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Sons Of Kemet y su disco Your Queen Is A Reptile, para entender el futuro del jazz

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Para entender dónde está el futuro del jazz, es mejor seguir hacia dónde se dirige Shabaka Hutchings. Pocas figuras del jazz contemporáneo han cubierto tanto terreno en tan poco tiempo como el saxofonista y clarinetista nacido en el Caribe y afincado en Londres, que ha actuado con artistas como Jonny Greenwood de Radiohead y el pionero del jazz etíope Mulatu Astatke, y ha grabado y aparecido en unas seis docenas de créditos discográficos en los últimos 9 años. Por muy impresionante que pueda ser el volumen de su trabajo (incluidos algunos de los mejores discos de jazz de los últimos 2 años), es la vitalidad y la versatilidad lo que hace que valga la pena seguir esos créditos, desde el extenso jazz espiritual de Shabaka and the Ancestors hasta el jazz espacial escatológico de The Comet is Coming, además de haber contribuido al efímero y trascendente proyecto de Yussef Kamaal. Su mundo musical está en constante expansión. El camino que toma Hutchings en Your Queen Is A Reptile, el tercer álbum de su conjunto de jazz afrocaribeño Sons of Kemet, implica realizar un largo viaje a través de la historia negra. Es el primer lanzamiento del grupo para Impulse! Records, un sello que cambió la forma de la música a través de lanzamientos innovadores de artistas como John Coltrane, Charles Mingus y Pharoah Sanders, y hay una sensación similar de creatividad ilimitada en las nueve pistas aquí. También hay un espíritu activista que recorre estas pistas. Así, Sons of Kemet ofrece una afrenta a la figura británica al invocar los nombres de mujeres negras que cambiaron la historia, desde Harriet Tubman y Angela Davis hasta la propia bisabuela de Hutchings, Ada Eastman. Your Queen Is A Reptile, es un álbum político similar a lo que era el material profundamente espiritual de Pharoah Sanders a principios de los años 70, no tanto en los detalles de los temas que destaca sino en el mensaje más amplio y amplio que transmite. Éste es un álbum tanto sobre la alegría y la celebración de los negros como sobre la denuncia del patriarcado blanco (que toma forma como matriarcado). Esta es música que conmueve, como James Brown o Fela Kuti, de cuyo linaje la música de Sons of Kemet sin duda forma parte. Los furiosos ritmos brindan un telón de fondo para algunas de las músicas más intensas y poderosas aquí, las explosiones de saxofón de Hutchings son un contrapunto más abrasivo a la audaz línea de bajo de tuba. My Queen Is Yaa Asantewaa, que lleva el nombre de una reina madre anticolonialista de Ghana, toma un camino más sinuoso para alcanzar su clímax, con una inquietante sensibilidad psicodélica, mientras que “My Queen Is Anna Julia Cooper” adopta un enfoque más espacioso. El saxofón de Hutchings desempeña un doble papel: instrumento de respaldo discordante y líder serenamente seductor. No hay mucho en Sons of Kemet que sea tradicional, fuera de la tradición activista negra que honran y sobre la que construyen. Your Queen Is a Reptile tiene un sonido único construido sobre contrastes y contrapunto, cuyas influencias son transparentes pero de ninguna manera cliché u obvias. Es enojado e inspirador, funky y furioso, un álbum de jazz que no sólo suena a su época sino que refleja y contrarresta el tumulto del mundo que lo rodea. La banda estuvo activa del año 2011 al 2022, año en que se disovieron. Con información de: Treble

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Las canciones que formaron la carrera de Chelsea Wolfe

