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Crónicas

DEVO: Estar en su show es vivir una fantasía que no te atreviste ni a soñar

DEVO son los pioneros del Nerd Punk, Egg Punk, Geek Rock, Art Punk, activos desde los 70s nos han regalado hits tras hits y shows excepcionales, muy conceptuales y experimentales. DEVO es arte, es vanguardia, también en los videos musicales. El nombre viene de Devolution o D-Evolution, el regreso a formas más primitivas, o igual se puede traducir como “Degenere”. Aunque DEVO logró el brinco al mainstream siguen siendo héroes del underground. Foto: David Adler Hace unos días en el Seattle llovido, un mar de gente vestida para la ocasión inundó el Paramount Theatre para ver a los icónicos, los pioneros del nerd punk DEVO en su última gira como banda. El rio de caras felices nos escupe alguna y otra sonrisa conocida y varios preguntan “Van a tocar hoy?”, nosotros respondiendo “Ojalá!”. DEVO es conocido por sus shows muy conceptuales, los que no permiten bandas abridoras, ya que desde la música que suena al entrar al foro, la iluminación ambiental, los cortometrajes y visuales, hasta la música de salida, todo está planeado al más mínimo detalle. Con los corazones emocionados y tristes a la vez frente uno de los últimos shows de nuestra banda favorita, andamos esperando Miguel, Rojo y yo para entrar. Estamos de gira y hace unos días tocamos con Carrion Kids aquí en Seattle en el Freakout Festival como ya se hizo una tradición y reunión “familiar” anual, con los amigos hermosos de allá. Por primera vez tocamos también en Easy Street Records, donde los Friends who like DEVO, el club de fans oficial, llegan directamente desde el aeropuerto a nuestro toquín. Nos regalan unos energy domes que ellos mismos imprimieron con su 3D printer en los colores de México. ¡Que sorpresa tan bonita! Hace unas semanas lanzamos nuestro tributo a DEVO, “Mongol”, versión Carrion del hit “Mongoloid”. Salió con un vídeo en el canal independiente de YouTube, y fuente infinita para encontrar nueva música punk y underground, Tremendo Garaje en España. Mandamos el link al manager de DEVO y pegó, nos recibieron en Mutato en Los Angeles, Mark Mothersbaugh nos dió el tour por su nave espacial y cuando llegamos al sotano, tocó la pared gritando “Bob, Carrion Kids are here”. Salió Bob Mothersbaugh de una puerta escondida, y así es que conocimos a los hermanos Mothersbaugh en persona. Con nuestros energy domes Mexicanos puestos en la fila al concierto de DEVO en su farewell tour, la gente nos pregunta ¿Italia o México? No falta el menso de seguridad que me quiere apurar tocandome el brazo, medio empujándome, y con un tranquilo pero firme “Don’t touch me” se aleja y me deja en paz. Ese día andabamos grabando nuevas rolas con Mala Suerte, así que el ingeniero de Electro Kitty, Garrett, nos dió un ride, con una parada en el Hotel Crocodile. Recordando grandes after parties del Freakout en este lugar, recogemos a Shayla de Linda From Work. Pero cómo el Paramount Theatre tiene sus asientos asignados, ya nos perdimos después. Entrando al teatro decorado de manera muy elegante, arcitectura de barocco y los candelabros finos, nos recibe el ruido blanco generado por miles de rucos y jóvenes sentados, borrachos bien portados, hablando enérgeticamente de lo que nos va a esperar la noche de hoy en ese show agotado de DEVO. Se siente comunidad, todos aquí entendimos algo, todos aquí somos miembros exclusivos del Club DEVO, la banda que ayudó hacer del nerdismo algo cool y que permitió que el punk en día de hoy puede tomarse menos en serio. El Egg Punk o DEVO Core me da esperanza en la humanidad, son bandas actuales haciendo punk irreverente, poco político. Por fin música moderna que no me caga. Baja la luz y la ola de gritos me tapa los oidos. Arranca la obra con un cortometraje ft. Rod Rooter con material viejo y nuevo, y termina con el mensaje: “You look through your glasses but the rest of the world looks at them”. Se sube el baterista Jeff Friedl al escenario y empieza a tocar, el bombo me explota el pecho, visuales increíbles y un sonido impecable. Hasta los asientos más arriba truena “Don’t Shoot” en los muros viejos del teatro. Luego entran Gerald Casale, Bob Mothersbaugh, Josh Hager a tomar sus posiciones en el escenario, con Mark Mothersbaugh al final recibido por standing ovasions. Se mueve entre su lugar en frente y su torre de teclados a donde va de vez en cuando a tocar unas melodias locas y precisas. Las primeras canciones dominadas por tres sintes y una lira minimalista, tienen a la audiencia extática, gritos desenfrenados y nuestras nalgitas bailando. Pero no falta el menso de seguridad corriendo a una chica con cabello blanco a su lugar, porque estaba bailando hasta adelante disfrutando. Una vez sentada se me hizo imposible ir por chupe ya, por dos razones, la obvia razón siendo que no me quería perder ningún segundo del show de DEVO. La otra razón siendo que el Paramount me chupó como una bruja, con la misma sensación de estar en el cine, visuales increíbles sin pausa y nosotros sentados en la oscuridad, las luces hipnóticas iluminando nuestras caras. DEVO no desepcionan y no dejen de sorpender, se mueven como robots, cambian de outfit varias veces, y nos vienen con toda la actitud. En “Girl You Want” mucha gente se para a bailar, pero no falta el menso que grita “Sit the fuck down”. Cuando metes a la audienca en sillas, se pone comoda y se pierde el desenfreno físico, aunque el desenfreno mental no faltó. DEVO se ponen sus energy domes. En “Whip It” avientan domos a la audiencia y la gente se pone frenética tirando latigazos al aire. Sigue un breve cambio de equipo y outfits, mientras vemos otro cortometraje, un viaje espacial sobre la vía láctea y el planeta tierra. “And on this planet earth there is DEVO, travelers in space and time”. DEVO regresa al escenario, ahora en sus icónicos overalls amarillos y cambian sus sintes por

