Depósitio Sonoro

Shuffle

El movimiento cultural y político Rock Against Racism, 40 años después

Rock Against Racism (RAR), fue un movimiento político y cultural que surgió como reacción al aumento de los ataques racistas en las calles del Reino Unido y al creciente apoyo al Frente Nacional neonazi en las urnas. Entre 1976 y 1982, activistas del RAR organizaron carnavales nacionales y giras, así como conciertos y clubes locales en todo en Reino Unido. RAR reunió a fanáticos blancos y negros en su amor común por la música, para desalentar a los jóvenes de abrazar el racismo. Los músicos provenían de todos los géneros de música pop, algo que se refleja en uno de los lemas de RAR: “Reggae, soul, rock’n ‘ Roll, jazz, funk y punk “. El movimiento fue fundado, en parte, como respuesta a declaraciones racistas de conocidos músicos de rock.   Originalmente concebido como un concierto con un mensaje contra el racismo, Rock Against Racism fue fundado en 1976 por Red Saunders, Roger Huddle, Jo Wreford, Pete Bruno y otros. Según Huddle, “fue solo una idea hasta agosto de 1976”, cuando Eric Clapton hizo una declaración de embriaguez de apoyo al ex ministro conservador Enoch Powell en un concierto en Birmingham. Clapton le dijo a la multitud que Inglaterra se había “abarrotado” y que deberían votar por Powell para evitar que Gran Bretaña se convierta en una colonia negra. También le dijo a la audiencia que Gran Bretaña debería “sacar a los extranjeros, sacar a los wogs, sacar a los coons”, y luego gritó repetidamente el eslogan del Frente Nacional “Keep Britain White”. Saunders, Wreford y Bruno, que eran miembros del grupo de teatro Agit-prop, Kartoon Klowns, junto con Huddle, respondieron escribiendo una carta a NME expresando su oposición a los comentarios de Clapton. Afirmaron que estos eran más desagradables porque tuvo su primer éxito con una versión de Bob Marley ‘I Shot the Sheriff’: “Vamos, Eric … confesate. La mitad de tu música es negra … ¿Quién le disparó al Sheriff? ¿Eric? ¡Seguro que no eras tú! Al final de la carta, llamaron a la gente a ayudar a formar un movimiento llamado Rock Against Racism, y recibieron cientos de respuestas de admiradores.   Red Saunders, el fundador de Rock Against Racism, lanzó su campaña en el verano de 1976 en respuesta a un concierto de Eric Clapton en Birmingham. Durante los siguientes 6 años, RAR organizó 500 conciertos y 13 carnavales, recorrieron más de 2000 millas y llevó a 100,000 personas a las calles dos veces en enormes carnavales gratuitos y antirracistas con algunas de las bandas más afiladas del día: The Clash, Elvis Costello, X-Ray Spex, Steel Pulse y Aswad. RAR se retrata a menudo como un momento de aprendizaje; cuando la idea del racismo institucional, desarrollada por generaciones de radicales negros, fue captada por primera vez por la izquierda blanca y luego adoptada por diseñadores y músicos, poniendo a la defensiva el racismo estatal.

El movimiento cultural y político Rock Against Racism, 40 años después Leer más »

Te presentamos todos los capítulos de la serie documental de New Order

Esta es la historia del Movimiento de New Order. La producción fue emitida en episodios semanales desde su cuenta oficial de YouTube. El primer capítulo fue exhibido el jueves 7 de marzo. “La historia definitiva comienza aquí”. Así New Order presenta Transmissions, serie documental que aborda los inicios de la banda, enfocándose en Movement, su primer álbum lanzado en 1981.   A partir del jueves 7 de marzo, Transmissions lanzó un episodio semanal que ha estado disponible en el canal de YouTube de New Order. Te presentamos los 4 episodios para que los veas desde la comodidad de tu casa.   ‘TRANSMISSIONS’ narra el proceso creativo del disco debut del cuarteto de Manchester, ‘Movement’, tras el fallecimiento de Ian Curtis.