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“Desde un amor adolescente por la banda sonora Romeo + Juliet de Fleetwood Mac y Baz Luhrmann, hasta encuentros en la vida real con Sunn O))) y Smashing Pumpkins, Chelsea Wolfe habla con Greg Hyde sobre los 13 discos que más impactaron su vida”. El metal y el gótico van de la mano con bastante naturalidad. No son lo mismo, pero hay similitudes que los unen, ya que cada uno de ellos es esencialmente una especie de elemento oscuro de la contracultura. Chelsea Wolfe (1983) no comenzó con todo el metal. Sus primeras grabaciones fueron moderadas, pero bastante inquietantes y con el tiempo agregó más y más pesadez a su sonido hasta el punto de que más o menos se convirtió en una artista de metal, o al menos en un metal adyacente. Hay algo sublime, distorsionado y hermoso que crece en la música de Chelsea Wolf, quien se ha convertido en un innegable monolito de atmósferas expansivas, hechizando a más y más personas. Y es interesante ahora conocer los cimientos de su creatividad. FUENTE: The Quietus

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Mira el documental NOLA: Life, Death and Heavy Blues from the Bayou, sobre el sludge y metal en New Orleans

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Una serie-documental de 7 partes que examina a las personas y la cultura que ayudaron a fomentar bandas como Down, EyeHateGod, Crowbar, Acid Bath, Goatwhore y muchas otras. El documental presenta entrevistas en profundidad sobre las bandas, la catástrofe, las drogas, el suicidio, el asesinato y discos que ayudaron a dar forma al sonido de Nueva Orleans conocido en todo el mundo . Esto se hace desde un lugar de amor por la música y la escena, y nunca colocaré anuncios en este video. si aparecen, los propietarios de los derechos de autor los colocaron. gracias por mirar, espero que lo disfrutes. Eyehategod, Pantera, Down, Crowbar, Goatwhore y otros grupos de metal de Nueva Orleans aparecen en la nueva serie documental de siete partes de Noisey. Mike IX Williams, Jimmy Bower, Phil Anselmo, Pepper Keenan, Kirk Windstein y otros proveedores de sonidos profundamente fangosos pasaron unos días dando vueltas por Nueva Orleans con los cineastas Fred Pessaro y Jake Boyle. El resultado es la serie documental de siete partes “NOLA: Life, Death and Heavy Blues on the Bayou”, que presenta a esos músicos y a otros hablando sobre la génesis, el legado y el significado del metal de Nueva Orleans: heavy, desgarrador y, como explora la serie, más profundamente ligada a sus raíces en Luisiana de lo que uno podría pensar.

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Conoce a SUSS, banda que crea música Ambient-Country

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La idea inicial de la banda SUSS fueron 2 palabras: “ambient” y “country”. Su inspiración irradia en diversos álbumes de Brian Eno y Daniel Lanois, específicamente en su disco “Apolo Atmospheres”; así como Ry Cooder con su disco soundtrack de la película “París-Texas”. Al escucharlos el oyente puede caer en ciertas estados de calma y hasta melancolía, propios de atmósferas creadas por artistas como Hank Williams. SUSS es una banda de New York City que hace ambient country. Sus actuales integrantes son: Jonathan Gregg: Pedal Steel, dobro Bob Holmes: Mandolin, baritone guitar, acoustic guitar, harmonica, violin, Keyboards Pat Irwin: Electric guitars, National guitar, eBow, harmonium, keyboards, melodica, loops Cuando salió su disco debut, Ghost Box, en 2018, fue un golpe que hasta el día de hoy sigue llamando la atención por el simple hecho de hacer algo poco común: Ambient con música Country. La banda de Nueva York parece haber aparecido de la nada, con una historia secreta, ya que sus miembros son gente veterana al menos de primera impresión de entre 60 y 70 años. “Con melena gris y chaqueta negra, parecían el tipo de cazadores de art-rock del centro de la ciudad que viven en las profundidades de las notas de John Zorn, pero sonaban como la música de una película de Ry Cooder si se escuchara al despertar de una sedación médica”, como lo escribió alguna vez la revista Pitchfork. Dos de sus integrantes, los multiinstrumentistas Bob Holmes y Gary Leib, tienen orígenes en Rubber Rodeo, una banda cowpunk de los años 80. SUSS, rescata sonidos clásicos del country y el bluegrass (pedal steel, mandolina, dobro, armónica) y lo manda a un desierto sonoro de calma. Su música dilata el mundo hasta un punto muy solitario, entre llanuras míticas y amplios cielos. Fue inteligente adoptar este concepto, al parecer nadie lo había hecho antes. Después de alrededor de 6 años de carrera a esta banda de veteranos hay que seguirlos con sus discos y notar su gran relevancia. Para más información de su música, mercancía y todos los detalles, visita su sitio web —> https://www.sussband.com/

