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Inteligencia Artificial a bordo de una sonda de la NASA tiene un livestream 24/7 transmitiendo música jazz

Salida, más allá de la heliosfera, una Inteligencia Artificial a bordo de la sonda espacial de la NASA, la Voyager 3, genera jazz gratuito, transmitido por livestream 24/7, hasta que pierdan el contacto con la Tierra.   Su red neuronal artificial se entrenó en el INTERSTELERO ESPACIO de John Coltrane con SampleRNN modificado. Escuchó el álbum 16 veces y luego continuó haciendo música al estilo. Lea más sobre esta investigación en síntesis neuronal: https://arxiv.org/abs/1811.06633   Los Voyager 1 y 2 se lanzaron en 1977 con un mixtape que Carl Sagan hizo llamado THE SOUNDS OF EARTH. Presentó a Blind Willie Johnson, Chuck Berry, grabaciones de risas, Beethoven, Bach, Stravinsky, junto con diagramas de órganos reproductivos humanos. Estaba destinado a una audiencia de formas de vida extraterrestres inteligentes. Sin embargo, utiliza un formato de música estática previamente grabado por personas. De este modo, cuando se lanzó Voyager 3, en lugar de una mixtape, contenía una red neuronal que generaba música de forma interminable, con la esperanza de que los alienígenas pudieran disfrutar del nuevo invento algún día.   Disfruta la música, aquí: 

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Tras 20 años de permanecer cerrado, podrían reabrir el Cine Ópera

Muchos quizá no lo recuerden o no les suene el nombre, pero el Cine ópera albergó algunos conciertos en la Ciudad de México, en un época en la que la oferta de conciertos era mucho menos a como es en la actualidad.    Aunque habían dudas sobre el estado en el que se encuentra el inmueble ubicado en Serapio Rendón 9, Colonia San Rafael, CDMX, las autoridades afirmaron que el lugar no tiene daños estructurales.   José Alfonso Suárez del Real, titular de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, confirmó en entrevista con el diario Reforma que pondrán en marcha un proyecto para rescatar este lugar, el cual recobrará su vocación como recinto para producciones audiovisuales.   Pese al abandono, se harán los trabajos apropiados para su reincorporación. Cabe mencionar que el recinto ha sufrido daños severos tras los recientes sismos que se han presentando en la Ciudad de México.    Fue inaugurado el 11 de marzo de 19491​ con la película “Una familia de tantas” del director Alejandro Galindo. Fue uno de los cines más populares de la capital mexicana durante varias décadas.   Es de estilo art decó, con una portada en la que destacan 2 esculturas talladas en piedra que muestran las máscaras de la comedia y la tragedia. Detrás de las mismas hay un gran ventanal que iluminaba el vestíbulo del cine. En 1993 fue retomado como sala de conciertos. En esa época se presentaron artistas como Bauhaus, o Human Drama. Debido a un altercado durante un concierto, fue cerrado a finales de 1998.   Fue entregado, en 2011, en resguardo al Instituto Nacional de Bellas Artes con el fin de convertirlo en un centro cultural.   CONCIERTOS: Mercyful Fate, 7 de noviembre de 1996. Bauhaus, 12 de octubre de 1998. Héroes del Silencio, 6 y 7 de febrero de 1996. Multiples raves. En 2011, Música e imagen confluyeron en Cine Ópera, con una exposición de Michael Nyman inaugurada el 24 de agosto en el Museo Universitario del Chopo. Películas en video y fotografías revivieron el esplendor y la decadencia de la derruida sala cinematográfica de la Ciudad de México. Construido entre 1942 y 1949, este cine estilo art decó funcionó como sala cinematográfica hasta 1971. Después fue sala de conciertos de rock y actualmente está en total abandono. El trabajo será arduo, pero esperamos con optimismo sea bien acondicionado y sea utilizado para la efervescente escena artística, cultural o musical de la Ciudad de México.

