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post rock

Explosions in the Sky está de regreso con su nuevo y esperado álbum, END

Cuando Explosions In The Sky anunció una nueva gira esta primavera hubo confusión porque letras en negrita proclamaban “END TOUR” y la única otra información proporcionada eran fechas y horarios de venta. No fue hasta julio que la banda alivió la tensión al anunciar un nuevo álbum titulado End, acompañado de un comunicado de prensa que señalaba, en su última línea, que sería el “séptimo, pero no último, álbum de estudio” de la banda.   Desde que se formaron en Austin en 1999, EITS no han sido ajenos a gestos dramáticos, pero por lo general, estos vienen en forma de clímax instrumentales liderados por guitarras con trémolo y patrones de caja de bandas de música. Cuando compusieron la música para la película Friday Night Lights, de Peter Berg, en 2004, ganaron un premio del Festival de Cine de Austin y realizaron una gira con Fugazi 2 años después. Sin embargo, el foco de atención de Friday Night Lights los catapultó a ellos, y a su álbum en ese momento, The Earth Is Not A Cold Dead Place, de los conmovedores residentes del rock indie a un elemento fijo de la industria cinematográfica. Después de eso, parecía que cada vez que un supervisor musical necesitaba una sincronización para un gran momento culminante, buscaba una canción de Explosions In The Sky.   Ahora en 2023 la aclamada banda post-rock Explosions in the Sky está de regreso con su nuevo y esperado álbum, END. Lanzado este 15 de septiembre a través del sello Temporary Residence, este disco es toda una experiencia sonora con altos y bajos, con semetrias y asimetrías, envolvente y libre.   Sin duda END marca su regreso triunfal y esperado después de su último lanzamiento en 2016, The Wilderness, y su cautivadora banda sonora para el documental Big Bend: The Wild Frontier of Texas. En este nuevo álbum, la banda explora el concepto del final; se dice que cada canción se origina a partir de una historia o idea individual que ha cobrado vida para crear su propio universo musical.   Los invitamos a revisar este su último disco y ha lograr que la introspección, la calma y algún sueño se destrabe y se haga realidad.

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Reseña de Fragments, el emotivo disco de Rachika Nayar

La compositora Rachika Nayar usa sus propias líneas melódicas como fuente de material para la manipulación electrónica, retorciéndolas y estirándolas hasta que ondulan y brillen como reflejos en aguas. El espejismo se disipa y nos quedamos con una figura solitaria arpegiada, uno de los pocos sonidos de guitarra fácilmente reconocibles en el álbum Fragments. Nayar agrega gradualmente más capas, pero pronto se detiene en una nota ahogada entrecortada que sugiere el final abrupto de una improvisada jam session solitaria. La producción y arreglos siguen siendo equilibrados y deliberados incluso cuando la música atraviesa enormes picos emocionales, el aire no planificado de este momento ofrece una mirada detrás de la cortina. El EP Fragments llegó 5 meses después de Our Hands Against the Dusk y funciona como una especie de pieza complementaria. Extiende esa mirada anterior al funcionamiento interno de la música de Nayar, revelando el tipo de grabaciones en bruto que a menudo sirven como puntos de partida para sus composiciones más grandes, según los materiales promocionales. Las 11 pistas del EP varían en duración desde 54 segundos hasta 2 minutos y medio, y generalmente contienen varias partes de guitarra entretejidas en un entramado intrincado, en bucle con acompañamiento electrónico ocasional. A menudo son encantadores y casi siempre terminan antes de lo que quisieras. Su magia radica no solo en sus texturas cristalinas sino también en la forma en que Nayar las desarrolla a lo largo del sofisticado arco compositivo de una pieza determinada. Cada pista en Fragments es similar a una sola parada en uno de esos viajes. Nayar presenta una idea, la deja funcionar por un tiempo, luego desconecta y pasa a la siguiente. Escuchar el EP se parece un poco a examinar los materiales auxiliares de una exposición de museo, mirar los primeros borradores de carboncillo sobre papel mientras cuelgan lienzos espectaculares detrás de usted. Nayar cita el midwest emo como una de sus influencias, que en el pasado era más audible en su trabajo como un trasfondo de sensibilidad en lugar de un punto de referencia explícito, una franqueza descarada de sentimiento y un instinto para los cambios de acordes que hacen que se te haga un nudo en la garganta. En los Fragments, la conexión está mucho más cerca. Nayar también menciona el trabajo del compositor minimalista Steve Reich, interpretado por el virtuoso guitarrista de jazz fusión Pat Metheny, como fuente de inspiración. La interacción de guitarra tintineante de pistas como “allegheny” y “softness” recuerda claramente el sonido emo canónico del midwest emo o incluso en el Math Rock, pero la forma en que Nayar usa estos riffs como recipientes para la repetición similar al trance es puro Reich. Como menciona una reseña del medio binaural: “… es ambient como nexo entre el math, el post rock y el emo de estética más digital”.

