El impacto de su carrera va más allá de la música misma; han desafiado al público a escuchar de forma diferente y a dejarse llevar por los sonidos sin buscar patrones tradicionales o estructuras predecibles. Su obra se percibe como una experiencia multisensorial que exige atención plena para captar los matices de cada track y la manera en que la textura y el ritmo se desenvuelven. Conclusión Las presentaciones de Autechre en 2023 y 2024 confirman que el dúo continúa como uno de los proyectos más relevantes y vanguardistas en la música electrónica actual. Su enfoque en lo abstracto y en la deconstrucción del sonido los ha posicionado como auténticos pioneros de una forma de escuchar y experimentar la música que trasciende generaciones. Para el público de Autechre, sus conciertos son más que simples espectáculos; son viajes sonoros que llevan a los asistentes a experimentar un estado de completa inmersión y exploración auditiva. Con un legado que sigue creciendo, Autechre se mantiene fiel a su espíritu de experimentación, y su influencia se extiende más allá de los géneros, resonando como uno de los referentes más sólidos de la música electrónica contemporánea.

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Los beneficios de la música Ambient para la salud mental y la concentración

La música ambient es un género centrado en el uso de paisajes sonoros, ritmos sutiles y melodías relajantes para crear una atmósfera envolvente y etérea. En las últimas décadas, esta música ha ganado reconocimiento no solo por sus cualidades estéticas, sino también por los efectos positivos que tiene en la salud mental y la capacidad de concentración. Conocida por reducir la ansiedad, mejorar el enfoque y fomentar la creatividad, la música ambient ofrece una experiencia auditiva transformadora. El ambient surgió en los años 70 con artistas como Brian Eno, quien buscaba crear sonidos que fueran tanto interesantes como relajantes. Se caracteriza por su estructura minimalista, baja intensidad rítmica y predominancia de sonidos ambientales que permiten que la música se mezcle naturalmente con el entorno, generando una experiencia que va más allá de la simple escucha. Hoy en día, el ambient ha evolucionado en subgéneros como el dark ambient, el space ambient y el drone ambient, pero su enfoque sigue siendo el mismo: crear un espacio sonoro relajante y contemplativo. Beneficios para la Salud Mental La música ambient ha demostrado ser especialmente útil para gestionar la salud mental, ya que ayuda a reducir el estrés y la ansiedad. Aquí se destacan algunos de sus beneficios más relevantes: Beneficios para la Concentración Más allá de sus efectos en la salud mental, la música ambient también es una herramienta eficaz para mejorar la concentración y el rendimiento cognitivo. Esto se debe a su capacidad para crear un entorno auditivo sin interrupciones ni distracciones: Música Ambient en la Terapia de Sonido La terapia de sonido utiliza frecuencias específicas para equilibrar el cuerpo y la mente, y la música ambient se ha convertido en una herramienta eficaz para ello. Las vibraciones de baja frecuencia presentes en este género ayudan a reducir la actividad en la corteza prefrontal del cerebro, una zona relacionada con el pensamiento analítico y el estrés. Esto facilita un estado de paz y relajación en el oyente, ideal para quienes buscan alivio de la ansiedad y el insomnio. Artistas y Álbumes Recomendados Para quienes deseen comenzar a explorar la música ambient, aquí se encuentran algunas recomendaciones: Conclusión La música ambient se ha convertido en una herramienta poderosa para quienes buscan mejorar su bienestar mental y su rendimiento cognitivo. Sus beneficios para reducir el estrés, facilitar la concentración y fomentar la creatividad han convertido este género en una opción ideal para la vida moderna. A medida que la popularidad del ambient crece, cada vez más personas descubren su capacidad para transformar los momentos de escucha en experiencias de sanación y autoconocimiento.

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La composición musical: un reflejo de la desintegración mental

