Depósitio Sonoro

11 mayo, 2025

Jazzmatazz – la perfección entre el jazz y el Hip Hop

En la historia del hip-hop, pocos proyectos pueden presumir de haber revolucionado el género y al mismo tiempo rendir un tributo tan elegante a la herencia musical afroamericana como lo hizo Jazzmatazz. Publicado en 1993, el primer volumen de esta serie creada por el carismático rapero Guru no solo rompió barreras estilísticas, sino que también ofreció un puente entre dos mundos que, aunque hermanos en esencia, rara vez habían convergido con tanta autenticidad. A comienzos de los noventa, el hip-hop se consolidaba como una voz cruda y directa desde las calles. Sin embargo, Guru, ya reconocido como la mitad de Gang Starr, decidió explorar sus raíces musicales de una manera nunca antes vista: llevando el jazz, la esencia de la improvisación y el swing, al núcleo de su lírica consciente y reflexiva. Mientras otros artistas optaban por samplear clásicos del jazz, Guru se aventuró a crear colaboraciones directas con leyendas del género. Esto permitió que el álbum respirara un aire de autenticidad inigualable, dotando al rap de un alma nueva y expandiendo sus horizontes sonoros. Jazzmatazz Vol. 1: La alquimia perfecta Desde el primer track, “Introduction”, Guru establece el concepto: un laboratorio sonoro donde el jazz y el rap se mezclan en una misma caldera. Le sigue “Loungin’”, una oda a la reflexión que cuenta con la inconfundible trompeta de Donald Byrd, uno de los músicos más respetados de la escena jazzística. La química entre el flujo relajado de Guru y el fraseo de Byrd resulta en una experiencia casi meditativa. Otro momento álgido es “Transit Ride”, donde el saxofón de Branford Marsalis traza líneas melódicas que serpentean alrededor del verso de Guru como un humo envolvente. El jazz aquí no es solo un acompañamiento; es un cómplice que enriquece el mensaje. Un legado atemporal Jazzmatazz no es solo un disco; es un manifiesto que reconoce el linaje cultural del rap, reconociendo que la poesía callejera también puede coexistir con la sofisticación armónica del jazz. En un contexto donde el rap era frecuentemente estigmatizado como ruido o protesta vacía, Guru iluminó un camino donde lo clásico y lo moderno podían convivir. Muchos siguieron el ejemplo, pero pocos alcanzaron el equilibrio entre lirismo y musicalidad que Guru plasmó en Jazzmatazz. Hasta el día de hoy, el disco sigue siendo un faro para aquellos que ven en el hip-hop no solo una forma de protesta, sino también un espacio para la introspección y la belleza sonora. Una invitación perpetua Escuchar Jazzmatazz es como adentrarse en un club nocturno donde las conversaciones son profundas, las notas vuelan libres y la lírica cuenta historias cargadas de sabiduría. Guru, con su voz grave y pausada, invita al oyente a relajarse, reflexionar y dejarse llevar por la brisa melódica de su obra. Treinta años después, Jazzmatazz sigue siendo relevante, recordándonos que el rap no tiene que ser un acto de confrontación, sino una celebración de raíces, experiencias y sueños compartidos. Más que un disco, es una declaración de amor al jazz, al rap y a la capacidad del arte para unir almas a través del tiempo.

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​Moby relanza mobygratis con 500 nuevas canciones para creadores independientes​

El reconocido músico y productor Moby ha revitalizado su plataforma mobygratis.com, ofreciendo más de 500 pistas instrumentales de alta calidad para apoyar a cineastas, músicos, estudiantes y creadores de contenido en proyectos no comerciales. Esta iniciativa, que comenzó hace casi dos décadas, busca proporcionar música libre de regalías para aquellos que necesitan contenido sonoro sin complicaciones legales ni costos elevados. ​ https://mobygratis.com mobygratis ofrece música instrumental gratuita a creadores. A cualquier creador. A todos los creadores: cineastas, músicos, estudiantes, coreógrafos, organizaciones, editores de video, remezcladores, cantantes, gamers, animadores, raperos, etc. Y (redoble de tambores…) ahora tenemos 3 opciones de formato: mp3 estéreo, wav estéreo y wav multipista. Todos son gratuitos. Una biblioteca sonora para la creatividad La colección disponible en mobygratis abarca una amplia gama de géneros y estados de ánimo, permitiendo a los usuarios encontrar la pista perfecta para sus proyectos. Las canciones están disponibles en formatos MP3, WAV y, en muchos casos, en stems multipista, facilitando la edición y adaptación según las necesidades específicas de cada creador. Además, la plataforma permite organizar la música por categorías y proporciona información detallada sobre el tempo y la duración de las canciones, lo que facilita la búsqueda y selección del material adecuado. ​ Acceso sin barreras Una de las características más destacadas de mobygratis es su accesibilidad. No se requiere registro ni suscripción para descargar las pistas, lo que permite a los usuarios acceder fácilmente al contenido. Esta política abierta refleja el compromiso de Moby con la comunidad creativa y su deseo de eliminar obstáculos para la producción artística. ​Warp+9laxmedellin.com+9radionica.rocks+9 Condiciones de uso y restricciones Si bien la música es de uso gratuito para proyectos no comerciales, existen algunas restricciones importantes a tener en cuenta:​ Estas condiciones reflejan las convicciones personales de Moby y su compromiso con ciertas causas. Un legado de apoyo a la comunidad creativa Desde su lanzamiento, mobygratis ha sido utilizado en más de 50,000 proyectos creativos en todo el mundo, incluyendo cortometrajes, documentales, videojuegos y presentaciones artísticas. Con este relanzamiento, Moby reafirma su compromiso con la comunidad creativa, proporcionando recursos valiosos que pueden enriquecer una amplia variedad de proyectos. Para explorar y descargar las pistas disponibles, visita mobygratis.com

