Depósitio Sonoro

dream pop

Piérdete en un viaje onírico con la banda Lasitud

Dejar todo de lado y perderte entre las capas de ruido blanco en la búsqueda de libertad, esa es la experiencia que tienes al oír Fantasma, la nueva rola de Lasitud.  Esta banda tabasqueña lleva desde el 2017 trabajando en su sonido, el cual juega con la estética sonora estridente característica del shoegaze, las brillantes melodías del dream pop y el espíritu cañero del post-rock, dando como resultado música con gran personalidad y llena de libertad. En Fantasma los chicos de Lasitud exploran y experimentan con las texturas de su música de una manera más madura, mostrando una clara evolución en su sonido, el cual ahora es más profundo, más denso y que te atrapa desde la primera vez que los escuchas, junto a una melodía pop pegajosa. Ya puedes oír este material en todas las plataformas digitales, ponle play a un viaje fantasmal (no nos hacemos responsables si tu alma no regresa a tu cuerpo terminando la rola). Facebook | Instagram | Bandcamp | Spotify

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Un íntimo retrato a la melancolía en lo nuevo de Zach Yuto

Zach Yuto es un proyecto de la CDMX que explora ritmos relajados a través de sonidos lo-fi, todo con una dosis de nostalgia que bebe de la música de los 80 y de la nueva ola de compositores solitas nacidos en Soundcloud, creando un espacio íntimo y reflexivo. El proyecto corre a cargo de Roberto Corona, quien se encarga de la producción de los beats electrónicos y el resto de instrumentos, como guitarras y sintetizadores. Roberto a encontrado un gran complemento en Claudia Carrillo, quien se suma a Zach Yuto para aportar las poéticas letras que acompañan cada lanzamiento. “Velvet” es el nombre del más reciente sencillo de este dúo, en el cual exploran sensaciones de melancolía, ejemplificadas en el momento de alejamiento después de compartir un momento íntimo con otra persona, observando su silueta de manera majestuosa, comparable con un paisaje natural “tan majestuoso como distante”. El video que acompaña “Velvet” se encarga de expandir en este concepto, al presentar imágenes de una mujer envuelta en telas, con diferentes texturas que contrastan entre sí, similar a la manera en que la hierba cubre los montes y valles de un paisaje natural. Una excelente muestra de elegancia con una vibra relajada, cortesía de uno de los proyectos más prometedores dentro del lo-fi nacional. Facebook | Instagram 

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Sesiones Sonoras presenta a la banda Sexores

Banda de Ecuador que desde su concepción en 2009, se ha convertido en una de las formaciones más estables del circuito latinoamericano. Bordeando el dreampop y la experimentación, Sexores construye un sonido sofisticado a través de programación, sintetizadores análogos y paredes de guitarras que conducen al dulce caos melódico del shoegaze y a la paleta de texturas futuristas del synthwave. Ellos estuvieron este año en Festival Nrmal y en sesión con KEXP. Mira la Sesión a continuación:

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Cocteau Twins: radiaciones de un legado inimitable

Creados en el núcleo de una de las disqueras independiente más importante de los 80 y de la actualidad como la 4AD, nacen los Cocteau Twins, tan importantes como trascendentes para entender muchas de las cosas que vinieron después.   Elizabeth Fraser y Robin Guthrie eran solo dos pequeños adolescentes increíblemente tímidos que se enamoraron cuando lograron cambiar la imagen de la música independiente en el Reino Unido al dar a luz un sonido que eventualmente se bautizaría como dream pop o sentar las pre bases al shoegaze de igual forma. Nacieron en 1979 con Will Heggie en el bajo, Cocteau Twins fue influenciada principalmente por las meditantes bandas post punk de aquellos años pero ojo, muy diferentes, siguiendo los caminos sombríos y góticos de bandas como Bauhaus y Siouxsie & the Banshees pero eso no duró mucho, ellos estaban muy cerca y a nada de inventar algo que no se había escuchado jamás. El gélido susurro de los poemas de Liz Fraser le valieron el apodo de “Voz de Dios”, impuesto según se dice, por el mismísimo Prince, quien tiempo después los invitó a su disquera pero los Cocteau lo rechazaron. No buscaban esos reflectores. Parece confuso y hermoso a la vez pero la magia del trío radicaba en que nadie podía distinguir las palabras bellamente enigmáticas que Liz entonaba y para todos los admiradores sonaban como mensajes ambiguos del cielo, como señales divinas de un mundo desconocido pero alentador. Robin  Guthrie, en el otro extremo, inventó estos ya ahora conocidos tonos de guitarra envolventes que lo convirtieron en una influencia para aquellos que preferían que sus dioses de la guitarra se redujeran a las violetas de la naturaleza, sin solos extendidos o buscando protagonismo. Su legado es el de una banda que cambió el panorama musical y nunca se ha igualado a tal magnitud de interpretación, discos como Treasure, Victorialand o Heaven Or Las Vegas son biblias musicales de melodías eternas. Composiciones a través de las cuales la existencia pareciera etérea, brilla ante ti, ante nosotros como sentimientos en la niebla o temblores desconcertantes a los ojos del alma.   Su música adquiere profundidades aún más profundas que la misma profundidad de una indescriptible agudeza en donde se perciben susurros, lamentos, gemidos y momentos celestiales.  Con todos estos elementos combinados en acción, los Cocteau Twins se transformaron en un acto sublime e inimitable que perdurará hasta el fin del latir del último de los corazones.

