Depósitio Sonoro

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La sensibilidad y la fuerza de la honestidad: Una entrevista con Balms

San Francisco, California, y la zona de la bahía; siempre ha sido reconocido como un semillero de bandas frescas y propositivas. Desde principios de los 60 con la avanzada psicodélica y el derroche del “verano del amor”, hasta la escena de principios de los 2000, donde los círculos del punk y el metal comenzaron a cubrir gran parte del territorio. En los últimos 8 años, bandas como Deafheaven, Loma Prieta, King Woman, entre muchas otras, han salido del cascaron de la costa este y han posicionado su música como parte de una escena fuerte y trascendente a nivel global, abrazando las raíces musicales e históricas del territorio. De éste mismo panorama tan fértil, nace Balms; un trío conformado por John (batería), Mike (bajo) y Jared (guitarra y voz), un trío que bien podría encasillarse dentro de etiquetas trilladas y obvias como “shoegaze” o “dream pop”, pero Balms va más allá de dichas etiquetas. El trío californiano amalgama diversos elementos para crear un sonido tan atmosférico como crudo y poderoso, donde las capas de sonido, se mezclan con arreglos sutiles y delicados que desembocan en olas de sonido gigantescas, donde claramente se mezclan tanto la psicodelia como la agresividad de la música pesada. Balms, lanzó el primero de Febrero, su primer álbum de larga duración, Mirror, un disco doble, grabado por Jack Shirley (aclamado productor de Deafheaven,,Oathbreaker, Whirr, o recientemente Gouge Away) el sonido del álbum, encapsula por completo la identidad de la banda, canciones maduras y fuertes, que llevan consigo una carga de sensibilidad pop, que transportan al oyente a la inmediata nostalgia, recordando a esa escena de mediados de los noventas en la costa este de los Estados Unidos, un disco que como premisa solo pretende, invitar al oyente a sumergirse en un viaje y soltarlo en el infinito mar sonido creado por Balms, con canciones que son difíciles de olvidar y que se quedan grabadas por días, como “Bones”, “Plane” o “Candle”. Una banda que al escuchar es difícil evitar o escapar de ella. Balms, se encuentras actualmente de gira por EUA, y en su paso tuvieron una algunas fechas por Baja California. Está es una pequeña platica con la banda. Mirror, es su primer álbum de larga duración, y tengo entendido, tardaron un buen tiempo en armarlo y publicarlo ¿Cómo fue el proceso creativo? Jared: Lo comenzamos a escribir en finales del 2015, tal vez algunas de las canciones fueron escritas antes, pero mayormente nos tomamos todo ese año en escribirlas. Cuando escribo una canción yo no voy y le digo a Mike (bajista) “Hey Mike, mira tengo esto” nunca llego con algunas cuestión de composición, en ocasiones hay algún riff o una melodía vocal, pero la mayoría del tiempo las canciones son escritas a base de la improvisación entre la banda, simplemente tocamos juntos todo el día, ¿sabes? Nos quedamos pegados en ocasiones de algún riff o algo así y de ahí se comienzan a desarrollar canciones, las trabajamos por meses y continuamente van evolucionando. Muchas veces primero desarrollamos la música, trabajo sobre melodías vocales, como un instrumento, que simplemente voy cantando, y de la nada se forman frases o palabras que terminan convirtiéndose en parte fundamental de la canción, como los coros; sin duda, la parte final de todo son las letras. Fue un proceso muy largo, nos tomó todo un año; y después nos tomó un rato más grabar el álbum. Lo grabamos con Jack Shirley, él estaba en una banda de hardcore muy importante en la zona de la bahía a principios de los 2000, llamada Comadre, se puede decir que él fue de los principales pioneros de escena DIY de donde nosotros somos; y siempre estuvimos muy conectado con él por la escena y todo eso, sabíamos de su trabajo en la producción y como trabaja, entonces queríamos grabar con él. Sabíamos que él agregaría un toque especial al disco, pero que es un álbum mucho más pesado que nuestro primer Ep. Cuando grabas con Jack, todo es en vivo, baterías, guitarras, TODO. Lo grabamos en cuatro días en total, todos los instrumentos y algunos ruidos ambientales, y órganos. Lo grabamos durante las elecciones, entramos al estudio en noviembre del 2016, y prácticamente estábamos encerrados, aislados, mientras toda esta locura de las elecciones pasaba, grabábamos un disco muy intenso y oscuro, fue una experiencia de locos al salir y ver la realidad, fue como si el mundo se hubiera acabado. Después, escuchamos las mezclas como por 6 meses, y tuvimos algunos problemas con ellas así que, de la nada, azarosamente; recibimos un e-mail del manager de un tipo llamado: Justin Garrish en Brooklyn, Nueva York. El manager había escuchado el Ep y le había gustado mucho, y nos preguntó que si teníamos algo nuevo, que él tenía un ingeniero que estaría encantado en trabajar con nosotros, y daba la casualidad que a travesábamos por la problemática de la mezcla de las canciones; después nos dimos cuenta que el Justin había trabajado con bandas como Bran New, Vampire Weekend, The Strokes, por lo que estábamos muy intimidados, pero aceptamos y viajamos a Brooklyn, estuvimos en su estudio 3 días y mezclamos junto con él la mayoría del disco, he hizo un trabajo increíble, todo sonaba casi cristalino. Eso fue a finales del 2017, mientras escuchábamos el disco y teníamos algunos tours por Estados Unidos, practicábamos las canciones, y a finales del 2018, el disco estaba disco. Entonces decidimos sacar el disco el primero de Febrero de éste año, lanzamos algunos un par de sencillos previos y después el vinilo. Al escuchar el disco, se puede apreciar claramente el sonido y las texturas de la aproximación a géneros como el shoegaze y las capas de sonido, o incluso arreglos un poco más sutiles. Pero en el disco también se perciben claramente las raíces de la banda, la música un poco más pesada, y eso se puede traducir en la energía que desprenden las canciones. Jared: ¡Sí! Crecimos en ese entorno, escuchando punk y

