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El Krautrock, un término inicialmente despectivo pero que con el tiempo se ha convertido en un género musical icónico, surgió en Alemania a finales de los años 60 y principios de los 70. Esta corriente musical, impulsada por una mezcla de innovación sonora, influencias de la psicodelia, y una ruptura con las tradiciones del rock anglosajón, resultó fundamental para la evolución de la música moderna, sentando las bases para el desarrollo de géneros como el post-rock, la música experimental y la música electrónica. A pesar de sus raíces germanas, el impacto del Krautrock trascendió fronteras, influyendo a artistas de todo el mundo y moldeando el sonido de futuras generaciones. Este artículo explora su historia, su evolución y su importancia en la música contemporánea. Los orígenes del Krautrock: Un país dividido y una juventud en busca de identidad El Krautrock nace en un momento de gran agitación social y política en Alemania. Tras la Segunda Guerra Mundial, el país estaba devastado y dividido en dos bloques: la República Federal de Alemania (Alemania Occidental) y la República Democrática Alemana (Alemania Oriental). Esta división no solo afectaba lo político, sino también lo cultural. La generación que emergió en los años 60, principalmente en Alemania Occidental, se rebelaba contra las tradiciones de sus padres, la cultura conservadora y, sobre todo, contra la herencia nazi que aún pesaba sobre la sociedad alemana. Musicalmente, los jóvenes alemanes estaban cansados de la influencia predominante de la música anglosajona, especialmente del rock británico y estadounidense, y querían crear un sonido propio que representara su realidad y experiencias. Es aquí donde comienza a gestarse lo que luego se conocería como Krautrock. La experimentación y el rompimiento con las reglas del rock El término “Krautrock” fue originalmente acuñado por los medios británicos para describir la música experimental que venía de Alemania. “Kraut” era una palabra despectiva que hacía referencia a los alemanes, pero los músicos que formaban parte de esta escena abrazaron el término y lo redefinieron. Uno de los aspectos más notables del Krautrock es su rechazo a las fórmulas tradicionales del rock. En lugar de seguir las estructuras convencionales basadas en el blues o el rock and roll, los grupos de Krautrock optaron por una música más experimental, basada en largas improvisaciones, exploraciones sonoras y el uso de tecnología avanzada para la época, como los sintetizadores y secuenciadores. El minimalismo, la repetición hipnótica y la exploración sonora eran elementos clave. Los músicos de Krautrock buscaban ir más allá de las fronteras del rock convencional, experimentando con nuevas formas de ritmo, armonía y textura. Influenciados por la música de vanguardia, el jazz experimental y la música electrónica temprana, crearon un sonido que fue tan innovador como influyente. Bandas esenciales del Krautrock El Krautrock no es un género con un sonido homogéneo; en realidad, es una etiqueta que abarca una gran variedad de estilos musicales, desde el rock psicodélico hasta la música electrónica y experimental. Algunas de las bandas más importantes y definitorias del movimiento son: La importancia del Krautrock en la música contemporánea El Krautrock dejó una huella indeleble en la música contemporánea. A pesar de que su apogeo fue en los años 70, su influencia ha perdurado y se ha extendido a través de las décadas, afectando a una amplia gama de géneros. Conclusión El Krautrock fue más que un movimiento musical; fue una respuesta cultural a una época de cambios radicales, una ruptura con el pasado y una búsqueda de nuevas formas de expresión. Aunque sus bandas clave surgieron en Alemania, su impacto se sintió en todo el mundo y su influencia sigue vigente en la música contemporánea. Al rechazar las convenciones y abrazar la experimentación, el Krautrock abrió nuevos caminos que permitieron la evolución de géneros que hoy consideramos esenciales. En resumen, es un testimonio del poder transformador de la música y su capacidad para desafiar y trascender fronteras.