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25 años del Forever de CRANES: Dream pop sangriento

De los grupos alternativos/indies que circulaban inmunes al hedor grunge a inicios de los 90 –Lush, Ride, Curve, Pale Saints– CRANES se distinguían por su filia dark wave, portentosa sección rítmica, la etérea de voz de la cantante Alison Shaw y su devoción por grupos de los 80 como The Cure, Cocteau Twins ySiouxsie & the Banshees. Habían publicado eps siniestros como el “Inescapable” o el “Self Non Self” además de su primer álbum “Wings of Joy” (1991), densos trabajos de neo clásico y gótico con los que lograron despertar el interés de algunos. Entre esos fans estuvo Robert Smith (The Cure) a quienes telonearían en el Wish Tour del 92 instalándose en un mayor radio de acción y  popularidad. Emprenden así la confección de su álbum más pop, “Forever” (1993). Visto a la distancia el 93 fue un año fecundo para la música independiente, “Souvlaki” de Slowdive, el debut de Pram, “Quique” de Seefeel, Insides y su clásico “Euphoria”, el “Motion Pool” de Main… Hermoso estar vivo y vivir la primera juventud en aquellos años de melomanía transgresora y vanguardia recalcitrante. En Lima nacía la discoteca Bauhaus y gente como Eduardo Lenti, compartía primero que nadie este tipo de delicias desde su tienda en los Pinos, Transmission Records, a donde ibamos todos a encontrar las últimas músicas. Recuerdo como en un bosque haber bailado Cranes alguna noche en esa disco ya por el 95. Noches de exploración y aprendizaje. “Forever” es un documento del alma. Amor a primera vista. Everywhere o Adrift más que canciones son himnos de rebelión y apostasía, Far Away, Cloudless y Rainbows -una relectura de Everywhere- supuran éter y melancolía en las vocales de Alison Shaw y los ambientes neo clásicos que despliega delicadamente el cuarteto. Jewel, el single de rigor, sería remezclado por el propio Robert Smith. Tales son las coordenadas y sensaciones con las que Cranes construye Forever, un documento básico para entender los 90. Más allá del grunge, brit pop, el techno rave y la prostitución mass mediática forzada que se instauró en Perú. Cranes transgreden sus influencias y logran salir con un sonido propio, nuevo y contundente. No tienen la cantidad de seguidores de bandas como Slowdive oMy Bloody Valentine pero su lugar en la Historia está asegurado merced a joyas como “Forever”  o “La Tragédie D’Oreste Et Électre” (1996). Música para bailar en tu cuarto o en la fiesta más in, solo o acompañado. Música para partirte el cerebro en pedazos. Pop de avanzada. Como la canción de la que toma prestado el título, una rareza de los Cure circa 1984, “Forever” es de esos discos que te quemarán eternamente cada vez que vuelvas a su madriguera. Narcótico y ensoñador, monumental, sangriento y hermoso. TEXTO ORIGINALMENTE PUBLICADO EN PERÚ AVANTGARDE.

