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Medellín: Cuna de un Reggaetón Único y la Inspiración detrás de ‘Mirador’ de Rick Keved

El Reggaetón, género musical que surgió en San Juan, Puerto Rico, ha evolucionado notablemente desde sus inicios en los años 90. Sin embargo, esta expresión musical ha encontrado terreno fértil para su expansión en diversos lugares del mundo, siendo Medellín, Colombia, uno de los epicentros más destacados. La singularidad del reggaetón medellinense se manifiesta en aspectos técnicos que definen su sonido, y es precisamente en esta vibrante urbe donde el cantante, compositor y productor venezolano, Rick Keved, encontró la inspiración para su más reciente sencillo, ‘Mirador’. El reggaetón de Medellín se caracteriza por una fusión única de sonidos locales y ritmos autóctonos, una amalgama que enriquece su música con influencias como la cumbia, el vallenato y otros géneros folclóricos colombianos. Es precisamente esta diversidad sonora la que ha inspirado a artistas como Rick Keved a abrazar la esencia cultural de la ciudad en su música. “‘Mirador’ no es simplemente una canción, es una narrativa que captura la esencia misma de Medellín”, explica Rick Keved. “Esta canción cuenta una historia real, la historia de un amigo y su relación con una chica de Medellín, un vínculo que se forjó a través de las redes sociales y se convirtió en un viaje transformador”. Este sencillo, meticulosamente producido entre Panamá y Venezuela, captura la vitalidad urbana y cultural de Medellín. Con un video musical filmado en ‘Mirador Las Palmas’ y el skatepark en el ‘Puente de la 4 Sur’ de la ciudad, bajo la dirección del aclamado Charles Ibañez, ‘Mirador’ no solo es una expresión musical, sino un homenaje a la urbe y sus habitantes. La distinción del reggaetón medellinense reside no solo en su riqueza sonora, sino también en sus letras. Mientras que el reggaetón clásico se enfoca en temas urbanos y de fiesta, las canciones del reggaetón de Medellín narran experiencias locales, historias de barrio y vivencias cotidianas. Esto ha permitido una mayor identificación del público con las canciones y ha contribuido a su autenticidad. El trabajo de Rick Keved, en ‘Mirador’, se alinea con este enfoque local y auténtico. “Para mí, Medellín es una fuente de inspiración inagotable”, dice Keved. “Quise capturar la esencia de esta vibrante ciudad y homenajearla en mi música”. Así, ‘Mirador’ representa una mezcla de la identidad de Medellín y la visión artística de Rick Keved, fusionando la esencia local con la creatividad del artista, contribuyendo a la diversidad y la evolución del reggaetón a nivel global. Este sencillo es tanto un tributo a la ciudad como un reflejo de la visión única de su creador, uniendo en armonía dos mundos para deleite de los amantes de la música latina contemporánea. Esta combinación destaca tanto las particularidades técnicas del reggaetón de Medellín como la inspiración detrás del sencillo ‘Mirador’ de Rick Keved, resaltando la relación íntima entre la música, la ciudad y la identidad artística del cantautor venezolano.

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¿Qué hace diferente a Aliencraft XYCLOPS del resto de los audífonos en el mercado?