La compositora, arpista y productora Nala Sinephro ha vuelto a cautivar al mundo de la música con su nuevo disco titulado Endlessness. Tras el éxito de su álbum debut Space 1.8 (2021), Sinephro continúa desafiando las barreras sonoras con su enfoque experimental, combinando jazz, ambient y música electrónica de manera íntima y profunda. Endlessness se presenta como una extensión de su exploración del espacio y el sonido, pero con una mayor profundidad emocional y un sentido de expansión musical que se percibe como una travesía a través de lo etéreo. Un viaje hacia lo desconocido Nala Sinephro es conocida por crear paisajes sonoros que invitan a la meditación, la introspección y la exploración emocional. En Endlessness, la artista belga-caribeña lleva este concepto un paso más allá, sumergiendo a los oyentes en un entorno inmersivo y expansivo. Desde los primeros acordes, el disco teje texturas y sonidos que evocan una sensación de vastedad, pero a la vez intimidad, como si el oyente estuviera flotando en un espacio abierto, en constante transformación. La elección del título Endlessness (Infinidad) no es casual. Las composiciones del álbum parecen desarrollarse sin límites, con un flujo natural que se mueve entre lo acústico y lo electrónico, donde las fronteras entre los géneros se desvanecen. La arpista crea ambientes donde el jazz, el minimalismo y el ambient se entrelazan de manera orgánica, formando un conjunto que, aunque complejo, es sorprendentemente accesible. Colaboraciones clave y expansión musical En Endlessness, Sinephro continúa colaborando con músicos de la vanguardia jazzística de Londres, un colectivo en el que ha encontrado un espacio fértil para la innovación. Colaboradores como el saxofonista Shabaka Hutchings y el baterista J.D. Beck contribuyen con su talento a las texturas que definen el disco. Estas colaboraciones aportan una mayor riqueza a la obra, permitiendo que las ideas musicales de Sinephro se desplieguen en todo su potencial. Uno de los aspectos más llamativos del álbum es su capacidad para equilibrar la improvisación con estructuras melódicas bien definidas. Aunque Sinephro permite que sus colaboradores aporten su estilo personal, mantiene una dirección clara y cohesiva que guía la experiencia de escucha. El resultado es un álbum que se siente tanto improvisado como meticulosamente planeado, donde la libertad y el control coexisten de manera armónica. Temas y exploración sonora A nivel temático, Endlessness continúa explorando algunos de los tópicos que ya estaban presentes en su obra anterior, como la espiritualidad, el cosmos y la sanación. Sin embargo, en este disco hay una mayor sensación de introspección y un enfoque más directo en la conexión entre el cuerpo y la mente. Los sonidos suaves del arpa, las líneas de bajo sutiles y los ecos de sintetizadores crean un ambiente meditativo, ideal para una escucha profunda. Cada pieza del álbum parece tener vida propia, con movimientos que invitan a detenerse y contemplar. A menudo, las canciones comienzan de manera simple, pero lentamente se expanden en capas de sonido que crean una sensación de ascenso, como si el oyente estuviera siendo guiado hacia alturas inexploradas. Esto refleja la habilidad única de Sinephro para construir paisajes sonoros que nunca son estáticos, sino dinámicos y envolventes. La influencia del ambient jazz Al igual que en Space 1.8, Endlessness se sitúa en un espacio donde el jazz se mezcla con la electrónica, el ambient y las influencias espirituales. Esta fusión de géneros se ha convertido en la marca distintiva de Sinephro, que no se adhiere a las convenciones del jazz tradicional, sino que lo utiliza como un punto de partida para su exploración sonora. La naturaleza meditativa del álbum también lo coloca en el territorio del ambient jazz, un género que está en auge gracias a artistas que buscan formas más atmosféricas y menos estructuradas de expresión musical. Sinephro, con su dominio del arpa y su talento para la producción electrónica, ha demostrado ser una de las principales exponentes de este subgénero emergente. En Endlessness, su capacidad para crear música que trasciende las etiquetas y las categorías de género la sitúa como una de las artistas más innovadoras y emocionantes de su generación. Un viaje infinito Endlessness es más que un álbum: es una experiencia sensorial que trasciende lo