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Entrevista a Vida Vella

Tras años de ser el motor rítmico de influyentes bandas de culto, el músico tijuanense radicado en Nueva York, Luis Gabriel Illades, da un giro audaz en su trayectoria y asume el rol de cantautor con Vida Vella, su nuevo e inspirador proyecto. Su álbum debut, “Panorama”, vió la luz el pasado 21 de marzo de 2025 a través de Beso y Abrazo Records y estará disponible en todas las plataformas de streaming. Además, el vinil llegará a tiendas mexicanas en mayo de 2025. Tuvimos una charla con èl sobre su nuevo lanzamiento. 1. Luis, llevas más de 20 años viviendo en Nueva York. ¿Cómo influye tu identidad tijuanense en tu forma de componer, aún estando tan lejos del lugar donde creciste?Todavía vivo en Tijuana parte del año y en Nueva York parte del año. Una cosa que noté al escribir las canciones y ser de una cultura fronteriza es el uso de “pochismos” a veces. Es algo mas aceptado ahora pero cuando era niño y íbamos de visita al interior del país, nos veían como idiotas o degenerados hablando así.La canción (Sin Alivio en Atlántida) está fuertemente influenciada por Tijuana y pasar por playas hermosas pero muy contaminadas por plásticos y aguas residuales, lo que genera una sensación de desesperanza de inminente ruina ecológica. No puedo afirmar que esto sea un hecho, pero mi reacción inicial es siempre culpar al consumismo estadounidense por esto. 2.Tijuana y Nueva York son ciudades fronterizas, pero de fronteras muy distintas. ¿Cómo ha dialogado esa dualidad en tu música a lo largo de los años?Un aspecto que refleja esto es la canción “El Chico Francés” del álbum que trata sobre tener un encuentro romántico con un extranjero que llega a un pueblo y luego deja al protagonista varado y abandonado. Esto es también un reflejo de las variaciones en el acceso a la movilidad. También es una interpretación de intentar expresarse con alguien que no habla su idioma y encontrar amor y puntos en común en ausencia de palabras. Esto lo vimos más en Tijuana con los estadounidenses, pero en Nueva York también es común con personas de todo el mundo. 3.¿Qué aspectos de tu herencia mexicana sientes que cobran más fuerza cuando los reinterpretas desde el contexto neoyorquino?Luché mucho con la identidad en mi juventud. ¿Qué significa ser hombre y salir del closet? ¿Cuáles son las expectativas de la herencia mexicana cuando uno viaja y siente curiosidad por otros caminos? Siento que me dieron una lista de reglas sobre las expectativas al nacer y luego pasé años tratando de liberarme de las expectativas, solo para obtener otra lista de reglas en cada subcultura sobre la que tenía curiosidad: identidad LGBT, identidad punk, identidad masculina o no binaria, identidad urbana, identidad artística. Con el tiempo aprendo que dos verdades opuestas no se anulan, esa es la dialéctica: encontrar la síntesis entre esto que eres tú. ¿Puedes apreciar a Vicente Fernández y también ser skater? ¿Puedes ser un hombre gay y también tener una relación de respeto mutuo con tu padre heterosexual, tus primos y tus tíos? 4.Grabaste tu disco con músicos estadounidenses y una banda del estado de Guanajuato. ¿Cómo surgió esa colaboración y qué buscabas con ese contraste de estilos y sensibilidades?La mayor parte de mis años de gira y grabación han sido en Estados Unidos y Europa, nombraré ese contexto de inmediato. Traje a mis músicos favoritos con los que he tocado durante los últimos 30 años para este proyecto. Estos músicos estadounidenses aportaron al álbum una influencia de “indie rock” y una especie de “southwest” que evoca la frontera. Invitar a algunos de los músicos de Guanajuato que trabajan en círculos folclóricos y orquestales parecía recordar una tradición de la época de mis padres en la Universidad de Guanajuato y la rica tradición del pueblo centrada en el Teatro Juárez y el desarrollo a la modernidad de ellos. 5.¿Qué retos y descubrimientos tuviste al combinar estos dos mundos sonoros tan diferentes? ¿Hubo momentos de “choque” cultural en el estudio que terminaron aportando algo nuevo?Curiosamente fue una gran combinación. Hubo algunas dificultades, como que los estadounidenses usaran notas como A, E, F y los músicos mexicanos hicieran referencia a “Fa, Sol, Re”, pero al final llegamos a una hermosa síntesis y comprensión. 6.¿Qué papel jugó el idioma (español/inglés) en la composición del álbum? ¿Lo ves como una herramienta expresiva, una barrera o un puente?Siempre quise expresar algo como una experiencia bilingüe. La mayor parte de mi vida ha sido una experiencia bilingüe. También noté diferentes lados de mí que se manifestaban en los dos idiomas. Las palabras en español terminan en vocales y eso se presta a un efecto más romántico y soñador. El inglés es una lengua germánica que termina en más consonantes y por tanto es más precisa y prudente en su presentación. Había diferentes formas de decir lo mismo con variaciones en el efecto y fue muy divertido jugar con eso. 7.Musicalmente, ¿qué géneros, sonidos o artistas fueron clave para dar forma a este disco? ¿Hay alguna influencia que te haya sorprendido encontrar durante el proceso?Al sentarme y darle forma a los demos de la canción buscaba la atmósfera. Como baterista, mi estilo de composición es parecido al de un simio, simple y rítmico en su composición. Una vez que se escribió la base de las canciones, establecer el tono fue una experiencia separada. Escuché mucho a Brian Eno y Massive Attack con respecto a preparar el escenario atmosférico. Le pedí al guitarrista Doug Hilsinger que participara porque él toca una orquesta de Brian Eno en San Francisco y eso me pareció muy relevante. Pero también estaba escuchando un disco de Charles Mingus ”The Black Saint and the Sinner Lady” y me gusta la brusquedad de cómo algunos de esos instrumentos entran y salen de las canciones y las canciones de óxido y sintonía como desarrollo del carácter en la comprensión de los instrumentos como un personaje. 8.¿Cómo describirías el sonido del álbum a alguien que nunca ha escuchado tu música pero quiere entender