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Playlist con artistas relevantes de Noir / Doom-Jazz

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Dark jazz, horror jazz, jazz noir o doom jazz son nombres de un género musical que a menudo se analiza como una forma de jazz. Los nombres suelen asignarse a piezas musicales de orientación instrumental que combinan elementos de música jazz y ambient, con una marcada tendencia hacia la música con una atmósfera oscura y surrealista, y el elemento jazz juega un papel más reservado. El estilo surgió en la década de 1990 en el contexto del metal extremo. Lo que los intérpretes del dark jazz tienen en común es la mezcla de “ambient y jazz, noir y slowdown, doom y tonos melancólicos”. Muchos representantes del género también tienen referencias cinematográficas. Son frecuentes las reminiscencias del cine. La música se describe como “música principal influenciada por el jazz” y “música para películas nunca realizadas”. El jazz oscuro siempre se graba muy lentamente y generalmente con instrumentos de jazz reales o recreados digitalmente. Además de la atmósfera cinematográfica y la reproducción lenta, lo típico es un paisaje sonoro expansivo y atmosféricamente oscuro, cercano al doom metal. La transición a estilos musicales adyacentes y similares, como el ambient, el dark ambient y el post-rock, es suave. El jazz oscuro a veces se asemeja a una forma de post-rock. Sólo unos pocos instrumentos claramente identificables son comunes a los intérpretes de dark jazz. La mayoría usa baterías tocados lo más lentamente posible . También se suele utilizar contrabajo y vibráfono. Algunos músicos integran en el sonido otros instrumentos como el mellotron, el piano, la trompeta, la viola, el violonchelo o el saxofón. Sin embargo, rara vez se utiliza el canto. Algunos intérpretes, como The Mount Fuji Doomjazz Corporation (incluidos en ésta Playlist) dependen en gran medida de sintetizadores y secuenciadores para crear un sonido atmosférico, y sólo esporádicamente de instrumentos analógicos. Si bien muchos proyectos tienden a utilizar composición completa, otros se basan en la improvisación. El jazz oscuro se diferencia del jazz en que descuida los elementos característicos del jazz. En particular, se suelen evitar las improvisaciones solistas. Incluso los intérpretes que improvisan suelen evitar los solos y, en cambio, se concentran en crear una atmósfera general. Gert Keunen incluso llama al estilo “jazz para aquellos a quienes no les gusta el jazz“.

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Medellín: Cuna de un Reggaetón Único y la Inspiración detrás de ‘Mirador’ de Rick Keved