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Mattress: Estar en su show es como ver a Tom Jones en ácido

La one-man band de Portland Mattress toca industrial lounge, se le ha comparado con Suicide, Nick Cave, Ian Svenonius, y hasta Tom Jones, pero la verdad es que no hay comparación. Letras turbias, cómicas y muy elaboradas, un rango vocal que va desde aterrador hasta ameno. Una caja de ritmos y un traje dorado es lo que acompañan a este performer en el escenario. Ha tocado junto a Modest Mouse, Viagra Boys, Tune Yards, The Makeup, King Khan, y muchos otros afortunados que han podido presenciar el malviaje refinado llamado Mattress.   Conocimos a Mattress gracias a The Shivas cuando tocamos en el Treefort Festival en Boise, Idaho el año pasado. Lo vimos tocar en un arcade y fue magia. Nos hicimos amigos y pronto nació la idea de traerlo a México.   En su primera visita a México, Mattress se presentó en dos foros que desde que abrieron sus puertas por primera vez hace poco tiempo, ya se volvieron de culto: el Anticlub en la CDMX y el Nido De Ratas en Acapulco. Ambos espacios son un oasis para la contracultura y el DIY. Nuevos hogares para la escena del underground, donde no importa ser cool ni pretensioso y donde podemos disfrutar de bandas extraordinarias en un ambiente amistoso y nada competitivo.    Una reseña en dos partes   PARTE 1   El viernes pasado llegamos al Anticlub donde nos recibieron con unos azulitos de cortesía mientras nos instalamos en el escenario. Carrion Kids abrió la noche con un show de sorpresa para celebrar el cumpleaños de su vocal Miki Navajas, así como del difunto Rulo Pipa. Entre cascadas de cerveza y ginebra, gritos primales, pañales mojados y homenajes escupidos, arrancamos la noche.   Carrion Kids en colaboración con The Shivas, acaban de lanzar un cover a Perder, hit de Las Pipas de la Paz junto a un video lleno de bloopers y fails de su familia y amigos más cercanos. Un homenaje a Rulo Pipa, que siempre será una de las personas más importantes en la escena y la definición del DIY y de la amistad. Rulo ayudaba a quien pedía ayuda, era el corazón de cada fiesta y el mejor amigo que podrías desear.    Después de una pausita de pláticas y risas con una audiencia variada llena de personalidades de la escena, entre ellos Ali Gua Gua y RockSi de Las Ultrasónicas, Julián Lede a.k.a. Silverio y Jessy Bulbo, sube Mattress al escenario.   Mattress tiene una presencia glamurosa, hipnótica y extravagante. Sus letras reflejan un humor obscuro y sucio, su show es algo muy único, es performance art que nos saca de nuestra zona de confort y nos da una experiencia más profunda a lo „usual“. Es inspirador, nos saca de onda, y pinta todo con un toque de ironía. Su mercancía incluye headshots firmados y por unos pesos más puedes tocar su traje de oro.   El Pan Blanco cierra la noche con música transgresora inspirada por el glam y nos ponen a bailar en éxtasis hasta que sudamos ya todo el alcohol consumido. Noche de perfección, de nostalgia, abrazos y sonrisas, organizada por la familia MonkeyBee.   PARTE 2   El siguiente día madrugamos y nos subimos al camión, listos para el primer Rey Sofá en Acapulco. Revivimos con micheladas y tacos de mariscos en la playa, y llegamos al Nido De Ratas donde ya hay skaters brincando al sofá pintado por la tatuadora acapulqueña Phanie Lemus. La intervención al sofá hizo en honor a la difunta Vanesa, víctima de feminicidio.    Arrancamos la noche con un concurso de skate en el estacionamiento del Nido De Ratas, organizado por Chingue Su Madre Media. Así vamos calentando motores entre caguamas y popcorn, viendo como los concursantes sacan sus trucos brincando el sofá. Después entramos al foro que era una sucursal abandonada de la cadena California, lo que se nota en la decoración que todavía sigue arriba.    Empiezan los shows en vivo y pasamos por una variedad de elementos musicales entre punk, ska, metal, rock, garaje, glam y folclórico con estás cinco bandas en un solo escenario: The Bunyans, Gran Fuzz, Carrion Kids, L.C.B. y Mattress. Aunque siempre predico que al final todo es punk, porque el punk es una actitud no apegado a un solo género musical.    Fue una gran mezcla de estilos y la audiencia de Acapulco recibió a Mattress con gritos entusiastas. Bailamos sus canciones y nos dejamos llevar por su aura flamboyante, ligera, sarcástica, y sobre todo estimulante. Dió varios encores y todos agarramos una playera de su merch, con el alacrán dorado, el símbolo perfecto para lo supuestamente „contrastante“ que representa Mattress.    El resumen que me llevo de este fin de semana con Mattress es que todos necesitamos más glam en nuestras vidas.  