Actualmente existen una gran cantidad de audífonos en el mercado por lo que es importante encontrar los que más se ajusten a tus necesidades. Si realizas actividad física que involucra mucho movimiento y diversas condiciones meteorológicas te recomendamos Aliencraft XYCLOPS. ¿Qué hace diferente a Aliencraft XYCLOPS del resto de los audífonos en el mercado? Son audífonos inalámbricos open type que están especialmente diseñados para todas tus actividades dentro y fuera de casa, ya sea que prefieras: senderismo, caminata, atletismo o algo más extremo como skate o BMX podrás hacerlo con comodidad. Aliencraft XYCLOPS cuenta con un diseño único en forma de anillo que se ajusta perfectamente bien a tu oído, garantizando que ambas piezas permanezcan en su lugar sin importar la actividad que estés disfrutando. Algunas de las características que destacan de XYCLOPS es que cuenta con un chip Bluetooth (version 5.3), que te dará una conexión estable y con sólo 60 metros de latencia, que funcionan perfecto para descansar o cualquier actividad. Hoy en día es importante disfrutar de nuestra música sin perder la noción de nuestro alrededor, por lo que Aliencraft XYCLOPS te permite estar alerta del medio que te rodea, tener una conversación, sin necesidad de quitarte los audífonos o pausar la música. Por si eso fuera poco, vienen equipados con micrófonos omnidireccionales duales para que puedas realizar llamadas con la mayor claridad y nitidez posible. Tampoco tendrás que preocuparte de la lluvia, ya que XYCLOPS cuenta con la certificación IPX5, que garantiza el funcionamiento correcto de tus audífonos a pesar de las condiciones húmedas. Estos audífonos son compatibles con los asistentes de voz más populares como Siri y Google Assistant para tu mayor comodidad y funcionalidad. Conoce más de Aliencraft XYCLOPS y de todos los productos que Aliencraft tiene para ti en su sitio oficial. ¡Siente la música, siente la libertad! En los siguientes 2 links de aquí abajo puedes adquirir los tuyos: https://aliencraft.mx/ XYCLOPS – Audífonos Deportivos True Wireless Open Air

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¿El fin de bandcamp?

Desde 2007 Bandcamp ha sido una de las mejores alternativas para una infinidad de bandas que lanzan su música a través de esta plataforma, la cual es conocida por tener un trato más justo con creadores de música así como consumidores, evitando intermediarios, incentivando a la música independiente y ofreciendo un fabulosa opción para aquellos que van más allá del algoritmo, que prefieren una recomendación música hecha por un humano. Si bien el modelo de Bandcamp no es perfecto funcionaba y cumplía su objetivo de manera exitosa habiendo pagado alrededor de 1.7 billones de dólares a creadores independientes. Hace más de un año la plataforma fue comprada por Epic Games quien a su vez la vendió a Songtradr y con esto anunciando el despido del 16% de su fuerza laboral. Sin embargo, la semana pasada el 50% del staff de bandcamp fue despedido dejando sólo las áreas más fundamentales a nivel operativo y desapareciendo por completo a muchas otras. La decisión claramente llevó al descontento, el cual se manifestó a través de redes sociales… para muchos, el final de Bandcamp (al menos como lo conocíamos), es inevitable. Los cambios en la plataforma afectan principalmente a los músicos y consumidores pero también para editores, escritores, programadores, artistas visuales y todo lo que conforma un modelo de este tipo. Personas que dedicaban su dinero a la plataforma obteniendo a cambio buenos textos editoriales (desde recomendaciones de bandas poco conocidas pero relevantes, hasta escenas contemporáneas), música y mercancía. Es increíble pensarlo en los tiempos que vivimos pero esa comunidad que se había formado de manera digital aún paga (dinero de verdad, no criptomonedas), por música en formato físico y digital. Si hay algo que diferenciaba a bandcamp de otras plataformas no sólo eran sus políticas frente a los músicos y la manera de distribución si no la parte editorial / periodística que fue creciendo con colaboradores de diferentes latitudes, perspectivas globales que fomentaban a la lectura acompañada de la música. Bandcamp iba mucho más allá que otras plataformas que se conforman con un breve resumen de la banda. Era periodismo musical, independiente y bien hecho. Aunado a la situación de bandcamp, esta semana, su contraparte Spotify ha decidido cambiar sus políticas de regalías afectando directamente a todos los artistas que no poseen grandes números por medio de hacer que cumplan con una “cuota” mínima de streaming. Si bien la situación de bandcamp (y por consiguiente de la música independiente), es desfavorecedora la realidad es que también es un espacio de oportunidad para otras plataformas, creadores y la necesidad de mantener esta comunidad vida, a la cual le importa la música más que cualquiera de otros intereses. El éxito de bandcamp está probado, ¿por qué no construir otro bandcamp con las lecciones aprendidas? ¿por qué no hacer varias plataformas de este tipo? Existe el know how, tecnología y gente dispuesta a construir desde cero. Quizá esta sea la única opción viable ante un mundo que no está dispuesto a pagar lo que la música realmente vale, devaluando el trabajo de los que empiezan, de los que proponen cosas diferentes, de los que nos están preocupados por “pegar”, ni tener muchos números… Por más complicado que se vea el panorama, me gusta pensar que la música independiente siempre encuentra un camino. Gracias a Marcos Hassan, periodista de bandcamp por el apoyo para esta nota.  