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El vacío de la vida cotidiana: una entrevista con Memory Leak

Cuando se habla de semilleros de bandas y proyectos en México, siempre se toman en cuenta 4 ciudades grandes del país: CDMX, Monterrey, Guadalajara y por último, Tijuana. Si bien existen excepciones a la regla, el último caso, es uno de los nichos más interesantes en cuestión de música independiente nacional, ya que por su cercanía con la frontera las propuestas nacientes, de éste “laboratorio fronterizo” conservando un sabor diferente a las del resto del país, y que bien podría atribuirse a ese clima tan diluyente que sucede entre California y la ciudad. Un ejemplo claro de esto, son Memory Leak, un joven cuarteto de Tijuana que mezcla la nostalgia y la melancolía de alcoba que en momento hace recordar a Slowdive o incluso reminiscente a los primeros Eps de My Bloody Valentine; pero aunado a un despliegue agresivo y enérgico que se mezcla entre las capas de ruido, y que denota esa influencia de músicas más cercanas al hardocre o el metal. El sonido de la banda podría ser un tanto difícil de categorizar, obtienen esa tristeza de los ecos dejados por la movida noventera británica, pero a la vez cargan con una presencia más violenta, misma que en envuelve el sonido de la banda en un círculo tan sensible como contundente. La banda representa ese cruce tan especial que en ocasiones pasa en la frontera, su sonido y su forma de crear canciones es una manifestación intrínseca de lo que es la vida entre San Diego y Tijuana. Su sonido puede ser fácil, la banda sonora de un día en la ciudad, esa melancolía de la monotonía, donde el inglés y el español se borran en las largas colas para cruzar “al otro lado”. Memory Leak, acaba de lanza su primer Ep, Graduate Into Nothing, grabado por el productor angelino Jack Shirley  y mezclado por Patrick Alexander (quien ha trabajado con bandas como Whirr, Loma Prieta, o responsable de haber grabado el Sunbather de Deafheaven) Está es una pequeña entrevista con Memory Leak, sobre sus orígenes, su experiencia como banda, y sus próximos planes: ¿Cuándo y cómo se formó Memory Leak? Memory Leak comenzó hace un año… La idea principal era formar algo bonito entre amigos, así que nos reunimos en casa de René (guitarrista/vocalista) para ensayar y combinar sonidos. Siempre hemos estado metidos en la música, ya sea tocando en otras bandas, escuchando a nuestros amigos o siguiéndoles la pista a músicos que nos gustan. El sonido de la banda refleja rápidamente influencias claras como el shoegaze o el dream pop de los 90, pero también está una fuerte presencia de música más agresiva o pesada, ¿Cómo se dio este impulso por mezclar dichos mundos? Queríamos tocar shoegaze; a Laura (guitarrista/vocalista) le gusta crear atmósferas y sonidos clásicos con sus pedales, Miri (bajista) encuentra atractivo el clima del dream pop ligado al rock alternativo, René (guitarrista/vocalista) y Zeki (baterista) vienen de escuelas hardcore/screamo; es algo que se queda sin querer. ¿Qué influenció en una primera etapa a la banda? Todo, nuestro estilo de vida, la música que escuchábamos dependiendo del mood, los shows a los que constantemente íbamos. También nuestra situación emocional y ciertas vivencias fueron de gran influencia. ¿Creen que vivir en TJ/SD es un factor importante de su sonido? Tijuana es una mezcla de todo y nos ha funcionado el dinamismo de la ciudad para inspirarnos. El poder ir y venir, ya sea shows o simplemente tener un mercado más amplio de instrumentos, nos ha abierto las puertas para experimentar sonidos y experiencias nuevas. Como también nos ha complicado un poco la vida cuando nos tenemos que poner de acuerdo para ensayar, ya que Zeki (baterista) y Laura (guitarrista/vocalista) trabajan en San Diego, es un poco de todo… ¿De dónde vienen las letras de la banda? Laura (guitarrista/vocalista) lo puede definir en una palabra: autoterapia. Viene de sentimientos acumulados a través de los años y escribir era una autoterapia de cómo se sentía en circunstancias que no podía explicarse. Constantemente preguntan por qué las letras de las canciones están en inglés y lo chistoso es que escribir en español hacía muy complicado poder expresar sentimientos; es un idioma muy romántico y fue más fácil generalizar lo que sentía en el momento usando un lenguaje que no conozco tan profundamente, como para tantear la superficie de algo muy complejo que daba miedo expresar. Fue un proceso de meses en el que no se esperaba que terminara en canciones, sólo escribía lo que sentía al momento, por lo general notas en el teléfono, como una manera de desahogo. Su primer EP, Graduate Into Nothing, fue producido por Patrick Alexander y mezclado por Jack Shirley, ¿Cómo se dio esta experiencia? Fue un proceso complicado, tuvimos dificultades para programar las grabaciones por nuestras distintas actividades y se dejó a medias la grabación durante algún tiempo. Fue poco después de nuestro primer show (en Blonde Bar/ SD) que nos motivamos a regresar al estudio y finalmente terminar nuestro primer demo. ¡Patrick se la rifa! Es una persona muy paciente y prácticamente lo consideramos nuestro quinto integrante, (si estás leyendo esto, gracias por los consejos). ¡Jack es increíble! Nos fascina su trabajo, así que no pensamos dos veces en contactarlo. Fue muy agradable trabajar con él, aportó muchísimo con su estilo y experiencia. Logró perfectamente el sonido que buscábamos para nuestro primer EP y por eso siempre le estaremos agradecidos.   Me imagino eran fans del trabajo del productor, este es un primer adelanto de lo que es la banda ¿Esperan en algún momento lanzar un disco de larga duración? Definitivamente un disco de larga duración sería lo próximo. No es algo sencillo de lograr, requiere de mucho esfuerzo y dedicación, pero sabemos que al final vale la pena. Tratamos de hacer todo con mucho cariño y de corazón. Aún no tenemos una fecha planeada, pero es algo que hemos platicado y estamos de acuerdo en continuar con un nuevo reto. ¿Qué es lo que sigue para Memory Leak? Divertirnos mucho,