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La banda que abrió un nuevo camino al metal: Neurosis

Hace poco más de 20 años, Neurosis cambió el metal para siempre al lanzar su álbum de 1996 Through Silver in Blood, un ejercicio de más de 70 minutos de exorcismo espiritual que no solo los convirtió en leyendas, sino que también ayudaron a dar forma a cómo escuchamos la música pesada. Neurosis está alcanzando muchos hitos en la historia musical.   Neurosis es una banda estadounidense de post-metal formada a mediados de los años 1980 en el área metropolitana de la Bahía de San Francisco. Neurosis no han perdido ninguna de las amenazas o el manejo que los ha convertido en una banda singular en la música pesada. En sus primeros días, no se destacaron en voz alta, lanzando un puñado de discos de crossover hardcore que definitivamente eran ruidosos y rápidos, pero no necesariamente los diferenciaron como innovadores. Ya en los años 90, eso cambió con su sonido en constante evolución, se hizo más grande y, finalmente, aterrador de una manera extraña y hermosa. Al alejarse de la influencia de Bad Brains o Discharge de sus primeros discos, Neurosis comenzó a alejarse de un enfoque hardcore más básico con influencias de Swans y Godflesh, mientras exploraba todo el espacio abierto entre Joy Division y Black Sabbath.   Neurosis ha cubierto mucho terreno y han lanzado muchos discos muy diferentes durante su carrera. Es extraño imaginar a Neurosis, una de las bandas de metal más pesadas y más apocalípticas, una vez que compartió sello con Green Day, pero Lookout Records fue un puesto de avanzada para todas las cosas punk en el Área de la Bahía a finales de los 80 y principios de los 90. Y Neurosis era más una banda de punk que una banda de metal en sus inicios, levantando una tormenta de polvo que sonaba un poco como Amebix, Bad Brains y D.R.I.   El disco de The Word As Law (1990) es el sonido de una banda en transición. En unos pocos años, se las arreglarían para establecer su punto de vista más allá del crossover hardcore de su debut, aunque sin llegar a la madurez completa de la composición hacia géneros como el sludge. Lo que da como resultado es un álbum que es bastante largo, alcanzando los 70 minutos por su segundo esfuerzo, pero de ninguna manera cohesivo. No hay razón para que sea tan largo. Tiene muchas canciones y algunas de ellas son bastante buenas, pero son un poco por todas partes. No fue hasta que el álbum fue lanzado con un El valor de EP de CD extraes pistas en las que su dirección futura comenzó a hacerse más clara. La canción final en la lista de canciones es una versión de “Day of the Lords”, de Joy Division, y la combinación de su musculoso hardcore con un estilo vintage de goth-rock es esencialmente el sonido de Neurosis por venir. Y después de 5 años, Neurosis emerge completamente, la feroz bestia de una banda cuyas inquietudes épicas se han convertido en un sonido característico. Este es el Neurosis que ya conocemos y hacemos nuestro mejor esfuerzo para entender hoy. (No puedes entenderlos completamente, son una fuerza demasiado impresionante y mística para eso, pero al menos reconocemos las losas de metal triunfantes que crean.) Souls at Zero es a la vez inquietante y totalmente convincente. Al reducir su ritmo y centrarse en detalles más complejos, sin mencionar una mayor inversión en melodía y composición, Neurosis dio un gran salto hacia adelante a través de canciones como el sombrío post-punk de “To Crawl Under One’s Skin” o the bad- Viaje psicológico al metal. La mayor presencia de muestras siniestras y los sonidos encontrados aumentan la atmósfera de terror, y cuando la banda se encuentra en su punto más ambicioso, a saber, la aterradora pieza central “A Chronology for Survival”, son esencialmente incomparables.  Cada álbum de Neurosis en sus momentos más intensos puede sentirse como el fin del mundo. Pero todo es relativo. Por ejemplo: escuchar a casi cualquiera de ellos después del disco Through Silver in Blood parece disminuir la sensación de muerte inminente, aunque solo sea un poco. Ese álbum es una obra maestra. Y también lo es Times of Grace, quizá segundo finalista de la banda para el mejor álbum. Pero dado que esta es su primera grabación con Steve Albini, el resultado termina sintiéndose un poco más crudo y visceral. Es amenazador y directo, pero no tan aterrador. Es, sin embargo, increíble. Cada álbum de Neurosis en sus momentos más intensos puede sentirse como el fin del mundo. Pero todo es relativo. Por ejemplo: escuchar a casi cualquiera de ellos después del disco Through Silver in Blood parece disminuir la sensación de muerte inminente, aunque solo sea un poco. Ese álbum es una obra maestra. Y también lo es Times of Grace, quizá segundo finalista de la banda para el mejor álbum. Pero dado que esta es su primera grabación con Steve Albini, el resultado termina sintiéndose un poco más crudo y visceral. Es amenazador y directo, pero no tan aterrador. Es, sin embargo, increíble.   Neurosis son hermosos y brutales, grandes. Pero se siente más como una banda en vivo que crea algo juntos en lugar de una obra mística de fuerzas sobrenaturales. Hay algo refrescante acerca de lo tenso de sus canciones, la limpieza de las grabaciones y la maravilla de escuchar a una de las mejores bandas de metal que Estados Unidos haya conocido.   Discografía completa: Pain Of Mind, 1988 The Word As A Law, 1990 Souls At Zero, 1992 Enemy Of The Sun, 1993 Through Silver In Blood, 1996 Times Of Grace, 1999 Sovereign (EP), 2000 A Sun That Nevever Sets, 2001 Official Bootleg Series n. 1: Stockholm, Sweden, 2002 Official Bootleg Series n. 2: Lyon, France, 2002 Neurosis And Jarboe (split CD con Jarboe), 2003 The Eye Of Every Storm, 2004 Given To The Rising, 2007 Honor Found in Decay, 2012 Fires Within Fires, 2016