Te presentamos todos los capítulos de la serie documental de New Order Leer más »

Brian Eno revela sus favoritos soundtrack de películas

A Brian Eno siempre le ha interesado el cine. Produjo su álbum “Music for Films”  de 1976/78 no para una película específica, sino con la esperanza de que se usarían para bandas sonoras en el futuro. Además, esperaba que los títulos descriptivos – “Alternative 3,” “Patrolling Wire Borders” – y la música evocadora llevaran a los oyentes a crear películas.  La única pista en el álbum que escribió para una película fue “Final Sunset”, que tuvo un gran uso trascendente en la película de Derek Jarman en 1976, Sebastiane. En cuanto a sus gustos, si crees que Eno podría elegir pistas ambientales o instrumentales similares, te sorprenderás.   A medida que creció, Eno no estuvo expuesto a lo que era “genial” y lo que no lo era. Y eso llevó a un oído que escuchaba cosas despojadas del contexto cultural. Cuando toca una canción del musical de Oklahoma llamado “The Farmer and the Cowboy”, podríamos simplemente dejar de lado nuestros recuerdos de producciones y escuchar el extraño arreglo vocal, muy humorístico y muy emocionante. De manera similar, a pesar de no ser el mayor fanático de Elvis Presley en ese momento (“Yo era un snob”, dice Eno), selecciona este número pop alegre “Didja Ever” de G.I. Blues. “Uno de los escritos más ingeniosos e ingeniosos”, como él lo llama, escrito por Sid Wayne y Sherman Edwards, quien escribió al menos una canción en cada película de Presley. Eno también tiene espacio para el jazz de Miles Davis y la evocadora partitura de la película de Louis Malle, Elevator to the Gallows (1961), en particular, cómo se grabó: improvisada en vivo mientras se mira la pantalla. (No menciona su enorme influencia en la banda sonora de Twin Peaks de Angelo Badalamenti). Hay mucho más en la siguiente entrevista, incluida la fuente de una muestra utilizada en My Life in the Bush of Ghosts y una de las mejores pero más subestimadas canciones de David Bowie. Escucha dando clic aquí para conocer todas sus preferidos.

Brian Eno revela sus favoritos soundtrack de películas Leer más »

John Zorn lanza The Hermetic Organ Vol 6, homenaje a Edgar Allan Poe

En estas dos actuaciones espectaculares, Zorn rinde homenaje a uno de sus escritores favoritos: el legendario Edgar Allan Poe, cuyas fantásticas creaciones continúan capturando la imaginación de aquellos interesados ​​en el lado oscuro. Un disco denso y de compleja escucha.  Invocando a los Ángeles en 2 improvisaciones extendidas inspiradas en las imágenes inquietantes y aterradoras de uno de los maestros de la fantasía y la imaginación del mundo, la música presenta algunos de los sonidos más extraños que jamás hayas escuchado del instrumento. Esta es la improvisación de órganos en su forma más escandalosa y macabra. Pocas veces se pueden escuchar tales sonidos.   Zorn nació y creció en New York. Su fama en el mundo de la música de vanguardia comenzó en la década de los 80, gracias a que supo meter a la licuadora varios géneros en boga: el jazz, música agresiva como grind core y noise, cultura japonesa (de la que él se ha declarado seguirdor), y cinefilia. Sus proyectos prominentes han sido Naked City, Spillane, inspirado en el célebre detective, o Spy vs. Spy, donde trituraba el legado de Ornette Coleman. Otros de los proyectos que ha lanzado destacan Cobra, Naked City, Masada, Bar Kokhba Sexted, Electric Masada, Painkiller, Moonchild y Hemophiliac. E inagotable lanzamientos como solista y en su FilmWork Series.   En la página del sello de John Zorn, Tzadik, puedes adquirir este nuevo disco, dando clic aquí.