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10 estudios de tatuajes en CDMX que recomendamos

Los tatuajes hoy en día son un estilo de vida, un accesorio personal que portarás para toda la vida y que ha ido incrementando su popularidad con los años. Lo que antes estaba mal visto, hoy es un sello personal que te define, un símbolo de quién los porta y del artista que los crea. Cada vez hay más estudios y artistas de tatuajes en el mundo y México no es la excepción. Es por eso que aquí te presentamos un top con los 10 mejores estudios de tatuaje en la CDMX. Ya sea que busques por estilo, trazo, calidad, servicio o artista, en esta guía te damos una idea de dónde y con quién hacerte el tatuaje que estás buscando. Burial Art Gallery Si lo que quieres es un tipo de tatuaje que va de lo neo tradicional (combinación moderna de varios estilos de tatuajes, con claras influencias de la vieja escuela y la nueva), hasta los estilos contemporáneos, este estudio es una buena opción. Es un lugar muy privado, tanto que la dirección exacta la obtendrás al hacer tu cita. https://www.instagram.com/burial.art.gallery/ Soy Feliz Studio Soy Feliz Studio acaba de abrir su nueva sede en la col. Narvarte. Una casa que no sólo ofrece el servicio de tatuaje, también tiene una oferta académica de cursos y talleres y un estudio de grabación. Cuenta con 16 tatuadores con un estilo diferente cada uno, especializándose en tatuajes de trazo fino, contemporáneo y micro realismo. https://www.instagram.com/soyfelizstudio/ Tatudemia Esta opción es ideal si estás buscando estilos más clásicos de tatuaje como realismo, black and grey y color. Este estudio se encuentra en el centro de la CDMX y tienen otra sede en la ciudad de Guadalajara. Además son una tienda de equipo y suministros para tatuadores. https://www.instagram.com/tatudemiacdmx/ Lovetta studio Para diseños en color y diseños más femeninos, este estudio es perfecto. También se especializa en estilos de manga, kawaii y animación japonesa con colores vivos muy llamativos. https://www.instagram.com/lovettastudio/ Lettering Malandro Se especializan en diseño tipográfico y el graffiti es su especialidad. Ahí puedes conseguir una cita con el reconocido artista callejero Buster o si no con algún otro artista urbano de moda. Pero mira primero su trabajo en sus redes para que te puedas dejarte maravillar con los increíbles artistas que tienen. https://www.instagram.com/letteringmalandro/ Prime time El tatuaje realista o tatuaje con hiperrealismo es un estilo de arte de tatuaje que refleja en la piel una imagen real o natural, como una fotografía. Aquí se puede encontrar tatuadores con trazos muy bien hechos que podrán dibujar perfectamente bien en tu piel a un personaje famoso o de ciencia ficción sin riesgo de que el dibujo final no se parezca a tu idea original. https://www.instagram.com/primetime_tattoomx/ Truth tattoo studio
 Esta es otra gran opción para tatuajes realistas/hiperrealistas sin correr un riesgo. Ya hemos visto que los peores tatuajes siempre son dibujos de algo que quisieron ser y no lo fueron. Es por eso que si lo que estás buscando son profesionales en realismo a color, ésta es también una gran opción: https://www.instagram.com/truth_tattoo_studio/ Stay gold Otra gran opción para los amantes del tatuaje tradicional y estilos más clásicos es Stay Gold Studio. Con sede en la Col. Condesa, Stay Gold Studio cuenta con un roster de artistas que oscilan en estos estilos para escoger, los cuales crean diseños orientales como flores, corazones, calaveras, cruces, espadas y retratos vintage. https://www.instagram.com/staygold.tattoo/ Sendero El blackwork como su nombre indica es un “trabajo en negro”, es decir un estilo de tatuaje en el que solo se trabaja con tinta negra. Se caracteriza por el uso de altos contrastes, sin sombras ni tonos grises. Las lineas son muy precisas y se aplican degradados con texturas, tramas o puntos. En el estudio Sendero tiene artistas con especialidad en estos estilos. https://www.instagram.com/sendero.studio/ Ito studio El micro realismo se presenta como la combinación de dos de los estilos más demandados actualmente, que son el realismo y los micro tatuajes. Con esta combinación se logran tatuajes realistas de pequeñas dimensiones pero con bastante fuerza y detalles. https://www.instagram.com/ito.estudio/ Recuerda que un tatuaje es para toda la vida, de ahí la importancia de checar antes de aventurarte a hacértelo los diferentes estilos, higiene, precio y trato antes de que lo hagas. Con estas 10 opciones ya no hay pierde para agendar cita para tu próximo tatuaje, o si es el primero, qué mejor que conocerlas y analizarlas, seguro en estos estudios vas a encontrar lo que estás buscando.

