Depósitio Sonoro

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Escucha la canción más antigua del mundo: un himno sumerio escrito hace 3,400 años

A principios de la década de 1950, arqueólogos desenterraron varias partituras de arcilla del siglo XIV antes de Cristo. El hallazgo fue en la antigua ciudad siria de Ugarit, éstas contenían signos cuneiformes en la lengua hurriana, resultando ser la la pieza musical más antigua jamás descubierta, un himno de culto de hace más de 3,400 años. La pieza, escribe Richard Fink en un artículo de 1988 de Archeologia Musicalis, confirma la teoría de que “la escala diatónica de 7 notas y la armonía existieron hace 3,400 años”. Esto, agrega Fink, “contradice la opinión de la mayoría de los musicólogos que la antigua armonía era prácticamente inexistente (o incluso imposible) y la escala era tan antigua como la de los antiguos griegos “.   Por su parte, Richard Crocker, afirma que el descubrimiento revolucionó todo el concepto del origen de la música occidental y abrió nuevos debates académicos sobre cómo suena la canción más antigua del mundo. Escucha una versión de midi a aquí abajo. Indudablemente, el teclado midi no fue el instrumento de elección de los sumerios, pero es para darnos una idea de esta composición, aunque el ritmo de la pieza es solo una teoría.

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El disco “The Infamous”, de Mobb Deep, cumple 24 años, unos de los pilares del hip hop

El estilo estilo subterráneo y áspero de Mobb Deep es un elemento básico en el movimiento hardcore que estaba ocurriendo en este momento en Nueva York. Este álbum ayudó al Hip Hop de Nueva York a separarse del estilo boom-bap que fue popular hace unos años. La producción de sus dos integrantes: Havoc y Prodigy, adaptó a un nuevo sonido que podría separarlos de cualquier de la época.   El disdo The Infamous ayudó a allanar un camino para futuros artistas como The Diplomats o A $ AP Mob. Su sonido apelaba a un lado de Nueva York al que los artistas políticamente cargados a finales de los 80 no habían hablado. A principios de los 90, al igual que el primer álbum de estudio de Wu-Tang Clan titulado Enter the Wu-Tang (36 chambers), Mobb Deep actuó como profeta callejero, escupiendo la verdad sin tratar de ser justo al respecto. Con artistas como Ghostface Killah, Nas y Q-Tip, este proyecto fue un titán entre sus compañeros.   El álbum fue un éxito comercial debutando en el número 15 en el Billboard 200 y el número 3 en las listas de R & B / Hip Hop. El álbum recibió el certificado de oro en el primer mes de su lanzamiento y los singles del proyecto aparecieron en la lista de éxitos de Billboard Hot Rap: “Shook Ones Pt. II” y “Survival of the Fittest”.

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Escucha una espectacular sesión en vivo con Kamasi Washington, para la WFUV Public Radio

Kamasi Washington (Los Ángeles, 1981) es un saxofonista de jazz, compositor, productor y líder de banda estadounidense. Washington es conocido principalmente como intérprete de saxofón tenor. Veamos esta sesión de Kamasi Washington tocando “Truth” en directo in Studio A. Recorded 11/21/17. Presentador: Rita Houston Audio: Ben Adamson and Chris Russo Camaras: Mary Munshower, Jim O’Hara, Nora Doyle, Kayee Kurkierewicz, and Jake Lee Editor: Mary Munshower

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Bandcamp ayudará a lanzar álbumes en formato vinyl