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El amor continúa con Mogwai en su décimo disco de estudio

Después de 4 años y 2 bandas sonoras, finalmente llega el esperado décimo disco de estudio de la banda escocesa y afortunadamente no defraudan a nadie, con un disco mucho más solido y contundente que sigue los pasos de Every Country’s Sun. As The Love Continues fue nuevamente producido por David Friedman, un viejo amigo de la banda, quien trabajó con ellos a la distancia desde norteamérica, mientras la banda grababa en Vada Studios, en Reino Unido debido a la pandemia y, a pesar de lo que uno pueda pensar sobre el trabajo a distancia, el resultado es memorable especialmente en cortes como Fuck off money, Dry fantasyy Ritchie Sacramento, esta última dedicada a David Berman, músico y poeta que se quitara la vida en 2019 después de lanzar ‘Purple Mountains’, su disco solista.  Por otro lado, canciones como Pat Stains, Midnight Flit y Drive the Nail destacan por ser sumamente emotivas y evocativas a paisajes nórdicos rodeados por lagos y vegetación, con arreglos de cuerdas que rememoran por momentos a Sigur Rós por esos conctantes in crescendos que explotan al final de cada cancion. Dichas canciones cuentan con la participacion de Colin Stetson, Atticus Ross y Kirk Hellie.   A lo largo de todo el disco hay cierta melancolía implicita a los lugares abiertos (To the bin my friend, tonight we vacate the earth y Ceiling Granny) como si la banda añorara regresar de nuevo a los conciertos, a las giras y al exterior en general, como si el encierro comenzara a generar estragos. Tal vez por eso se siente que todas las cancones de As The Love Continues podrían funcionar mucho mejor en vivo, como ya quedó demostrado en su pasada transmisión el 13 de febrero, en donde la banda lamentaba no poder ver a su audiencia mientras tocaba de principio a fin su nuevo material.      Sin duda se trata de un disco introspectivo en donde ocasionalmente podemos escuchar a Stuart Braithwaite cantar de forma reflexiva sobre la libertad perdida, al igual que algunas amistaes que nunca regresarán: “Disappear inside / All gone, all gone / It took a while just to think / Of homе, of home”. Es seguro decir que estamos frente a uno de los mejores discos del año, con apenas dos meses de vida. 

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Escucha una transmisión 24/7 de post rock

Worldhaspostrock radio, es una transmisión en vivo de música post-rock, instrumental y ambiental, así como música para estudiar, concentrarse y relajarse. Renuevan su transmisión algunas semanas, pero la música ya lleva meses sonando sin parar. Se pueden descubrir muchos artistas nuevos con la ayuda de la radio. Intentaré agregar nuevas canciones todos los días. Muchas gracias por escucharnos y vuestro apoyo. Si te perdiste el nombre de una pista que te gustó, simplemente retroceda un poco para encontrar el nombre en la parte superior izquierda. 🔴  Ayuda al canal en vivo, aquí: http://bit.ly/whprpatreon 🎧  Para unirte a la comunidad Discord: https://bit.ly/whprdiscord 🎵  Sigue sus playlists vía Spotify: https://spoti.fi/2JuD7Vx

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Honestidad brutal, una entrevista con el trío: Satón

