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Berlioz, sonidos que resuenan a fans del jazz y a entusiastas del house

Berlioz, también conocido como Tom Berlioz, es un músico, productor y DJ emergente inglés en la escena del jazz-house. Su trabajo ha empezado a ganar reconocimiento por su enfoque innovador y su habilidad para fusionar elementos del jazz con las estructuras y ritmos del house. Información Relevante Datos Curiosos Importancia en la Escena Musical En resumen, Berlioz es un artista prometedor en el mundo del jazz-house cuya importancia radica en su capacidad para innovar y fusionar géneros, creando un sonido único y atractivo que resuena tanto con los fans del jazz como con los entusiastas de la música electrónica.

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Documentales sobre pioneros hombres y mujeres de la música electrónica

Cómo los pioneros, desde el Taller Radiofónico hasta Kraftwerk, aprovecharon el poder de la electricidad para crear sonidos completamente nuevos que ayudaron a dar forma a la música moderna. La BBC liberó varios títulos que muestran el trabajo de músicos como Kraftwerk, Depeche Mode, Wendy Carlos, Rober Moog, Brian Eno y mucho más. Mira todos los documentales dando clic aquí.

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Reseña de Fragments, el nuevo disco de Bonobo que cautiva y calma

Desde 2020, el productor y DJ londinense de downtempo Simon Green, también conocido como Bonobo, ha tenido que abrirse camino en una pista de baile sin gente para probar nuevo material. Eso no es tarea fácil cuando el objetivo es evaluar las reacciones de las multitudes a su música. Lo dijo dijo en octubre pasado que con la pandemia en curso, ha estado “en cierto modo ciego” sobre qué sonidos podría encontrar. En este nuevo disco titulado Fragments, Green se conecta con los oyentes y ofrece parte de su música más emotiva hasta la fecha. Tejiendo música electrónica, trip-hop y world music con instrumentación orgánica y varios vocalistas invitados, el séptimo álbum de Green cautiva, calma y lo lleva aún más a la corriente principal. El álbum se armó en Los Ángeles durante los últimos 2 años, con la ayuda de la cantante y poeta neo-soul de Chicago Jamila Woods, el cantante y compositor Joji (acreditado como George Miller), Kadhja Bonet, el cantante y productor Jordan Rakei y el productor de música electrónica de Londres. O’Flynn (también conocido como Ben Norris). Las 12 pistas de Fragments se unen sin esfuerzo, como piezas idénticas de un rompecabezas. El álbum comienza con el estilo zen y magníficos arreglos de cuerdas del violinista y arreglista Miguel Atwood-Ferguson. Las delicadas notas de sintetizador llenas de anticipación y los niveles de romance de E.M. Forster aportan una profundidad y emoción que Green ha estado nutriendo a través de álbumes anteriores como Black Sands y Migration. El sonido del club se vuelve a subir en el sencillo “Rosewood”, con sus elementos vocales moldeados y estirados. A la mitad, la canción cambia, el ritmo se intensifica y domina un bucle de sintetizador hasta el final. Al menos por el momento, es posible que Green tenga que conformarse con una distancia aún mayor de los fanáticos. Pero a medida que el mundo atraviesa otro año más de pandemia, Fragments puede calmar a los oyentes en casa y brindar consuelo durante estos días grises de invierno. Simon Green (1976), conocido artísticamente como Bonobo, es un productor, compositor, músico y DJ británico que vive en Los Ángeles.​ Debutó como artista musical en 2000 con el álbum Animal Magic, el cual se encasilla dentro del género electrónico trip hop, y a partir de ello ha experimentado otros ritmos musicales coo new jazz y world music. Sus sonidos electrónicos incorporan el empleo de instrumentación orgánica los cuales son reproducidos por una banda en vivo en sus conciertos.

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Isao Tomita, el legado nipón vanguardista de la electrónica

