Depósitio Sonoro

2024

El Nuevo Sencillo de The Phantom Tapes: Un Viaje Musical y Emocional con “Will You Meet Me On The Other Side?”

La banda chilena The Phantom Tapes vuelve a capturar la atención de los amantes de la música con su más reciente sencillo, “Will You Meet Me On The Other Side?”. Este lanzamiento marca un nuevo hito en la carrera del trío de folk rock, compuesto por Alexander Fiz, Lau Carril y Martín Andrade, quienes han logrado hacerse un nombre en la escena musical chilena con su propuesta fresca y emocional. El sencillo, disponible en todas las plataformas de streaming desde hoy, ofrece una experiencia sonora y lírica profunda que no deja a nadie indiferente. “Will You Meet Me On The Other Side?” se presenta como una introspección personal que aborda el proceso de sanación tras una ruptura amorosa. La canción, escrita por Alexander Fiz, no solo explora los sentimientos de pérdida y superación, sino que también refleja la lucha interna del vocalista en su viaje de transición de género. La letra de la canción plantea una pregunta cargada de significado: ¿se encontrarán ambos protagonistas “del otro lado” después de atravesar las dificultades? Esta pregunta no solo aborda el tema de las rupturas amorosas y el enfrentamiento de adicciones o patrones tóxicos, sino que también se convierte en un símbolo de transformación personal. La dimensión de la transición de género de Fiz añade una capa adicional de profundidad y autenticidad al mensaje de la canción, haciéndola no solo una narración personal sino también un llamado universal a la aceptación y el crecimiento. Musicalmente, “Will You Meet Me On The Other Side?” es una rica mezcla de influencias que van desde el indie-folk estadounidense hasta los elementos tradicionales del folclore chileno. La canción se enriquece con ritmos andinos y una variedad de texturas sonoras que realzan la emotividad del tema. La combinación de cuerdas y voces corales contribuye a la atmósfera dramática de la canción, creando un crescendo que lleva al oyente a través de un viaje emocional que culmina en un final catártico. La producción del sencillo se ha llevado a cabo en el hogar de la banda, lo que aporta una sensación de intimidad y cercanía a la grabación. Este enfoque casero permite a The Phantom Tapes mantener la autenticidad en su sonido, algo que se puede apreciar en la calidez y honestidad de la canción. La mezcla, realizada por Fernando Cubillos, conocido por su trabajo con bandas como Helloween y Mark Farner, y la masterización a cargo de Francisco Holzmann, quien ha trabajado con artistas como Los Bunkers y Mon Laferte, garantizan un producto final pulido y de alta calidad. Además del sencillo, The Phantom Tapes ha anunciado el lanzamiento de un video musical oficial para “Will You Meet Me On The Other Side?”, que se estrenará el próximo 20 de septiembre. Este videoclip continuará la narrativa visual iniciada con su sencillo debut, “You Won’t Be There”, y promete ser una extensión visual de la carga emocional y temática de la canción. La producción del video, que explora la transformación y el viaje introspectivo propuesto en la canción, será una adición emocionante para los fans y una forma de profundizar aún más en la experiencia de la música de la banda. The Phantom Tapes sigue consolidando su lugar en la escena musical no solo por su sonido distintivo, sino también por su compromiso con visibilizar las luchas y experiencias de la comunidad LGBTIQA+. “Will You Meet Me On The Other Side?” es un testimonio de su habilidad para crear música que resuena profundamente y ofrece un espacio para la reflexión y la superación personal. En resumen, “Will You Meet Me On The Other Side?” es una pieza musical que combina introspección, emoción y autenticidad. La banda logra, una vez más, capturar la esencia de sus experiencias personales y transformarlas en una narrativa universal que toca a cada oyente de manera única. Con este lanzamiento, The Phantom Tapes reafirma su compromiso con una música que no solo entretiene, sino que también inspira y desafía a su audiencia a enfrentar sus propios procesos de cambio y crecimiento.