auditivo. Es un espacio en el que la música se siente casi táctil, donde cada nota y cada sonido tienen un peso emocional que invita a la reflexión y a la inmersión total. Nala Sinephro no solo nos ofrece un viaje sonoro hacia lo desconocido, sino que nos muestra que en la música —como en el universo— el límite es solo una ilusión. Con este disco, Nala Sinephro reafirma su posición como una de las voces más originales de la escena contemporánea, y su capacidad para llevar al oyente a nuevas dimensiones sonoras la convierte en una fuerza artística a seguir de cerca en los años venideros. Nala Sinephro (1996) es una música de jazz experimental caribeño-belga que reside en Londres. Es conocida por sus composiciones de jazz ambiental, en las que toca principalmente el arpa de pedal, el sintetizador modular, los teclados y el piano.1​ En 2021, publicó su primer álbum de estudio, Space 1.8, en Warp Records con el que obtuvo gran éxito por parte de la crítica. El álbum ocupó un lugar destacado en las listas de fin de año de varias publicaciones musicales, lo que aumentó su visibilidad de forma significativa.

Serra Petale (guitarra), Agustina Ruiz (keytar, sintetizadores), Josefine Jonsson (bajo) y Carolina Faruolo (batería) son las mentes maestras detrás de Los Bitchos, agrupación retro futurista con base en Londres que mezcla exitosamente la cumbia argentina, el psych turco, la chicha, la psicodelia y el surf rock. Cada integrante cuenta con diversos orígenes: Uruguay, Suecia, Australia y Reino Unido, y es precisamente debido a este hermoso melting pot, que poseen un sonido único.  En sus inicios, la agrupación no tenía una alineación definida, era una especie de experimento musical entre Serra y Carolina. Meses después se sumaron Agustina y Josefine. De 2021 a 2022, la banda londinense publicó una serie de singles, pero fue cuando lanzaron su álbum  debut Let the Festivities Begin! (City Slang, 2022), producido por Alex Kapranos de Franz Ferdinand, que captaron la atención de la critica y esucuchas. Este trabajo es una vibrante celebración del ecléctico sonido de la banda. Su más reciente trabajo de estudio, Talkie Talkie (City Slang, 2024) sobresale por su carisma, su experimentación sonora y su espíritu evolutivo. Llamado así por un club ficticio del mismo nombre, Talkie Talkie es un paraíso nocturno rebosante de libertad y posibilidades, un lugar donde los fiesteros pueden escapar de la realidad en el baile o soñar despiertos al ritmo de vigorizantes paisajes sonoros.  Con motivo de su presentación el próximo sábado 5 de octubre en el Foro Indie Rocks!, Leo Moreno platicó con la banda sobre por qué se llaman Los Bitchos, su más reciente álbum, su gusto por Cocteau Twins, Ramones, Sleater-KInney, Gloria Trevi y Los Locos del Ritrmo, sus procesos creativos y su gran emoción por venir a México.  ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más info: Para ganar un pase doble dinos una pregunta que te haya resultado interesante de la entrevista que les hicimos y enviamosla al correo: [email protected]

Un festival que recopila muchas de las bandas que marcaron a una generación, y con la cual muchos de los chicos de los 90’s crecimos escuchando y que nuevas generaciones están retomando. Con headliners como lo son: Mudvayne, Drowning Pool, Static X, Ill Niño, P.O.D., Kittie , Resorte, es que se presenta este cartel del primer Nu Metal Revolution Vol. 01, el cual se llevará a cabo el próximo 26 de octubre en el Velódromo Olímpico en CDMX. Otras de las bandas que estarán presentándose en este evento son: Dope, Ladrones, Hed Pe, Adema y Filtro. Pese a la muerte de Wayne Static en 2014, Static X continua con Xer0, con quien ya han tenido dos discos: Regeneration, Vol. 1 y 2. En cuanto a Mudvayne, recordemos que en 2023 cancelaron su participación en el Hell and Heaven, por lo cual podemos decir que es una de las bandas más esperadas de este cartel. P.O.D. y Kittie son también unas de las bandas más comentadas y esperadas por el publico metalero en México, seguramente recordaras temas como Youth of the Nation y Brackish, temas muy queridos y conocidos de estas dos bandas, que incluso podriamos decir que ya forman parte de la cultura popular y sobra todo de la escena. Olvidate un rato del dolor de rodilla y lanzate a recordar los viejos tiempos, los boletos ya se encuentran a la venta a través de Super Boletos.

