Depósitio Sonoro

Experimantal

Tripnotik y la voz de Badmoiselle, síntesis androide trigonométrica

Tripnotik, uno de los proyectos más relevantes de CDMX se encuentra estrenando “Broken Spheres” (feat. Badmoiselle), el primer sencillo de lo que será su nuevo disco y que sale en 2021. Esta pandemia ha sido terrible para la gran mayoría, pero afortunadamente hay músicos que han aprovechado ese sentimiento para compartir lo que mejor saben hacer: arte. Es el caso de Tripnotik y Badmoiselle, ésta última, protagonista de las texturas vocales que escuchamos en “Broken Spheres”, una exploración exuberante y hermosa de cómo la música ambient y experimental conducida por máquinas electrónicas, alcanzan una melodía de unión de alta lucidez entre la down tempo y el trip hop. Sin duda estamos ante uno de los mejores tracks nacionales que han salido en el terreno de la electrónica-experimental y también ante una de las portadas con el arte más increíble que se ha visto en 2020.

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Los hermanos Roger y Brian Eno anuncian su primer disco juntos

Por fin, los hermanos Roger y Brian Eno sacarán Mixing Colours, disco que será una inspiración mutua para ambos. Aquí tenemos un adelanto…  Las corrientes ambientales y experimentales les han dado su máximo apogeo en la historia de la música. Por lo que sabemos es un disco en el que han trabajado estos últimos 15 años, y que estará compuestos por 18 temas disponibles a partir del 20 de marzo del 2020. Por ahora sólo tenemos el adelanto de una pieza musical, pero estamos seguros de que será un ejercicio musical excelente para todos los fans del dúo, que no pasará desapercibido. 

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Una entrevista con Viiaan: Superponer realidades, materializar obsesiones

Guiada por su naturaleza experimental y su interés por mezclar realidades, Viiaan ha creado en poco tiempo un archipiélago de proyectos alimentados por un solo interés: el sonido Viiaan lleva la música en la sangre. Su abuelo ha sido maestro de música por décadas y, hoy, a sus 88 años continúa dando clases. Cuando ella nació se vio rodeada por guitarras, amplificadores, micrófonos y teclados. “Todo el tiempo había gente en mi casa cantando boleros”, cuenta. Muy pronto, tomó unas maracas o las claves que le dio su abuelo y ella intentó unirse. El ritmo era lo que más la llamaba: los bongos y las percusiones, así como cantar, algo que cultivó en un coro en el que formó parte a temprana edad. El abuelo fue la inspiración, pero ella debió pronto tomar su camino. Él intentó enseñarle a tocar la guitarra, pero no fue un instrumento que apasionó a Viiaan. Las percusiones fueron las que ganaron pronto su atención. Viiaan tiene muy claro el recuerdo del momento en que empezó su amor por la música electrónica. Tendría unos 9 años. En la escuela organizaron un festival de Halloween en el que cada salón tenía que bailar una canción. Los chicos de primero de secundaria escogieron un track que la obsesionó: “Get Get Down” de Paul Johnson. “Fue algo muy importante en mi vida, se me quedó grabada desde el momento en el que lo escuché”. Ahora que ve hacia el pasado, sabe que con esa canción había nacido su obsesión por buscar música. Viiaan comenzaría pronto a recolectar música y a compartirla intensamente, casi como una competencia, con varios amigos con quien compartía la misma obsesión. “Empecé a juntar demasiada música”. Aunque su primera colección de vinilos llegó a ella como un regalo de su padre, unos 100 vinilos que arribaron antes de que ella empezara a comprar los suyos. “Nos empezamos a juntar mucho todos a los que nos gustaba la música electrónica, hicimos un grupito de amigos, y no faltaba el que ya tenía su controlador y empecé a mezclar. Ahí comenzó realmente el camino, que ha sido muy orgánico”. En un periodo complicado de su vida, la música se le mostró como un alivio, pero también como una manera de expresar lo que sentía. En medio del caos y la falta de claridad compró un controlador. Comenzó a dar salida a la necesidad de expresarse con él y los montones de música acumulada. Llegó al punto en el que se dijo: “me voy a grabar”. Ponía música, grababa y, después, volvía a escuchar esos sets. Eran sets de poco más de media hora que decidió compartir. Ahí adoptó el alias con el que hoy la conocemos. “Nunca fue un plan estratégico, empecé a subir lo que grababa a Soundcloud. Para mí, Soundcloud ha sido mi mánager hasta hoy, literalmente. Por él empecé a tocar para más gente, no solo para mis amigos y para mí”. Boris Vian es su autor favorito, uno con el que se identifica en muchos aspectos. Al igual que ella también se dedicó a la traducción y a la música. Y su literatura tiene un humor negro, incómodo, que ella comparte. Cuando uno echa un vistazo a lo que Viiaan ha subido a su Soundcloud en el último año, o acude a escucharle tocar en un mismo mes, pronto descubrimos que tiene montones de intereses sonoros que van desde lo ambient y experimental, hasta la música más orientada al dancefloor sin hacer a un lado el riesgo. Esa multiplicidad de intereses es reflejo de su propio temperamento. “A pesar de que estoy enamorada del ambient y lo experimental, me gusta moverme y no puedo estar tanto tiempo estática, siento que mi gusto por los demás géneros siempre recae en lo experimental”. Viiaan puede tocar drum & bass, techno, acid, pero en algún punto va a decantar en lo experimental. No será un techno 4/4, en algún punto romperá y, tal vez, se volverá sincopado para luego regresar a los cuatro tiempos. “Creo que lo que me gusta en sí es el sonido, no pienso en géneros a la hora de seleccionar música, solamente que tenga esos rasgos que mi oído sigue”. Sus sets suelen ser impredecibles. Le gusta que sus selecciones rompan, que tengan texturas, que suba y baje de tempos… Siempre nos mostrará alguna de sus dos facetas: una muy contemplativa o una más oscura que se halla cómoda en el techno más duro, más rasposo. “Siempre es una investigación de la persona, del sello, del lugar o de la hora en que tocaré, es algo que me encanta porque me obliga; es como una aventura, como conocer un nuevo lugar. Trato de llegar a profundidad”. Por ejemplo, cuando los chicos de la revista P.O.V. la invitaron a colaborar con un mix para su serie Audiodrome, tomó en cuenta el espíritu de la propia revista para decidir cómo sonaría. “Su contenido es agresivo, su literatura es transgresora y ese mixtape es uno de los que disfruté al 100 por ciento, porque pude sacar ese lado mío transgresor, oscuro, más rudo, con un BPM mucho más alto”. Además de su trabajo en solitario, Viiaan tiene varios proyectos colaborativos: Femal, al lado de Concepción Huerta y Balæna, junto a KOI. Esas colaboraciones le han permitido aprender nuevas técnicas. “Siempre es una retroalimentación enorme ver cómo la otra persona puede hacer lo mismo de diferente manera, eso me ha ayudado bastante, también a ser un poco más abierta para afinar mi oído, a no ser tan grinch en cuanto a la música en los lugares, a encontrar muchas estructuras de la música, otras formas”. Su proyecto junto a Concepción Huerta se basa en la experimentación y en la improvisación en el que incorpora texturas y grabaciones de campo —sonidos de la naturaleza— y da salida a sus juegos con los tempos, los ecos, las voces. “Nos sentimos, nos escuchamos y nos guiamos por lo que nos va diciendo lo que estamos haciendo”. En el proyecto con Balæna, Viiaan y KOI han configurado un