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Brian Eno crea lista de sus 13 discos favoritos, del Gospel al Afrobeat, del Shoegaze hasta el folk búlgaro

Para la mayoría, hacer una lista de nuestros álbumes favoritos implica una dosis de nostalgia. Recordamos momentos destacados y las canciones que sonaron, que estuvieron en rotación constante después de rupturas, de desafíos, de momentos de felicidad, etc. Más que cualquier otro medio, la música es profundamente personal. El viaje de Brian Eno por el mundo del sonido grabado, por ejemplo, se parece más al de un explorador del siglo XIX. Gravita hacia lo exótico culturalmente, hace observaciones estudiosas y promueve hipótesis y teorías. Al leer una entrevista que dio a The Quietus, la cual pide a artistas famosos que nombren sus 13 álbumes más importantes, surge un tema en la forma en que Eno habla sobre la música: el descubrimiento.   Eno escuchó por primera vez, el grupo del evangelio en la radio de los Estados Unidos. Para sus oídos, el estribillo “rendirse a su voluntad” sonaba como “rendirse a la rueda”, una frase críptica que provocaba todo tipo de asociaciones. Pero incluso después de que aprendió la verdadera letra, se enganchó al sonido del grupo y quería saber más, aunque él mismo no es religioso.   “¿Por qué estoy tan conmovido por una música basada en algo en lo que simplemente no creo?”, se preguntó Eno. Su respuesta se adentra en un territorio filosófico, luego termina en una nota inesperadamente optimista. Si le sorprende que uno de Eno los álbumes favoritos es un registro oscuro de un grupo de gospel amateur, checa la lista ecléctica a continuación.   The Dynamic Reverend Maceo Woods and The Christian Tabernacle Choir in Concert, por Reverend Maceo Woods and The Christian Tabernacle Choir   Farid El Atrache, por Farid El Atrache   Umut, por Arif Sag   “Go Where I Send Thee,” por The Golden Gate Quartet (single)   Fresh, por Sly and the Family Stone   Plantation Lullabies, por Me’Shell NdegeOcello   The Velvet Underground, por The Velvet Underground   Early Works, por Steve Reich   Afrodisiac, por Fela Ransome-Kuti & The Africa ‘70   Glider, por My Bloody Valentine   Heartland, por Owen Pallett   Grande Liturgie Orthodoxe Slave, por Chœur Bulgare Svetoslav Obretenov   Court and Spark, por Joni Mitchell

