Depósitio Sonoro

Electronic

Luke Vibert: trigonogramas del breakbeat

Luke Vibert es un productor británico muy prolífico, quizá un poco a la sombra de Squarepusher y Aphex Twin, éste último con el que comparte una amistad desde hace muchos años y que los ha llevado a tocar y grabar cosas juntos, sobre todo sets. Vibert fusiona breakbeats con acid, dub y hasta electro, el panorama sonoro que maneja es bastante amplio y nunca encasillado, le gusta experimentar, es un acérrimo de hacer eso. Tanto que sus diferentes alias lo avalan, dígase de Plug, Wagon Christ o Kerrier District. El imperio sonoro de Luke combinaba post-techno y ambient con hip hop experimental y drum’n bass, más tarde y con el paso de sus diferentes grabaciones e influencias definió un sonido más dubstep electro IDM, estilo esquizofrénico mezclado delicadamente con mucho funk. Su legado ha sido discreto pero sustancioso e importante, pues sin estar en la mira de los reflectores todo el tiempo ha tratado de redefinir los contornos de la música electrónica de los últimos años, lo cual le ha valido colaborar con artistas de renombre como Nine Inch Nails, David Sylvian o la agrupación de culto Meat Beat Manifesto.

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Paula Temple, techno intenso y ecléctico

Paula Temple es una de las referencias femeninas más representativas en la música electrónica global que podremos disfrutar en el presente. Es una mujer y productora con habilidades increíbles. Es intensa, astuta y ultra mega ecléctica, aunque pareciera que sólo se inclina al techno, no es así. Explora en sus “live sets” con música propia, los lanzamientos más voraces y clásicos que en ocasiones abarcan los géneros industriales o el techno de Detroit. Sus registros de creaciones cubren un futuro muy brillante por delante para ella ya que muchos tienen la idea de que se trata de una nueva artista pero no es así. Paula debutó en 2002 con The Speck Of The Future bajo el sello Materials y desde entonces ha mostrado una idea muy clara en su visión de redefinir la música techno. Su impresión artística la llevó a convertirse en la primera mujer en ser firmada en toda la historia de la legendaria discográfica de Bélgica: R&S Records. Pero ser DJ y productora no le ha bastado y también ha aportado en materia de tecnológica musical, siendo co-creadora de uno de los primeros controladores midi para tocar en directo llamado MXF8, que ella misma llevó de gira entre 2003 y 2005. Para el 2012 creo su propia disquera a la cual nombró Noise Manifesto, con producciones que llevan un mensaje de confrontación, y que éste a su vez, fue la inspiración detrás del título de la discográfica, que todo fuese invisible para alcanzar una liberación y eventos para recordar a través de un 50% de mujeres y artistas homosexuales. Paula Temple es infernal, desata patrones de ruido constantemente recurrentes a una realidad industrial, mientras que el ritmo que va construyendo está cargado de una energía muy obscura, lo que hace realmente interesante a dónde terminará todo esta odisea que se encuentra emergiendo de cero hasta alcanzar una brutalidad superior a las guerras atmosféricas de otros mundos. Es la señal que marca el nuevo origen de un nuevo templo en la electrónica completamente transhumano y sónico, quizá más uno que otro. No importa hacia donde se dejen llevar cuando la escuchen, el resultado siempre será un estruendo apocalíptico digno de una expansión/explosión muy cercana a un nuevo ¡Big bang!