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Festival MexProg 2022: Reviviendo leyendas.

El rock progresivo en México ha sido un género que se ha mantenido en un sector muy específico de fanáticos desde sus inicios en el país. Como lo mencionó Víctor Moreno, un veterano fanático desde los tiempos de Avándaro, “en estos eventos lo único que cambia son las bandas, porque siempre venimos las mismas personas”, haciendo referencia al público de nicho que apoya fielmente este género.   El 22 de octubre se llevó a cabo -después de 20 años- la segunda edición del MexProg 2022, evento en el que participaron las 4 bandas nacionales Tangerine Circus, Rostro del Sol, Govea y la legendaria banda Chac Mool y 2 actos internacionales, Gianni Leone de Il Balleto di Bronzo y Colin Bass, bajista histórico de Camel.   A diferencia de los conciertos a los que el público en general puede estar acostumbrado, este festival se realizó en el Teatro Ferrocarrilero, lo que remitía a viajar en el tiempo, al tener guardadas a cada banda detrás de un gigantesco telón entre cada cambio y tener a los asistentes sentados en butacas que pudieran ser las mismas de cuando se construyó este recinto en 1968.   Al punto de las 3 de la tarde, el antes mencionado Victor Moreno y Jaime García -integrante y creador de varios proyectos y agrupaciones de rock progresivo mexicano- hicieron la presentación del festival, rememorando la primera edición, realizada en el 2000 y el recorrido del catálogo de la disquera Sun & Deneb Records, encargados de organizar el evento.   Tangerine Circus fue la banda encargada de comenzar el evento a las 15:17 horas. Cuarteto nacional que rescata la estructura del progresivo clásico y que la fusiona con elementos contemporáneos, se destacan por su fusión con toques de metal a la Porcupine Tree y sus pasajes virtuosos de piano, guitarra y bajo. Sus visuales con espirales adornados de relojes y figuras caleidoscópicas levantaron la presencia de la banda.     Les siguió Rostro del Sol, una banda que retoma el sonido clásico del rock mexicano de los 70’s que rememora a bandas como El Ritual, Toncho Pilatos y Peace and Love, con esa mezcla entre blues y rock psicodélico, aprovechando los instrumentos característicos del género. En el grupo, hay un saxofonista, clarinete y sintetizadores virtuosos, además de rescatar el uso del timbales ceremoniales.     La banda se destacó por su gran energía derrochada en el escenario que contagia al escucha a emocionarse. A diferencia de los grupos actuales, el vocalista de Rostro del Sol no duda en demostrar su talento vocal que recuerda a Robert Plant.   Continuó el ensamble de Salvador Govea, quien fuese tecladista del grupo de rock progresivo Iconoclasta entre 2001 y 2004. Entre dificultades técnicas tardó en comenzar. Los músicos que lo acompañaron fueron Luis Arturo Guerrero en el bajo y Hugo Sapia en la batería.   