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En un mundo donde muchas marcas solo usan los colores del arcoíris en junio para fines de mercadotecnia, RappiCard está intentando hacer algo diferente consu edición especial Suma. No se trata solo de un diseño bonito: es un proyecto que busca apoyar de manera tangible a la comunidad LGBTQ+ en México. Más que una tarjeta rosaLa RappiCard Suma tiene un diseño blanco (que representa la unión de todos los colores) con detalles de la bandera LGBTQ+. Pero lo importante no es el plástico, sino lo que hay detrás: Apoyo a The Trevor Project México, una organización que brinda ayuda emocional y prevención de suicidios a jóvenes LGBTQ+. Difusión de recursos educativos sobre identidad de género y salud mental en la plataforma de Rappi. Inclusión financiera para personas de la comunidad que históricamente han tenido menos acceso a servicios bancarios. ¿Por qué importa?Mientras muchas empresas limitan su apoyo a publicar un tuit con la bandera, esta iniciativa busca: Generar conversaciones reales sobre aceptación familiar.Proveer herramientas concretas a quienes más las necesitan.Mantener el compromiso más allá de junio (es el cuarto año consecutivo que lo hacen). “No queremos ser la voz del movimiento, sino amplificar las voces que ya están trabajando”, explica el equipo detrás del proyecto.Cómo participarSi quieres sumarte: 1. Puedessolicitarlatarjeta(sinanualidadyconcashback) en rappicard.mx/pride-2025. 2. Compartirlos recursos educativos que RappiCard está difundiendo. 3. Apoyar directamente a organizaciones como The Trevor Project. Al final, el mensaje es claro: el orgullo no son solo colores en una tarjeta, sino acciones que cambian vidas. Y eso vale más que cualquier campaña temporal. ¿Qué otras iniciativas de inclusión financiera para la comunidad LGBTQ+ conoces?

El video “The Very First Two Hours Of MTV” es un documento histórico imperdible para todo amante de la música. Emitido por primera vez la madrugada del 1 de agosto de 1981, este fragmento reconstruye el arranque de la cadena que transformó la relación entre el sonido y lo visual. Un lanzamiento tanto cósmico como experimental MTV abrió con una poderosa declaración: imágenes reales del lanzamiento del transbordador Columbia junto al icónico “Ladies and gentlemen, rock and roll”. Apenas segundos después, se escuchó la célebre voz del presentador John Lack y despegó la señal hacia un nuevo universo televisivo. Con un carácter casi artesanal, adaptándose sobre la marcha a los errores técnicos, planos mal cronometrados, y cortes inesperados, queda claro que aquello fue mucho más una apuesta audaz que un proyecto perfectamente calculado . El poder de las imágenes (y los VJs) El primer video fue “Video Killed the Radio Star” de The Buggles, un guiño profético que definía el sentido de aquella nueva televisión musical, seguido por Pat Benatar con “You Better Run”, la primera mujer en aparecer en la ya legendaria pantalla. Un dato curioso: justo después, la transmisión experimentó minutos de silencio absoluto, seguidos de segmentos que se sentían improvisados, como un micro-documental sobre MTV y un bloque de comerciales que incluía desde carpetas escolares hasta adelantos de Superman II. Algunos de los primeros VJs —Alan Hunter, Martha Quinn, J.J. Jackson, Nina Blackwood y Mark Goodman— incluso se presentaron en pantalla, poniéndole rostro y voz a las primeras manchas en esa nueva forma de consumir música visualmente. Género, diversidad e impacto cultural Durante esas dos horas iniciales, predominaban artistas blancos y masculinos: de Rod Stewart a Styx, pasando por The Pretenders. Había presencia femenina, como Pat Benatar, Stevie Nicks y Juice Newton, pero ninguna persona negra, un reflejo del sesgo inicial de la cadena. Curiosamente, este enfoque excluyente cambió pronto: la entrada de estrellas como Michael Jackson y Prince en 1982 resultó decisiva para popularizar el formato y diversificar su catálogo . MTV como rito generacional Estas primeras horas de MTV representan no solo una curiosidad histórica, sino también el inicio de una era en la que la industria de la música se construyó sobre imágenes. Como señala una nota en Mental Floss, MTV equiparó su primer día con la llegada del hombre a la luna: declaraciones grandilocuentes que no eran vanas. Lo más destacable: En conclusión Ver este fragmento es viajar a un momento definitorio en la cultura pop. Es observar el nacimiento de un medio que cambió la forma de ver y escuchar música. Una cápsula del tiempo donde los errores programáticos, la selección musical y los primeros rostros se convierten en monumentos a una revolución visual que definió los años 80… y el resto de la cultura mediática contemporánea. Si te interesa también puedo indagar en playlists, análisis de videos de esa primera tanda o hacer un perfil de alguno de los VJs originales: solo dime.

