Depósitio Sonoro

ambient

“Route One”, la belleza infinita de Sigur Rós

A pesar de haber sido grabado en el 2016 recientemente los gigantes del post-rock Sigur Rós lanzaron una de las obras musicales más espectaculares de lo que va del año, Route One, un álbum de ambient de ocho temas de gran y reflexiva belleza. Género: Ambient | Post-rock ★★★★★ El día más largo del verano del 2016 los integrantes de Sigur Rós condujeron 1332 km a través de una carrera que rodea su natal Islandia transmitiendo todo el recorrido en vivo en YouTube siendo musicalizado por un remix de su tema “Óveður” generado algorítmicamente creando así nuevas e imprescindibles direcciones musicales de forma infinita y constante. Aunque el viaje completo de 24 horas está disponible en YouTube, Sigur Rós consideró oportuno editar la pieza completa en este álbum de 40 minutos con ocho temas que llevan el nombre de las coordenadas de longitud y latitud en donde comienzan los sonidos aunque el trabajo pasa como una pieza única compuesta creando toda una experiencia auditiva de ambient en su forma más pura. Emocionalmente Route One se acerca a sus trabajos más viejos en donde unían la serenidad perfecta del ambient con el post-rock. Durante todo el disco existen destellos de alegría que parecen brotar de la tierra fría que recorren producto de los acordes que se repiten tranquilamente recordándonos sus tendencias siempre sinfónicas y sobrenaturales ofreciendo uno de los mejores álbumes de música ambient de lo que va del año y un excelente ejemplo de música con tendencias neoclásicas extraído de la música electrónica. Route one es una continuación de los territorios más celestiales, vidriosos y helados del trabajo de Sigur Rós comprometidos con la contextualización de los espacios grandiosamente naturales y eternos de Islandia.

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#Estreno. Fennesz “Station one”

Fennesz regresa después de cuatro años con un EP corto, hecho con tiempo y sin prisa en el que los sonidos ambientales y su guitarra saturada forman la parte medular de los dos temas.    Cuatro años ya pasaron desde que Christian Fennesz dio vida al último registro autoral de su carrera, el grandioso “Bécs”. Sin prisa para el lanzamiento de un nuevo álbum, el guitarrista y compositor austríaco decidió invertir tiempo en un nuevo EP. Son dos temas que abastecen al recién lanzado “Station One”, obra en la que continúa deslizandose por la misma base ruidosa de sus antiguos trabajos.  En el primer tema del EP el sonido atmosférico y las guitarras saturadas forman parte del de una composición originalmente presentada en la colección Modeselektor Presents Modeselektion Vol. 3, en el año 2014.  El segundo tema, Silk Road es un acto de experimentación pura. Son poco más de tres minutos en los que Fennesz juega con la descontrucción de los arreglos, flotando en medio de capas de distorsión y delirio instrumental.  

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YoshimiO / Susie Ibarra / Robert Aiki Aubrey Lowe “Flower of Sulphur” improvisación musical en su máxima expresión

La belleza de la espontaneidad se capta mejor a través de la música que en cualquier otra forma de arte, quizá por que el oyente es capaz de percibirla solo de un momento a otro, fugaz, dejando inmediatamente espacio para lo siguiente.   Cada uno de esos momentos ocurre en “Flower of Sulphur” un grabación de una presentación en vivo del trío compuesto por YoshimiO, multiinstrumentista bien conocida por su participación en grandes proyectos como Boredoms, OOIOO y SAICOBAB; Susie Ibarra compositora e improvisadora centrada en las posibilidades rítmicas de la percusión; y Robert Aiki Aubrey Lowe quien es un moderno gurú de los sintetizadores modulares e improvisador vocal. Si bien es un álbum que puede tener momentos un poco difíciles de escuchar todo se siente increíblemente natural irradiando una sensación de libertad irrestricta haciendo que en su conjunto todo el disco sea abrumador. Durante toda la pieza los artistas no parecen forzados, se liberan y se pierden en sus creaciones mientras poseen la contención necesaria para que su música colisione entre si pero no se sienta caótica y desordenada, teniendo que hacer mención especialmente merecida a las percusiones de Susie Ibarra en quien sus tambores fluyen maravillosamente entre los ritmos en dirección justa hacia donde se mueve el trío.  Grabado en vivo frente a una audiencia en Brooklyn, “Flower of Sulphur” es una pieza de improvisación altamente inversiva y fascinante, es un álbum para disfrutar, ya sea que brille o no dentro de nuestros oídos pero es entendible porque así es la naturaleza de la improvisación musical. Hay momentos capaces de capturar nuestra atención de una forma verdaderamente inminente, incluso también existen momentos que aburrirán y serán olvidados pero “Flower of Sulphur” es una embriagadora mezcla de lo extraño y lo salvaje, música experimental en su máxima expresión. 

