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Analizamos la innovación, impacto y similitudes entre los discos The Shape of Jazz to Come (Ornette Coleman, 1959) y The Shape of Punk to Come (Refused, 1998). The Shape of Punk to Come (Refused) El álbum es conocido por su mezcla innovadora de punk, hardcore, jazz, techno, y elementos de música clásica. Esta fusión de estilos rompió con las convenciones del género y mostró una nueva dirección para la música punk y hardcore. Canciones como “New Noise” y “The Deadly Rhythm” ejemplifican esta experimentación, combinando ritmos frenéticos, cambios de tempo abruptos, y elementos electrónicos que eran poco comunes en el punk de esa época. The Shape of Jazz to Come ( Ornette Coleman) Ruptura con la Armonía Tradicional: Una de las características más destacadas de “The Shape of Jazz to Come” es su enfoque en la improvisación libre y la ruptura con la armonía tradicional. Ornette Coleman y su grupo exploraron una forma de tocar donde no seguían las progresiones de acordes establecidas, permitiendo una mayor libertad de expresión. Uso del Timbre y la Melodía: El álbum se enfoca en la melodía y el timbre, en lugar de depender de una base armónica fija. Esto permitió a Coleman y a sus colaboradores (Don Cherry, Charlie Haden, y Billy Higgins) explorar nuevas texturas y dinámicas en sus interpretaciones. 2. IMPACTO Y LEGADO EN LA HISTORIA MUSICAL The Shape of Punk to Come (Refused) “The Shape of Punk to Come” es ampliamente considerado como un álbum seminal que influenció a una generación de músicos y bandas en los géneros del punk, post-hardcore, y metalcore. Bandas como Rise Against, Dillinger Escape Plan, y Letlive han citado a Refused como una influencia clave en su música.Su influencia se extiende más allá del punk, afectando a bandas en géneros diversos que buscan empujar los límites musicales y experimentar con nuevos sonidos. The Shape of Jazz to Come ( Ornette Coleman) Nacimiento del Free Jazz: Aunque el término “free jazz” se popularizó más tarde, “The Shape of Jazz to Come” es visto como un precursor esencial de este movimiento. La libertad rítmica y melódica que Coleman empleó inspiró a numerosos músicos a experimentar y expandir los límites del jazz. Influencia en Músicos Posteriores: Este álbum ha influido a generaciones de músicos de jazz y de otros géneros. La valentía de Coleman al desafiar las convenciones inspiró a otros a tomar riesgos y buscar nuevas formas de expresión en sus propios trabajos. 3. RECEPCIÓN, CRÍTICA Y LEGADO The Shape of Punk to Come (Refused) Aunque inicialmente recibió una recepción mixta y no tuvo un gran éxito comercial inmediato, el álbum ha sido reevaluado críticamente y ahora es considerado una obra maestra del punk y el hardcore. Ha aparecido en numerosas listas de los mejores álbumes de todos los tiempos en su género.La revista Kerrang! y otros medios de música lo han incluido consistentemente en sus rankings de álbumes influyentes, subrayando su importancia duradera. The Shape of Jazz to Come ( Ornette Coleman) Reconocimiento Crítico: Desde su lanzamiento, “The Shape of Jazz to Come” ha sido aclamado por la crítica. Se considera una obra maestra y frecuentemente aparece en listas de los mejores álbumes de jazz de todos los tiempos. Patrimonio Cultural: En 2012, el álbum fue incluido en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, lo que subraya su importancia cultural, histórica y estética. 4. CONCLUSIÓN The Shape of Punk to Come (Refused) En resumen, “The Shape of Punk to Come” de Refused es un álbum crucial en la historia del punk y el hardcore por su innovación musical, su impacto en la escena, sus temáticas profundas, su recepción crítica y su legado duradero. Continúa siendo una fuente de inspiración y un punto de referencia para músicos y fans del punk y otros géneros experimentales. The Shape of Jazz to Come ( Ornette Coleman) “The Shape of Jazz to Come” no solo desafió y expandió las fronteras del jazz, sino que también abrió la puerta para una mayor libertad artística en la música. Ornette Coleman, a través de este álbum, dejó una marca indeleble en la historia de la música, alentando a los músicos a buscar sus propias formas de expresión sin estar atados a las normas establecidas.