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Escucha la primera grabación de la voz humana (1860)

Cuando el inventor Édouard-Léon Scott de Martinville cantó una rima infantil en su fonograma de programa en 1860, no tenía planes de volver a reproducir esta grabación. Un precursor del cilindro de cera, el fonoautograma tomó entradas para el estudio de las ondas de sonido, pero no se pudo convertir en un dispositivo de salida. Qué asombroso entonces, más o menos 150 años después, podemos escuchar la voz de Scott en lo que ahora se considera la primera grabación de sonido humano.   Lo que escucharás en el video de arriba son las diversas etapas de reconstrucción e ingeniería inversa de la voz que se cantó ese día de abril de 1860, hasta que, al igual que limpiar décadas de suciedad se revela el arte original.

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La historia (homenaje) de un verdadero artista, Daniel Johnston

No Daniel Johnston, una figura de culto de la música underground que ha extendido sus influencias a otras corrientes musicales y que su arte tiene una calidad que, aunque quizá no es universal, resuena en otros artistas ¿Qué tienen en común Pearl Jam, Tom Waits y Beck?, además de ser figuras icónicas en sus respectivos géneros musicales, todos han interpretado alguna canción de Daniel Johnston. El mismo Kurt Cobain promocionó con profundo impacto el estilo musical de Johnston e incluso dijo que Yip/Jump Music era uno de sus álbumes favoritos de todos los tiempos. Larry Clark usó parte de la música de Johnston para crear la banda sonora de su controvertida película Kids en 1995. Lana del Rey produjo una breve biografía que narra la enigmática y peculiar vida de Johnston. La lista continúa, pero ¿quién es el hombre detrás de la musa de tantos artistas?. Nacido en 1961 Daniel Johnston creció en las colinas rurales del oeste de Virgina, es el menor de cinco hermanos. Después de no tener éxito en el curso de arte de la Universidad Estatal de Kent, se mudó a Austin, Texas para continuar con su carrera musical. Rápidamente reunió a un público local pequeño pero dedicado repartiéndoles cintas con su música en el McDonald´s dónde trabajaba. Sus fanáticos acudían con fervor a sus presentaciones no tradicionales, por ejemplo en sótanos y así, poco a poco, Johnston amplió su alcance al aparecer en un programa de MTV que promovía la Nueva Sinceridad en Austin, un movimiento cultural y musical que sería la clave para entender el atractivo de Johnston, sin embargo, fue hasta que Cobain apareció en los MTV Video Music Awards de 1992 con una camiseta con la portada del álbum Hi How Are You de Johnston hasta que realmente su popularidad comenzó a despegar. A pesar de que Johnston residía en un hospital psiquiátrico en ese momento por sufrir esquizofrenia y episodios maniacos intensos, los sellos discográficos mostraron gran interés en su música. Después de negarse a firmar un contrato de varios álbumes con Elektra Records porque creía que estaban asociados con satanás y lo lastimarían, finalmente llegó a un acuerdo con Atlantic. Por problemas comerciales Johnston tuvo que dejar el contrato y volvió a grabar su música a su manera: solo y por su propia cuenta.  Para Johnston, escribir canciones es una compulsión. A lo largo de toda su carrera su discografía total actualmente es de 29 álbumes, el último lanzado en el 2013. En resumen, el estilo de escribir canciones de Johnston es, en todo caso, verdaderamente honesto. No intenta oscurecer el significado de sus letras a través de la ironía o el cinismo. Debido a esto se puede identificar a Johnston como la voz del principal del movimiento de la Nueva Sinceridad tanto en la literatura como en la música. No todo lo escribe lo ha experimentado, tanto física como mentalmente, pero cuan estrechamente esté vinculado a la realidad o sus experiencias, es otra historia.  Cuando se escucha a Johnston existe la impresión de que su mente está plagada por las voces internas características de la esquizofrenia, llena de palabras e historias que él intenta expresar con desesperación. Hay un discernible sentido de urgencia en su voz y música a medida que sus pensamientos caóticos ocupan lugar central en sus temas. La instrumentación rudimentaria y simplista define su estilo, a menudo categorizada por los críticos como experimentación pop o folk que parece ser adecuada para sus letras de expresiones crudas con energía infantil. En sus actuaciones en vivo, Johnston parece frágil, colocado delicadamente en un escenario frente a una multitud que parece demasiado grande para el tipo de nicho que él quisiera.  Con la edad, Johnston adquirió un temblor permanente y debilitante como resultado de su tratamiento antipsicótico, se ha retirado de su carrera con una última gira en el 2017 y se encuentra en su casa dibujando y escribiendo cartas a sus familiares. En una entrevista para New York Times, Johnston dijo que no podía dejar de escribir, si dejara de hacerlo no habría nada. Tal vez todo parara.  Actualmente Johnston continua viviendo en Austin, a lo largo de su vida se ha convertido en una figura de culto de la música underground, su influencia se extiende a otras corrientes musicales y su arte tiene una calidad que, aunque quizá no es universal, resuena en otros artistas.   