Fue un trío instrumental que presentó canciones como “Duelo” de su segundo álbum “Raíces” y demás canciones del LP “Danza Urbana”. A su vez, Govea hizo homenaje en solitario a varios tecladistas europeos que le sirvieron de influencia como el alemán Jürgen Fritz, de Triumvirat, con la pieza “A Day in a Life”; el británico Keith Emerson con “The Trainer”; los tecladistas de Yes Rick Wakeman y Patrick Moraz interpretando la canción “Karu”; del argentino Alberto Ginastera con “Malambo” con arreglo de Keith Emerson Band y cerrando su presentación con himnos del progresivo como “Focus III” y “Karn Evil 9”.     Para cerrar los actos nacionales, la legendaria banda Chac Mool, a cargo del fundador Armando Suárez, dio un recorrido por los éxitos de la agrupación en sus primeros álbumes Nadie en Especial y Sueños de Metal, iniciando con “Un Mundo Feliz”, “Razones”, “Bienvenidos Al Fin Del Mundo”; “Requiem”, haciendo homenaje a las personas fallecidas en la pandemia y con énfasis principal a los miembros fallecidos Jorge Reyes, Carlos Alvarado y Eduardo Medina, para cerrar con “Salamandra”, “Sombras de la Noche” y “Nadie en Especial”.   Esta encarnación de Chac Mool es posible gracias al talento joven de Rodrigo Martínez en la guitarra, Rafael Ramos en el bajo y Aldo Lira en la batería.       Llegando a los actos internacionales, Gianni Leone presentó un setlist en solitario conformado por dos partes, siendo la primera un tributo a sus influencias y la segunda a su carrera con Il Balleto di Bronzo y de su etapa como solista.   Siendo un acto de una sola persona, tocó con un conjunto de caja de ritmos y sintetizadores Roland y Korg. Su actitud extravagante y carismática provocó sonrisas en los asistentes que lo veían manifestándose como una estrella de rock de los setentas, conservando esa energía y trayéndola a nuestra época.   Durante la primera parte dedicó la canción “Can We Still Be Friends?” de Todd Rundgren, a Colin Bass; además de interpretar otras como “Baby’s on Fire” de Brian Eno, “Sexy Sadie” de The Beatles y “Nevermore” de Queen.   Leone comentó que el guitarrista que lo marcó fue Jimmy Hendrix a los ocho años y posteriormente el tecladista Keith Emerson.   Durante su segundo set, por una mala coordinación en los visuales, Gianni rompió hacia una actitud estricta y bajó del escenario para confrontar al encargado de esa labor, lo cual fue aprovechado por los asistentes para tomarse fotos y pedir autógrafos ante lo que el italiano se les acercó con entusiasmo.   Entre las canciones de Il Balleto de Bronzo que tocó fueron “Napoli Sotterranea” dedicada al lugar donde nació y “La Tua Casa Comoda”, la cual no había sido tocada en mucho tiempo.     Para cerrar el festival Colin Bass ofreció un set acústico, íntimo y emotivo, interpretando canciones de sus álbumes como solista como “Denpasar Moon”, “As Far As I Can See”, “Walking to Santiago”; dedicando la canción “The Man Who Never Was” a un fanático mexicano que era fan de Camel y que lamentablemente había fallecido antes de poder asistir al festival.    Subieron al escenario los músicos de Tangerine Circus,

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Galería de fotos del DJ set de David J de Bauhaus en CDMX