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Frozen Music: Donde la Arquitectura y la Música Se Encuentran en una Sinfonía Creativa

La arquitectura y la música, dos manifestaciones artísticas que a menudo se perciben como independientes, convergerán en un evento excepcional: “Frozen Music @ ELA: Diálogos de Música y Arquitectura”. Organizado por la Escuela Libre de Arquitectura en Tijuana, Baja California, México, este encuentro tendrá lugar los días 26 y 27 de octubre de 2023, y promete ser un viaje único hacia la comprensión de la profunda relación entre estos dos mundos. Este evento contará con la participación de renombrados músicos y teóricos del sonido, entre ellos Wilfrido Terrazas, Raúl Cárdenas, Ramón Amezcua (Bostich / Nortec), Malitzin Cortes (CNDSD), Iván Abreu, Jorge Peña y Rubén Díaz. Sus valiosas contribuciones enriquecerán el diálogo sobre la fusión de música y arquitectura, brindando una perspectiva única sobre cómo estas disciplinas se influyen mutuamente. Explorando la Conexión Intrigante entre Arquitectura y Música A lo largo de la historia, la arquitectura y la música han compartido una relación profunda y a menudo sorprendente. Ambas disciplinas tienen la capacidad de evocar emociones, crear atmósferas y dar forma a nuestras experiencias sensoriales en el entorno construido. Desde los antiguos templos griegos con su acústica cuidadosamente diseñada hasta las vanguardias arquitectónicas del siglo XX que incorporaron la música como fuente de inspiración, la conexión entre estos dos campos creativos ha estado presente de maneras diversas. Una Inmersión Profunda en el Diálogo Creativo Frozen Music @ ELA se propone explorar esta relación única en profundidad. Uno de los aspectos más destacados del evento será el conversatorio en el que expertos en arquitectura y música abrirán un diálogo enriquecedor. Analizarán cómo la arquitectura influye en la creación y la interpretación musical, y viceversa. Este enfoque en el diálogo no solo enriquecerá nuestra comprensión de estas disciplinas, sino que también nos invitará a apreciar la creatividad interdisciplinaria en su máxima expresión. La Acústica: Una Historia de Fascinación y Descubrimiento Para comprender completamente la relación entre la arquitectura y la música, es esencial explorar la historia de la acústica, el estudio del sonido y su propagación. A lo largo de los siglos, los arquitectos han utilizado la acústica como una herramienta poderosa para crear espacios sonoros que mejoran la experiencia auditiva. Desde las catedrales góticas con sus características bóvedas que amplifican el sonido hasta los modernos auditorios diseñados con precisión para una acústica perfecta, la historia de la acústica es una narrativa fascinante de ingenio humano y descubrimiento científico. Una Experiencia Inmersiva y Estimulante Frozen Music @ ELA no se limitará a la teoría. El evento ofrecerá una experiencia inmersiva y emocionante para los asistentes. Presentaciones en vivo, con un enfoque especial en la música electrónica experimental, crearán un ambiente estimulante que deleitará a los amantes de la música y la arquitectura por igual. La combinación de sonidos y visuales se fusionará en un espectáculo que trasciende las palabras y que encarna la esencia misma de la “música congelada”. Únete a la Exploración Frozen Music @ ELA: Diálogos de Música y Arquitectura promete ser un evento que enriquecerá nuestra comprensión de cómo la arquitectura y la música se entrelazan y nutren mutuamente. Para aquellos interesados en un viaje de descubrimiento único, los detalles de registro y más información se encuentran disponibles en el sitio web oficial de la Escuela Libre de Arquitectura. No te pierdas la oportunidad de ser parte de esta fascinante convergencia de arte y creatividad el 26 y 27 de octubre de 2023 en Tijuana, Baja California. Para conocer el programa completo, visita el siguiente enlace: Frozen Music @ ELA Programa