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Richard Devine, ilusión y perfección análoga

Richard Devine es un músico y diseñador del sonido cuya música, caracterizada por ritmos complejos y el uso intensivo de modulares, se hizo de un nombre respetable dentro de los fanáticos de IDM luego de que remezclara el monstruoso sencillo ‘Come To Daddy‘ de Aphex Twin. Devine es un experto en pulir sonidos orgánicos de tremenda calidad mediante un proceso primordial que da la ilusión de caer fuera del reino de la creación humana, es decir, más inclinado a las tendencias robóticas y a las máquinas que tanto ama. Está activo comercialmente desde 1995 y desde entonces su paso por las disqueras Tape, Schematic, Sublight Records y Detroit Underground le han ayudado a mantener un status de coloso. Un ser original y estudioso, experimental y radical. Es música de primera clase verdaderamente contemporánea, desde la producción a los sonidos, el tiempo, la nitidez y la complejidad. En una era en la que su música electrónica sigue sumando al globo. Devine se toma su trabajo muy en serio, tan en serio que ha trabajado con las marcas de Korg, Native Instruments, Clavia y muchas más. Sí lo tuyo son los sonidos análogos, Richard Devine reforzara tus conceptos acerca de todo lo que necesitas seguir aprendiendo.

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The Human League: de sueños y sintetizadores

Es innegable la influencia que The Human League ha tenido dentro de la música electrónica y el synth pop desde su fundación en 1977, pasando por varias alineaciones y radicalizando la música pop. Además esta banda ha dejado un gran impacto con altas y bajas de como entendemos la música hecha con sintetizadores. Su legado es importantísimo para la música de nuestros días. Origen Fueron pioneros en tocar con puros sintetizadores y aunque en sus inicios eran comparados con Kraftwerk (por que usaban la misma marca de sintetizadores), ellos siempre quisieron ser una banda de música pop. Todo esto a raíz de que escucharon ‘I Feel Love’, el mega hit de Donna Summer producido por Giorgio Moroder, dando paso así a un grandísimo protagonismo y que nos dejaría una serie de canciones icónicas que nos sirvieron para entender la música ochentera hecha con teclados. Marcando el camino La banda comenzó a abrir un camino a otra serie de grupos que muy pronto empezarían a imitar su sonido. Después de su sencillo debut ‘Being Boiled‘ y de recibir una buena aceptación, The Human League junto a su alineación original conformada por Phil Oakey, Ian Craig Mash y Martyn Ware más la integración de Ian Burden y Jo Collins, presentaron un nuevo sencillo titulado ‘The Dignity Of Labour‘, canción que fue dividida en cuatro partes y en donde la música se impone a la voz. Esto se consideró toda una revolución para lo que se hacía en la música de ese entonces y que capturó a muchos jóvenes aficionados que descubrían ese tipo de producciones tan futuristas. Ruptura y avance Phil Oakey supo reponerse a una ruptura interna y el abandono de los miembros fundadores de la banda porque tenían ganas de volverse más experimentales, Oakey quería suavizar de alguna manera toda esa experimentación con el fin de que los tocaran más seguido en la radio y llegaran a los charts del Reino Unido. Para esto, Phil integró a dos vocalistas bastantes carismáticas: Joanne Cahtedral y Susan Annn Sulley, quienes iban a inyectar de nuevos aires las composiciones de la banda y que marcaban sin saberlo, el comienzo de la escalada a la cima del éxito. El éxito implacable de DARE, su obra maestra Con este asombroso disco, The Human League abriría miles de puertas hacia los mercados en los Estados Unidos, al synth-pop que se hacía en el viejo continente y a diversas creaciones que hasta ese momento la música pop no ofrecía. Dare fue respaldado con grandes temas como ‘Open Your Heart’, ‘Love Action’, ‘The Things That Dreams Are Made Of’, ‘The Sound Of The Crowd’ y el más popular pero a la vez espectacular de todos: ‘Don’t You Want Me’. Esta canción fue un acontecimiento musical sin precedentes y me atrevo a decir que es una de las más importantes dentro de la historia de la música moderna, además de que los puso en la mira de todo el mundo y les hizo alcanzar el éxito que tanto habían buscado desde sus dos discos anteriores. Desde sus inicios hasta sus etapas más oscuras, de lo experimental al imperio pop,  y hasta las que jamás imaginamos que podrían lograr, la agrupación sigue conservando esa esencia como si nunca hubiera pasado el tiempo sobre ellos,  o tal vez sí, pero han trascendido y eso es lo más importante. The Human League forma parte de la historia como una de las bandas más importantes que han existido en su género, pioneros del synth pop y de introducirla a la cultura popular.