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Daniel SRZ lanza su nuevo EP “La Tierra Giró para Encontrarnos” con el emotivo sencillo “Extrañarte”

Tras una serie de exitosos conciertos como telonero de LANY en México, hoy llega finalmente el lanzamiento del esperado EP “La Tierra Giró para Encontrarnos” de Daniel SRZ, junto con su más reciente sencillo “Extrañarte”, una pieza profundamente emotiva que cierra la narrativa conceptual de este proyecto. “Extrañarte” es una canción que, aunque inicialmente fue concebida como un tema sobre la pérdida de una relación sentimental, tomó un rumbo inesperado y más personal durante el proceso de grabación. Un suceso trágico, la pérdida de un familiar muy cercano, cambió radicalmente el enfoque y el significado de la pieza. “Decidimos darle un giro a este tema, abordando el recuerdo, el añoro, las huellas que dejó, y el dolor de su ausencia,” comenta Daniel sobre el proceso creativo detrás de la canción. El resultado es una obra que explora el duelo y la profunda sensación de extrañeza que se experimenta ante la pérdida de un ser querido. La música de “Extrañarte” está cuidadosamente construida para acompañar esta experiencia emocional. Con coros cándidos y una instrumentación minimalista pero impactante, la canción es una especie de abrazo sonoro para quienes atraviesan momentos de tristeza y nostalgia. Es un tema que no solo busca consolar, sino también acompañar, recordándonos que todos, en algún momento, nos enfrentaremos a la ausencia de alguien importante en nuestras vidas. El EP “La Tierra Giró para Encontrarnos”, del cual forma parte “Extrañarte”, se presenta como una obra marcada por el atrevimiento y la búsqueda de nuevos horizontes sonoros. En palabras de Daniel, “Todo lo que nos llevó a lograr este resultado fue atrevernos a explorar nuevas posibilidades.” Este proyecto conceptual no solo marca un cambio en la dirección artística del cantante y productor, sino que también refleja una profunda evolución en su proceso creativo. Uno de los puntos más destacados del EP es la colaboración con el reconocido productor Jack Lahana, junto a Rob, quienes aportaron una nueva dimensión a la música de Daniel SRZ. Lahana, con su experiencia en el manejo de texturas electrónicas y paisajes sonoros envolventes, fue una pieza clave para darle forma al sonido distintivo de este EP. La combinación de sintetizadores y la incorporación de coros con invitados, que añaden capas emocionales y sensoriales a las canciones, es uno de los elementos que diferencia a este proyecto de los trabajos previos de Daniel. En cuanto a la lírica, Daniel no se queda atrás en su afán por ser más audaz y auténtico. “El atrevimiento fue abrirme completamente y escribir las letras más honestas y auténticas que sentía en ese momento.” Cada tema del EP refleja un momento crucial en el ciclo de una relación, desde los primeros encuentros y la magia del inicio, hasta los momentos de duda, las conversaciones internas, la amargura de la ruptura y, finalmente, la pérdida. Cada canción es un capítulo de esta historia, que guía al oyente por un recorrido emocional profundo y sincero. El enfoque conceptual de “La Tierra Giró para Encontrarnos” también juega un papel fundamental en cómo el público percibe y experimenta el EP. Daniel ha creado un proyecto que, más que una simple colección de canciones, es un viaje emocional y sonoro que permite al oyente sumergirse en las distintas fases de una relación y la pérdida que sigue. Esta narrativa cíclica culmina con “Extrañarte”, el punto final de una travesía que pasa por el amor, la pérdida y el recuerdo. El lanzamiento de este EP no solo representa un nuevo paso en la carrera de Daniel SRZ, sino también una afirmación de su capacidad para evolucionar y sorprender. Desde sus primeros pasos en la música, Daniel ha demostrado ser un artista en constante búsqueda de innovación y autenticidad, y “La Tierra Giró para Encontrarnos” es prueba de ello. Su capacidad para combinar elementos tradicionales del pop con una producción moderna y arriesgada lo posiciona como uno de los artistas más prometedores de la escena. Finalmente, Daniel confiesa que el siguiente paso es dejar que el EP hable por sí mismo: “Este EP es un viaje de principio a fin… el siguiente paso audaz es lanzarlo y dejar que hable por sí mismo”. Con este lanzamiento, Daniel SRZ invita a sus oyentes a unirse a este viaje personal y emocional, donde la música no solo es una forma de expresión, sino también un refugio en los momentos de pérdida y duelo. “La Tierra Giró para Encontrarnos” es una obra que, sin duda, resonará profundamente con quienes estén dispuestos a embarcarse en este viaje introspectivo y sanador.

