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Entrevista con la banda italiana Soviet Soviet

Soviet Soviet es una banda italiana que forma parte de esta nueva oleada de proyectos que intentan revivir los sonidos más oscuros del post punk. Tuvimos una charla con ellos con motivo de su gira por Latinoamérica y su visita a México.   -Soviet Soviet tiene tres discos hasta ahora, ¿cuál es el principal problema de innovar un sonido en la actualidad? Alessandro Ferri: No sé, pienso que la música ahora no es tan innovadora. Andrea Giometti: Innovar en el 2019 es algo realmente difícil. Alessandro Costantini: Nosotros empezamos haciendo lo mejor, amamos nuestra música y es muy padre que algunas personas lo hagan también. Me gustaría pensar que la innovación es igual al cambio, y bueno, si tú eres sincero contigo mismo, la música cambia. Tal vez no es tan simple, pero es una imagen general de lo que podría decir.   2.- Es muy común escuchar que la escena del post punk se mantiene en el underground, ¿se puede seguir creyendo en esta idea o esto ya forma parte de una fórmula comercial? AF: No podría pensarlo como una fórmula comercial como tal, pero pienso que toda clase de música puede ser utilizada con ese propósito. AC: Desde que las personas de las disqueras o con dinero se dieron cuenta que pueden hacer ganancias con la música como en cualquier otro negocio, llámese Fanta o Sprite, todo se puede convertir en algo muy comercial, al menos que el artista o banda decida no rendirse ante ese tipo de cosas y limitarse. Y sí, algunas personas dicen: ‘¡Oh! ¿Post Punk? ¡Vamos a hacer una banda!’ Y eso es solo porque ven la música como un negocio, pero eso pasa también con el metal, el pop, el jazz, incluso con el hip hop.     3.- Hace días pensaba en las letras de Gang of Four, Killing Joke y The Au Paris, pues en un principio hablan de un malestar social, crímenes, protestas estudiantiles, sexualidad etc. ¿Creen que la música debería mantener un espíritu contracultural? AC:  La música es muy primitiva básicamente por su funcionalidad. Si tú piensas en las personas que bailan techno, te das cuenta que no entienden lo que está pasando, solo se dejan llevar por el ritmo, es muy primitivo, tú bailas para disfrutar. Por otro lado, con las letras se puede desarrollar contenido para comunicarse, pueden ser letras sobre aspectos sociales y hablar sobre las personas que no tienen voz. La música debería tener un balance. Una cosa no cancela a la otra. 4.–En este sentido ¿cómo construyen sus letras? AG: Yo siempre hablo sobre lo que estoy viviendo en este momento. No hay una fórmula. Por ejemplo, en el último álbum Endless hablo en gran parte de una persona, es sobre lo que yo siento y vivo en ese momento. AC: Yo diría que hablamos de experiencias personales, no me referiría en un sentido filosófico, yo me refiero a sensaciones instintivas como la felicidad, enojo o tristeza, lo que experimentas durante el día. 5.- ¿Qué piensan de la frase ‘El punk ha muerto’? AC: Qué es una mierda. Decir que el punk está muerto es como decir que Jesús está muerto, es la misma cosa. ¿Realmente está muerto? Jesús murió hace 2,000 mil años y las personas siguen yendo cada domingo a misa. ¿Nació porque embarazaron a su madre? ¿Sí Jesús está muerto por qué la gente cree en él? De la misma forma pasa con el punk, el punk no está muerto porque la gente sigue creyendo en él, sigue aquí con nosotros, está para quedarse.       6.-Gracias a las nuevas tecnologías se han desarrollado diversas plataformas streaming ¿creen que esto ha cambiado las formas de consumir música? AC: Sí, crecimos en un tiempo donde tendemos a hacer clic en un enlace antes de ir a la escuela y cuando regresas de la escuela. Escuchas una canción, tienes las letras, los gráficos, tienes todo. Quizá las personas obtienen mucha información y no todo hace sentido, entonces eso logra un desapego emocional con la música. Creo que todavía hay gente como nosotros en el mundo que compra discos, que aún se siente apegado al objeto, pues contiene algo que buscan. Solo es una forma diferente de consumir, pero nuestra atención se ha reducido demasiado, si ves las estadísticas o análisis de Google, encontrarás que los primeros 10 segundos son los que importan para captar la atención de la gente y te preguntas ¿es en serio? Pienso que en este momento las formas de consumir música tienen un propósito más materialista que espiritual. 7. Leí en una entrevista que tienen más giras en el extranjero que en su país ¿por qué? AG: Afortunadamente lo hicimos porque tuvimos la oportunidad de ir y tocar fuera de nuestro país muy pronto, en menos de un año. Hicimos el primer concierto y fue una gran experiencia para nosotros. Venimos a México a 3 diferentes estados y hemos tocado ocho conciertos y ha sido increíble. En Europa, en todo el mundo, puedes escuchar toda clase de géneros, tú puedes escuchar metal o punk, pero es mucho más cerrado en Italia. En los últimos dos o tres años la tendencia en Italia es música pop o trap, cosas así… 8.- ¿Cómo visualizan a Soviet Soviet en el futuro? AG: Con bastante dinero y como una banda muy popular, absolutamente. AC: Me alegra que diga eso, pero no lo sé, desde un punto de vista nihilista estaremos en el cementerio, estaremos muertos en el futuro, pero no diré eso. Es una mala broma. No lo sé, quizá seguir siendo amigos, seguir tocando música juntos, ayudarnos el uno al otro como sucede hasta ahora,  espero seguir tocando música en diferentes hermosos lugares y seguir conociendo a gente increíble. 9.-¿Qué nos espera para el concierto en CDMX? AG: Fuegos artificiales, Katy Perry…(risas). AC: No lo sé, a 3 personas que disfrutan lo que hacen, haciendo lo mejor que pueden, tendremos una espectacular noche, para todos quienes quieran disfrutar y venir a ver lo que hacemos.