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Nuevo remix de Ryuichi Sakamoto a Oneohtrix Point Never

Oneohtrix Point Never ha lanzado una nueva pista en colaboración con el legendario compositor japonés: Ryuichi Sakamoto. Se trata del hermoso tema “Last Known Image Of A Song (Ryuichi Sakamoto Rework)”. El año pasado, OPN contribuyó a la compilación de remezclas de Async Remodels de Sakamoto con una nueva versión de “Andata” y ahora le regresa el favor. Es un bellísimo arreglo. Aquí lo pueden escuchar:

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Línea de tiempo especializada por música electroacústica de 1937 a 2001

Tratando de encontrar música poco convencional nos encontramos con Ubuweb, ese repositorio incondicional de todas las cosas de vanguardia del siglo XX, que en esta ocasión alberga una compilación extraordinaria: una Historia (diferente) de la música electrónica / electroacústica con 476 canciones, originalmente un conjunto de 62 CDs.  La historia de la música electroacústica abre muchas brechas. En los años 1937-2011, la colección debe atraer especialmente a aquellos con una tendencia vanguardista o musicológica. De hecho, el creador original de este archivo de sonido experimental, Caio Barros, puso estas pistas en línea en 2009 mientras estudiaba composición en la Universidad Estatal de Brasil en São Paulo. La iniciativa de Barrios, como escribe en Ubuweb, “se convirtió en una especie de leyenda” entre musicófilos. Ubuweb vuelve a publicar esta colección fenomenal. Barrios señala que las exclusiones tienen que ver principalmente con “la forma en que funciona nuestra sociedad y la tradición que representa esta música”. El creador de esta lista agregó: “Cuando comencé a subir la colección, en 2009, era estudiante de pregrado de una clase de composición en el estudio de la universidad para música electroacústica. Nuestro profesor hizo esta colección, creo, de su biblioteca particular, recogiendo algunas obras que él encontró importantes. Así que había una pila de CD para que escucháramos como una especie de tarea. Porque no podía estar en el estudio todo el tiempo que llevaba los CD a mi computadora para poder escucharlos en casa. Fue algo natural entonces comenzar a compartirlo a través de la famosa rapidshare, aunque no fue una idea totalmente altruista: las descargas me dieron puntos que me permitieron obtener una cuenta para descargar otro material compartido. Esta iniciativa se convirtió ya en una especie de leyenda. Puedes escuchar la lista en este link. 

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Sparks: importancia, legado y diversidad musical

Sparks es una banda que ha transcendido todas las épocas, modas, estilos, géneros musicales y aun así han logrado mantenerse frescos y puristas, han tenido una gran influencia directa e indirecta en artistas de la talla de Queen y Paul McCartney, además de que Depeche Mode,  New Order,  Franz Ferdinand,  They Might Be Giants,  Siouxie And The Banshees y sobre todo Morrissey han reconocido su gusto, impacto y amor por ellos, nos visitan por primera vez tras haberse formado en 1970 y aquí te contamos acerca de su importancia.   Los hermanos Ron y Russell Mael han mantenido una larga carrera de éxito y diversos enfoques musicales que van desde el glam pop/rock, el new wave, la música dance y electrónica, el synth pop y pop en general. A pesar de todas esas experimentaciones un reconocible sonido de Sparks permanece en todas partes, palpitante y estroboscópico, y han disfrutado de un gran culto de seguidores desde sus primeros lanzamientos, es más, de hecho es una de esas pocas bandas que se han ganado de todas todos el término de banda de culto, porque en verdad lo son.   Un punto trascendente en su carrera fue cuando a finales de los 70, colaboraron con el mítico productor Giorgio Moroder, responsable de mandar a la fama y estrellato a nada más y nada menos que Donna Summer, en esa etapa los Sparks se reinventaron a sí mismos como un dúo pop electrónico y abandonaron la formación de bandas de rock tradicional que los venía caracterizando, optaron por mirar al futuro en la grabación de ese gran disco No. 1 In Heaven. Sus estilos casi constantemente cambiantes y presentaciones visuales en vivo son descritas por la prensa como únicas y con mucha energía a pesar de los 70 y 73 años de edad que tienen respectivamente. De entre sus álbumes más destacables recomendamos: Propaganda, Kymono My House en donde viene quizá su obra maestra y mejor y más recomoncida, el sencillo “This Town Ain’t Big Enough For Both Of Us”, Big Beat, No. 1 In Heaven, Angst In My Pants, In Outer Space, Music That You Can Dance To, Gratuitous Sax & Senseless Violins y su último gran disco de 2017, el Hippopotamus. Larga vida a Sparks, unas chispas de las que ya no quedan.