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Taylor Deupree ‎– “Fallen”, suaves texturas y minimalismo

Taylor Deupree (1971), es un músico electrónico, fotógrafo, diseñador gráfico e ingeniero estadounidense. Conocido por ser el fundador del sello discográfico 12k, junto con su trabajo como miembro del Prototype 909. Ha colaborado con Ryuichi Sakamoto, Marcus Fischer, Stephan Mathieu, Savvas Ysatis, Christopher Willits y otros. Género: Neo Electronic – Ambient – Drone – Minimalism 2018 ⭑⭑⭑⭑ En su última producción, Fallen, marca el comienzo de un piano silencioso, sintetizadores modulares y atmósfera cálidas y ondulantes de tranquilidad. Luces borrosas hacen eco desde la distancia. Un débil silbido cubre la música. Un disco introspectivo y abierto al mismo tiempo, libre y amable, con zumbidos brillantes; dando al oyente una experiencia profunda y cálida de música ambient.

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Sea Point: música para océanos abstractos

Retomando algunos tracks de su album Inland, Mark Templeton completa este concepto bajo la firma de Anticipate Recordings en 2009. Género: Electronic, Electro-Acoustic, Ambient  Cada título de cada pieza de esta grabación -atinadamente escogido– Templeton nos lleva de lugares pacíficos y llenos de calma y resaca, a estridencias y ruidos causados por la aguja de un tocadiscos y sonidos procesados de manera acústica. Una recomendación sería escucharlo definitivamente con los ojos cerrados, en un lugar tranquilo, para enfocarse en cada nota yuxtapuesta en cada ruido, o viceversa. Es un arrullo en su totalidad que genera paisajes nostálgicamente electroacústicos, si eso tiene sentido. Hay algunas rolas como increasing by numbers que nos hacen sospechar que el propio título fue planeado después de haber sido hechas, dado que hay una serie de climax diversos que remontan a los calmados oleajes de los mares del norte. Es fácil imaginarse en una playa de alguna isla de un país frío y lejano. Hay crujidos y fuzz que se alejan y entran suavemente; estridencias temporales que no llegan a alterar la paz mental, sino por el contrario… Podría ser una herramienta para profundamente meditar sin caer en las garras del new age. Sin duda un gran EP para los que disfrutamos de atmósferas relajadas, exploraciones sonoras sutiles y estados de ánimo marítimos y pacíficos. Resonancias que quedan permanentes como un continuo y vago oleaje.

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Music Has The Right To Children de Boards of Canada cumple 23 años. Un álbum que reinterpreta la nostalgia