El soundtrack de la película Substance (2024) ha captado la atención tanto de críticos como de fanáticos de la música, gracias a su capacidad para elevar el misterio y la atmósfera de esta cautivadora obra cinematográfica. Dirigida por Guy Busick y basada en un thriller psicológico, Substance se sumerge en los temas de la paranoia y la distorsión de la realidad, y su banda sonora juega un papel clave en sumergir al espectador en el corazón oscuro de la trama. Uno de los aspectos más fascinantes del soundtrack de Substance es su capacidad para complementar la complejidad emocional de la película. La banda sonora, compuesta por Ben Salisbury y Geoff Barrow, conocidos por su trabajo en cintas como Ex Machina y Annihilation, sigue el estilo atmosférico y tenso que caracteriza su colaboración. En esta ocasión, el dúo ha creado una mezcla de electrónica oscura, texturas ambientales y pulsaciones rítmicas que acompañan los giros narrativos de la película. La música se convierte en una extensión de la mente fracturada del protagonista, con capas de sonidos sintéticos que evocan tanto aislamiento como confusión. A lo largo de la película, los sonidos se tornan cada vez más discordantes, con notas disonantes y distorsionadas que refuerzan el descenso psicológico que enfrenta el personaje central. Estos elementos se mezclan con momentos de calma aparente, creando una dinámica de tensión y alivio que mantiene al espectador en un estado de constante alerta. Influencias y Estética Sonora El soundtrack de Substance se inspira claramente en la tradición del cine de terror psicológico y el thriller. Hay referencias a composiciones de artistas como John Carpenter, conocido por sus bandas sonoras minimalistas y llenas de suspense. Además, también encontramos influencias del ambient y el drone, con pasajes musicales que recuerdan a obras de Brian Eno o Tim Hecker, lo que aporta una sensación de quietud perturbadora y misticismo. Uno de los momentos más impactantes del soundtrack llega en las escenas de mayor descontrol, donde la música adquiere una intensidad abrumadora, con capas de sintetizadores superpuestos, zumbidos y ritmos acelerados. Estos momentos no solo subrayan el caos interno del protagonista, sino que también invitan al espectador a sentirse atrapado dentro de esa misma espiral de incertidumbre. Canciones Destacadas: La Fusión de Música Original y Clásicos Redescubiertos Además de la música original, el soundtrack de Substance también incluye una selección de canciones previamente lanzadas que añaden una nueva dimensión a las escenas clave. Entre estas se encuentran temas de Joy Division y The Cure, dos bandas icónicas del post-punk y darkwave, cuyas letras y melodías coinciden con el tono melancólico y perturbador de la película. Estas canciones actúan como homenajes a una estética sonora que ha sido asociada durante mucho tiempo con el cine de suspenso. Una de las elecciones más memorables es el uso de “Atmosphere” de Joy Division, cuya tristeza melódica y letra enigmática acompañan una de las secuencias más emotivas y decisivas de la película. La inclusión de estas canciones ayuda a situar la película dentro de un contexto más amplio de narrativa oscura y existencial, conectando con audiencias que ya asocian estos sonidos con el misterio y la introspección. Impacto en la Cultura Cinematográfica y Musical El soundtrack de Substance (2024) ya se está posicionando como una de las piezas más relevantes del año, tanto dentro del ámbito cinematográfico como en el panorama musical. La combinación de composiciones originales vanguardistas con temas clásicos ha permitido que el público se sumerja profundamente en la atmósfera de la película. La música no solo complementa la trama, sino que se convierte en un protagonista más, arrastrando al espectador a un mundo de incertidumbre y paranoia. Para los fanáticos de bandas sonoras evocadoras y para quienes aprecian la fusión de música electrónica oscura y post-punk, este soundtrack es una joya indispensable. No cabe duda de que Substance dejará una huella duradera tanto en la música para el cine como en los soundtracks que exploran el terreno de lo psicológico y lo oculto.

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La importancia de la escucha profunda en la música