Desde los clubes de Shinjuku hasta los festivales de vanguardia en Osaka, Japón ha forjado una de las escenas de jazz más singulares y prolíficas del planeta. Lejos de imitar ciegamente los cánones occidentales, las bandas japonesas han sabido absorber las raíces del jazz para después moldearlas con su sensibilidad estética, sus tradiciones locales y un enfoque casi filosófico del ritmo y la improvisación. Aquí presentamos un recorrido por algunas de las bandas más importantes, influyentes o innovadoras del jazz japonés, tanto clásico como contemporáneo. 1. Soil & “Pimp” Sessions Estilo: Jazz explosivo / death jazzOrigen: Tokio Autodenominados como creadores del “death jazz”, Soil & “Pimp” Sessions llevan dos décadas pateando la puerta del purismo jazzístico. Su música está cargada de energía punk, improvisación feroz y groove bailable. Han colaborado con artistas como José James y su presencia en festivales globales como Glastonbury o Montreux es recurrente. 2. T-Square (antes The Square) Estilo: Jazz fusiónOrigen: Tokio Activos desde finales de los años 70, T-Square son pioneros del jazz fusión en Japón, con un sonido técnico, melódico y preciso que a veces flirtea con el pop o el rock progresivo. Su tema “Truth” fue la cortina de apertura de la Fórmula 1 en Fuji TV, volviéndose parte del imaginario sonoro del país. 3. Casiopea Estilo: Jazz fusión / funk jazzOrigen: Tokio Casiopea es otro pilar del jazz fusión japonés. Formados en 1976, su enfoque en la precisión técnica, el groove electrónico y las melodías cristalinas los convirtió en embajadores del jazz moderno nipón. Su legado ha influenciado desde bandas de city pop hasta músicos de videojuegos. 4. H ZETTRIO Estilo: Jazz contemporáneo / neoclásicoOrigen: Tokio Este trío liderado por el pianista H ZETT M (ex Tokyo Jihen) mezcla jazz contemporáneo con elementos de música clásica, humor e improvisación juguetona. Su puesta en escena es energética y lúdica, atrayendo a públicos de todas las edades. Son conocidos por prescindir de overdubs en sus grabaciones y tocar en vivo con una precisión sorprendente. 5. Shibusashirazu Orchestra Estilo: Free jazz / experimental / big bandOrigen: Tokio Formados en los años 80 por Daisuke Fuwa, esta orquesta caótica e irreverente es una experiencia sensorial. En sus conciertos incluyen bailarines butoh, artistas visuales y una estructura de improvisación libre. Su sonido recuerda al espíritu de Sun Ra, pero con un sabor totalmente japonés. 6. Indigo Jam Unit Estilo: Nu jazz / groove / instrumentalOrigen: Osaka Uno de los favoritos del público underground y los amantes del lo-fi jazz. Indigo Jam Unit destaca por su sonido crudo y directo, sin postproducción digital. Su música combina ritmos soul, funk y un minimalismo que recuerda al hip hop instrumental. 7. Ryo Fukui Trio Estilo: Bebop / post-bopOrigen: Sapporo (activo en los 70s) Aunque no es una “banda” en activo, el legado del pianista Ryo Fukui (especialmente su trío) ha tomado dimensiones míticas desde su redescubrimiento global gracias a YouTube y reissues en vinilo. Su disco Scenery (1976) es una joya del piano jazz lírico y sofisticado, con clara influencia de Bill Evans. 8. Fox Capture Plan Estilo: Jazz rock / post-rock / nu jazzOrigen: Tokio Una banda contemporánea que ha sabido combinar la intensidad del rock progresivo con la estética del jazz moderno. Son parte de una generación que creció escuchando Radiohead y Esbjörn Svensson Trio, y eso se nota en su enfoque emocional, casi cinematográfico. 