John Zorn lanza The Hermetic Organ Vol 6, homenaje a Edgar Allan Poe Leer más »

7 bajistas que dieron forma a la música moderna: Kim Gordon, Tina Weymouth, Kim Deal y más

En los últimos tiempos habrás leído más de un par de historias sobre dos ex miembros de dos bandas muy influyentes: Jackie Fox de Runaways y Kim Gordon de Sonic Youth. Las numerosas historias de Gordon en sus memorias “Girl in a Band” documentan sus propias luchas en las escenas de punk y alt rock que fomentaban hace muchos años la hostilidad hacia las mujeres. No debemos perder de vista sus importantes contribuciones como músicos, tocando quizás el instrumento menos apreciado en el arsenal del rock and roll: el bajo. Fox y Gordon representan solo a 2 de los cientos de mujeres bajistas, muchas de ellas en la oscuridad y no pocos alcanzan el éxito en indie, punk, metal, y bandas de jazz, como solistas o como músicos de sesiones. El bajo de Gordon ayudó a impulsar el sonido de los años 90 alt-rock (verla con Sonic Youth en la parte superior), y las líneas de bajo de Fox subrayaron el hard-rock de los 70. Antes de que cualquiera de las 2 tomara el instrumento, otra bajista enormemente influyente, Carol Kaye, tocó en miles de éxitos como miembro de los músicos de mayor vuelo de L.A., Wrecking Crew. La guitarrista de Kaye, guitarrista de jazz entrenada, incluye “These Boots Were Made for Walking” de Nancy Sinatra, “California Girls” de Beach Boys, “Monroe” de Monkees, de Joe Cocker, “Feelin ‘Alright” de Joe Cocker … y eso es solo una pequeña muestreo. Kaye podía y tocaba casi cualquier cosa. Ella es un músico excepcional y excepcionalmente amable. Y aunque pocos bajistas pueden igualarla en lo que se refiere al rango y la capacidad musical, muchos comparten su talento para escribir líneas de bajo simples e inolvidables que definen los géneros y las épocas. Junto a la agresiva melodía del bajo de Kim Gordon en Sonic Youth, Kim Deal de Pixies nos ofreció enormes ganchos de rock alternativo de los 90 y, al igual que Gordon, compartió o asumió funciones vocales en algunas de las canciones más importantes de la banda. Al igual que la actuación de Kim Deal en los Pixies, el bajo de Tina Weymouth en Talking Heads funcionó como un ancla rítmica y un motor propulsor debajo de las guitarras y sintetizadores angulares de la banda. Weymouth comprendió la mitad de la sección de ritmo de rock de arte más funky que existe. Es casi imposible imaginar cómo habrían sonado los años 80 sin el bajo de Weymouth. Ninguna lista de bajistas femeninas clásicas nunca estará completa: siempre hay un nombre más que agregar, un riff de bajo más para saborear, un argumento más sobre quién está sobrevaluado y subestimado. Pero no debería provocar ningún argumento para señalar a Meshell Ndegeocello como no solo uno de las bajistas más talentosos, sino uno de los músicos más talentosos de su generación.  Una vez más, esta es solo la muestra más breve y pequeña de excelentes bajistas femeninas en rock, jazz, soul, etc. Sumamos a Tal Wilkenfeld, un prodigio australiano que ha tocado con Herbie Hancock, Chick Corea, Allman Brothers y Jeff Beck. Al igual que Carol Kaye muchas décadas antes que ella, Wilkenfeld se hizo un nombre muy joven, tocaba la guitarra en clubes de jazz y rápidamente se convirtió en bajista muy solicitado llamado —a la edad de 21—. ¿Hay otras bajistas por ahí que merezcan ser reconocidas? Seguro que sí, háganos saber. 

