Depósitio Sonoro

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Disfruta del soundtrack de The End of the F***ing World 2

The End of the F***ing World 2 nos sorprende nuevamente con un material sólido musical en la segunda temporada     The End of the F***ing World 2 puede causar controversia en la trama, la historia o su producción, pero no en la parte musical; para esta nueva temporada que ya está disponible y puedes disfrutar en Netflix, las escenas que, están cargadas de un humor más ácido y hasta de un guion más oscuro, van perfectamente musicalizadas por Scott Walker, Bob Dylan, Fleetwood Mac y Billy Idol, Nancy Wilson, The Vogues, Tony K y muchos más. Habrá que recordar que el soundtrack de la primera temporada que fue todo un éxito estuvo a cargo de la selección de Graham Coxon, guitarrista de Blur. A continuación, disfruta cada uno de los temas para The End of the F***ing World 2.  

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Cine Surrealista y Expresionista Musicalizado por Tripnotik

Tripnotik es una banda originaria de la Ciudad de México que surge en 2005 influida por el dub, el trip hop y el breakbeat. El proyecto está nutrido con la aportación de músicos, escritores, djs y actores, para crear una entidad colectiva Tripnotik propone un diseño sonoro con dispositivos electrónicos que buscan armonizar y dialogar con la obra fílmica original a partir de la música que por momentos se da por libre improvisación. Cinema Tracks by Tripnotik   La presentación, apta para todo el público, se llevará a cabo el 30 de noviembre en la Chinampa de la Llorona, en Cuemanco alcaldía de Xochimilco. A continuación, el programa: La caída de la Casa Usher (La Chute de la Maison Usher), dir. Jean Epstein. Francia 1928, 60 min. Un hombre llega a la mansión de su amigo Usher y la esposa de éste, Madelaine. Usher está pintando un retrato de su esposa pero, al tiempo, que transmite la esencia vital al lienzo, la mujer va desfalleciendo. Cuando perece, será enterrada en la cripta familiar, pero Usher no cree en verdad en la condición mortal de su amada… La caída de la casa Usher (La Chute De La Maison Usher; 1928) es una película de corte experimental y vanguardista, basada en una adaptación libre de la historia de Edgar Allan Poe. La cinta dirigida por Jean Epstein es considerada la primer versión cinematográfica del relato del maestro del relato corto. El gabinete del Dr. Caligari (Das Cabinet Des Dr. Caligari), dir. Robert Wiene. Alemania 1920, 63 min.   Sentado en un banco de un parque, Francis anima a su compañero Alan para que vayan a Holstenwall, una ciudad del norte de Alemania, a ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. Un empleado municipal que le niega al doctor el permiso para actuar, aparece asesinado al día siguiente. Francis y Alan acuden a ver al doctor Caligari y a Cesare, su ayudante sonámbulo, que le anuncia a Alan su porvenir: vivirá hasta el amanecer. Una de las obras cumbre del expresionismo alemán, e indiscutible clásico del cine de terror de todos los tiempos. Precios: $250 general  $350 parejas  

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Llega a la Cineteca Nacional la película: “Rave En Irán”

En la  Cineteca Nacional estará transmitiendo del 23 al 28 de septiembre la película “Rave en Irán” (2016), la cual trata de 2 DJs que vivirán los peligros del oficio en la música electrónica clandestina de Irán. “Anoosh y Arash son dos DJs que deben lidiar con las dificultades de la escena techno clandestina de Irán: esconderse de la policía, organizar raves en el desierto, vender su álbum sin permiso y ver estancada su carrera. Cuando reciben una llamada del festival techno más grande del mundo para invitarlos a dar un concierto en Suiza, los jóvenes deben decidir entre sacrificar la música y la libertad por la familia y su país. Filmada en su mayoría con teléfonos móviles por razones de seguridad, Rave en Irán retrata la censura y violencia que padecen los iraníes, en un país donde la música occidental está prohibida. El resultado es una historia cruda pero apasionada de dos jóvenes en una encrucijada”. Revisa aquí los horarios y en el video de arriba el trailer de la película.