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Lorelle Meets The Obsolete explora los límites del sonido con su quinto álbum de larga duración De Facto

Hablar sobre la industria musical mexicana resulta una tarea complicada, sobre todo cuando se piensa que esta antepone la mercantilización y se enfoca en explotar ciertos géneros, o que al situar bajo los reflectores al machote de artistas que año con año se instalan sobre los mismos escenarios y repiten fórmulas sonoras ya probadas, depende de lo piden y consumen los escuchas. Fuera de ese embrollo, lo que es cierto es que el riesgo, el ingenio creativo y la diversidad sonora en nuestro país existen, tan sólo basta hacer un close up para registrar en el encuadre a algunas bandas como El Shirota, Los Mundos, Tajak, Sailawway, Car Crah Sisters, Terror Cósmico, Cabezas de Cera, Vinnum Sabbathi, entre otras. Dentro del circuito también se encuentra Lorelle Meets The Obsolete (LMTO), un dúo originario de Guadalajara, Jalisco, que ha captado la atención del público a nivel nacional y en el extranjero en los últimos ocho años con su propuesta que transita entre la psicodelia, el garage y el shoegaze. A principios de enero LMTO lanzó su quinto álbum intitulado De Facto, que se editó bajo el sello británico Sonic Cathedral y su nueva marca de grabación El Derrumbe, con la cual pretenden apoyar a proyectos emergentes. De Facto es un álbum totalmente consistente, sin miedo a explorar los límites de su propio sonido, que refleja distintos estados de ánimo y que logra introducirte a un estado hipnótico. De la paleta sonora de este trabajo se desprenden guitarras distorsionadas, sintetizadores eléctricos, percusiones altamente magnéticas y, a diferencia de discos pasados, intercambian las voces fantasmales en inglés por unas hispano parlantes. Quizá estemos lejos de saber si De Facto sea uno de los mejores lanzamientos que se darán a lo largo del año, pero lo que sí es verdad es que la música de LMTO representa una oportunidad para desprejuiciar nuestros oídos acostumbrados a sonidos mono temáticos y para rescatar una de las tantas propuestas nacionales que están listas para ser escuchadas.