En la era de la inmediatez, donde la música se consume de manera rápida y fragmentada a través de plataformas de streaming y listas de reproducción, el concepto de escucha profunda se ha vuelto más relevante que nunca. La escucha profunda no solo implica oír música de manera pasiva, sino conectar de forma activa y consciente con cada uno de los elementos que componen una pieza musical, entendiendo su estructura, emociones, y el contexto que la rodea. Este enfoque cambia nuestra relación con la música, haciéndola más rica, significativa y transformadora. ¿Qué es la escucha profunda? El término “escucha profunda” fue popularizado por la compositora y filósofa sonora Pauline Oliveros, quien exploró este concepto como una forma de estar plenamente presente y atento en el acto de escuchar, tanto en la música como en los sonidos del entorno. Para Oliveros, escuchar profundamente significaba expandir nuestra percepción auditiva para captar matices que normalmente pasan desapercibidos. La escucha profunda es un acto intencional, que busca romper con la escucha pasiva y fragmentada para involucrar completamente nuestros sentidos y emociones. Se trata de percibir los detalles sutiles de la música: desde los cambios dinámicos, las texturas instrumentales, hasta las emociones subyacentes en una interpretación. Beneficios de la escucha profunda en la música La escucha profunda y los géneros musicales La escucha profunda no se limita a un solo género musical, aunque algunos géneros se prestan particularmente bien a este tipo de enfoque. Por ejemplo, el jazz y la música clásica son conocidos por su complejidad armónica y estructural, lo que los convierte en géneros ideales para una escucha más detallada. Sin embargo, incluso géneros más accesibles como el pop, rock o electrónica pueden ofrecer una experiencia más rica si se les escucha con plena atención. El ambient y el minimalismo son géneros donde la escucha profunda es prácticamente una necesidad para captar las sutilezas que a menudo son imperceptibles a primera vista. Estos estilos dependen de la repetición de patrones sonoros y la creación de atmósferas, lo que requiere una atención activa para apreciar los pequeños cambios y variaciones en la textura sonora. Cómo practicar la escucha profunda Conclusión La escucha profunda nos invita a reconectar con la música de una manera más intencional y consciente. No es simplemente oír lo que está sonando, sino estar presente y abrirse a las complejidades, emociones y belleza que la música puede ofrecernos. En un mundo saturado de información y distracciones, practicar la escucha profunda es un acto de resistencia cultural, que nos recuerda el valor de la atención y la importancia de dedicar tiempo a disfrutar y reflexionar sobre el arte sonoro. La música, en su máxima expresión, es más que una simple banda sonora para nuestras vidas; es una experiencia emocional y sensorial que merece ser apreciada en toda su profundidad.

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Oxomaxología, el miasma sónico donde solo el silencio habla