El virtuoso Isao Tomita nació en Tokio el día 22 de abril del año 1932, se sabe que sus primeros años los vivió en China; años después, ya en Japón comenzó su andar como un gran visionario al estudiar historia del arte en la prestigiosa Universidad de Keiō y concluyó sus estudios en 1955. A partir de ese momento, la vida lo puso en el mundo de la televisión, cine y teatro En 1956 sería un año crucial para él ya que sería un reto componer la música para el equipo de gimnasia olímpica japonés para los Juegos Olímpicos de Australia de ese año. Terminando la década de los 60, Tomita volvió su atención hacia la música electrónica tras escuchar álbumes de Walter Carlos, quien después sería Wendy Carlos, en los que interpretaba música clásica con un sintetizador Moog. En ese momento Isao Tomita, trastornando con ese sonido de aquellos sintetizadores que no dejaban de girarle una y otra vez en el interior de su cabeza, decidió comprarse un sintetizador Moog, el  Modular III C,  comenzando a montar su propio estudio doméstico. En 1974 comenzó arreglando piezas de Claude Debussy para sintetizador y publicó el álbum Snowflakes are Dancing, convirtiéndose en un éxito mundial. Su versión del Arabesco #1 se usó como el tema principal para las series de televisión de astronomía Jack Horkheimer’s Star Gazer (titulada originalmente Star Hustler) emitida en la mayoría de los canales en abierto, realizando una serie de interpretaciones basadas en composiciones de Debussy. Tiempo después, desarrolló un sonido ambiental con instrumentos acústicos a los que llamó “poemas de tono”, esta técnica fue usada para ambientar el show de ciencia ficción japonés: Mighty Jack. Es muy notable la aplicación de la técnica ‘Klangfarbenmelodie’, usando voces sintetizadas se puede decir que es su sello característico. Años más tarde, continuó publicando álbumes, de los cuales los más conocidos son sus interesantes arreglos de clásicos, como “The Firebird” de Ígor Stravinski, “Pictures at an Exhibition” de Modest Mussorgsky y “The Planets” de Gustav Holst. Su partitura para sintetizador incluyendo solos acústicos tales como “Tasogare Seibei” (que se traduce como: El Samurái del Crepúsculo) ganó el premio de la Academia Japonesa por sus logros destacados en música en 2003. El ya virtuoso y legendario pionero de la música electrónica falleció a la edad 84 años, el 6 de mayo del 2016 a causa de un problema cardíaco. Su legado musical ha quedado para la historia siendo el parteaguas de un antes y un después del género electrónico avantgarde, ¡vivirá para siempre en el corazón de muchas personas!

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Síntesis, multiplicidad y resonancia; Nnux estrena la canción Piezas

La productora mexicana Ana López Reyes opera bajo el nombre de Nnux, y nos presenta su nueva canción y video: “Piezas”, un viaje con guiños a la síntesis unidimensional robótica-humana del hoy y del mañana Nnux genera portales sónicos en su proceso creativo musical, que va más allá de grabaciones de campo, cajas de ritmo y sintetizadores. Su voz es una aurora que emana a intervalos inusuales, creando una especia de sentimiento cyborg, pero aterrizado en lo humano. Invita a la desintegración y a la unión de algún mundo utópico y, en conjunto, con el video dirigido por Intton Godelg, resulta un gran trabajo visual de calidad inmensurable. “Piezas” cuenta con un sonido fresco y atractivo; no es predecible y, tanto como rítmica-estructural y melódicamente, invita al oyente hacia nuevos horizontes. Ciudad es el nombre del álbum de Nuxx, y estará disponible a partir del 20 de marzo mediante la disquera VVA.

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Las 4 canciones en la historia que influenciaron Blue Monday de New Order

Entérate de cómo New Order creó una de las canciones pilares para el desarrollo de la música electrónica hacia una nueva era. El origen de el Blue Monday sugiere que cada tercer lunes de enero es el día más triste del año, pero científicos aclaran que no es posible que exista un día específico para la depresión. Aún así, por razones socioculturales, existen factores estacionales que podrían coincidir en tal fecha y predisponer en el estado de ánimo general de las personas. Nosotros indagamos en la música que popularizó aún más este día y, sobre todo, en el impacto y la influencia detrás de la popular canción de la banda. New Order publicó por primera vez el 7 de marzo de 1983 su emblemática canción “Blue Monday“, y lo demás es historia; es una de las canciones más famosas y populares en el universo musical que conocemos y aunque no todo fue gloria y reflectores internos para la banda, como convertir la canción en el vinilo más venido de toda la historia, la leyenda cuenta y en voz de Tony Wilson, que la banda no ganó un solo centavo de ello, pues todas las ganancias se usaron para pagar las deudas que tenía The Hacienda, aquel mítico club que vio nacer a una de las movidas musicales más interesantes del siglo XX. De acuerdo con Bernard Sumner, “Blue Monday” fue inspirada por las siguientes cuatro canciones: 1.- El beat tuvo su inspiración en “Our Love”, de Donna Summer.     2.- Los arreglos fueron trazados e inspirados por “Dirty Talk”, de Klein + M.B.O     3.- Las líneas de bajo dibujaron su inspiración en “You Make Me Feel (Mighty Real)”, de la leyenda de la música disco, Sylvester.     4.- Por último, pero no menos importante: los sintetizadores del inicio y el final son un sampleo tomado del track “Uranium”, del álbum Radioactivity de Kraftwerk.     Cabe señalar que, a final de cuentas, terminaron por crear una de las canciones más originales de la historia, aceptando sus influencias y gustos por artistas que los inspiraron con una letra dedicada a su ex-compañero de la banda, Ian Curtis que se suicidó, pero adhiriendo sus visión musical hacia el futuro. Incluso, como anécdota y dato, hubo un altercado legal con “Love Reaction” de Devine, que es muy similar por no decir idéntica, pero que nunca terminó de explotar a nivel de ventas comercialmente como lo fue “Blue Monday”.  