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Los 20 discos esenciales del Shoegaze

Tras el surgimiento del Psycho Candy de The Jesus and Mary Chain, los pedales de distorsión y efectos trémolo de sonido como el wah wah, fuzz y reverb se convirtieron en el santo grial de algunas bandas del Reino Unido, que desde inicios de los años 80 comenzaron a experimentar con miles de efectos sonoros que pudieran transmitir una nueva gama de sentimientos y sensaciones hipnóticas, etéreas, distantes, tan contemplativas como estridentes. La prensa musical nombró a esta diminuta escena shoegaze a manera de broma, sin saber que detrás de ese nombre nacería un género que prevalecería al paso del tiempo, a pesar de que nunca generó millones en términos de ventas comerciales y de contar con un número muy reducido de fans, logró influenciar a una enorme cantidad de músicos que no existirían en la actualidad sin dicho género. En Depósito Sonoro, decidimos que ya era tiempo de darle su lugar al Shoegaze y hacer una lista con los mejores 20 discos de este género aún hace poco tiempo incomprendido y que ha tenido un gran resurgimiento en los últimos 10 años. La lista, como todas, es subjetiva y responde a la apreciación de nuestro Staff. ¡Aunque sí le echamos muchas ganas y tratamos de ser objetivos! Están acomodados por fecha de lanzamiento. 1. The Jesus and Mary Chain – Psychocandy 1985 Reprise Records Bajo la influencia de bandas como Velvet Underground y Joy Division, The Jesus and Mary Chain lanza Psychocandy en 1985, un material que sorprendió por generar sonidos nunca antes explorados: efectos de pedal, vibraciones de guitarra distorsionadas y delays en la voz. Este disco marcó un hito en la historia de la música convirtiéndose en una pieza fundamental que sentó las bases del shoegaze y el noise pop. 2. My Bloody Valentine – Isn’t Anything 1988 Creation En 1988 MBV ya contaba con un séquito de seguidores de la escena underground gracias a sus primeros EP’s y a la hipnótica y difusa voz de Bilinda Butcher desde la salida de ‘You Made Me Realice’, pero ninguno de sus trabajos se compara con la experimentación sonora de su disco debut. Nadie estaba preparado para tal portento de música disonante, saturada de reverb y estridente como el disco debut de estos 4 chicos irlandeses. Para muchos, este disco creado por Kevin Shields y cia. fue el adn primigenio del shoegaze. 3. Ride – Nowhere 1990 Creation Records Sin duda el sonido que predominó en los noventas transitó entre la fórmula Britpop-Grunge, a pesar de ello, Creation Records tuvo la fortuna de reconocer las  propuestas que emergieron de la escena independiente para darle lugar a bandas que más tarde definirían el género. Fue el caso del grupo británico Ride, quien en 1990 firma con aquella compañía de grabación y lanza Nowhere, un material en el cual Mark Gardener y Andy Bell (luego bajista de Oasis) destilan una serie de secuencias sonoras atmosféricas y melódicas que contienen una integridad artística poco vista en álbumes de obertura. 