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Falleció el gran Daniel Johnston a los 58 años de edad

Falleció el gran Daniel Johnston a los 58 años de edad de un ataque al corazón. Una figura de culto de la música underground que ha extendido sus influencias a otras corrientes musicales y que su arte tiene una calidad que, aunque quizá no es universal, resuena en otros artistas. La lista incluye a Pearl Jam, Tom Waits, Beck y muchos más, además de ser figuras icónicas en sus respectivos géneros musicales, todos han interpretado alguna canción de Daniel Johnston. El mismo Kurt Cobain promocionó con profundo impacto el estilo musical de Johnston e incluso dijo que Yip/Jump Music era uno de sus álbumes favoritos de todos los tiempos. Larry Clark usó parte de la música de Johnston para crear la banda sonora de su controvertida película Kids en 1995. Lana del Rey produjo una breve biografía que narra la enigmática y peculiar vida de Johnston.  Probablemente Daniel Johnston es el artista lo-fi más importante y famoso de todos los tiempos al inmortalizar esa portada/playera de la famosa ranita con la leyenda Hi How Are You? Para Johnston, escribir canciones era una compulsión. A lo largo de toda su carrera su discografía total fue de 29 álbumes, el último lanzado en el 2013. En resumen, el estilo de escribir canciones de Johnston era, en todo caso, verdaderamente honesto. No intentó oscurecer el significado de sus letras a través de la ironía o el cinismo. Debido a esto se puede identificar a Johnston como la voz principal del movimiento de la Nueva Sinceridad tanto en la literatura como en la música. Hasta siempre.  

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Mira los primeros capítulos de la serie “Wu-Tang: An American Saga”

La serie trata sobre historia detrás del origen de uno de los grupos de hip hop más importantes e influyentes de la historia. Wu-Tang Clan está formado por 9 MC’s. Todos sus miembros han lanzado álbumes solistas y el grupo ha producido diferentes grupos y solistas. El plan desde el principio del grupo era convertirse en un imperio y tomar la comunidad hip-hop con buenos artistas. El estilo del grupo ha cambiado con los años, pero conocido por la dureza, beats surrealistas y letras agresivas cargadas de metáforas, referencias a la vida o a la lucha del vivir de la calle. Wu-Tang: An American Saga, se estrenó en Hulu hace algunos días. Trata sobre la formación de Wu-Tang Clan y su transformación en uno de los colectivos de rap más icónicos e influyentes que lograron cambiar la historia del hip hop. La serie cuenta con 10 episodios y fue creada por el líder y fundador del colectivo Bobby Diggs—conocido como RZA— junto con Alex Tse. La historia se sitúa en el Nueva York de los años 90, durante el punto más alto de la epidemia de crack. El guión que toma fragmentos de realidad con algunos más de ficción, está basado en los libros The Wu-Tang Manual y Tao of Wu, escritos por RZA. AQUÍ EL LINK PARA VER LOS PRIMEROS CAPÍTULOS.

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Bauhaus volverá a reunirse tras una década de no estar juntos

La banda Bauhaus pionera del post punk y abanderada de la cultura gothic rock en su momento, lanzó un anunció de prensa informando sobre una reunión con los 4 miembros originales. Peter Murphy, Daniel Ash, Kevin Haskins y David J volverán a tocar juntos arriba de un escenario después de 10 años de no hacerlo y ocurrirá en el Hollywood Palladium de Los Ángeles este 3 de noviembre del 2019. No se han anunciado otros conciertos por el momento, sin embargo, todo puede ser posible para fechas posteriores. Será cuestión de esperar, sin embargo la noticia ha sacudido a los fans de antaño y a los nuevos también. Es bueno saber que sobre todo Ash y Murphy no tienen problemas de ego y quieren rescatar una vez más la gloria que los hizo visibles.