David J de Bauhaus y Love & Rockets se presentó en Pasagüero para ofrecer un DJ set de su colección de vinilos personal   David J, quien es conocido por ser el bajista de la banda Bauhaus estuvo en Pasagüero con una selección que fue desde el rock clásico, la psicodelia, el dub y reggae hasta el clásico de clásicos de Joy Division, gracias a Club Revolt de Los Ángeles y Venas Rotas Discos en su primera Obscure Parties. A continuación te dejamos con la galería: Fotos por: Diego Navarrete

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Así se vivió Bahidorá 2020: el ecosistema radial de la música

Definitivamente, Bahidorá es un festival que ofrece una atmósfera como ninguna otra, al presentar algunas de las alineaciones más diversas en un entorno natural encantador. Es un festival que vale la pena visitar si aún no lo has hecho. ¿Qué pasó en esta edición? Después de un largo viaje hasta Las Estacas, no queda más que entregar el espíritu a su reserva ecológica y ahí están: Theo Parrish y Marcellus Pittman en El Umbral para inaugurar, lo que ya de entrada, sabes que será el principio de una gran dosis musical. El primer acto que nos sorprendió fue Ibibio Sound Machine, quienes salieron después de Sotomayor y Buscabulla;una poderosa unión global de sonidos la que traía esta máquina de personas: la unión del calor africano con las sonoridades londinenses. La vibra que dejaron en el escenario figuró por su carisma y la forma de conectar con el público y de hacerlos interactuar dejó a todos bailando. Channel Tres El ambiente quedó servido y más que encendido para que llegara Channel Tres con sus intensos beats y sus rimas de poder. Supimos inmediatamente que fue una buena decisión quedarnos a esperar en el escenario de Sonorama, que funge como el principal del festival. Su performance también conectó con los asistentes, bailes exóticos sincronizados con el fluir de las pistas que terminaron siendo una combinación perfecta de electrónica y el hip-hop. Una gran postal sonora para la tarde. Dengue Dengue Dengue   Mientras tanto, en los otros escenarios los que queríamos ver a Dengue Dengue Dengue lo logramos, pero no sin antes enterarnos de que hubo un cambio de horarios con Teto Preto, quienes ofrecieron un show sin límites, sin duda, uno de los actos en vivo con más poder y descarga sexual que se vivió en el escenario La Estación: su especie de baile psicodélico y sus bases sólidas hicieron de ello un ritual perfecto. Pasemos al escenario El Amate, destacado por su forma geométrica de triángulos y, porque es en donde los dj’s toman el control; y parece que Palms Trax se lo tomó bastante en serio, ya que no nos tiembla decir que quizá fue el número uno y único momento en el festival; su set fue increíblemente excepcional al igual que su técnica, podemos hablar o dividir el tiempo que estuvo al mando en un antes y un después de hacer sonar el clásico “Supernature” de Cerrone, momento mágico e inolvidable para los presentes. A partir de ese momento, cada track fue una bomba que nos abrazaba entre ritmos disco, tropical-natural y con decentes tintes de high energy hasta el final de su set. Palms Trax dejó claro el porqué es uno de los djs más populares en la actualidad. Palms Trax Después de un retraso de 40 minutos, pero con un anuncio a tiempo de los organizadores del festival, llegó el acto estelar del festival; la primera visita histórica a nuestro país de la reina del neo-soul: Erykah Badu, quien con su imponente presencia, acompañada de diversos vestuarios y de los visuales más impresionantes de todas las presentaciones que vivimos, movió los sentimientos de los asistentes; aclamada y aplaudida, quizá el sentimiento colectivo de amor más fluido que atestiguamos. Años de espera en los que artistas, fans y nuevos descubridores  quedaron satisfechos y con una sonrisa que no se olvidará. Erykah Badu Después vino Pantha Du Prince para hacer lo que sabe hacer, aunque sin mucha sorpresa para los que lo hemos visto en más de una ocasión. Sin embargo, Bahidorá tiene el destello de que siempre habrá nuevos entusiastas parados en el escenario sin saber qué presenciarán, y Pantha ganó nuevos fans: nos cautivaron con pistas demasiado largas de una forma brillante cuyo sonido definitivamente se mantiene igual desde el origen, pero que, con un ambiente natural como el que se vivió, todo cobra otro sentido al interpretar temas viejos y nuevos y con la gentileza de agradecer con un “muchas gracias” en español. Pantha Du Prince David August también dirigió algunas de sus brillantes obras de arte en la exposición del festival, más sombrío y con un escenario oscuro la mayor parte del tiempo; porque así es el show y la música de August: sombría, trabajada y contemplativa, rastros de IDM que de repente se encuentran con un sonido acid que vuelve locos a todos. Siendo y sabiendo de su potencial del gran productor que es y que dicho sea de paso sonó impresionante, lo cual nos hizo pensar que su interfaz de audio es una de las mejores para interpretar esta música en vivo, la nitidez de su show realmente fue destacable a nivel sonoro y de escucha. David August Después de una diversa paleta de presentaciones llegó el turno de los Masters At Work para cerrar el escenario principal con una incansable chispa y perspicacia para su selección de música creativa, para mantener a los asistentes optimistas ya que el cansancio en algunos se hacía presente, pero no las ganas de dejar de bailar. Y así con esa silueta de ellos en los visuales iluminados en su contorno con sus característicos sombreros no pudo existir mejor cierre en el escenario Sonorama, que fue uno de los más concurridos. Masters At Work Bahidorá sigue siendo ese festival en el que los amantes de la música y de artistas específicos en su cartel que la gente quiere ver siempre van a estar acompañados de gente que la pasará bien, y descubrir nuevos sonidos. Terminó con las exóticas presentaciones de la reina del dance-hall: Sister Nancy y Equiknoxx el domingo.   Fotografías por: Paola Baltazar.