4. My Bloody Valentine – Loveless 1991 Creation Después de más de 2 años en proceso creativo, 19 estudios de grabación, 45 productores, miles de sampleos y casi medio millón de dólares en gastos de operación y producción debido a las excentricidades de Kevin Shields (como pagar un ingeniero de sonido exclusivamente para afinar un pandero), Loveless fue lanzado por Creation Records en 1991, 6 semanas después del Nevermind de Nirvana, lo cual sepultó de forma instantánea cualquier tipo de éxito comercial y dejó prácticamente en bancarrota al sello Creation, que de inmediato corrió a la banda por obvias razones, a pesar de ser alabado por los críticos de la época. No obstante, el álbum logró cautivar a millones de personas en todo el mundo gracias a las recomendaciones de boca en boca en una era previa a internet, y a una labor de verdadero amor y fe traducida en incontables horas de trabajo: miles de capas de guitarras distorsionadas, sampleos de batería, loops, efectos de sonido, tomas alternas, ensayos, mezclas, producción y demás, que dejaron exhausta a la banda después de años de grabaciones, pero que le daría al mundo una revelación musical que sentaría las bases del género para la eternidad y lo convertiría en EL ÁLBUM de shoegaze por excelencia. Con el paso del tiempo, Loveless tomó su lugar como uno de los mejores discos en la historia del rock alternativo: una tormenta perfecta de guitarras distorsionadas, entretejida con voces inaudibles y ritmos cautivantes, sin el que bandas como M83, Beach House, Daughter, The War on Drugs, Silversun Pickups, Blonde Redhead, A place to bury strangers, The Radio Dept. y un largo etcétera, no podrían explicarse hoy en día. ¡De ese tamaño es la influencia de esta maravilla! 5. Catherine Wheel – Ferment 1992 Fontana Records Ferment es un álbum que fue producido por Tim Friese-Greene miembro de la icónica banda Talk Talk. En este trabajo Catherine Wheel logró presionar los botones correctos para generar un sonido atemporal y excepcional, en él se identifican ritmos metálicos y letras que figuran en lo melancólico. La voz de Rob Dickinson sobresale ante el caos sónico, dando como resultado ambientaciones etéreas que repentinamente muestran algunas verosimilitudes con los Smashing Pumpkins.  6. Drop Nineteens – Delaware 1992 Caroline Records Quienes se han sumergido en el género, difícilmente olvidan la épica portada de disco de Drop Nineteens: la chica rubia desaliñada con pistola en mano frente a Sierra’s Barber Shop. Drop Nineteens fue una de las primeras bandas que expandieron el concepto del shoegaze en Norteamérica, junto a proyectos como Galaxie 500 y Lilys. Este disco formó parte de las famosas sesiones de radio de John Peel, sin embargo, tuvo poca difusión a pesar de los interesantes efectos de guitarra y la buena dosis de fuzz que se distingue en tracks como Winona, Kick the Tragedy y Mandy.    7. Spiritualized – Lazer Guided Melodies 1992 Dedicated Records Spacemen 3  fue un proyecto que se destacó por los imparables destellos de rock espacial y neo psicodelia  que, de manera indirecta, favorecieron