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El Reggaetón, género musical que surgió en San Juan, Puerto Rico, ha evolucionado notablemente desde sus inicios en los años 90. Sin embargo, esta expresión musical ha encontrado terreno fértil para su expansión en diversos lugares del mundo, siendo Medellín, Colombia, uno de los epicentros más destacados. La singularidad del reggaetón medellinense se manifiesta en aspectos técnicos que definen su sonido, y es precisamente en esta vibrante urbe donde el cantante, compositor y productor venezolano, Rick Keved, encontró la inspiración para su más reciente sencillo, ‘Mirador’. El reggaetón de Medellín se caracteriza por una fusión única de sonidos locales y ritmos autóctonos, una amalgama que enriquece su música con influencias como la cumbia, el vallenato y otros géneros folclóricos colombianos. Es precisamente esta diversidad sonora la que ha inspirado a artistas como Rick Keved a abrazar la esencia cultural de la ciudad en su música. “‘Mirador’ no es simplemente una canción, es una narrativa que captura la esencia misma de Medellín”, explica Rick Keved. “Esta canción cuenta una historia real, la historia de un amigo y su relación con una chica de Medellín, un vínculo que se forjó a través de las redes sociales y se convirtió en un viaje transformador”. Este sencillo, meticulosamente producido entre Panamá y Venezuela, captura la vitalidad urbana y cultural de Medellín. Con un video musical filmado en ‘Mirador Las Palmas’ y el skatepark en el ‘Puente de la 4 Sur’ de la ciudad, bajo la dirección del aclamado Charles Ibañez, ‘Mirador’ no solo es una expresión musical, sino un homenaje a la urbe y sus habitantes. La distinción del reggaetón medellinense reside no solo en su riqueza sonora, sino también en sus letras. Mientras que el reggaetón clásico se enfoca en temas urbanos y de fiesta, las canciones del reggaetón de Medellín narran experiencias locales, historias de barrio y vivencias cotidianas. Esto ha permitido una mayor identificación del público con las canciones y ha contribuido a su autenticidad. El trabajo de Rick Keved, en ‘Mirador’, se alinea con este enfoque local y auténtico. “Para mí, Medellín es una fuente de inspiración inagotable”, dice Keved. “Quise capturar la esencia de esta vibrante ciudad y homenajearla en mi música”. Así, ‘Mirador’ representa una mezcla de la identidad de Medellín y la visión artística de Rick Keved, fusionando la esencia local con la creatividad del artista, contribuyendo a la diversidad y la evolución del reggaetón a nivel global. Este sencillo es tanto un tributo a la ciudad como un reflejo de la visión única de su creador, uniendo en armonía dos mundos para deleite de los amantes de la música latina contemporánea. Esta combinación destaca tanto las particularidades técnicas del reggaetón de Medellín como la inspiración detrás del sencillo ‘Mirador’ de Rick Keved, resaltando la relación íntima entre la música, la ciudad y la identidad artística del cantautor venezolano.

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¿Qué hace diferente a Aliencraft XYCLOPS del resto de los audífonos en el mercado?

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Actualmente existen una gran cantidad de audífonos en el mercado por lo que es importante encontrar los que más se ajusten a tus necesidades. Si realizas actividad física que involucra mucho movimiento y diversas condiciones meteorológicas te recomendamos Aliencraft XYCLOPS. ¿Qué hace diferente a Aliencraft XYCLOPS del resto de los audífonos en el mercado? Son audífonos inalámbricos open type que están especialmente diseñados para todas tus actividades dentro y fuera de casa, ya sea que prefieras: senderismo, caminata, atletismo o algo más extremo como skate o BMX podrás hacerlo con comodidad. Aliencraft XYCLOPS cuenta con un diseño único en forma de anillo que se ajusta perfectamente bien a tu oído, garantizando que ambas piezas permanezcan en su lugar sin importar la actividad que estés disfrutando. Algunas de las características que destacan de XYCLOPS es que cuenta con un chip Bluetooth (version 5.3), que te dará una conexión estable y con sólo 60 metros de latencia, que funcionan perfecto para descansar o cualquier actividad. Hoy en día es importante disfrutar de nuestra música sin perder la noción de nuestro alrededor, por lo que Aliencraft XYCLOPS te permite estar alerta del medio que te rodea, tener una conversación, sin necesidad de quitarte los audífonos o pausar la música. Por si eso fuera poco, vienen equipados con micrófonos omnidireccionales duales para que puedas realizar llamadas con la mayor claridad y nitidez posible. Tampoco tendrás que preocuparte de la lluvia, ya que XYCLOPS cuenta con la certificación IPX5, que garantiza el funcionamiento correcto de tus audífonos a pesar de las condiciones húmedas. Estos audífonos son compatibles con los asistentes de voz más populares como Siri y Google Assistant para tu mayor comodidad y funcionalidad. Conoce más de Aliencraft XYCLOPS y de todos los productos que Aliencraft tiene para ti en su sitio oficial. ¡Siente la música, siente la libertad! En los siguientes 2 links de aquí abajo puedes adquirir los tuyos: https://aliencraft.mx/ XYCLOPS – Audífonos Deportivos True Wireless Open Air