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Peter Hook, celebrando el Substance en suelo mexicano

Peter Hook fue una noche especial, la atmósfera se dictaminó perfecta y no fue para menos, la palabra mágica que gobernó la noche fue: celebración, la celebración al Substance, placas esenciales en la discografía de New Order y Joy Division, que funcionan como compilado unificador supremo.   Siempre he creído que los conciertos de viejas glorias suelen ser celebraciones siempre inundadas de melancolía, ya sea por lo importante de la banda o del impacto que nos hace imaginar que tuvieron décadas atrás o el que tuvieron o tienen en nosotros en el presente, y si a esto le sumamos la oportunidad de ver a esos músicos legendarios tocando discos completos encima del escenario, eso lo hace un poco más especial. Las mejores historias de la música siempre estarán respaldadas por las memorias y los aspectos oscuros, asombrosos, discretos, irónicos y devotos del pasado, y así cobra vida la visión interna de los acontecimientos y la reflexión; una interpretación de lo que nosotros como espectadores firmamos con el corazón. Salen los músicos al escenario y empiezan las primeras notas de “Regret”, una perla, una de las canciones más bonitas que tiene New Order, el inicio de concierto más inesperado  de todos y sientes como te recorre todo el cuerpo un escalofrío sustancial. La primera parte del concierto estuvo conformada por puros tracks de New Order. La evolución va creciendo al sonar “State of The Nation” en tonos super bailable, “The Perfect Kiss” para conquistar la pista, y los clásicos “Shellshock”, “Thieves Like Us”, “Subculture“, “Bizarre Love Triangle“ “Temptation” y la esplendorosa“True Faith“ La segunda parte cobró más poder. El espíritu de Joy Division cobró encarnación bajo la estructura del pabellón, encarnación que se hizo evidente según iban pasando las canciones e hicieron que la gente se viniera arriba con una fuerza tremenda y una más que notable ejecución, muy bien todos, en su interpretación de canciones irrepetibles. Sonaron entre las más esperadas “Warsaw“, “Leaders of Men“, “Digital“, “Transmission“, “She’s Lost Control“, “Dead Souls“, “Atmosphere“ con dedicación especial a Ian Curtis y el esperado final con “Love Will Tear Us Apart” que seguía siendo coreada inclusive muchos minutos después de haber terminado el concierto. Sensaciones poderosas, físicas y demeledoras, todas en una noche, “Es increíble el amor que el público mexicano tiene por Joy Division, es algo que no se puede explicar. Hay muchas razones para ir a un concierto de Peter Hook, la decisión es personal, pero si eres de los que se arriesgó y se atrevió, sabes que valió la pena. Sobre todo porque si existe trayectoria alguna en el mundo del pop conocida lo suficientemente es la que abrió Joy Division y continúo New Order.

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