7 bajistas que dieron forma a la música moderna: Kim Gordon, Tina Weymouth, Kim Deal y más Leer más »

Crean #MeTooMúsicosMexicanos, movimiento para denunciar los abusos sexuales en el medio musical mexicano

Se creo en Twitter la cuenta @metoomusicamx la cual se describe como: “Espacio abierto para denunciar agresiones en la industria de la música. Manda un DM con tu denuncia anónima y publicamos el nombre del agresor”. La punta de lanza de esto fue #MeTooEscritoresMexicanos (@MeTooEscritores), en donde se publicaron historias de violencia física, psicológica y sexual, de todo México. Más adelante se han sumado otros rubros como @MeTooCineMx, @metoomusicamx, @PeriodistasPUM y @MeTooPeriodista. Es impresionante cómo en nuestros tiempos se pueden ventilar toda clase de agresiones o de actitudes violentas. Por ellos ha surgido hace pocos días movimiento que han denunciado que en el gremio cultural, literario y musical. En esta ocasión nos enfocaremos únicamente al que se está gestando alrededor de la música, en donde muchas personas conocidas y/o reconocidas del periodismo musical y del gremio musical en general han sido destapadas en algún acto de abuso sexual o psicológico. Hasta este momento miércoles 27 de marzo a las 11 am se han compartidos 105 historias de casos de abuso que involucran a integrantes de Zoé, Quiero Club, Odisseo, Fernando Delgadillo, La Lupita, Apolo, LNG SHT, Pastilla, Thermo, conductores de radio como Evaristo Corona (el Golfo), y más. Aunque ahora la pregunta es saber qué sigue, ¿qué pasará con los denunciados? Para lo cual estaremos atentos. Te presentamos algunos casos y te recordamos que la cuenta es @metoomusicamx, en donde puedes enviar por mensaje director (DM) un caso de abuso de manera anónima.

Crean #MeTooMúsicosMexicanos, movimiento para denunciar los abusos sexuales en el medio musical mexicano Leer más »