Texto por: Daniel Lazarini Gran parte de las tradiciones oscuras de la música radical mexicana están fincadas en las investigaciones realizadas por la unidad espectral conocida como Oxomaxoma, una constante invitación a lo invisible, a la interzona, al más allá. El próximo 23 de agosto del 2024 se celebran 45 años de manifestaciones de esta agrupación invaluable para las tradiciones experimentales locales, el lugar será la Fonoteca Nacional, donde se llevará a cabo una conferencia con los miembros fundadores y con artistas que han pertenecido a esta experiencia a través de las distintas mutaciones, así como periodistas y otrxs expertxs en la fenomenología de Oxomaxoma, también ofrecerán una serie de improvisaciones para la ocasión con la participación de José Álvarez, Arturo Romo, Rolando Chía, Armando Velasco, Luis Bishop, Rabbit Doll y Sarmen Almond. En el siguiente texto voy intentar sumergirme en la formidable trayectoria de uno de los proyectos mexicanos más oscuros, invertebrados y mutantes de las últimas cinco décadas. Desde sus inicios la energía plutoniana desarticulada se desplazó entre atmósferas y rituales que liberaron mensajes ocultos en los objetos, decodificación aural que manifiesta secretos subsónicos.  El origen de la molécula atonal fue 1976 con Hilozoizmo, un proyecto donde Arturo Romo, Víctor Rodríguez y Miguel Becerra realizaban música aleatoria, se encontraban deslumbrados por la corriente filosófica “hilozoísmo”, la cual asegura la existencia del “anima” en la materia, la naturaleza y los objetos. El trío había realizado avances notables en la investigación de psicofonías, concepto que se refiere a la aparición de registros de origen desconocido en grabaciones de audio.  En 1978 Romo conoce a José Álvarez en el colegio de Bachilleres, donde el primero estudiaba y el segundo trabajaba, sus gustos musicales y expectativas sonoras eran muy compatibles, la conversación sensorial entre ambas entidades bioacústicas se implementó en un discurso metafísico que sostuvieron en 1979 durante su primera grabación que se conoce como la etapa Álvarez-Romo, material en cassette que llega a la revista Eurock con base en Portland y dirigida por el periodista Archie Patterson, gracias al contacto que ya había establecido Carlos Alvarado con su proyecto Vía Láctea, Alvarado envío y recomendó una variedad de proyectos; Hilozoizmo, Álvarez / Romo, Oxomaxoma, Decibel entre otras propuestas oscuroníricas que se estaban escuchando en el México subterráneo de la segunda mitad de los setenta. De este CST se reeditó un fragmento en 2016 en formato vinyl, para el box set “Mexican Cassette Culture Recordings 77 – 82” del sello alemán Vinyl on Demand, posteriormente en 2019 el material aparece completo en una edición en cassette extraída de la exquisita caja de madera “Fanfarrias y Bostezos” editada por el sello mexicano Ruido Horrible que contiene cinco producciones clave realizadas en tape entre 1979 y 1997. Después de que Romo mostró las grabaciones con José a los demás integrantes de Hilozoizmo, lo propuso como miembro, el ahora cuarteto continúa sus exploraciones donde la voz y la onomatopeya gutural de José Álvarez ofrecen nuevas narrativas.  Oxomatización; “Marcha a lo absurdo y grotesco” La presencia del formato de cinta magnética conocido como cassette permite registrar audio de forma casera a un costo medianamente razonable, fue revelador entenderlo como un formato “accesible” que ofrece inmediatez y portabilidad además de la experiencia de reproducir y reconocerse en el espejo sonoro, un proceso clave en el ritual para diseñar y moldear la amalgama de elementos que subsisten en una atmósfera de invocación. Estas cintas DIY ultra limitadas distribuidas principalmente en Estados Unidos, Europa, y algunas pocas (casi nada) en México se agotaron rápidamente, por suerte Patterson también tenía un programa de radio en KINK FM donde expandía el alcance de su revista, compartiendo extravagancias sonoras de todo el mundo.  Hay distintas teorías que la prensa ha desarrollado a través de los años sobre los orígenes del nombre, hay quienes afirman que proviene del disco “Aoxomoxoa” (1969) tercer álbum de estudio de la banda psicodélica Grateful Dead, se trata de un palíndromo utilizado como mantra para entrar a la sala de edición de la película de la realidad. Otrxs especialistas aseguran que está tomado de las tradiciones y creencias Mexicas, directamente de “Oxomoco” señora de la noche, personificación del tiempo. También existen algunas investigaciones que sugieren que proviene del recurso retórico del “oxímoron”, en el cual una frase contiene dos conceptos que se contradicen, generando un tercer significado. Los orígenes son misteriosos y confusos tal como lo es el sonido de Oxomaxoma, sin embargo la versión oficial nos dice que una noche de 1980 Álvarez se encontraba descansando, ingresando a la fase inicial de sueño que aún permite percibir la realidad, la transición va diluyendo el aquí y allá, un estado al que define como duermevela, cuando escuchó una voz que le decía al oído la palabra Oxomaxoma.  Para este momento Hilozoizmo coexistía con Oxomaxoma, los integrantes eran los mismos en ambas caras de la moneda, hasta que decidieron hacer la transición total del nombre que definían como la búsqueda de un significado perdido, con una fuerte carga de humor negro, abrazando la cultura bizarra se trataba de forajidos sónicos, invocadores espectrales fuera del canon del blues o el rock, tal como se demuestra en su primera grabación bajo el nombre de Oxomaxoma; “UAM Azcapotzalco” (1981) cinta que también fue distribuida y comisionada por Eurock Magazine y más tarde reeditad en 2020 dentro del box set “Designios” donde la grabación aparece completa en CD-R, lanzado por el sello mexicano “El Otro Rock” del periodista y escritor David Cortés, un dedicado rescate que reúne lo más significativo de los rituales perpetrados en vivo entre 1981 y 1995. Con una alineación fáustica que comparten los materiales en vivo del 81 “UAM Azcapotzalco” y “ENEP Acatlán” se traduce como la invitación a cazar una sombra, un destello, el impulso de la imaginación que estimula el movimiento inverso;  José Álvarez, voz y susurros Arturo Meza, piano y voz Arturo Romo, tetragramatón y yeloguerlizet Miguel Pérez, percusiones y voz Víctor Rodríguez, detrefram 1927 y voces  Desde Hilozoizmo habían cultivado el hábito de dar vida a

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SoundCloud lanza una tienda de merchandising donde los artistas se quedan con todas las ganancias

Actualmente, SoundCloud Store solo está abierta para artistas de Next Pro. SoundCloud ha lanzado un nuevo mercado de productos, SoundCloud Store, que permitirá a los artistas publicar sus propios diseños y productos para venderlos a sus fans.Según los términos actuales de la tienda, los artistas pueden enviar un diseño para un artículo de mercancía y luego dejar que SoundCloud cree maquetas del producto para ellos. Luego, la empresa creará los productos y se encargará del envío, así como del marketing en las redes sociales. Tal como están las cosas, SoundCloud no obtendrá ningún beneficio de las ventas de productos y el 100% del dinero recaudado se destinará a los propios artistas. Actualmente, SoundCloud Store solo está disponible para artistas de Next Pro, que es el nivel de suscripción paga de SoundCloud que brinda a los usuarios más funciones y funciones. Actualmente también está abierto solo a personas que residen en América del Norte y Europa. El rapero Denzel Curry es uno de los primeros usuarios de la plataforma que lanzó productos para vender a través de la tienda.

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