Después de algunas cancelaciones por diversos motivos, Turnover se presentará por primera vez en México como parte de su tour latinoamericano y en fecha única junto a los nacionales Rilev (CDMX) y Pequeña Ciudad (Tijuana). La agrupación oriunda de Virginia Beach, Turnover, ha intentado debutar en nuestro país sin poder concretarlo hasta este viernes 03 de mayo de 2024. La banda publicó su primer trabajo de estudio, un EP homónimo, en 2011. Posteriormente, reaparecieron con Magnolia (2013), su esperado álbum debut para seguir con Peripheral Vision (2015), disco con el que dieron un giro hacia un indie rock con apreciaciones hacia el Emo. Un disco fascinante y nostálgico y con buen imán para sus escuchas. Posteriormente se consolidó su tercer LP: Good Nature (2017), Altogether (2019) y recientemente con Myself in the way (2024). Éstos dos últimos discos se mueven por diversos géneros más Pop. Con el disco “Peripheral Vision” Turnover pasó de sus orígenes pop-punk a un indie melancólico. Su portada empapada en ámbar y oscurecida nos deja una imagen un tanto confusa, inalcanzable y de ensueño. En todo momento, las letras de Getz son efectivas o incómodas. Se preocupa por su transición a la edad adulta (“New Scream”, “Hello Euphoria”), pero con la misma frecuencia la disolución, desintegración, desaparición y descenso. Todo lo anterior durante “Dizzy on the Comedown”. A pesar de su reverencia estilística, Turnover podría parecer no ser realmente novedoso, sus coros y melodías nos recuerdan la importancia de lo simple, los placeres simples y agridulces de la vida o los desafíos.  Es difícil encontrar una reacción emocional adecuada para Turnover, como suele ocurrir es un viaje sonoro y lírico muy personal, pero nos resulta una banda muy honesta, similar a sus contemporáneos Citizen, Tiger Jaw o Basement. Cuando tus gustos musicales maduran, podemos aún dar la vuelta y darnos cuenta que siempre recordamos las cosas mejor de lo que eran: situaciones, gente, sensaciones, relaciones amorosas. Ésos son los sentimientos que su música pretende transmitir, pero como documento de una banda fuerte y aún en período de crecimiento y madurez, o simplemente movilidad, como escuchamos en su más reciente disco: Myself in the way (2024). Turnover no puede ocultar lo desordenada y complicada que puede llegar a ser la vida. 🗓️ Viernes 03 de mayo, 2024 📍 @bajocircuito (Condesa, CDMX). ⏰ 8:00 pm 🎟️ https://www.passline.com/eventos/turnover-en-mexico  Cupo Limitado

La música de De Nalgas es directa, veloz y contundente, tal como un puñetazo en la cara. Desde su álbum Split (2013, Terrícolas Imbéciles) mostraron de manera transparente lo que realmente son: un cuarteto que expresa lo que piensa, sin condescendencias ni consentimientos. Con Vulgar Dulce Hogar (2016, Terrícolas Imbéciles), consolidaron su sonido y quedó claro que la furia y el frenesí son características seminales tanto en lo musical como en la narrativa lírica, con letras llenas de sarcasmo e ironía, con las que narran historias de diversión a la par que reflejan la realidad político-social de su país. Su material discográfico lleva editándose de manera independiente desde 2010 y cuenta hasta la fecha con casi 40 singles, reunidos en 2 álbumes y 2 EPs. Algunas de sus canciones han sido licenciadas en series de Netflix como Club de Cuervos, videojuegos como Call Of Duty o el largometraje de Olallo Rubio ¿Por qué la vida es así? Se han presentado varias veces en Vive Latino (Mex), SXSW (Texas) o abriendo la gira de Molotov (USA) por dar algunos ejemplos. Han compartido escenario con artistas internacionales como The Hives, Bad Religion o Marky Ramone. Ahora, Puxi (guitarra y voz), Karel (bajo y voz), Boris (guitarra y voz) y Jimmy Boy (batería) están de vuelta con su nuevo sencillo “Nepo Baby”, el cual presentarán este viernes 19 de abril en el Gato Calavera.   En conversación para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con Karel y Jimmy Boy sobre esta nueva etapa, sus próximas presentaciones, su amor por el punk, las influencias que los han marcado y los 14 años de existencia de una banda que es considerada como la  mayor referencia del punk-rock mexicano.  ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más info:  https://www.instagram.com/denalgas/ https://www.youtube.com/@denalgasoficial/videos https://www.facebook.com/denalgas

Originario de Rotterdam, Holanda, Nick Lubbersen, a.k.a. Moods, es un productor y artista musical conocido por su habilidad para mantenerse fiel a su estilo mientras crece constantemente. Después de su exitoso debut “Love Is Real”, Moods ha destacado por su consistencia en la alta calidad y coherencia de su sonido y enfoque creativo.  Su música, una fusión de R&B moderno, soul y electrónica, ha sido elogiada por críticos y cuenta con más de 50 millones de plays en todo el mundo. A lo largo de los años, ha ampliado su alcance musical, ha sido sampleado por Logic y ha colaborando con diversos artistas. Su primer álbum oficial, Zoom Out (Boogie Angst, 2018) dejó ver claramente los alcances de su talento. Después llegó el Music Ruined My Life (Boogie Angst, 2021), placa que lo consolidó como una propuesta única y de interesantes narrativas.  Ahora, en conjunto con Wayne Snow, el de Rotterdam presenta “All For You”, un track que eleva el sonido del funk con una variedad de elementos electrónicos, y con armonías de sintetizadores atemporales complementadas por la elegante presencia de Snow. un paisaje sonoro eufórico que, con precisión y ternura, genera una calma silenciosa, pero poderosamente tranquila. Leo Moreno conversó con Nick sobre sus influencias e inspiraciones, procesos creativos, música favorita, y lo afortunado que es por poder dedicarse a la música en su totalidad.  Checa AQUÍ la entrevista completa. Para más info: https://www.instagram.com/moods.music/ https://www.instagram.com/movidamusica/