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El vacío de la vida cotidiana: una entrevista con Memory Leak

Cuando se habla de semilleros de bandas y proyectos en México, siempre se toman en cuenta 4 ciudades grandes del país: CDMX, Monterrey, Guadalajara y por último, Tijuana. Si bien existen excepciones a la regla, el último caso, es uno de los nichos más interesantes en cuestión de música independiente nacional, ya que por su cercanía con la frontera las propuestas nacientes, de éste “laboratorio fronterizo” conservando un sabor diferente a las del resto del país, y que bien podría atribuirse a ese clima tan diluyente que sucede entre California y la ciudad. Un ejemplo claro de esto, son Memory Leak, un joven cuarteto de Tijuana que mezcla la nostalgia y la melancolía de alcoba que en momento hace recordar a Slowdive o incluso reminiscente a los primeros Eps de My Bloody Valentine; pero aunado a un despliegue agresivo y enérgico que se mezcla entre las capas de ruido, y que denota esa influencia de músicas más cercanas al hardocre o el metal. El sonido de la banda podría ser un tanto difícil de categorizar, obtienen esa tristeza de los ecos dejados por la movida noventera británica, pero a la vez cargan con una presencia más violenta, misma que en envuelve el sonido de la banda en un círculo tan sensible como contundente. La banda representa ese cruce tan especial que en ocasiones pasa en la frontera, su sonido y su forma de crear canciones es una manifestación intrínseca de lo que es la vida entre San Diego y Tijuana. Su sonido puede ser fácil, la banda sonora de un día en la ciudad, esa melancolía de la monotonía, donde el inglés y el español se borran en las largas colas para cruzar “al otro lado”. Memory Leak, acaba de lanza su primer Ep, Graduate Into Nothing, grabado por el productor angelino Jack Shirley  y mezclado por Patrick Alexander (quien ha trabajado con bandas como Whirr, Loma Prieta, o responsable de haber grabado el Sunbather de Deafheaven) Está es una pequeña entrevista con Memory Leak, sobre sus orígenes, su experiencia como banda, y sus próximos planes: ¿Cuándo y cómo se formó Memory Leak? Memory Leak comenzó hace un año… La idea principal era formar algo bonito entre amigos, así que nos reunimos en casa de René (guitarrista/vocalista) para ensayar y combinar sonidos. Siempre hemos estado metidos en la música, ya sea tocando en otras bandas, escuchando a nuestros amigos o siguiéndoles la pista a músicos que nos gustan. El sonido de la banda refleja rápidamente influencias claras como el shoegaze o el dream pop de los 90, pero también está una fuerte presencia de música más agresiva o pesada, ¿Cómo se dio este impulso por mezclar dichos mundos? Queríamos tocar shoegaze; a Laura (guitarrista/vocalista) le gusta crear atmósferas y sonidos clásicos con sus pedales, Miri (bajista) encuentra atractivo el clima del dream pop ligado al rock alternativo, René (guitarrista/vocalista) y Zeki (baterista) vienen de escuelas hardcore/screamo; es algo que se queda sin querer. ¿Qué influenció en una primera etapa a la banda? Todo, nuestro estilo de vida, la música que escuchábamos dependiendo del mood, los shows a los que constantemente íbamos. También nuestra situación emocional y ciertas vivencias fueron de gran influencia. ¿Creen que vivir en TJ/SD es un factor importante de su sonido? Tijuana es una mezcla de todo y nos ha funcionado el dinamismo de la ciudad para inspirarnos. El poder ir y venir, ya sea shows o simplemente tener un mercado más amplio de instrumentos, nos ha abierto las puertas para experimentar sonidos y experiencias nuevas. Como también nos ha complicado un poco la vida cuando nos tenemos que poner de acuerdo para ensayar, ya que Zeki (baterista) y Laura (guitarrista/vocalista) trabajan en San Diego, es un poco de todo… ¿De dónde vienen las letras de la banda? Laura (guitarrista/vocalista) lo puede definir en una palabra: autoterapia. Viene de sentimientos acumulados a través de los años y escribir era una autoterapia de cómo se sentía en circunstancias que no podía explicarse. Constantemente preguntan por qué las letras de las canciones están en inglés y lo chistoso es que escribir en español hacía muy complicado poder expresar sentimientos; es un idioma muy romántico y fue más fácil generalizar lo que sentía en el momento usando un lenguaje que no conozco tan profundamente, como para tantear la superficie de algo muy complejo que daba miedo expresar. Fue un proceso de meses en el que no se esperaba que terminara en canciones, sólo escribía lo que sentía al momento, por lo general notas en el teléfono, como una manera de desahogo. Su primer EP, Graduate Into Nothing, fue producido por Patrick Alexander y mezclado por Jack Shirley, ¿Cómo se dio esta experiencia? Fue un proceso complicado, tuvimos dificultades para programar las grabaciones por nuestras distintas actividades y se dejó a medias la grabación durante algún tiempo. Fue poco después de nuestro primer show (en Blonde Bar/ SD) que nos motivamos a regresar al estudio y finalmente terminar nuestro primer demo. ¡Patrick se la rifa! Es una persona muy paciente y prácticamente lo consideramos nuestro quinto integrante, (si estás leyendo esto, gracias por los consejos). ¡Jack es increíble! Nos fascina su trabajo, así que no pensamos dos veces en contactarlo. Fue muy agradable trabajar con él, aportó muchísimo con su estilo y experiencia. Logró perfectamente el sonido que buscábamos para nuestro primer EP y por eso siempre le estaremos agradecidos.   Me imagino eran fans del trabajo del productor, este es un primer adelanto de lo que es la banda ¿Esperan en algún momento lanzar un disco de larga duración? Definitivamente un disco de larga duración sería lo próximo. No es algo sencillo de lograr, requiere de mucho esfuerzo y dedicación, pero sabemos que al final vale la pena. Tratamos de hacer todo con mucho cariño y de corazón. Aún no tenemos una fecha planeada, pero es algo que hemos platicado y estamos de acuerdo en continuar con un nuevo reto. ¿Qué es lo que sigue para Memory Leak? Divertirnos mucho,