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Música de mierda o de: ¿Cómo llegamos a odiar a Céline Dion? entrevista con el autor Carl Wilson

Carl Wilson es autor de uno de los libros más provocativos de los últimos años. Hablar de los gustos musicales, siempre trae consigo una ola de opiniones, entre lo que nos gusta, lo que no nos gusta y lo que odiamos. Para el autor y para un grosor de las audiencias, Céline Dion es una de las artistas más odiadas en el mundo y es en ella en quien basa su libro ¿Qué lleva a la canadiense a ganarse ese título? Bueno, a través de su texto “Música de mierda” Wilson nos sumerge por una serie de argumentos que van desde los históricos, hasta el rigor de un periodismo musical documentado. A lo largo de sus páginas, el libro nos encara a la construcción de nuestros gustos musicales, los esnobismos culturales y los gustos culposos. ¿Qué es tener mal o buen gusto musical? ¿Cuáles son los criterios para determinar eso? Y sobre todo ¿Por qué odiamos tal tipo de música? Aquí las impresiones del autor sobre Céline Dion, los snobs y la música de mierda.   1.- Sabemos que el título original de tu libro era “Hablemos del amor” pero la casa editorial catalana Blackie Books decidió traducirlo como “Música de Mierda” ¿Te gusta este título?   Nunca estoy muy seguro que pensar de eso, la gente de la casa editorial me dijo que es una frase muy común en España, y que la palabra mierda no es tan fuerte como en inglés. Me parece muy simpático, y decidí confiar en sus instintos cuando me lo sugirieron. Aunque me preocupa que pierda la ambigüedad del título original. Se llama “Hablemos del amor” porque es el título del álbum de Céline Dion y era el formato de la serie 33 ⅓ para usar el título del álbum como el nombre del libro. Sin embargo, me gusta temáticamente, ya que el gusto es un sistema de amores y antipatías, y para mí significa “Hablemos del gusto”. El título original y los títulos de los capítulos eran más simétricos. Tengo miedo de que el título en español haga enojar más a los fans de Céline Dion de lo que yo quería.   2.- Henry Raynor dice que “Estar lo bastante al tanto de cierto tipo de música como para detestarla, es estar influido por ella” ¿Estás influenciado por Céline Dion?   Ella ha tenido una gran influencia en muchos años de mi vida, al menos profesionalmente. De hecho siento un profundo afecto por Céline en este momento. Me he comprometido y vivido mucho con su presencia. Regresando a la pregunta, también es verdad que lo que no nos gusta nos influencia en muchas maneras: Afecta nuestra imagen cuando uno se define en contra de ciertas cosas. Puedes ver esto políticamente, y se extiende dentro de la cultura. Mucho del objetivo del libro es cuestionar esos reflejos, e imaginar una estética que no se define a ella misma contra las cosas. Mientras sigo perdonando lo que no me gusta por diversión, ya soy más cauteloso de ello ahora, especialmente cuando parece que me hacen ser mejor o más auténtico que los demás. Ese proceso es uno donde Céline me ha influido mucho, no solo como mi caso de estudio, sino en las cualidades que ella tiene. Su urgencia para calmar el conflicto o su deseo de universalidad.   3.- En el libro hablas acerca del principio de tu odio hacia Céline Dion, y tiene una relación directa con el artista de culto Elliot Smith. Cuentas como Smith defendió a Dion por ser amable y modesta. Si un músico como Elliot Smith lo dice, ¿hay una posibilidad de que nosotros estemos equivocados acerca de Dion?   Bueno, el ejemplo de Elliot Smith fue una forma de poner mis sentimientos en la historia más que hablar de él individualmente, lo que sí, es que me sorprendió como defendió a Céline. Al final, esa historia sugiere desde el principio que Smith tenía razón y yo estaba equivocado, y es de lo que trata el resto del libro; discutir porqué.   4.-Si pudieras entrevistar a Céline Dion ¿Cuál sería tu primera pregunta?   Lo que más me gustaría preguntarle es cómo maneja toda la negatividad y burla dirigida hacia ella, particularmente en los años 90, y qué pensó que lo provocaba. Intenté un par de veces hablar con ella, pero creo que su equipo la protege de cualquier cosa que sugiera algo negativo. (Precisamente por esas experiencias). También me gustaría preguntarle que caminos musicales seguiría si pudiera quitarse la presión comercial de su carrera.   5.- ¿Qué caso odiarías más: Tu vecino usando una playera de tu banda favorita sin saber nada de música, o tu vecino escuchando todo el día “Let’s talk about love” de Céline?   Asumiendo que puedo escuchar a través de las paredes, es terrible cada vez que un vecino escuche la misma música una y otra vez, no importa si es Céline o alguien que me guste. Ése sería el problema más grave. Creo que lo de la playera no me molestaría en lo absoluto. Ya no quiero ser el policía de los gustos de otras personas, ni siquiera de los míos. No es una buena forma de relacionarse con la estética.   6.- Si tuviéramos que cocinar al perfecto snob de la música ¿Cuáles serían los tres ingredientes principales que escogerías?   El perfecto snob de la música sería como un monstruo, un psicópata de la estética. Mis tres ingredientes serían: falta de empatía, una obsesión por ser cool y una buena memoria para trivias obscuras.   7.- Dicen que los millenials escuchan de todo, desde Kendrick Lamar a Westlife. ¿Todavía hay espacio para el odio hacia la música?   La gente definitivamente sigue odiando canciones, ya sea por sobre exposición, razones ideológicas u otras asociaciones, pero creo que hay menos de eso actualmente de lo que solía haber antes. Estamos en un estado poco inusual de apertura, lo cual me hace feliz. Por otro lado, creo que generalmente la música no significa tanto para la