El servicio permitirá a los artistas presionar discos sin costos de desembolso. Bandcamp ha revelado un nuevo servicio para el crowdfunding y el prensado de lanzamientos de vinilo.   El servicio permitirá a artistas recaudar dinero para sacar el vinilo, de modo que el proceso de fabricación no conlleve costos o riesgos de desembolso. El diseño, los precios y los márgenes de ganancias dependerán del artista, mientras que Bandcamp se encarga de la impresión y envío. El servicio de música estadounidense dice que están trabajando con un fabricante con más de 60 años de experiencia en la producción de vinilo. Las ventas de discos de vinilo en Bandcamp han crecido un 600% en los últimos cinco años, y cada mes se agregan otros 3,500 álbumes de vinilo al sitio. El resurgimiento del formato ahora está firmemente establecido y se ve por lo que realmente representa: un deseo generalizado de conectarse más profundamente con la música, libre de distracciones digitales y una apreciación creciente de lo que a menudo es un arte coleccionable y sorprendente que suma valor a la música.   Y, sin embargo, la mayoría de la música nueva no está disponible en vinilo. Apenas el 9% de los álbumes con ventas en Bandcamp en 2018 ofrecieron una versión de vinilo, y miles de ellos están agotados y parece poco probable que se vuelvan a grabar. La razón de esta situación, y la creciente cantidad de ingresos de artistas sin explotar, es que la producción de vinilo sigue siendo un desafío. Es una empresa costosa y arriesgada, y lidiar con el cumplimiento y las devoluciones puede ser increíblemente lento.    Su nuevo servicio de prensado de vinilo agiliza el financiamiento, la producción y el cumplimiento de los discos de vinilo. Sin una inversión, un artista o sello puede crear una campaña de vinilo y comenzar a tomar pedidos casi de inmediato. Una vez que alcanzan su objetivo mínimo, presionamos sus registros y los envían a sus fanáticos.   El nuevo servicio elimina el riesgo, ya que ellos imprimen los discos, el empaque y envían a los fanáticos. Y produce un resultado de calidad: su socio de fabricación tiene más de 60 años de experiencia en el prensado de vinilo, por lo que los registros se ven y suenan muy bien.   El servicio de vinilo de Bandcamp se abrirá a todos los artistas, pero han lanzado 4 campañas piloto que brindan una idea de lo que es posible. Checa cómo funciona dando clic aquí. El servicio se extenderá a todo Bandcamp a finales de este año 2019.

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La serie Better Call Saul no volverá hasta 2020

Según la presidenta de AMC, Sarah Barnett, la quinta temporada de Better Call Saul no se inclinará hasta al menos el año 2020. ¿El razonamiento? “Está impulsado por las necesidades de talento, que no se anularían si resultara en un espectáculo peor”, dijo a Vulture.   El retraso tiene sentido. Después de todo, el creador de la serie, productor ejecutivo y showrunner Vince Gilligan está trabajando arduamente en la película de Breaking Bad con Aaron Paul y Bryan Cranston, la cual tendrá su estreno a través de Netflix en próximos meses. Por su parte, la última cuarta temporada de Saul se ejecutó mucho más tarde de lo habitual, haciendo una reverencia a fines del verano pasando la fecha de su tradicional lanzamiento de primavera.   Entonces, independientemente de la película o la programación del talento, un retraso era bastante inevitable. Por supuesto, la gran pregunta es cuándo terminará la serie. Breaking Bad puso fin a las cosas en 5 temporadas, por lo que es una suposición razonable de que deberíamos vencer al último chelín de Saul. Barnett bromeó tanto. “Bueno, sabemos claramente que el final ya estaba escrito antes de que comenzara el comienzo”, bromeó. “Los escritores tienen un sentido muy particular y muy claro del arco de su programa”. Luego dijo: “Ciertamente nos estamos acercando a él”. Suspiro, parece que nuestro tiempo en Nuevo México está casi terminado.