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33 años del Psychocandy de The Jesus and Mary Chain

Lanzado al universo musical un noviembre de 1985, el álbum debut de The Jesus and Mary Chain sentó muchas de las bases de géneros que después vendrían a clasificarse como shoegaze, alternativo o noise garage, entre muchos otros. Nos referimos al Psychocandy que cumple 33 años.   Su lugar en la historia de la música ha sido permanente y con toda dignificación, no hay nadie que no esté relacionado al género y que no haya pasado por éste disco. Así pues, los hermanos Reid comandando el espíritu de JAMC comenzaron la granbación de este disco inspirados en  bandas como The Stooges y The Velvet Underground, esa tercia más la producción de  Phil Spector  fue una locura total de lo que ahora es considerada una obra de culto.  La pared de sonido es la mejor manera de describir este álbum. Es un lío de ruido y estática, de encanto y pasión, de melancolía ensordecedora y de rabia explosiva. Todo eso repartido y perfectamente suministrado en menos de 35 min, ayudaron a JAMC a lograr la dirección deseada de ser una banda de rock que logró tener éxito entre la emergente escena de la electrónica a finales de los años  80.  La apertura del álbum inicia con “Just Like Honey” que es considerada una de sus máximas creaciones. Es merecedor de todos los elogios por el ruido, las letras y la forma en que se presentaban en vivo, este álbum es la perfecta conjunción de melodías escondidas detrás de letras tristes sobre el amor perdido y las insinuaciones al sexo, todas lanzadas como un poema penetrante. https://www.youtube.com/watch?v=z50jjb4iAzE

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The KVB lanza su sexto álbum llamado “Only Now Forever”.

Después de dos años de ausencia, The KVB lanza su sexto álbum de larga duración: “Only Now Forever”; un material grabado en Berlín en los que sobresalen ritmos del Minimal Wave, el Pop Psicodélico y el Shoegaze.   Bajo el sello discográfico Invada Records que lidera el multinstrumentalista Geoff Barrow, el dúo audiovisual nos presenta una secuencia armónica poderosa en la que a través de una caja de ritmos se disparan percusiones misteriosas y señales eléctricas de sintetizador ininterrumpidas, así como también provocativas distorsiones de guitarra que se sincronizan al unísono de la voz de Nicholas Wood y Kat Day. Para la creación de este álbum no hubo restricciones sobre el uso de instrumentos, lo cual permitió que la improvisación musical llegara a sus límites para edificar la arquitectura de piezas como Afterglow; asimismo, para recrear algunos demos originales dando como resultado la rola Live in Fiction. La mayoría del disco mantiene una ambientación sombría y la letra de la canción Only Now Forever viene a complementar aquella nebulosa sonora, pues está inspirada en el trabajo del poeta Keston Sutherland, escritor que se ha caracterizado por declamar sobre la fatalidad de la vida moderna y la ansiedad que provocan las relaciones humanas. Pero tampoco se trata de una tragedia griega, porque también hay fragmentos auditivos melódicos como Violet Noon, una rola con reverberaciones noir y dreamy que versa sobre los afectos que se gestan entre dos individuos frente a un mundo que se desmorona. Los elementos visuales en este trabajo fueron una parte importante para The KVB, de esta forma y para llevar a cabo el proceso de animación de la canción Above Us, lograron colaborar con el diseñador Alden Volney, quien también ha desarrollado algunos gráficos para el excéntrico Iggy Pop. En resumen, este es un trabajo cautivador, dada la creatividad y nivel de experimentación aplicado en cada uno de los tracks, en el cual han logrado definir su estilo y fortalecer su sonido desde que la banda surgió.