Alguien tiene que alzar la voz y hacer el eco suficiente para darnos cuenta de la magnitud de lo que significa el aniversario 22 del disco Music Has The Right To Children de Boards of Canada. Una obra magistral y enorme creada por dos mentes musicalizando un concepto iluminado y de una manera evocadora hacia nuevos pasajes a lo desconocido, quizá comandado por el misterio y la intriga. La obra está compuesta y llena de matices ambientales que diversificaban la propiedad de nuevos géneros hasta ese momento (Intelligent Dance Music, Ambient, Psicodelia, Downtempo). El sonido electrónico ambiental son registros atraídos sorprendentemente de las profundidades de una síntesis atemporal que cuando se llega al nudo de las composiciones, es imposible resistirse al efecto de su encanto melancólico. La magia de este disco es que logra mantener un ritmo constante ligeramente más lento que la mayoría de sus contemporáneos de los años 90, como Autechre, Aphex Twin, Squarepusher o Plaid, crea un punto de referencia sobre hacia dónde se dirigen las cosas. Es como si lograran tipificar rítmicamente las sonoridades de sus percusiones apuntaladas por los lamentos de un mundo en donde los humanos escuchan, sienten, bailan, sufren y aman. Eso puede sonar aterrador y quizá lo es; sin embargo, es extrañamente reconfortante escuchar la música de Boards of Canada. El arte de la portada el arte tiene una familia de los años 70, con los rostros borrados en distintas tonalidades. Entre triángulos, rombos, matices e inflexiones Board of Canada puede llegar de golpe, como un collage con miles de fotografías de viajes y vivencias, como un mantra que busca el trance y la liberación de la mente del flujo constante de pensamientos difusos.   Un disco que te puede atravesar el alma; para degustar, sin prisa alguna, con la calma del campesino que observa su cosecha en temporada fluvial. En un lacónico tiempo este dúo escocés dejó rastros aún inconclusos. Hoy, más allá de ser una banda influyente y de “culto”, Boards of Canada se ha vuelto atemporal. Pueden empapar de nostalgia con su gran misticismo. Music Has The Right To Children nos abraza con mucha profundidad y sutileza, representa una nueva revelación, son espeluznantes, estimulan, atrapan y suavizan el alma de quien los escucha por primera vez bajo un cielo responsable de lo hipnótico hacia un nuevo significado, hacia un derecho que nos pertenece a todos: la música.

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Space Afrika – “Somewhere Decent To Live”

Entornos ambientales mutables en algún lugar entre Jan Jelinek, Huerco S y Lee Gamble. Un disco apasionante para escucharse por la madrugada. Música sutil acechada por las sombras en sintonía con la búsqueda interminable de espacios oscuros y lúgubres. Los temas presentados en este último álbum de Space Afrika son borrosos, manchados y empapados de una perspectiva embriagadora y alucinante. Una vez que los minutos recorren el disco los límites pierden sentido y las frecuencias adquieren una nueva vida y conversación siguiendo las vastas corrientes subterráneas del dubstep, techno ambient y deep house que alimentan la economía nocturna de Manchester, ciudad natal de Joshua Reid y Jeshua Inyang. Las atmósferas y el ambient forman el núcleo del disco suspendidas en oleadas de tensión pero salpicadas de ritmos crujientes y ráfagas de actividad melódica que crean un escenario increible que recuerda los movimientos nocturnos de la gente por la ciudad, ya sea sentado fumando afuera del foro Normandie esperando a que salga el sol, tomando un autobús nocturno a casa sobre Avenida Reforma o haciendo un recorrido en Metrobús a las 5 am por Insurgentes para llegar a la última fiesta. Un álbum que se abre camino en un millón de configuraciones y entornos.   

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Reseña de Song for Alpha de Daniel Avery, misterio y magia

Daniel Avery ha sabido superar el éxito arrasador de Drone Logic, quizá en popularidad  Song for Alpha no lo alcanzará, sin embargo, ahí radica el misterio y la magia, el escalón que lo eleva, no se repite ni se vuelve una caricatura de sí mismo. Es un artesano extrovertido pero en realidad tímido. Los tracks que ha venido construyendo para esta nueva placa son hambrientos y bombásticos pero también reflexivos internamente. La autenticidad es el platillo fuerte, están los beats pero también están los pasajes reflexivos y clavados a lo Brian Eno. Los 14 temas impulsivos de este nuevo disco  te estremecen la médula ósea y trasplanta el latido de tu corazón, pero no te deja tranquilo de esas posesiones demoníacas comandadas por sintetizadores modulares. Se convierte tema a tema en la gran excepción del techno actual jugando con dichos impulsos, sus reflujos y contornos completamente a placer, sin pretensiones y determinismos, es por sobre todo robóticamente gratificante saber que inclusive se puede jugar con el sonido acid del 303.

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