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Bandas que nunca tocan en vivo (o dejaron de hacerlo)

Quizá la primera pregunta que tendríamos que hacernos es: ¿por qué? ¿por qué una banda / o proyecto musical no tocaría en vivo? ¿por qué esas canciones / piezas que pasaron seguramente meses componiendo, grabando y perfeccionando no deberían ser presentadas frente a un público? Hay una gran cantidad de respuestas: las diferencias creativas entre miembros de las banda, la complejidad o imposibilidad de recrear ciertas piezas (parcial o totalmente), así como las complejidades técnicas y/o económicas que un show / gira representa para el artista, o simplemente que la música en cuestión nunca estuvo pensada para ejecutarse en directo. Cualquier de esos motivos, desde personales hasta artísticos son completamente válidos, aunque como consumidores generalmente queremos “vivir la experiencia” del show en vivo y tenemos una falsa expectativa de que todo (aunque no sea en nuestro país), debería presentarse en un escenario. Quizá uno de los casos más conocidos a los cuales nos podemos remontar es el de The Beatles en 1966 cuando simplemente dejaron de hacer presentaciones en vivo debido a cansancio tras exhaustivas giras, falta de buen sonido (con fans que gracias a sus entusiasmo opacaban los entonces precarios amplificadores), y también que los discos del ‘66 en adelante comenzaron a incluir más piezas creadas en y para el estudio. Temas como “Tomorrow Never Knows” (Revolver), o “Revolution 9” (White Album), son entendidos más como ejercicios experimentales / piezas conceptuales que como melodías para una presentación pública. Este no sólo es el caso de The Beatles, David Bowie también dejó las giras en 2006, cuando aún seguía lanzando discos de estudio. Caso similar con bandas como Queen, Nirvana y R.E.M. Hablando de proyectos más contemporáneas se encuentra Boards Of Canada quienes han tocado en vivo menos de 15 conciertos de 1996 a al año 2002, algunos de ellos apoyando a Seefel, Autechre y en festivales como All Tomorrow ‘s Parties (2001), pero siendo casos muy especiales. Otro caso es el de Low Flying Hawks, una gran banda de stoner / doom que cuenta con varios discos de larga duración sin embargo nunca han tocado en vivo, y si llegaran a hacerlo (dicho por ellos) tendría que ser en un show sumamente especial con todos los músicos disponibles y bajo las condiciones correctas. Y es aquí donde también podríamos comentar sobre la romantización de la falta de presentaciones en vivo, que inevitablemente da cierto “misticismo” a la banda y que verles sea algo sumamente único y privilegiado (lo cual personalmente creo que tratándose de música debería ser todo lo contrario). Hoy en día los avances tecnológicos y recursos en general hacen que casi cualquier artista pueda salir de gira o presentarse en vivo por más compleja que sea su música. Aquí podemos recordar la canción “The Perfect Drug” de Nine Inch Nails, track que durante mucho tiempo Trent Reznor de se rehúso a tocar por que siempre fue una pieza pensada para la película de David Lynch, “Lost Highway”, además de tener baterías y voces complejas; sin embargo, esto se volvió una realidad (con Ilan Rubin), en 2018 como parte de la gira norteamericana “Cold Black and Infinite”. Sólo les tomó 21 años encontrar la manera de cómo solucionarla en vivo. Una gran parte de todo lo que involucra la música tiene que ver con los actos en vivo, para muchos esto es la culminación de una obra, el intercambio que sucede en una escenario, chico o grande, frente a un público contemplativo o completamente desquiciado; sin embargo, habrá bandas / proyectos que tengan propósitos diferentes y por ello mismo nunca toquen en vivo o hayan dejado de hacerlo. Por otro lado, esto es prácticamente imposible para una banda independiente que gana dinero de la mercancía y de los shows en vivo en una época en la cual los discos se venden poco y las ganancias por stream (a menos de que sea artista de seis dígitos), son casi nulas. No tocar en vivo es un privilegio que pocos pueden darse o alcanzar. UPDATE. Algunas más que se añaden gracias a las respuesta de nuestros lectores en redes sociales: -Bigod20 -Haus arafna -Burzum -Suffocate for fuck sake -Darkthrone -Wumpscut