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Deconstruyendo el Reggaeton con Kelman Duran

Kelman Duran, un artista multidisplinario originario de la República Dominicana que le da un giro fantasmal  al reggaeton haciendo digerible Kelman Duran es un artista multidisciplinario nacido en la República Dominicana, un hombre con muchos talentos. Proviene de un pequeño pueblo llamado La Ermita, la vida lo ha llevado a vivir su infancia en Washington, estudiar la universidad en Los Ángeles, a trabajar en Corea del Sur y a ser curador de un espacio de arte en Tijuana antes de regresar a California en donde su carrera musical ha florecido completamente. Es ahí en donde su versión deconstruida de reggaeton comenzó a nacer y a ganarse a las audiencias en las altamente influyentes fiestas de Rail Up durante el 2018. Sus ideas finalmente se conjugaron en un álbum debut titulado 1804 Kids, un disco con una propuesta nueva que dio como resultado el éxito instantáneo y totalmente inesperado de Kelman dejando a las personas deseando más.  En respuesta a la demanda desesperante de sus inesperados fans, Kelman Duran lanzó a través de Apocalipsis el álbum 13th Month que proviene de un proceso de producción más consciente y que abrió un nuevo capitulo en la carrera de Kelman, ya que no solo compuso piezas orquestales de música etérea, sino que también explora su herencia africana explorando elementos de géneros como el gqom de Sudáfrica y kuduro de Angola. Escucha a Kelman Duran y baila su versión del reggaeton, quizá más digerible.

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Kraftwerk, los arquitectos de la música que cambiaron el mundo

El enfoque innovador de la banda más alemana de las bandas alemanas ha permitido que su sonido se ramifique hacía muchos géneros y tendencias que surgieron después de sus primeros lanzamientos en la década de los setentas hasta la actualidad. Kraftwerk comenzó con dos estudiantes alemanes de cabello largo y facciones serias, incluso intimidantes, Ralf Hütter y Florian Schneider, que se conocieron en Dusseldorf en 1968 tocando música experimental con instrumentos eléctricos y acústicos junto a el guitarrista Michael Rother y el baterista Klaus Dinger (quienes luego formaron Neu!). Cuando se formó Kraftwerk en 1968 la música provenía básicamente de instrumentos de madera, de cuerdas que vibraban, de tambores de piel que retumbaban con golpeteos e instrumentos de metal. Las canciones hablaban sobretodo de amor, sexo y muerte, el mundo venidero no estaba en la mente de los artistas. Ahí fue cuando apareció Kraftwerk con su obsesión infinita en la fusión del hombre y la tecnología. Pasaron seis años más después de su formación (y tres producciones cortas en gran parte instrumentales de improvisación electroacústica) para que Kraftwerk anunciara la llegada de su primer álbum en 1974 Autobahn y otros cuatro años más para que los cuatro miembros de Kraftwerk se proclamaran autómatas en The Robots, tema de facto de la banda y del álbum The Man Machine de 1978.  Kraftwerk también cambió el significado de ser una banda. En dónde Led Zeppelin, Queen y The Who irrumpieron en el escenario con joyas, cadenas, grandes anillos, tops que les descubrían el pecho, drogas en exceso y alcohol, Kraftwerk llegó con un estilo solemne de trajes limpios, siempre sobrios con el cabello perfectamente peinado, todo en su máxima expresión. En el mayor éxtasis de sus canciones eventualmente realizaban algunos movimientos mínimos sabiamente rítmicos, nunca grandes movimientos de cuerpo. A pesar de que la imagen de Kraftwerk ha cambiado a lo largo de los años, desde ser los músicos conservadores de pelo largo hasta los estilizados maniquíes que hacen música, Kraftwerk siempre creó un terreno para los circuitos del pop moderno. David Bowie fue el primero en introducirse al tema dedicando V-2 Schneider de su LP Heroes al fundador de Kraftwerk. New Order utilizó la música de Schneider en su tema casi himno internacional Blue Monday. The Human League y Depeche Mode siguieron el mismo ejemplo. REM es otra de las cientos de bandas que han seguido la misma doctrina de Kraftwerk. Para Marc Almond de Soft Cell, los músicos alemanes son los representantes más importantes del electro pop. Kraftwerk es una influencia temprana de la escena hip hop, ya que básicamente inventaron la música electrónica que tuvo gran influencia en el pop y R&B contemporáneo. Por lo tanto, se convirtieron en el inverosímil padrino de la música de baile electrónica negra y del hip hop estadounidense, pieza inspiradora del sur de Bronx y Detroit. Hoy en día, la resonancia de Kraftwerk se puede escuchar en obras tan variadas como Radiohead y el hip hop de Kanye West y T-Pain.  Los ritmos fríos y estériles, las voces distorsionadas y robóticas, las letras a menudo concisas crean un ambiente único que es la base para crear melodías frías y hostiles del género denominado electronic body music encarnado por bandas belgas como Front 242 o Laibach de Eslovenia, cuyo líder Ivan Novak ve a Kraftwerk como la banda más importe e influyente de todos los tiempos. El trabajo de Kraftwerk también ayudó a sentar las bases del sonido minimalista del movimiento techno que surgio a finales de los ochentas y principios de los noventas en Detroit.  La influencia de Kraftwerk parece tan palpable hoy como lo ha sido desde su inicio. Una banda organizada y sistemática en quienes el principio de renunciar a la tradicional imagen de una banda les funcionó a favor del diseño casi pulcro de su sonido. 