Con tan solo un año de existencia, Satón es una de las bandas más propositivas dentro de la “música pesada” en México. Un trío que no se limita a nada en su obra, una banda que se forma de miembros de experimentados en otras bandas del subsuelo mexicano, donde se han fogueado y que, con este proyecto se adentran en espacios claros, atmosféricos y violentos. La banda emergente de Satélite, nació apenas el año pasado, y han sorprendido a la escena cual huracán en pleno verano. Su sonido comprende un sinfín de influencias, creando texturas y armonías, melancólicas, para extenderse por sentimientos coléricos y abruptos. Donde bien se pueden encontrar reminiscencias a bandas o proyectos similares, contemporáneas o de décadas pasadas; Satón no cae ni por un momento en lugares comunes, no se estanca en esas cuestiones y sorprende en cada minuto con una identidad propia, honesta y sin concesiones. En su haber cuentan con un álbum publicado, titulado Lleno de Hienas (Independiente, 2019) donde en 8 tracks, la banda logra componer un trabajo que aglomera de manera contundente su discurso. Guitarras letárgicas, vocales ríspidas y enardecidas, además de baterías técnicas y cargadas de brutalidad que, se unen en conjunto para crear un lanzamiento sólido. Este año la banda lanzó su más reciente sencillo, que lleva por nombre “IV”, corte proveniente de su primer álbum, donde las etiquetas como post-hardcore o post-rock, salen sobrando. Un corte que manifiesta el avance ineludible de la banda. Recientemente, el trío mexiquense se ha mantenido tocando de manera activa en el circuito de la CDMX, y compartiendo escenarios con nombres claves de la escena actual, además de girar por ciudades de la república y en países como Colombia, donde realizaron una gira recientemente. Nos sentamos a conversar con Satón, sobre su proceso creativo, y sus próximos planes en un futuro tan incierto como el de ahora. 1.- ¿Cómo y cuándo comenzó Satón? Emilio: Gabriel y yo iniciamos Satón, sacando ideas en Octubre/Septiembre del 2018, sacando ideas y ensayando, pero realmente no teníamos mucha idea de cómo comenzarlo, solo empezamos a jammear y después se nos integró otro bajista, Fernando, quien ahora dedica sus prioridades a otras cosas, y al rededor de Agosto se nos unió Daniel. Gabriel: Fue curioso, por que por azares del destino, yo ya no estaba formando parte de la banda en la que estaba alrededor de esta época. Y Emilio y yo ya nos conocíamos por otras bandas en las que estábamos, y teníamos oportunidad de compartir escenario y camioneta en varias ocasiones. Y yo le propuse que si entre nosotros podríamos hacer una banda, teníamos gustos musicales similares y cómo que compaginamos en eso; es como esas veces que conoces una chica y piensas que puede convertirse en tu novia. Eventualmente en esa búsqueda por un bajista tuvimos a Fernando, y precisamente en el último show de él, estaba Daniel. Daniel: Fue algo muy casual, la verdad. Yo me dedico a la foto y el vídeo, y en ese momento estaba armando un portafolio, y resultó que, la banda donde tocaba Emilio estaba buscando un vocalista, y un amigo mio llego a llenar ese espacio. Él me invitó a un ensayo y ahí lo conocí. Después hicimos amistad y me invitó a un show de Satón, entonces yo le pedí si podría sacarles unas fotos, y cuando Fernando salió, yo les dije que podía ayudarles tocando el bajo, y fue así, muy casual y orgánico. 2.- El sonido de la banda siempre es fluctuante entre géneros, pero se mantiene la brutalidad y la cólera en su discurso ¿Cómo fue el proceso de encontrar el sonido de la banda? Emilio: Realmente, todos tienen sus influencias y todos tenemos una forma diferente de ver a la banda. Inicialmente cuando comenzamos el proyecto no teníamos claro a qué queríamos sonar, pero sabíamos que queríamos que fuera impactante y poderoso, queríamos que nuestra música estuviera abierta a interpretarse y fuera muy emocional; poder sangrar esa letra otra vez en vivo y tener mucha presencia. Gabriel: Por de donde venimos, Emilio y yo por lo menos, venimos de un background pesado, pero las cosas se dieron, como dijimos, muy orgánicas, es decir, fue una búsqueda individual por crear algo, y después fue en colectivo, honesta, que saliera lo que saliera, porque en un principio sabíamos que nos gustaba pero, queríamos que se dieran las cosas de manera natural. Siempre buscamos plasmar un mensaje a veces abstracto, transmitir esa brutalidad del sonido, pero que se respalda de lo que cada uno siente e interpreta al tocar. 3.- Las letras y la música parecen comulgar de manera perfecta en el discurso de la banda, la violencia, ansiedad y desesperación. ¿Cómo ha sido el proceso creativo de la banda? Gabriel: Creo que va de la mano, el punto de donde parte la necesidad de seguir avanzando en esta incertidumbre de la escena, y de la mano de la vida misma. La realidad hace que estés un estado de alerta constante y te des cuenta de donde estás parado, reafirmar que es lo que estás haciendo. En ese sentido, fue muy natural ese proceso lírico, todos esos sentimientos, desesperación y frustración, porque entras en un procesos que te ves desde fuera como individuo, de eso habla mucho, “La Epítome De Lo Que Alguna Vez Fue” se trata de reiterarte quien eres y quien quieres seguir siendo, y entre nosotros compartimos ese sentimiento desde que nos conocemos. Emilio: Es justamente eso, darte cuenta de que lo vulnerable se vuelve más vulnerable y tienes que poner eso en papel. 4.- ¿De dónde nace este resultado sonoro de Satón? Al escucharlos pareciera que la catarsis personal de cada miembro, es un elemento fundamental en su proceso creativo. Gabriel: Sinceramente, es bien raro. Pero desde que sacamos Lleno de Hienas, no hemos parado de componer, tenemos mucho material. Daniel: Pues la dinámica es como un rompecabezas, yo no estuve en el primer álbum, hay muchas cosas que tenemos y que han