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El difícil e inquietante poder de Double Negative, el nuevo álbum de Low

Low es una banda ahora con doce álbumes que está cumpliendo 25 años juntos, pero a juzgar por el tono de Double Negative, no están en humor festivo. El álbum es un cambio notable para el trío de Duluth que los pone de vuelta en la experimentación de Drums and Guns del 2007, su arma acústica en respuesta a la guerra de Irak. Género: Slowcore | Dream pop | Rock | Glitch pop Label: Sub pop ★★★★ Low ha cumplido realmente con su nombre y ambición de crear canciones en bruto y sombrías. Como galvanizados por un mundo que una vez más se está derrumbando, Low ha llevado su sonido aun más hacia el borde de la desintegración.  Las canciones y las técnicas de grabación las han desgarrado y reconstruido de una manera que engendra discordia y confusión. Las armonías características entre el guitarrista Alan Sparhawk y la baterista Mimi Parker están fragmentadas con trozos de voces que suben a la superficie para entonar siniestramente que no es el final, es solo el final de la esperanza. Esto da la impresión de que las pistas se grabaron desde el interior de un túnel de viento. Entre tanta distorsión y bajos que hacen estremecer los huesos, existen durante todo el disco momentos claros de serenidad y desesperación inesperados que provocan una mayor sacudida. Estas dos emociones están inextricablemente unidas en todo el álbum con la expresión de la desolación, también como el comienzo de la esperanza.  Un disco en el que todas las canciones son casi imposibles de describir, exigentes para escuchar y experimentar por derecho propio. Una pieza verdaderamente inmersiva, de escuchar difícil que te atrapa en un mundo de dolor y tristeza, exponiendo emociones dentro de los espacios cerrados y leyes propias del álbum antes de liberar la cura y serenidad necesarias. Un disco difícil de analizar y de escribir sobre él. Al igual que como la fascinante música de Low, a veces hacer menos es realmente más. 

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Still Corners estrena su cuarto álbum: Slow Air.

Después de dos años de ausencia y bajo el sello discográfico Wrecking Light Records, Still Corners estrena en este mes “Slow Air”, una compilación perfecta para escuchar este fin verano. El cuarto álbum de estudio fue escrito y producido por el dúo londinense Greg Hughes y Tessa Murray, quienes con su ya característico sonido dream pop tocan las fibras más sensibles de los escuchas. En esta nueva producción la banda alcanza tonalidades noir y dreamy, en la que se percibe un tremendo lenguaje musical que, dicho sea de paso, es infravalorado dentro del hype musical. Sin embargo, la voz celestial de Murray junto el acompañamiento de sobresalientes acordes de guitarra, secuencias armónicas de batería y los electrificantes sonidos de sintetizador, convierten a Slow Air en una de las sonoridades imperdibles dentro de lo que va del año.

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