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Observa el mapa con la historia de la música electrónica de los años 50 a la fecha

Ningún salto histórico ha cambiado más la cultura humana que el aprovechamiento y la comercialización de la electricidad. Nada en el mundo moderno sería lo que es sin la actividad de Thomas Edison, Nikola Tesla y otros inventores e ingenieros eléctricos. Pero el alcance de la electricidad en la música de los últimos 100 años es realmente impresionante cuando lo vemos trazado en un gráfico, como el de Electric Love inspirado en los diagramas de circuito de la década de 1950 para un Theremin Cuando hablamos de los músicos que tomaron esta tecnología y la transformaron en discos de vanguardia y baile, las relaciones son complejas y, tal vez imposibles de representar en términos simples, dada la cantidad de influencias indirectas a través de la tecnología de muestreo. Pero Electric Love hace un trabajo admirable al mostrar cuán difusa y diversa ha sido la música hecha con tecnología analógica y digital: de la música concreta de Pierre Schaffer, el experimentalismo de Karlheinz Stockhausen y Arnold Schoenberg, la vanguardia comercial de Delia Derbyshire y Wendy Carlos, el minimalismo de Steve Reich y Philip Glass; la nueva ola de Kraftwerk, el house y el hip hop de Derrick May, Afrika Bambaataa y Kool DJ Herc; paisajes sonoros ambientales de Brian Eno, electrónica de Aphex Twin, synthpop de Depeche Mode, New Order y más. Podemos ver más de 200 inventores, compositores y músicos. Uno puede navegar por esta infografía y perderse escuchando las influencias y volviendo al punto de partida. Puedes comprar el mapa para tenerlo enmarcado en tu casa, o bien para verlo de manera más amplia dando clic en el enlace de abajo. —> https://www.wearedorothy.com/products/electric-love-blueprint-original-open-edition

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Una conversación con Reed Ghazala, el creador del circuit bending