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Camilli, el nuevo ícono del Hardstyle en México

La escena del Hardstyle y Rawstyle en México está siendo impactada por el talento emergente de Camilli, un artista que está redefiniendo el género. Con el lanzamiento de su segundo sencillo, “Most Wanted”, ha capturado la esencia de una persecución llena de adrenalina y emoción, destacándose por su estilo explosivo. Este track forma parte de su esperado EP, que promete ofrecer una experiencia musical intensa. Camilli ha logrado fusionar elementos distintivos del género como los kicks duros, los bajos profundos y los leads melódicos, creando un sonido único. Desde joven, estuvo vinculado a la música, experimentando con diversos instrumentos antes de encontrar su pasión en la electrónica. Influencias como David Guetta y Tiësto, junto con artistas de Hardstyle como LNY TNZ y Adrenalize, han contribuido a moldear su estilo enérgico y potente. Más allá de lo puramente musical, Camilli tiene como objetivo transmitir sensaciones de felicidad y energía a través de sus producciones. Su lema, “Break it all”, refleja su deseo de superar límites y crear momentos inolvidables para sus seguidores.  “Most Wanted” marca el inicio de una prometedora carrera, en la que Camilli se posiciona como uno de los artistas más interesantes de la escena electrónica mexicana, con el objetivo de llevar su sonido a nivel internacional .

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HAMAMATSU cumple 10 años como la “Ciudad Creativa de la Música” por la UNESCO

Hamamatsu es una ciudad de Japón situada entre Tokio y Kioto, que fue certificada como “Ciudad Creativa de la Música” por la UNESCO en 2014, por su importante contribución a la música en todo el mundo gracias a las legendarias empresas musicales que allí residen: Yamaha, Roland y Kawai. También, debido a las numerosas actividades y lugares relacionados con la música en esta urbe, como el Museo de Instrumentos Musicales (el primero de Japón) y el Yamaha Innovation Road, el museo de la historia de la compañía.    Con motivo del décimo aniversario, la Embajada de México en Japón, Yamaha Music, la Fundación Cultural de Hamamatsu y el Liceo Mexicano Japonés.presentan “Hamamatsu Sounds In 2024”, una exposición multimedia en línea sin fines de lucro para celebrar, a manera de homenaje, su contribución global a la música y a todas las personas involucradas en la industria y la escena musical. Este gran esfuerzo creativo está compuesto por fotografías realizadas por la artista visual Laura Rodriguez. Su colección de fotos ha sido curada para realizar una selección de imágenes de músicos activos en Hamamatsu, tanto profesionales como amateurs, de Japón y del extranjero, personas de todas las edades, incluidos ingenieros y diseñadores que trabajan en la industria musical, maestros y estudiantes, todos interpretando una variedad de géneros sonoros e instrumentos.  Dichas fotografías están acompañadas de composiciones musicales originales arregladas especialmente para “Hamamatsu Sounds In 2024” por artistas mexicanos: el Cuarteto Mexicano de Jazz, la banda de jazz más importante de México creada en 1969 y constituida por Francisco Téllez (Director, compositor y pianista), Marie Anne Greenham (contrabajo), Edy Vega (batería) y Pablo Salas (saxofón tenor). Además, el Liceo Mexicano Japonés, la escuela mexicana-japonesa fundada en 1977, Leo Moreno, músico y responsable de medios y relaciones públicas de medios musicales en la Ciudad de México, y Taliah Armenta Ruiz, una niña de 10 años, originaria de Veracruz.  Este trabajo busca reconocer la importancia de Hamamatsu en el mundo como una ciudad donde los instrumentos musicales y los equipos de audio profesional han sido concebidos, diseñados y fabricados durante más de un siglo, para crear conexiones entre músicos locales, mexicanos y de todo el mundo, y promover la comprensión, la empatía, el respeto y el interés por los demás a través de la música. “Hamamatsu Sounds In 2024” estará disponible al público del 9 de septiembre al 27 de octubre, gracias a la Embajada de México en Japón y a través de la Galería Virtual Kunstmatrix, una empresa con sede en Berlín, líder mundial en exposiciones virtuales con más de 6,000 exposiciones públicas y millones de visitantes, en un espacio multisensorial virtual que combina imágenes y sonido para brindar a los visitantes una experiencia hiperrealista.  Acceso a la Exhibición: Laura Rodríguez / Artista Visual  Concepción, Fotografía y Dirección Artística de “Hamamatsu Sounds In 2024”  Laura Rodríguez, originaria de la Ciudad de México, es una activa artista visual que vive en Hamamatsu desde 2011. Es egresada del Liceo Mexicano Japonés y de la UAM-X, con especialidad en Artes Visuales. Recibió una beca para estudiar en el Instituto de Tecnología de Kioto y fue artista en residencia en el Centro de Arte Kamoe en Hamamatsu. Combina su experiencia en diseño gráfico con su práctica de las artes japonesas, como la caligrafía y las cartas ilustradas. Ha presentado su obra en colectivo e individual en museos y galerías en México y Japón. Es la segunda vez que presenta una exposición virtual. Laura documenta la escena musical de Hamamatsu con fotos y videos, preservando un registro histórico de la importancia de la ciudad en el mundo. Su objetivo es crear conexiones artísticas entre diferentes partes del mundo para promover la empatía, la comprensión y la paz. Laura concibió “Hamamatsu Sounds In 2024” como un encuentro a través de miles de kilómetros entre músicos mexicanos y japoneses y visitantes de todo el mundo.  Para más información detallada, actualizaciones y archivos de alta calidad: [email protected] Instagram: @laura_plattard  WhatsApp: +81 80-3825-5832