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John Cage meets Sun Ra, el histórico concierto de ambos en Coney Island de 1986 a nuestro alcance

No podemos pensar en otra manera de describir el encuentro de estos dos gigantes de la música transformada en vanguardia, el John Cage meets Sun Ra es desde épico, glorioso y de magnitudes históricas que nos emociona hasta la médula   En junio de 1986,  Coney Island recibió el sobresaliente evento que, con el paso del tiempo ya es de los más codiciados en el terreno de lo culto; la actuación grabada y lanzada posteriormente por Meltdown Records ha sido remasterizada gracias a la más alta tecnología, y revivido para un nuevo sector de entusiastas musicales que siempre están buscando piezas icónicas musicales. Podrá conseguirse en formato CD y Vinilo, además cuenta con un DVD titulado The Complete Film.    Dando clic aquí puedes comprar el material discográfico.  

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Robert Fripp y Brian Eno, colaboraciones imborrables en la historia: (No Pussyfooting)

(No Pussyfooting) es un álbum tremendamente manipulado desde las improvisaciones de Fripp hasta las capas sintetizadas de Eno, un trabajo al que podemos catalogar de culto aún en nuestros días, los dos son genios sónicos respectivos de sus géneros. El disco es una odisea a la espontaneidad de 2 mundos arquitectónicos musicales que ustedes conocen muy bien si son fans o seguidores de las carreras de estos músicos, además de que tanto como Eno y Fripp se retro alimentaron mutuamente de ello para trabajos posteriores.  Fripp se nutrió para nuevas exploraciones abrazando las técnicas heredadas de un Eno sintetizado y viceversa, Eno se nutrió de las técnicas del instrumento de 5 cuerdas que Fripp maneja a la perfección. La descripción general de esta obra y más importante es la que cada uno de ustedes quiera darle. Nosotros la canalizamos aquí con mucho amor, además de que cuenta con una portada minimalista preciosa.