9. Tri4th Estilo: Jazz punk / grooveOrigen: Tokio Conocidos por sus enérgicas presentaciones en vivo, Tri4th mezcla el espíritu festivo del jazz tradicional con actitudes del ska, funk y el punk. Son parte del resurgimiento del jazz como espectáculo callejero y social en Japón. 10. Nabowa Estilo: Jazz instrumental / ambient / dubOrigen: Kioto Nabowa es una banda que fluye entre géneros: dub, ambient, jazz y folk instrumental. Son idóneos para los que buscan una experiencia sonora contemplativa, con atmósferas envolventes y grooves suaves. Han sido parte clave del sello japonés Kakubarhythm. Conclusión: jazz a la japonesa Japón ha hecho del jazz algo propio. Estas bandas —y muchas otras como Kyoto Jazz Sextet, Mouse on the Keys, o Yosuke Yamashita Trio— muestran que el jazz japonés no es un espejo de Occidente, sino un territorio fértil donde la improvisación convive con la precisión, y la espiritualidad se funde con el virtuosismo. Este país ha sabido hacer del jazz una plataforma para explorar lo emocional, lo técnico y lo filosófico con un sello inconfundible: el de una cultura que escucha con atención y toca con el alma.

A sus 85 años, Connie Francis, una de las voces más influyentes de la música pop de los años 50 y 60, está experimentando un renacimiento inesperado gracias al éxito viral de “Pretty Little Baby” en TikTok. La canción, grabada en 1962 y que en su momento pasó desapercibida en las listas, hoy ha catapultado a la artista a una nueva era de relevancia, demostrando que su legado musical sigue más vivo que nunca. Un resurgimiento generacional Mientras muchas leyendas de su época han quedado en el archivo musical, Francis ha logrado lo que pocas artistas clásicas consiguen: conectar con una audiencia joven. La canción, con su melodía nostálgica y letra tierna, se ha convertido en un soundtrack masivo para videos de bebés, mascotas y moda retro en TikTok, acumulando más de 15 millones de creaciones y 10 billones de vistas en la plataforma. “Estoy emocionada y abrumada. Grabé esta canción hace 63 años, y ahora una nueva generación la está descubriendo. ¡Es increíble!”, expresó Francis, quien en décadas recientes había mantenido un perfil bajo. Impacto en streaming y reconocimiento renovado El fenómeno TikTok ha tenido un efecto dominó en su carrera: Además, las versiones internacionales de “Pretty Little Baby” (antes disponibles solo en vinilo) han sido lanzadas en streaming por primera vez, atrayendo a fans antiguos y nuevos en español, francés, italiano y más. Reconexión con el público y legado reforzado Antes de este boom, Francis era recordada por clásicos como “Who’s Sorry Now” y “Where the Boys Are”, pero su nombre no resonaba con fuerza en la cultura pop actual. Hoy, su resurgimiento la ha colocado de nuevo en conversaciones globales, con medios y jóvenes fans explorando su discografía. “Esto no solo es un hit viral, es la reivindicación de una artista que rompió barreras en su época grabando en múltiples idiomas y siendo una de las primeras mujeres en dominar la industria”, comentó un crítico musical. ¿Qué sigue para Connie Francis? Aunque la cantante no ha anunciado nuevos proyectos, el éxito de “Pretty Little Baby” ha generado especulaciones sobre posibles reediciones, documentales o incluso sincronizaciones en películas y series que aprovechen su nostalgia. Mientras tanto, Francis disfruta este segundo aire: “La música es atemporal, y este momento me lo ha confirmado. ¡Gracias a todos los que están haciendo que mi historia siga viva!”. Con este resurgimiento, Connie Francis no solo recupera un lugar en las listas, sino que reafirma su estatus como una leyenda eterna de la música.