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¿El fin de bandcamp?

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Desde 2007 Bandcamp ha sido una de las mejores alternativas para una infinidad de bandas que lanzan su música a través de esta plataforma, la cual es conocida por tener un trato más justo con creadores de música así como consumidores, evitando intermediarios, incentivando a la música independiente y ofreciendo un fabulosa opción para aquellos que van más allá del algoritmo, que prefieren una recomendación música hecha por un humano. Si bien el modelo de Bandcamp no es perfecto funcionaba y cumplía su objetivo de manera exitosa habiendo pagado alrededor de 1.7 billones de dólares a creadores independientes. Hace más de un año la plataforma fue comprada por Epic Games quien a su vez la vendió a Songtradr y con esto anunciando el despido del 16% de su fuerza laboral. Sin embargo, la semana pasada el 50% del staff de bandcamp fue despedido dejando sólo las áreas más fundamentales a nivel operativo y desapareciendo por completo a muchas otras. La decisión claramente llevó al descontento, el cual se manifestó a través de redes sociales… para muchos, el final de Bandcamp (al menos como lo conocíamos), es inevitable. Los cambios en la plataforma afectan principalmente a los músicos y consumidores pero también para editores, escritores, programadores, artistas visuales y todo lo que conforma un modelo de este tipo. Personas que dedicaban su dinero a la plataforma obteniendo a cambio buenos textos editoriales (desde recomendaciones de bandas poco conocidas pero relevantes, hasta escenas contemporáneas), música y mercancía. Es increíble pensarlo en los tiempos que vivimos pero esa comunidad que se había formado de manera digital aún paga (dinero de verdad, no criptomonedas), por música en formato físico y digital. Si hay algo que diferenciaba a bandcamp de otras plataformas no sólo eran sus políticas frente a los músicos y la manera de distribución si no la parte editorial / periodística que fue creciendo con colaboradores de diferentes latitudes, perspectivas globales que fomentaban a la lectura acompañada de la música. Bandcamp iba mucho más allá que otras plataformas que se conforman con un breve resumen de la banda. Era periodismo musical, independiente y bien hecho. Aunado a la situación de bandcamp, esta semana, su contraparte Spotify ha decidido cambiar sus políticas de regalías afectando directamente a todos los artistas que no poseen grandes números por medio de hacer que cumplan con una “cuota” mínima de streaming. Si bien la situación de bandcamp (y por consiguiente de la música independiente), es desfavorecedora la realidad es que también es un espacio de oportunidad para otras plataformas, creadores y la necesidad de mantener esta comunidad vida, a la cual le importa la música más que cualquiera de otros intereses. El éxito de bandcamp está probado, ¿por qué no construir otro bandcamp con las lecciones aprendidas? ¿por qué no hacer varias plataformas de este tipo? Existe el know how, tecnología y gente dispuesta a construir desde cero. Quizá esta sea la única opción viable ante un mundo que no está dispuesto a pagar lo que la música realmente vale, devaluando el trabajo de los que empiezan, de los que proponen cosas diferentes, de los que nos están preocupados por “pegar”, ni tener muchos números… Por más complicado que se vea el panorama, me gusta pensar que la música independiente siempre encuentra un camino. Gracias a Marcos Hassan, periodista de bandcamp por el apoyo para esta nota.  

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