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Mattel lanza barbie David Bowie para conmemorar el 50 aniversario de “Space Oddity”

El fabricante de juguetes Mattel está lanzando la muñeca de edición limitada Ziggy Stardust en honor al 50 aniversario del innovador éxito de la cantante de 1969, “Space Oddity”.   La nueva muñeca presta mucha atención a la estética icónica de Stardust, con una melena roja lisa, un esmalte de uñas negro, sombras de ojos azules y naranjas, pendientes de plata y la pintura de la esfera de la esfera dorada de Bowie. La muñeca también viene con el famoso traje espacial del cantante y las botas rojas de plataforma. El diseño pretende rendir homenaje a Bowie, quien “era y sigue siendo una presencia única en la cultura contemporánea” y “cuyas dramáticas transformaciones musicales continúan influyendo e inspirando”, según un comunicado de Mattel.   Esta no es la primera vez que Barbie experimenta con un nuevo estilo. En los últimos años, la compañía ha lanzado una variedad de muñecas especiales en un intento por diversificar la marca Barbie y llegar a audiencias más grandes y cambiantes.   La compañía también se ha asociado con varias casas, incluyendo Christian Dior, Givenchy, Vera Wang, Ralph Lauren y Oscar de la Renta, para crear muñecas especiales.   En este enlace puedes comprar la barbie David Bowie. 

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