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Reseña del nuevo disco de Caspian, armonías florecientes y ambientes celestiales

On circles, el nuevo disco de Caspian que contiene armonías florecientes y la supervivencia en el abismo Finalmente, la eterna espera de más de cuatro años ha terminado. Caspian ha publicado su quinto álbum de estudio titulado On Circles. Si bien, durante el año pasado, la agrupación originaria de Massachusetts estuvo tocando algunos de estos temas en la mayoría de sus presentaciones; ahora, es un deleite poder escuchar estos ocho temas una y otra vez. Tras haber trabajado sonidos más duros y oscuros en Dust and Disquiet, este nuevo material discográfico pasa a enriquecer su sonido en el que brillan desde temas nostálgicos y suaves, hasta la aparición de acordes pesados, que logran reflejar energía y pasión en su ejecución en vivo. La calidez del post-rock de Caspian abre este álbum con “Wildblood”, canción iluminada por un saxofón durante los primeros segundos dando paso a una armonía estructurada, pero hermosamente ejecutada. “Flowers of Light” fue uno de los sencillos publicados con anterioridad, en el que secuencias dulces y conmovedoras dan paso a tonos de ensueño protagonizados por guitarras. Pronto el sentimentalismo y la melancolía se apoderan completamente del entorno con “Nostalgist”, track en el que sorprende la participación de Kyle Durfey (vocalista de Pianos Become The Teeth). Si buscas esa composición especial más allá de lo instrumental, este tema es el indicado, te llevará de la tranquilidad a la intensidad mágicamente. El toque virtuoso destaca en “Division Blues”, un viaje bastante estructurado, pero con esa entrega latente que caracteriza a Caspian acompañado por Jo Quail, violonchelista experimental, quien aporta su talento también en “Ishmael”, tema escrito por el guitarrista Erin Burke-Moran en honor a sus ocho meses en el sendero de los Apalaches. Cuatro minutos de sosiego regala “Onsra” narrado por un sintetizador, creando un ambiente celestial conducido por la batería, que es ejecutada por Justin Forrest desde el 2018. La explosión descomunal se manifiesta en “Collapser”, la combinación perfecta y neutral de la distorsión, el golpe brutal en la batería, la línea sólida del bajo y los melódicos acordes de las guitarras con toques metálicos llevan al máximo de la banda. Con un arpegio dulce suena finalmente la voz de Philip Jamieson: “There then gone through drifting days, underworlds in red, black, blue and gray. Once bright and free, so hard to leave…”. Sin nada más que detallar y la letra de la última canción “Circles on Circles” diciéndolo todo con melancolía y sensibilidad cierra el álbum. On Circles es un álbum que refleja la honestidad, transparencia y sensatez de Caspian, plasmando de una forma directa las vivencias e historias que dan vida en cada acorde, ritmos, letras, secuencias enriquecidas en los ocho tracks que hacen valer esos años de espera. Un buen disco que, sin duda, transmite la sencillez, afecto y consagración de Philip Jamieson, Calvin Joss, Justin Forrest, Erin Burke-Moran, Jonny Ashburn y Jani Zubkovs en este punto de sus vidas.

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