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Densidad, lentitud y psicodelia sonora: el DOOMCITY FEST 2024 llega al Sangriento

El Doom City Fest nació en 2020 como un espacio dedicado a los sonidos lentos, pesados y psicodélicos, y es el primer festival en México enfocado exclusivamente en el Doom, Stoner Rock, Sludge, Post Metal y sus derivados. En la primera edición participaron bandas representativas nacionales e internacionales de estos géneros, con Satánico Pandemonium, Fumata, Malamadre, Amenra, The Obsessed y Tekarra.  Ahora, después de cuatro años de ausencia debido al encierro, el festival vuelve con más fuerza que nunca. Para este 2024, el equipo ha curado un cartel muy especial que incluye a bandas locales como Abyssal, Weedsnake, Desollado y Reverence to Paroxysm. Además, han creado un puente con la escena latinoamericana al sumar a Age of The Wolf y Void Oath desde Costa Rica. Y por supuesto, la participación de bandas internacionales que muchos fans han esperado ver en México durante años: Eyehategod, Belzebong, Weedeater y Mizmor.    Escucha aquí la playlist del DoomCity Fest Para el equipo de DoomCity Fest, es crucial fortalecer la escena local y brindar oportunidades a todas las bandas que han contribuido al crecimiento y reconocimiento de este género. Una clara muestra son es el proyecto especial que combina el talento nacional de diferentes estados en shows llamados “Viajes a Doom City”, tres eventos en lo que se presentaron bandas de renombre como Vinnum Sabbathi, Satón, Demons My Friends, Satánico Pandemonium, Saturno Grooves, Black Glow, Oculto, Abyecto, Bardo, entre otras.  El próximo 21 de septiembre de 2024 en la Ciudad de México, el Sangriento vibrará con la segunda edición de un festival que es muy necesario y bienvenido en nuestra ciudad multicultural. Aquí puedes adquirir tus boletos en preventa. Leo Moreno platicó con Román Tamayo, miembro fundamental del equipo organizador, sobre este gran esfuerzo musical-cultural que busca apoyar a las bandas nacionales y ofrecer presentaciones de artistas relevantes de la escena, actos que sin el DoomCity Fest, sería imposible apreciar en nuestro país.  ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más info:

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ENTREVISTA: la potencia desenfrenada y magistral ejecución de OTOBOKE BEAVER