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La nueva colaboración entre HEALTH y Chelsea Wolfe

HEALTH y Chelsea Wolfe han lanzado el sencillo “MEAN” el pasado 5 de mayo de 2025 a través de Loma Vista Recordings . Este tema marca la primera colaboración entre ambos artistas y fusiona la intensidad industrial de HEALTH con la atmósfera etérea y melancólica característica de Wolfe.​ Una fusión de mundos sonoros “MEAN” es una amalgama de sonidos donde la base electro-industrial de HEALTH se entrelaza con la voz fantasmal de Chelsea Wolfe, creando una pieza que oscila entre lo sombrío y lo sublime. La producción estuvo a cargo de Stint (conocido por su trabajo con Demi Lovato y Oliver Tree), mientras que la mezcla fue realizada por Lars Stalfors (SALEM, The Neighbourhood). La canción se caracteriza por una atmósfera densa y cargada de tensión, con sintetizadores pulsantes y texturas pesadas que envuelven al oyente en una experiencia auditiva inmersiva. La interpretación vocal de Wolfe añade una capa de vulnerabilidad y emotividad, contrastando con la agresividad sonora de HEALTH.​ Contexto y lanzamientos recientes Este sencillo llega en un momento de intensa actividad para ambos artistas. HEALTH se encuentra en medio de su gira RAT WARS EXPANSION TOUR, que comenzó el 3 de mayo en Nueva Orleans y continuará por Europa en junio, regresando a Norteamérica en otoño . Por su parte, Chelsea Wolfe ha estado promocionando su álbum de 2024, She Reaches Out to She Reaches Out to She, y se prepara para una serie de presentaciones en Estados Unidos y Australia .​Alternative Press+6Digger.mx+6Consequence+6The Needle Drop+3Chaoszine+3Treble+3 Recepción y expectativas La colaboración ha sido bien recibida por críticos y fans, destacando la capacidad de ambos artistas para crear una pieza que, aunque fiel a sus estilos individuales, logra una cohesión y originalidad notables. “MEAN” se presenta como una exploración de emociones intensas y relaciones erosionadas, temas recurrentes en las obras de Wolfe y HEALTH .​Stereogum+4Revolver Magazine+4Instagram+4 Este lanzamiento no solo enriquece las discografías de ambos artistas, sino que también abre la puerta a futuras colaboraciones dentro del ámbito del rock experimental y alternativo.​

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