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This Will Destroy You está de regreso con New Others Part One

“New Others Part One” es el quinto álbum de estudio de This Will Destroy You (TWDY), se trata de un material que fue producido y diseñado por John Congleton en septiembre de este año, junto a los miembros principales de la banda: Jeremy Galindo y Christopher King, con la incorporación del baterista Robi González. Bajo la firma Dark Operative Records TWDY cultiva en sintonía de la mirada del post rock un camino sensorial cubierto de conmovedoras piezas que revindican su espíritu cáustico, las cuales son dignas de apreciar para esta temporada de otoño. El álbum da la bienvenida con “Melted Jubilee” una rola que, en medida de que avanza, aumenta discretamente la intensidad de las percusiones de batería. “Syncage” rompe con la estructura general del álbum, pues nos introduce a una suerte de epopeya traducida en épicos clímax que hacen reminiscencia a los primeros discos de la banda estadounidense. “Allegiance” “Weeping Window” y “Like This” tienen un efecto melancólico y meditabundo que evocan al sonido de “Another Lenguage” (2014), mientras “Go Away Closer” hay una ambientación instrumental atonal y más emotiva. “New Others Part One” es un álbum que posee cualidades estéticas elevadas, atributos armónicos que, muchos de sus escuchas, buscarán encontrar en el posible lanzamiento de una segunda parte.

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Memory Leak, una banda que danza entre el ruido y la melancolía casi palpable

Tijuana siempre ha sido considerado un semillero de bandas propositivas, bandas que se diluyen entre la influencia nacional y la extranjera, teniendo una mezcla sonora natural originaria de su propia condición geográfica. Un caso nuevo y exaltante, es el de Memory Leak, una banda joven proveniente de la frontera más visitada en el mundo, que por sí sola carga con un sonido intrigante y cautivador. Que por momento da saltos entre la emotiva nostalgia del shoegaze más meloso, pasando por capaz de guitarras abrasivas conjunta a una batería llena de una eufórica lentitud, y acompañado de voces que endulzan todo este trayecto a la perfección. La banda podría recordar en momentos a bandas como Slowdive, o incluso a Whirr, aun así la banda mantiene un sello especial y fuera de cualquier comparación evidente, se mantiene bajo un manto de melancolía y coqueteos con músicas que denotan un poco más de agresividad. Memory Leak, acaba de lanzar su primer Ep, Graduate Into Nothing, grabado y producido por Patrick Alexander, mezclado por el afamado productor angelino Jack Shirley (mejor conocido por su trabajo con Deafheaven en Sunbather, y con bandas como Oathbreaker, Loma Prieta o los antes mencionados Whiir). Con esta placa, la banda introduce a su sonido antes mencionado, con una producción sobresaliente, toques agresivos empañados de una tristeza casi palpable, como es el caso de Patterns o bien, Dream Queen, donde la influencia pop es inevitable de rescatar. Graduate Into Nothing, está ya disponible en todas las plataformas digitales y se puede escuchar en el bandcamp de la banda. Memory Leak, es una de las bandas que darán de que hablar pronto, una suerte de agresividad y de esa sensación de sentirse tan solo en un mundo tan rutinario, una banda propositiva, auténticas y que debe de estar en la vista de muchos.

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