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Voices From The Lake: enigmas de un trance hechicero

Donato Dozzy y Neel son las voces que con sus mentes musicalizan este concepto. Debutaron en 2011 para la disquera Prologue con su EP: Silent Drops, pero no fue hasta que sacaron su larga duración y la propuesta de un acto en vivo que los reflectores voltearon a verlos. Llegó entonces el momento de Voices From The Lake, disco homónimo que advertía un techno más llamativo y de una manera evocadora hacia nuevos pasajes a lo desconocido, quizá comandado por el misterio y la intriga. La obra está compuesta y llena de matices esotéricos que diversifican la propiedad de nuevos géneros.  El sonido electrónico ambiental que manejan son registros atraídos sorprendentemente de las profundidades de sus sintetizadores atemporales. Una jugada atrevida sin duda pero efectiva cuando se llega al nudo de las composiciones, es imposible resistirse al efecto de su trance hechicero.   La magia de este dueto es que logran mantener un ritmo constante ligeramente más lento que la mayoría de sus contemporáneos, esto crea un punto de referencia sobre hacia dónde se dirigen las cosas. Es como si lograran tipificar rítmicamente las sonoridades de sus percusiones apuntaladas por los lamentos de un mundo en donde los espíritus también escuchan, también sienten, también bailan. Eso puede sonar aterrador y quizá lo es, sin embargo; es extrañamente reconfortante escuchar la música de este dúo italiano. Cuentan con un disco en vivo liberado este 2015 bajo el sello Editions Mego que lleva por título Live At Maxxi y que pone en claro de todo lo que son capaces. El álbum nos abraza con mucha profundidad y sutileza, representa una nueva revelación, son espeluznantes, estimulan, atrapan y congelan el cerebro de quien los escucha por primera vez y ustedes pudieran ser los próximos. Son responsables de que lo hipnótico cobre un nuevo significado.  

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Entre el pop y la experimentación, entrevista con Matt Robidoux

Matt Robidoux es, sin duda alguna, uno de los jóvenes compositores más interesantes en la zona del bay-area de California. El caso de Robidoux, es uno especial, formó parte en sus inicios de Speedy Ortiz, esa banda que muchos medios proclamaron como la promesa del “indie” (si es que eso aún se considera un género) tras tocar con ellos bajo una estructura cerrada y lineal en cuanto a lo musical, el músico decidió abandonar dicho formato y concentrarse en su propia obra, bajo un ejercicio egoísta de explorar constantemente diferentes vertientes sonoras, sin dejar jamás de caer en un cuadro que lo limite sónicamente. Inspirado en gran medida por Pauline Oliveros, lo cual se puede apreciar en 3 Pieces o Irish Collection (Feeding Tube 2016, 2017) donde el músico demuestra lo ecléctico de su obra, tanto la improvisación sonora, esa noción pop y melódica, casi melancólica, como también llevar su obra al límite de escribir piezas apegadas a ensambles contemporáneos, llevando su obra a espacios tan inesperados como arriesgados, sin dejar de perder el sentido inicial. Naturalmente la visión del nativo, Massachusetts, comenzó a escapar del formato del rock, para sumergirse en el sentido de la improvisación, la electrónica abstracta y el ruido, al mismo tiempo que fue escribiendo su propia música, bajo ningún tipo de estructura limitante. “Para mí, era importante alejarme de la estructura del rock n’roll. Yo vengo del este de Massachusetts, y en éste lugar existe una escena muy fructífera en cuanto a la improvisación libre y la experimentación electrónica, por lo que rápidamente me fui mezclando entre esa comunidad, y lo fui absorbiendo, creo que le debo mucho de esa experiencia, a lo que es hoy mi obra, también estar en ocasiones tocando con el colectivo Sunburned Hand of the Man, con ellos aprendí muchísimo, y fue cuando comencé a escribir mis propias canciones” Su obra refleja esa delicadeza y sensibilidad que emanaba Arthur Russell, pero mezclado sobre el vanguardismo guitarrístico de un joven Loren Connors o Alan Licht, esa presencia tremenda de jugar constantemente con la cuestión tonal, sumándose a ese manto popístico que envuelve cada minuto de su obra, donde se salta de lo experimental a lo más melódico. Dichas comparaciones podrían valer menos, y dar una idea de la obra de Robidoux pero, estás comparaciones son solo aproximaciones o reminiscencias, su obra forma una amalgama muy personal, con vibras de alcoba y que se reduce a ese sentimiento entre artista y público. “Siempre que tocó en algún lugar, trato de incluir a músicos locales en mi show, tratar de crear una conexión, una comunidad, también tratar de llevar está música que por lo general siempre se encuentra en nichos, en círculos cercanos al jazz o muy académicos; tratar de llevarlos a comunidades más apegadas al D.I.Y.” “La música experimental como género, no existe, no hay un sonido que se defina como experimental, para mi esa etiqueta significa tomar riesgos, significa también abrazar tu individualidad como compositor, generar tu propia estilo.” Robidoux es uno de los experimentadores sonoros más interesantes de la actualidad, y probablemente de los más accesibles, en su pensamiento no existe la demagogia y el esnobismo que se recrea a través de estos círculos del “avant-garde” y la academia, y eso se aprecia en su música de una manera clara, sin posturas ni pretensiones, sino, experimentando constantemente bajo una estructura similar a la canción pop. El compositor radicado en Oakland, está por lanzar su próximo álbum de estudio, que probablemente liberé a finales de año.   Bandcamp: http://mattrobidoux.bandcamp.com/album/cracker-cuts    

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