En 2023, el Foro Indie Rocks! explotó con la potencia de Otoboke Beaver, en una noche memorable, por lo que ahora, para su segunda presentación en la Ciudad de México, las expectativas eran muy altas, ya que el desenfreno sonoro del cuarteto es único en el mundo. Y vaya que cumplieron con creces, con un concierto espectacular en la muy querida House of Vans.      Otoboke Beaver (おとぼけビ~バ~), es una banda japonesa, enloquecida y trastronada, de punk rock y garage, formada en Kyoto en 2009. Su ejecución es magistral y la coordinación de las integrantes es superlativa, con velocidades que te rompen el cuello y una fuerza que te invita al grito. Una propuesta que te vuela la mente.    Esta girl band está conformada por Accorinrin (voz, guitarra), Yoyoyoshie (guitarra, voz), Hiro-chan (bajo, voz) y Kahokiss (batería, voz). Con su álbum debut, Okoshiyasu!! Otoboke Beaver (Damnably, 2016), pasando por su segundo esfuerzo ITEKOMA HITS (Damnably, 2019) y hasta su más reciente placa Super Champon (Damnably, 2022), el cuarteto se ha ganado el respecto de escuchas y la crítica debido a sus energéticas presentaciones en vivo, interesantes y relevantes letras, y un aura de poderío musical que pocas bandas logran alcanzar.    Previo a su portentosa presentación el pasado mes de agosto en House of Vans, Leo Moreno platicó con la banda sobre su precisión musical, el poder desenfrenado de sus canciones, sus músicos y animes favoritos, así como de la emoción por pararse de nuevo ante el público de la Ciudad de México.  ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más info:

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Mira el documental “A Band Called Death”

“A Band Called Death” es un documental de 2012 que cuenta la historia de Death, una banda de punk rock formada en los años 70 en Detroit por los hermanos David, Bobby y Dannis Hackney. A pesar de ser pioneros del punk antes de que el género fuera reconocido, la banda enfrentó dificultades debido a su nombre y la falta de apoyo comercial, lo que llevó a su separación. Décadas más tarde, sus grabaciones fueron redescubiertas, y Death comenzó a recibir el reconocimiento que merecía como una de las primeras bandas de punk rock afroamericanas. Death, una banda proto-punk formada en Detroit en los años 70 por tres hermanos afroamericanos: David, Bobby, y Dannis Hackney. A pesar de su talento y visión innovadora, la banda no alcanzó el éxito comercial en su tiempo debido a su nombre y a la falta de interés de las discográficas. Décadas más tarde, su música fue redescubierta, ganando reconocimiento póstumo como pioneros del punk rock antes de bandas como The Ramones.

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Minimalismo y ambient industrial: The Space Between Space es el nuevo álbum de MIXO

MIXO es Rodrigo Galindo, ingeniero en audio, productor musical, compositor, profesor, DJ y multi instrumentista, también miembro de la banda Cascabel. Productor de discos y sencillos de diversos artistas, Co-fundador de la disquera Toga Records, creador de contenido para radio, comerciales y conferencista. Ha tocado con sus diferentes proyectos en diversos foros del país y Estados Unidos. Pero más allá de su carrera en la industria musical, Rodrigo se considera una consecuencia de millones de años de procesos químicos, físicos y biológicos de evolución en el universo. Un fiel seguidor de la incertidumbre y del caos. Y esta narrativa hace todo el sentido con su más reciente trabajo sonoro.      Con The Space Between Space (Toga Records, 2024), su nueva placa y primer álbum de larga duración, MIXO aborda temas interesantes y profundos, cuestionamientos sobre la vida, el ser, la consciencia, la inteligencia artificial, la evolución, la identidad, los sueños y la realidad. Es un clavado a la introspección, un tributo a la música ambient y al minimalismo en un contexto cósmico, psicodélico y espiritual.  El disco cuenta con 15 tracks en los que escuchamos toda una variedad de sonidos:  guitarras, jaranas, sitar, vocoder, muchos sintetizadores, samples diversos, percusiones y más. Cada canción tiene un estilo único, que evoca el sentimiento, inspiración y concepto específico que surgen de la mente del  veracruzano. También, MIXO colaboró con quince artistas plásticos que crearon una obra original, cada una inspirada en un track. Piezas que se pueden ver en Instagram, Youtube, y Spotify Visualizer. La escucha del álbum debut de MIXO te invita a arrojarte al vacío y dejarte ir a través de un meticuloso trabajo sonoro de poco más de una hora, y su estilo minimalista y ambient invita a la reflexión, a la meditación. Excelente para una escucha profunda y sin interrupciones, tal como el artista espera que suceda.    Para más info: Spotify: MIXO Instagram: @Ro_mixo Fb: @romixomusic

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