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Mira la primera presentación de Mr Bungle después de 20 años

Después de 20 años, Mr. Bungle tocó nuevamente con Scott Ian y Dave Lombardo. Les tenemos el video completo de la presentación: Mr. Bungle es un grupo de música experimental estadounidense formado en 1985, cuando sus integrantes aún se encontraban en la secundaria. El nombre proviene de un personaje de una película educacional para niños. Mr. Bungle publicó cuatro demos antes de firmar con Warner Bros. Records; publicaron tres álbumes de estudio entre 1991 y 1999. La banda estuvo activa hasta el 2004 antes de su espontáneo regreso en 2019. Mr. Bungle comenzó su gira de reunión con su primer show en casi 20 años el 5 de febrero en Los Ángeles. Los miembros originales Mike Patton, Trevor Dunn y Trey Spruance tocaron canciones de su demo The Raging Wrath of The Easter Bunny (1986) inspirado en el thrash. Al reencuentro se unieron dos leyendas más: Scott Ian (Anthrax) y Dave Lombardo (ex Slayer). Tracks: 1 – Won’t You Be My Neighbor (Fred Rogers cover) (with thrash metal stabs at end) 2 – Anarchy Up Your Anus 3 – Spreading the Thighs of Death 4 – Glutton 5 – Malfunction 6 – Raping Your Mind 7 – Sit There 8 – Bungle Grind 9 – (Unknown) (“Meth” on setlist) 10 – Evil Satan (w/ Slayer’s Hell Awaits intro) Summer Breeze (Seals & Crofts cover) 11 – Eracist 12 – Cold War (Siege cover) Hypocrites (with “La Cucaracha” tease) 13 – Speak English or Die (Stormtroopers of Death cover) (Lyrics changed to “speak Spanish or die”) 14 – World Up My Ass (Circle Jerks cover) 15 – Sudden Death (w/ Faith No More’s The Real Thing intro) Encore: Fuck the USA (The Exploited cover) on below link

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“A veces es necesario explorar la violencia”, una entrevista con Mito del Desierto