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Saldrá película que habla de la inclusión de las mujeres en la música electrónica

Marc Collin, integrante de la influyente banda new wave Nouvelle Vague, rendirá homenaje a las pioneras de la música electrónica de los años 70 y 80 en su debut como director. La trama va de lo siguiente: París, 1978, en una industria musical predominantemente masculina, Ana usa nuevas máquinas electrónicas para hacerse oír, creando un nuevo sonido que marcará las décadas por venir: la música del futuro. Con una gran actuación principal de Alma Jodorowsky, la brillante película de Marc Collin trata sobre la música electrónica y el patriarcado cultural”.   “La película rinde homenaje a pioneras de la electrónica como Delia Derbyshire, Daphne Oram, Suzanne Ciani o Laurie Spiegel. La BSO incluye temas de Suicide, Throbbing Gristle, Cerrone y algunos de los trabajos de Marc Collin”. Se estranará el 13 de septiembre”. Mira el tráiler:

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1999, año de películas distópicas: The Matrix, Fight Club, American Beauty, Office Space y Being John Malkovich, comparten algo en común

¿Qué hicieron los años 90?  Las computadoras se estaban volviendo rápidas, fáciles y baratas, y con ellas llegó un sentido de igualdad para todos.  A diferencia de “las películas de monstruos que muestran ansiedades de la Guerra Fría y las películas de terror que transmiten temores,” las películas de 1999 “no trataban de sobrevivir al presente, porque el presente iba bien. Se trataba de estar cansados ​​de ese estable presente y buscar un futuro radicalmente diferente. Esas palabras provienen de “por qué todas las películas de 1999 son iguales”, el ensayo en video de la parte de abajo de la nota. The Matrix, Office Space, Fight Club, American Beauty, Being John Malkovich, y todos los otros principales lanzamientos de Hollywood que presentan “un personaje principal cansado de la estabilidad, la monotonía y el desenvolvimiento de su vida”, “casi siempre involucra un trabajo corporativo constante y aburrido. Esa época fue también cuando el cómico Dilbert de Scott Adams llegó a la cima del espíritu de la época satirizando los elementos de la existencia de oficina: jefes incompetentes, compañeros de trabajo holgados y cubículos. Llamando a 1999 “el año de la película del cubículo”, este ensayo en video describe su representación cinematográfica de las frustraciones de los trabajadores de oficina como “un espejo perfecto de finales de los 90”. No es que esas representaciones fueran literalmente “lo mismo”: los hombres aburridos de Fight Club “hacen todo lo posible para crear conflictos y caos”; Office Space hace comedia y atascos; siendo que John Malkovich “exagera las imágenes corporativas opresivas en películas como Office Space al crear una oficina absurda con techos bajos” que “literalmente afecta a sus empleados”; American Beauty “critica la estabilidad percibida de la era, sugiriendo que es simplemente una máscara que oculta el verdadero yo”. Y en The Matrix esa apariencia de estabilidad y prosperidad existe solo para ocultar la esclavitud total de la humanidad. Es posible que la humanidad moderna nunca deseche sus distopías, pero es justo decir que las visiones distópicas que mantenemos hoy en día son bastante diferentes a las que se recibieron hace 20 años, y también es justo decir que muchos de nosotros los entretenemos mientras soñamos con seguridad relativa, estabilidad y prosperidad, real o imaginaria, que algunos disfrutaron en aquel entonces. Pero como nos recuerdan las películas de 1999, esas mismas cualidades también podrían llevarnos a una especie de locura. Coupland puede llamar acertadamente a los 90 “la buena década”, pero incluso si pudiéramos volver a esa época podría haber buenas razones para no querer. Checa este video:

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Por su 25 aniversario, Pulp Fiction volverá a las salas de cine

El director de cine Quentin Tarantino en 1994 se apresuró a establecer una reputación como creador de tendencias, con la narración de conexiones entre el cine de Akira Kurosawa o de los spaghetti westerns. Tarantino se opuso a la tendencia que se escuchó en muchas otras bandas sonoras de los años 90, llenas de canciones contemporáneas que reflejaban momentos en una historia o que se usaban como herramientas promocionales. Su segunda película, Pulp Fiction, sobre las personas violentamente imperfectas sería anacrónica si no fuera por breves inclusiones de teléfonos celulares y cafés boutique, y la vieja música seleccionada por su banda sonora ayuda a prolongar la ilusión de que esta película se fijó más cerca de 1974 que de 1994. Dick Dale tocando la visión de rock de Tarantino de Ennio Morricone, Dusty Springfield y Maria McKee o Neil Diamond. Todo un espectáculo visual y sonoro.   Por ello, del 2 al 15 de agosto en conmemoración a sus 25 años esta cinta se estará proyectando en Cinemex. En el tweet de aquí abajo entérate de dónde, días y en qué sala se estará proyectando.  ¡#PulpFiction está de vuelta! Disfruta este clásico de Tarantino en pantalla grande, viviéndola en #ExclusivaCinemex Aquí está la preventa → https://t.co/O3mJpZYKYG pic.twitter.com/e5EgMuYA7X — Cinemex (@Cinemex) 6 de julio de 2019