Es conocido mundialmente como el Padre del Circuit Bending o Encorvamiento de Circuitos, una técnica que descubrió azarosamente allá por los años 60’s la cual hoy ha llegado incluso a nuestras tierras en donde no-músicos experimentales devoran/abren diversos aparatos para extraerles sonoridades inéditas. Reed Ghazala es en realidad uno de los pocos genios aún vivos de las jornadas sesenteras y setenteras. NOTA QUE NOS FACILITA A DEPÓSITO SONORO EL BLOG PERÚ AVANTGARDE Traducción por: Arturo Breña. “Reed no tuerce las reglas. Simplemente nunca las aprendió” (Perfect Sound Forever dixit). Su campo de trabajo no se restringe solo a lo sonoro, también interviene diversas fuentes visuales además de ser un alucinante pensador en sintonía con la naturaleza y las plantas sagradas. Sus creaciones forma parte de colecciones como el MOMA de New York, el Guggenheim y el Whitney. Sus famosos instrumentos circuit bendeados han sido construidos para Tom Waits, Peter Gabriel, Pat Mastalotto de King Crimson, Faust, Chris Cutler, Towa Tei, Yann Tomita, Peter “Sonic Boom” Kember, Blur y muchos otros. La obra de Reed Ghazala ha sido difundida por medios masivos como ABC Television, The Discovery Channel, MTV, Disney, The New York Times, The Washington Post, Wired Magazine, Option, Billboard y Computers & Music. Un hombre del Renacimiento, un alma de colores, el siempre genial QUBAIS REED GHAZALA. Enjoy! Es un verdadero honor para nosotros hacerte una entrevista. Eres el “padre del circuit-bending”, una técnica bien consolidada en la actualidad. Por favor dinos ¿cómo y cuándo fue que surgió la idea de curvar o encorvar el circuito de algo? ¿Qué ocurrió entonces? Gracias Wilder, por tu interés en mi trabajo. Ok. Era un adolescente cuando el momento mágico sucedió. El año: 1966. Estuve buscando algo en los cajones de mi mesa, cierro el cajón y de repente la habitación se llenó de sonidos electrónicos raros. Me quede alucinado y confundido… pero amaba los sonidos fantásticos. ¿Qué ocurrió? Un pequeño amplificador de pilas había generado un corto circuito ante un ítem de metal en el cajón. Lo dejé con su parte trasera apagada, electrónicamente expuesta y algo de metal había caído en el circuito, configurando un nuevocircuito de casualidad. Un oscilador había sido creado. El sonido barría hacia arriba una y otra vez. Y pensé si esto podía ocurrir por accidente, cuántos sonidos más podrían ser creados si yo corto circuito, tan arbitrariamente aquí, allí y ¿en cualquier lugar?. Lo que luego denominé como “circuit – bending” o encorvamiento  del circuito había nacido. La casualidad en lugar de la teoría se convirtió en la prueba del ácido. Pronto configuré este circuito en un sintetizador táctil, el primero de una serie de instrumentos diseñados alrededor de este amplificador voluntariamente en “corto circuito”. Podía gruñir como un perro, ronronear como el gato, piar como un pájaro, y hacer un sinfín de poderosos y salvajemente abstractos sonidos de sintetizador, cíclicamente hacia arriba y chillando. Aquí hay una foto de esto, una generación después en su actual caja de vidrio, su lámina contacta cableada a grandes  cuerpos de contacto fuera del armazón para instalaciones de observación-participación. Uno puede tocar ese antiguo instrumento todavía, hoy. A diferencia de todos los notables diseñadores de sintetizadores del momento, yo era un niño, no tenía padre en mi casa, tampoco un respaldo académico, sin efectivo, ningún entrenamiento formal en electrónica ni nadie que pueda conectarme con el campo. Nadie para ayudarme a publicar mis descubrimientos. Sin mentor, sin becas, sin círculo de profesores y técnicos en los cuales apoyarme. Entendí que si me iba a mantener en mi campo, mi trabajo sería considerado renegado, o aún peor. Sería rehuido por los diseñadores tradicionalistas, mi trabajo seria convenientemente descartado. Pero me mantuve. Los circuitos antiguos parecían magia, era suficiente. Y como resumen: el DIY-“Hazlo tú mismo” no era una elección—era un mandato. (Tenía 14 años durante este período de descubrimiento; Bob Moog tenía 33, Nam June Paik de 35, Tom  Oberheim tenía 31, Raymond Scott con 59, Donald Buchla 30, Michael Waisvizs 19— Michael estaba asistiendo a STEIM y todos estaban rodeados por expertos en electrónica, su trabajo sostenido por compañeros brillantes, universidades e instituciones). De alguna forma, solo, tuve que montar algo de todas mis desventajas. Lo sabía y muchos de nosotros en la música underground lo sabemos. Así que auto-publico, creé un sello casero (Sound Theatre), escribí artículos, di interminables entrevistas, grabe mucha música y seguí construyendo instrumentos. Seguí a mi anti ortodoxia, los diseños de sistemas simples basados en la casualidad… porque tuve que hacerlo y funcionó.  Por el resto de mi adolescencia seguí este camino y esta técnica, experimentando conmigo mismo, creando proto-synths en el sótano, empalmando cintas rotas para que así pueda seguir grabando en mi casi estropeado reproductor  mono riel, imaginando como seria si tuviera dinero —-siempre andaba quebrado. No fue hasta que los editores reconocieron mi trabajo que tuve que darle un nombre al proceso, identificar sus datos personales para una abierta discusión. Le puse el término “circuit-bending” (encorvamiento de circuito) en 1992 para mi vigésimo artículo serial en la revista: Instrumentos de Música Experimental. Por cinco años doné esos derechos a EMI (Experimental Music Instruments) con el único propósito: incrementar la colección planetaria de instrumentos experimentales. ¡Pues funcionó! Miles de nuevos, instrumentos experimentales han resultado de la decisión de publicar mis técnicas “renegadas”. Al final cualquiera puede “encorvar el circuito”. Es divertido, barato, y puedes acabar con un instrumento que no existe en ningún otro lugar del universo. Ya no me preocupo para nada sobre si mis procesos encajan, se amoldan, son tradicionales o lo que sea. En mi libro explico lo que llamo como el “concepto del coco”. Simplemente, circuit-bending es un arte contemporáneo folk, similar a los infinitos instrumentos musicales folk que han sido inventados en el mundo usando cáscaras de coco preparadas. Hoy el circuito es el coco. ¿Puedes decirme algo sobre THE ODOR BOX? Estuviste en una banda para entonces y  tu invención causaba repulsa a  los rockeros más convencionales de los  años 60. ¿Fue esto así? El instrumento que diseñé antes del Odor Box, mi sintetizador original, fue

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