La banda Converge, pionera del metalcore y el hardcore punk, ha tenido una gran importancia en México, no solo por su legado musical, sino por su influencia en la escena hardcore y metal del país. Importancia de Converge en México: Álbumes esenciales en México: En resumen, Converge es una banda de enorme relevancia en México, particularmente en los círculos del hardcore y metal underground. Su legado de innovación y autenticidad ha dejado una huella profunda en la escena musical mexicana. Su presentación será la segunda en México; sin embargo, ésta se sentirá con mayor cercanía de la gente debido a que la otra fue en un Festival. Será un concierto memorable en el Nuevo Alicia, ubicado en el corazón de la CDMX. Boletos aquí: https://ticketplanet.com.mx/CONVERGE-EN-MEXICO/

Big Mick Hughes, el renombrado ingeniero de audio de sala (FOH), reconocido por su trabajo en más de 1,500 shows de Metallica a lo largo de tres décadas, fue un orador invitado destacado en la serie de seminarios web Meyer Sound Mixing Workshop. Big Mick se une al presentador del programa y mezclador experimentado Buford Jones y comparte su experiencia y conocimientos con los participantes. “Big” Mick Hughes es un ingeniero de sonido británico, mejor conocido por su trabajo como ingeniero de sonido en vivo para la icónica banda de heavy metal Metallica. Su colaboración con Metallica comenzó en 1984 y ha sido fundamental en moldear el potente y característico sonido en vivo de la banda, que es reconocido por su claridad y potencia, incluso en grandes estadios. Aspectos clave de la carrera de Big Mick Hughes: Contribución al éxito de Metallica: La habilidad de Big Mick para hacer que Metallica suene de manera consistente, independientemente del tamaño del lugar o las condiciones acústicas, ha sido un factor clave para los legendarios conciertos de la banda. Su capacidad para mantener la intensidad y fidelidad de las grabaciones de estudio en entornos de alta demanda en vivo es una de las razones por las cuales Metallica es reconocida como una de las mejores bandas en directo. En resumen, Big Mick Hughes es un pilar en el éxito en vivo de Metallica y uno de los ingenieros de sonido en vivo más influyentes de la historia del rock y metal.

Ambient country es un subgénero musical que combina elementos de la música ambiental y country, creando paisajes sonoros atmosféricos, con influencias de guitarras de acero, tonos tranquilos y una sensación expansiva que evoca vastos paisajes rurales. Es un género más reciente y experimental, que toma lo minimalista y atmosférico del ambient y lo fusiona con las raíces del country tradicional, produciendo música introspectiva y etérea. Este estilo ha ganado popularidad en los últimos años entre aquellos que buscan una alternativa más experimental dentro del country, o una variación más orgánica dentro del ambient. Las guitarras con reverberación y los elementos acústicos del country se funden con las capas de sonido características del ambient, creando una mezcla que es relajante, melancólica y a menudo cinematográfica. Algunos discos esenciales del ambient country Características comunes del ambient country: El ambient country es una propuesta fascinante que mezcla lo nostálgico del country con lo etéreo del ambient, ofreciendo un espacio sonoro perfecto para la contemplación y la introspección.