Uno de los sentimientos más arcaicos en el ser humano es la violencia, producida a partir de un impulso colérico dirigido hacia un despliegue de brutalidad y caos, que en algunas situaciones se produce mediante un proceso catártico en el que la brutalidad se manifiesta en expresión artística. En este sentido, entrevistamos a Mito del Desierto catarata estéril farfullando fétido by mitodeldesierto Mito del Desierto es un caso preciso de lo anterior, un ejemplo de caos y brutalidad llevada a la máxima expresión cáustica. Valiéndose de su experiencia en la música industrial, Mito hace gala de un sinfín de instrumentos electrónicos, tales como sintetizadores hasta grabadoras de cassettes con paisajes sonoros entre otros instrumentos rudimentarios, a los que suma su voz, la cual incorpora con ruidos, balbuceos y gritos. Este proyecto surca diversas etiquetas que podrían catalogarse en el género que le compete; sin embargo, es su energía proveniente del punk la que hace del mismo una simbiosis que por sí sola le da una identidad al proyecto, esa crudeza del género y el llamado confrontativo con la audiencia se mezcla con el edificio sonoro que construye Mito; edificios con ruidos agudos y graves, cacofonías disonantes que demuelen eventualmente para volver a construir nuevas edificaciones. Mito ha publicado un par de lanzamientos cortos en el que expone la amalgama de su sonido y ha colaborado con artistas y proyectos como en el último lanzamiento de Mabe Fratti, pero este año está por lanzar un nuevo material de larga duración, el primero en su joven trayectoria bajo el sello independiente capitalino Hole Records. Conversamos con Mito del Desierto sobre la arquitectura de su sonido y la violencia que emerge del mismo. 1.-¿Cómo se gesta Mito del Desierto? Empieza por la necesidad de expresar algo, una búsqueda en solitario. En ese momento me encontraba en un proyecto en colectivo con un par de amigos pero pasa que, ese ensamble desaparece y yo me vi en la necesidad de seguir haciendo ruido así que, pasé de tocar el bajo a tocar instrumentos electrónicos. Ahora esto se ha convertido en una exploración constante, no es algo definido pero con el tiempo ha tomado forma. 2.-El sonido del proyecto llega a ser en momentos mántrico y en otros agresivo caótico o, incluso, violento, tiene esa abrumadora energía del industrial que siempre se inunda en las presentaciones en vivo. ¿Cómo calificarías el sonido del proyecto? Para mí es un ruido exploratorio, es decir, exploró a través de los sonidos que produzco hasta donde las máquinas y mi voz me lo permiten, las caseteras y los sintetizadores. Para mí es una búsqueda sin fin dentro del margen de los sonidos que son los que más me llegan, como lo puede ser el industrial. En ocasiones, esa violencia de la que hablas está dentro de uno y es necesario explorarla. 3.-Y a través de esta exploración, ¿cuál ha sido el método para encontrar tus sonidos? Existe un margen, sin duda, tengo que sentir un ritmo o un seguimiento que marco con los sintetizadores, o ya sea con las cintas y usando mi voz de igual manera para llegar a toda una construcción. Creo que ése es el margen que me doy. 4.-¿Qué tanto es improvisación y qué tanto ha sido composición? Yo diría que 50-50, en ocasiones preparo una especie de guion, como cuando me preparo para grabar; pero cuando toco ejecuto parte del guion y conforme avanzo, libero del mismo y comienzo a improvisar. Es como una posesión. 5.-Tienes un par de composiciones publicadas en físico y acabas de terminar una extensa gira, ¿qué sigue para Mito del Desierto? Recién terminamos una gira de 10 fechas alrededor del país. Igual, acabo de grabar un LP de larga duración para Hole Records; sigue publicarlo y hacerle promoción.

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Hipnosis 2019: El revival de la psicodelia