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Sobre la faceta musical de Charles Chaplin

Charles Chaplin nació el 16 de Abril de 1889 en Londres, Inglaterra. Posee una extensa trayectoria como actor, humorista, compositor, productor, guionista, director, escritor, editor y financista de sus películas. Pero también en la música.  A lo largo de su vida, Chaplin recibió múltiples reconocimientos y nominaciones. Recibió el premio Óscar Honorífico en 1928 y 1972, fue candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, fue nombrado caballero de la Orden del Imperio Británico en 1975​ y se colocó una estrella con su nombre en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1970. En 1952, tras una serie de problemas políticos que lo involucraban con el comunismo y con la realización de actividades antiestadounidenses, debió exiliarse en Suiza, donde pasó el resto de su vida. Además de todo esto, Charles Chaplin fue un músico autodidacta, pero esto no fue impedimento para que el artista creara muchas de las composiciones musicales de sus películas. Para la composición buscaba la asesoría de músicos profesionales, y así de esta forma plasmar sus ideas musicales. En su juventud se convirtió en un gran apasionado y aficionado de la música, con la cual también llegó a ganarse la vida. Aprendió a tocar de forma empírica varios instrumentos musicales, tales como violín, piano, violonchelo, flauta y órgano. Todo los hacía de oído y estaba dotado de un sentido innato para la melodía. Muchas de sus partituras las esbozaba al piano o simplemente las silbaba a sus arreglistas musicales que se encargaban de componerlas. Luego las trabajaban juntos durante largas sesiones, cuidando hasta el más mínimo detalle. La música llena todas sus películas con una gran elegancia. La canción “Smile”, escena final de la película “Tiempos modernos” (1936). Ésta es una de las obras que mayor repercusión ha tenido, y se puede afirmar que es la más conocida. En el año de 1954 fue compuesta la letra de dicha canción por los compositores John Turner y Geoffrey Parsons. Es necesario destacar que esta película no se estrenó en Estados Unidos debido a problemas ideológicos y políticos que Charles Chaplin tuvo con el gobierno de los Estados Unidos, lo cual lo obligó a exiliarse en Suiza.   No fue sino hasta el año de 1972 que el Film se estrenó en Estados Unidos. El tema de la película “A King of New York”, con la cual se asoció con el pianista y músico profesional Eric James para la realización de los arreglos y posterior grabación. Chaplin siempre vio como elemento fundamental la música en sus films, y sus temas o motivos combinaban lo emotivo con la comicidad.   Entendió que la melodía debía protagonizar sus composiciones, ya que consideró que la misma era el vehículo más adecuado para la expresión de los sentimientos puestos en escena, y así generar conexión con el público en la transmisión del mensaje de sus películas.     Genio de la humanidad.

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Björk nuevamente al cine con el reestreno de una de sus primeras películas

En 1990 se estrenó en el Festival de Cine de Sundance, ‘The Juniper Tree’. Una película independiente y en blanco y negro de Islandia. Entre su elenco estaba una joven que tres años más tarde sería un éxito musical internacional, Björk. La película que relataba el cuento del mismo nombre de los Hermanos Grimm, pese a estar en el festival, nunca fue llevada al cine. Por ellos ahora se está preparando un estreno en salas con una versión remasterizada de la película a 29 años de su estreno limitado. La sinopsis oficial del film la describe así: “Ambientada en la Islandia medieval, The Juniper Tree sigue a Margit (Björk) y a su hermana mayor Katla (Bryndis Petra Bragadottir) mientras huyen por seguridad después de que su madre es quemada por brujería. Al encontrar refugio y protección con Johan (Valdimar Orn Fygenring) y su joven y resentido hijo, Jonas (Geirlaug Sunna Pormar), las hermanas ayudan a formar una improvisada unidad familiar que pronto se verá forzada por la creciente brujería de Katla. Fotografiado en su totalidad en los impresionantes paisajes de Islandia en un espectacular blanco y negro de Randy Sellars, The Juniper Tree es una película profundamente atmosférica, evocadora de Day of Wrath de Carl Theodor Dreyer y The Virgin Spring de Ingmar Bergman, y está llena de un despertar indeleble de una secuencia onírica (cortesía del legendario cineasta experimental Pat O’Neill). Una poderosa alegoría de la misoginia y sus tragedias asociadas, The Juniper Tree es un importante redescubrimiento para las audiencias de las casas de arte”. El estreno de la película sería en próximos meses aún por confirmarse la fecha exacta. Mientras, te dejamos el trailer de la cinta.

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