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Descubriendo los secretos de Sisters of Mercy: 5 datos sobre la icónica banda gótica

Con motivo de su próximo concierto el 13 de junio en el reconocido recinto del Circo Volador, presentado por Alter Ego Entertainment, es el momento perfecto para adentrarnos en el fascinante universo de Sisters of Mercy. La banda emblemática del rock gótico, tiene un fascinante trasfondo que a menudo se pasa por alto. A lo largo de su trayectoria, han dejado una huella indeleble en la escena musical, cautivando a oyentes con su estética oscura y su fusión única de post-punk, rock industrial y elementos electrónicos. Acompáñanos en este recorrido por cinco datos sobre Sisters of Mercy, mientras nos preparamos para su regreso a los escenarios. El nombre de la banda El nombre “Sisters of Mercy” fue tomado de una canción de Leonard Cohen llamada “Suzanne”. Andrew Eldritch, líder de la banda, era un devoto admirador de Cohen y decidió adoptar el nombre para su proyecto musical. Esta elección enigmática sentó las bases para la mística y la introspección que caracterizarían a Sisters of Mercy. Evolución musical A lo largo de su carrera, Sisters of Mercy experimentó una evolución musical notable. Comenzaron con un sonido más cercano al post-punk en sus primeros días, pero a medida que avanzaba la década de 1980, incorporaron elementos electrónicos y se adentraron en el terreno del rock industrial. Esta diversificación sonora les permitió explorar nuevos horizontes y consolidar su identidad musical única. Cambios en la formación Sisters of Mercy ha tenido una formación inestable a lo largo de los años, con numerosos cambios de miembros. Sin embargo, Andrew Eldritch, vocalista y líder de la banda, ha sido el único miembro constante desde su formación en 1980. Esta fluctuación en la alineación ha influido en el sonido de la banda, generando variaciones entre álbumes y presentaciones en vivo. Limitados álbumes de estudio A pesar de su impacto en la escena gótica y su popularidad en los años 80, Sisters of Mercy solo lanzó tres álbumes de estudio completos: “First and Last and Always” (1985), “Floodland” (1987) y “Vision Thing” (1990). Aunque su producción discográfica ha sido escasa, su música y estética han dejado una profunda influencia en numerosas bandas posteriores. Relación con la industria discográfica Sisters of Mercy ha tenido una relación complicada con la industria discográfica a lo largo de su trayectoria. Andrew Eldritch ha sido conocido por su actitud desafiante hacia las discográficas y por mantener un control estricto sobre la distribución de la música de la banda. Esto ha llevado a largos períodos sin lanzamientos nuevos y a conflictos legales con las compañías discográficas. A pesar de esto, Sisters of Mercy sigue siendo una banda altamente influyente con una base de fanáticos leales en todo el mundo. A través de estos cinco datos, hemos descubierto los secretos y la fascinante historia detrás de Sisters of Mercy. Desde su inspiración en Leonard Cohen hasta su evolución musical y su tumultuosa relación Con su próximo concierto en el Circo Volador en el horizonte, Sisters of Mercy continúa siendo una fuerza imparable en el mundo del rock gótico. Adquiere tus boletos aquí. Para ganar un pase sencillo y verlos en El Circo Volador, CDMX: 1.- Envía la captura de pantalla de que compartiste el posteo de Facebook. 2.- Manda la respuesta a la siguiente pregunta al correo [email protected] ¿Quién ha sido el único miembro constante desde la formación de la banda en 1980?

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