Por tercer año consecutivo, el Festival Hipnosis se llevó a cabo por segunda ocasión en Las Caballerizas, Huixquilucan, a las afueras de la Ciudad de México Con la misma experiencia del año pasado, los asistentes al festival llegaron preparados con impermeables, botas y varias capas de chamarras para escuchar a las bandas del cartel acompañados por la lluvia y frío del lugar. Los banda encargada de comenzar actividades fue Sei Still, originaria de la Ciudad de México cuya canción más reciente “Tácticas de Guerrilla Urbana” abrió las puertas de la percepción de las primeras personas en llegar. Acto seguido, las chicas de The Darts (US) encendieron la energía del público con su garage rock, otro de los géneros principales del festival. Tajak fue otro de los actos nacionales en participar en el evento. Fue aquí cuando la lluvia comenzó a hacerse presente, convirtiendo al público en lo que parecía una secta de encapuchados bailando. Tajak presentó canciones influidas de space rock con paisajes de noise, las cuales provocaron un ambiente ideal para ese momento. La música ha servido como una forma de expresión que trasciende fronteras. En el caso de The Holydrug Couple, banda originaria de Chile, su música sirvió como una forma de catarsis ante los acontecimientos de los últimos días en ese país. Su música llena de energía transmitió fuerza y belleza que se llegó a manifestar en el sentir del público.   Directo de Nueva York, Crumb ofreció un show cargado de nuevas canciones de su último disco Jinx, dedicando su concierto a los presentes del festival. Ingresando un gran puñado de globos rosas a mitad del show, la guitarrista y cantante Lila Ramani se mostraba agradecida con los mexicanos al ser éste su primer show en el país, y prometiendo volver. El momento más eufórico de su presentación fue el cierre con su sencillo “Locket”.   El sol comenzaba a brillar, brindando unos instantes de calor para recibir a la banda japonesa Kikagaku Moyo. Ésta fue una de las bandas más interesantes del festival al fusionar rasgos de la música oriental con ritmos jazzistas y melodías psicodélicas. La sitar eléctrica de Ryu Kurosawa le daba un toque místico a las canciones, provocando fiesta y descontrol en el Festival Hipnosis.   Cayendo la noche, la lluvia volvió a hacerse presente con fuerza torrencial creando la atmósfera ideal para la presentación de Uncle Acid and the Deadbeats. El show de esta banda llenó de oscuridad el ambiente del festival, entregando un show fuerte con canciones como “Death’s Door”, “I’ll Cut You Down” y “13 Candles”, mostrándose como herederos del sonido de bandas como Candlemass, Black Sabbath y Blue Öyster Cult.   Dando un giro de 360 grados, el ambiente gótico se disipó con la presentación de Mild High Club, quienes ofrecieron la parte más relajada del festival. La banda de California, liderada por Alexander Brettin, interpretó canciones de su disco Skiptracing, incluso una versión con mayores adornos de la canción que abre el disco de Sketches Of Brunswick East, de King Gizzard & the Lizard Wizard, en el que Mild High Club colaboró en su totalidad.   El festival estaba en su pico sólo faltaban los tres actos que encabezaban al cartel y uno de ellos era The Claypool Lennon Delirium. La banda formada por Sean Lennon, hijo John Lennon, y Les Claypool, de Primus, sorprendió con su inicio al interpretar uno de los himnos de la psicodelia “Astronomy Domine” del primer disco de Pink Floyd. El humor de este dueto amenizó a los asistentes, quienes se entregaron al delirio causado por canciones de su último disco como “Little Fishes”, “Boriska” y “South Of Reality”. Sin embargo, los momentos más memorables de su presentación fue cuando rindieron homenaje a King Crimson y a The Beatles, tocando “In the Court of the Crimson King” y “Tomorrow Never Knows”, respectivamente.   Todo estaba listo para recibir por primera vez en México a la esperada banda Stereolab, quienes presentaron una antología de sus canciones iniciando con “Anamorphose”, de su disco Mars Audiac Quintet. Con gozo, el público se entregó a canciones como “Brakhage”, “Miss Modular” y “Rainbo Conversation”, siendo la interpretación a mayor velocidad de la canción “French Disko” el momento con mayor energía de su presentación. A casi 30 años de su primer disco, Stereolab demostró el por qué es un referente e influencia para la música moderna, dejando en el público de Hipnosis una huella que será difícil de borrar. Para finalizar el show y, a pesar de la cancelación de Electric Wizard, la banda californiana de stoner rock Fu Manchu se encargó de cerrar esta entrega del festival. La banda abrazó a los fanáticos del género con los distorsionados riffs de canciones como “Evil Eye”, “Clone of the Universe” y “Hell on Wheels”. Los asistentes que permanecieron para ver esta banda poco les importó armar una fiesta en medio del lodo, donde los empujones y algún aventado eran amenizados por el fuzz. Un momento memorable de esta presentación fue cuando el público comenzó a corear el riff de “Laserbl’ast!” para continuar posteriormente con el mosh de lodo.   El Festival Hipnosis volvió a ofrecer un espacio para los asiduos de géneros como la psicodelia, el stoner y el garage. Apostar por realizar un festival fuera de la ciudad resultó un acierto más, al mostrar que lo único que se necesita para realizar un buen evento descentralizado es la óptima planeación, cartel y facilidades de acceso. El hecho de que incluso la gente haya tomado consciencia de estar preparada para vivir el festival en medio de la lluvia, sirvió para reafirmar la convicción del público de asistir a un evento que, a pesar de todo, puede disfrutar a sus bandas favoritas en un buen ambiente, siendo un punto a favor para espacios como Hipnosis.  

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