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Sobre la faceta musical de Charles Chaplin

Charles Chaplin nació el 16 de Abril de 1889 en Londres, Inglaterra. Posee una extensa trayectoria como actor, humorista, compositor, productor, guionista, director, escritor, editor y financista de sus películas. Pero también en la música.  A lo largo de su vida, Chaplin recibió múltiples reconocimientos y nominaciones. Recibió el premio Óscar Honorífico en 1928 y 1972, fue candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, fue nombrado caballero de la Orden del Imperio Británico en 1975​ y se colocó una estrella con su nombre en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1970. En 1952, tras una serie de problemas políticos que lo involucraban con el comunismo y con la realización de actividades antiestadounidenses, debió exiliarse en Suiza, donde pasó el resto de su vida. Además de todo esto, Charles Chaplin fue un músico autodidacta, pero esto no fue impedimento para que el artista creara muchas de las composiciones musicales de sus películas. Para la composición buscaba la asesoría de músicos profesionales, y así de esta forma plasmar sus ideas musicales. En su juventud se convirtió en un gran apasionado y aficionado de la música, con la cual también llegó a ganarse la vida. Aprendió a tocar de forma empírica varios instrumentos musicales, tales como violín, piano, violonchelo, flauta y órgano. Todo los hacía de oído y estaba dotado de un sentido innato para la melodía. Muchas de sus partituras las esbozaba al piano o simplemente las silbaba a sus arreglistas musicales que se encargaban de componerlas. Luego las trabajaban juntos durante largas sesiones, cuidando hasta el más mínimo detalle. La música llena todas sus películas con una gran elegancia. La canción “Smile”, escena final de la película “Tiempos modernos” (1936). Ésta es una de las obras que mayor repercusión ha tenido, y se puede afirmar que es la más conocida. En el año de 1954 fue compuesta la letra de dicha canción por los compositores John Turner y Geoffrey Parsons. Es necesario destacar que esta película no se estrenó en Estados Unidos debido a problemas ideológicos y políticos que Charles Chaplin tuvo con el gobierno de los Estados Unidos, lo cual lo obligó a exiliarse en Suiza.   No fue sino hasta el año de 1972 que el Film se estrenó en Estados Unidos. El tema de la película “A King of New York”, con la cual se asoció con el pianista y músico profesional Eric James para la realización de los arreglos y posterior grabación. Chaplin siempre vio como elemento fundamental la música en sus films, y sus temas o motivos combinaban lo emotivo con la comicidad.   Entendió que la melodía debía protagonizar sus composiciones, ya que consideró que la misma era el vehículo más adecuado para la expresión de los sentimientos puestos en escena, y así generar conexión con el público en la transmisión del mensaje de sus películas.     Genio de la humanidad.

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