La música en tiempos del Yo: descarga y comparte

“Si bien algunas personas pueden no estar conmigo ahora, los discos que escuchamos juntos, están todos aquí en mi pequeña caja blanca de recuerdos, todos amorosamente copilados y curados, esperando el momento en que podría volver a necesitarlos.” –Dylan Jones. IPod, Therefore I Am David Byrne cuenta cómo la música al ser grabada, comenzó a tocarse para las grandes salas, clubs y radios. Incluso como el hip hop está pensado para las bocinas en las cajuelas de los autos, y así, los graves y agudos se acoplen a la acústica las partes traseras de los autos. Incluso nos dice la forma en la que las aves han cambiado sus sonidos y cantos de acuerdo a que los cambios que sufren sus entornos y contextos. Un ave de San Francisco, no canta igual a un ave del bosque y a su vez, esta tampoco lo hace que un ave de mar. Todo lo sonoro cambia de acuerdo a su contexto. Después Brian Eno, comentaba el origen de la música ambient, cuando el famoso pianista francés Eric Satie, componía Gimnopedias para que apenas se notara y se integraran a los ruidos de los cubiertos, platos, vasos, voces y demás ambientes sonoros del restaurante donde tocaba los viernes por la noche. Esto me hace pensar que en algún momento, la música se integraba a los demás sonidos del mundo, ya sea en el metro, un camión, por la avenida más transitada o un parque. No estoy seguro que la música siga siendo parte de ese ambiente. El mundo gira y las formas de consumo también. La música sufrió cambios significativos a finales del siglo XX y en la primera década del mismo. En la era digital en la que vivimos, es importante señalar la desmaterialización de la música.  El MP3, YouTube, Itunes, el Ipod y ahora el streming con plataformas como Spotify o Deezer. Tal vez, comenzó con el CD player, que ya brindaba la oportunidad de cambiar de una canción a otra, de adelantar la pista, de pausar o repetir una pieza, cosa que con el casete sucedía, pero era tardado y tedioso, y con el vinilo, era prácticamente imposible. Todas las plataformas de consumo de música que mencioné anteriormente, son una maravilla en muchos casos, pero sin duda, trajo consigo nuevas formas de ver el mundo y entenderlo,  también, por supuesto, de contemplar la música. El Ipod, el MP3 o el streaming brindan las posibilidades de llevar tu colección de música en un pequeño rectángulo, una radio que programa perfectamente lo que quieres escuchar, de acuerdo al contexto, a tu estado de ánimo, en el lugar y tiempo que lo desees. Incluso ya existen playlist prediseñadas a tu estado de ánimo y actividad, como si fuera una radio personalizada.   La radio ofrece un sentido de sorpresa, a diferencia de los cientos y/o miles de canciones descargadas. La cultura de la descarga ha dado en vuelco en las formas de consumo ¿Acaso nos acercamos al perfil de un archivista compulsivo capaz de descargar, seleccionar y ordenar de forma casi neurótica la información que se brinda en la red, a la de un escucha amante de la música? Los accesos son inmediatos, y las herramientas para ordenar ésta información nos hacen todo más fácil, con un click nuestros discos o pistas están perfectamente ordenados por alfabeto, o por cuestione más snob que uno puede elegir. Comencé citando a Eno y su comentario sobre Satie, porque hoy en día, me parece que la música no se integra a los demás sonidos del mundo, al contrario, se aíslan y nos aíslan ¿Hay algo más antisocial que los audífonos en volumen alto para caminar por la ciudad? Al final “I”pod y “I”tunes es una señal clara de que el yo manda, mi música cuándo yo lo decido y dónde yo lo decido. Hace una semana me quedé sin internet por algunos días, y a pesar de contar con varios días de música en el Itunes, una pila de alrededor 100 Cd´s y otra de 300 casetes, sumando las 230 canciones que carga mi celular que reproduce MP3, me sentía incompleto en el sentido musical, me di cuenta que el Deeze lo es casi todo para mí en términos musicales, a través del Deezer descubro y reincorporo lo que necesite escuchar en ese momento. Puedo encontrar las lo que necesite: diferentes versiones de alguna canción o banda, covers, versiones en vivo o ediciones singulares, y por si fuese poco, todo se puede descargar, lo puedo llevar y curar a mi antojo y reproducir en mi computadora a la hora de trabajar, en la ducha o en el metro, siempre mi música y yo. Tal vez la era del MP3, el Ipod y la cultura de “descarga y comparte”  han sido la de cambios más radicales para la música y su forma de consumo, hoy en día el deseo es reducido a unos cuantos segundos en lo que carga nuestra plataforma preferida para escuchar música ¿Será que estamos en un proceso de extinción de la contemplación de la música al tenerla tan a la mano? Perdidos en la música, intentando escuchar todo lo posible, intentando absorber los accesos y los ritmos. A veces basta poner todo en “aleatorio” y listo, no tendremos que decidir qué escuchar, delegamos la responsabilidad a un rectángulo digital, dueño de nuestras más íntimas colecciones, que como dice Jordi Soler: a veces tengo la tentación de pensar que el aparato, esa hermosa maravilla tecnológica a la que van todos enchufados, importa más que la música que reproduce.  

La música en tiempos del Yo: descarga y comparte Leer más »

Conoce el impresionante diagrama con todos los géneros y sub géneros de Spotify y sus artistas más representativos de cada género

En Spotify hay un mundo de miles de géneros y subgéneros musicales. Te presentamos la impresionante tabla que los muestra. Every Noise at Once es un continuo de un diagrama de dispersión del género-espacio musical generado por algoritmos, basado en los datos rastreados y analizados en 2,855 géneros de Spotify.   Se trata de un mapa interactivo en el que puedes dar clic al género musical tu interés y te presenta música de algunos de los artistas más representativos del género que seleccionas. Realmente interesante esta biblioteca inmensa musical. Pero no sólo se trata de eso, si hacemos clic en las flechas que aparecen al lado de los géneros nos llevará a otra nube con un listado de bandas del género, y si de nuevo lo hacemos con las flechas al lado del nombre de la banda te lleva a su página de Spotify.   INSTRUCCIONES Y FUNCIONAMIENTO * Da clic en cualquier cosa para escuchar un ejemplo de cómo suena el género.   *Da clic en el ícono » en un género para ver un mapa de sus artistas.   Da clic aquí para ir al site donde podrás navegar y conocerlos todos.  

Conoce el impresionante diagrama con todos los géneros y sub géneros de Spotify y sus artistas más representativos de cada género Leer más »

Scroll al inicio