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Llega a la Cineteca Nacional la película: “Rave En Irán”

En la  Cineteca Nacional estará transmitiendo del 23 al 28 de septiembre la película “Rave en Irán” (2016), la cual trata de 2 DJs que vivirán los peligros del oficio en la música electrónica clandestina de Irán. “Anoosh y Arash son dos DJs que deben lidiar con las dificultades de la escena techno clandestina de Irán: esconderse de la policía, organizar raves en el desierto, vender su álbum sin permiso y ver estancada su carrera. Cuando reciben una llamada del festival techno más grande del mundo para invitarlos a dar un concierto en Suiza, los jóvenes deben decidir entre sacrificar la música y la libertad por la familia y su país. Filmada en su mayoría con teléfonos móviles por razones de seguridad, Rave en Irán retrata la censura y violencia que padecen los iraníes, en un país donde la música occidental está prohibida. El resultado es una historia cruda pero apasionada de dos jóvenes en una encrucijada”. Revisa aquí los horarios y en el video de arriba el trailer de la película.

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Sesiones Sonoras presenta a Mabe Fratti

La compositora Mabe Fratti con su obra incorpora emociones que tocan fibras al escucha, que conmueven y que siempre están bajo la lupa de la experimentación de un movimiento que va siempre en avante a panoramas más complejos de lo que podrían apreciarse a primera impresión y que, además posee una carga emocional casi palpable. La cellista guatemalteca radicada en la Ciudad de México, lanzó el pasado mes de mayo uno de los mejores álbumes en lo que va del presente año titulado “Pies sobre la Tierra”, un trabajo abstracto y sentimental que cuentan historias tan inteligibles que es inevitable no sentirse sumergido bajo un mar de emociones. Grabamos Sesiones Sonoras con ella, en la cual presenta 3 canciones de su más reciente álbum más algunas palabras de las influencias de su trabajo. Gracias a Estudio 42 por las facilidades para la grabación de este video.  Míralo a continuación:

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Guía para conocer mejor el mundo sonoro de Stereolab

John McEntire, de Tortoise, dijo una vez que Tim Gane poseía un “conocimiento totalmente enciclopédico de todo, y eso no es exageración en absoluto”. Éste es un hecho importante para recordar cuando uno se sumerge en el voluminoso, ecléctico y aparentemente abrumador catálogo de Stereolab. La banda de Reino Unido, formada en 1990 podría describirse con precisión como el producto de sus influencias: colecciones de discos, arte y cine. Stereolab escuchó muchos de los mismos discos que muchas bandas a principios de los años 90: The Velvet Underground, Suicide, Can, Neu!, Silver Apples, The Beach Boys, pero su interés no era recrear esos sonidos. Para Stereolab, el estudio era un lugar para la experimentación y el descubrimiento, cada uno de ellos rastreaba un equilibrio de compuestos sónicos y una integración fluida de partes aparentemente dispares. A lo largo de su carrera de 1990 a 2009 y con su regreso en 2019, Stereolab ha lanzado 11 álbumes de estudio, casi dos docenas de EPs, más un puñado de compilaciones, una banda sonora de instalación de arte y varias otras grabaciones de lanzamiento amplio y raras. Nos adentramos a algunos de sus principales discos. Emperor Tomato Ketchup, (1996; Elektra) El álbum es un mosaico de influencias culturales y políticas pop que la banda lució con orgullo; título prestado de una película japonesa, letras que hacen referencia a la teoría marxista, la portada de un álbum con el patrón de una grabación de actuación de Bartók. Este es un pop caleidoscópico que se retuerce y gira y se desliza y se desliza hacia el infinito. Este es un gran álbum con grandes ideas, repleto de elementos que funcionan en armonía y contrapunto. Dots and Loops (1997; Elektra) Dots and Loops de 1997 es quizá su producción más impresionante. Todo se siente más grande, más brillante, más exuberante y lujoso. Lo que hay aquí es en su mayoría un arte pop maravillosamente orquestado, asombrosamente estratificado e innovador, ya sea en forma de planetario de jungle-jazz o impresionantes vals exóticos. Mars Audiac Quintet (1994; Elektra) En sus primeros discos, Stereolab aludió, asintió y tocó varios puntos de entrada en el canon del krautrock, droning noise–rock, pop francés de los años 60, lounge – exótico y slowcore, aunque podrían haber sido llamados con mayor precisión Neu!, Mars Audiac Quintet es el álbum en el que esos elementos dispares pero complementarios se congelaron en un todo más cohesivo y máximo, no tanto cambiando su fórmula como dándole espacio para respirar. En otras palabras, es el álbum en el que Stereolab se convirtió en el Stereolab que hoy conocemos. Cobra and Phases Group Play Voltage in the Milky Night (1999; Elektra)  Un lugar peculiar para comenzar con Stereolab. De hecho, es una de las piezas más estáticas y vibrantes de la banda, una realización sobrecargada del potencial creativo de la banda disparando en todas las direcciones posibles. En solo media década, Stereolab progresó de un enfoque de drone-pop más minimalista a uno inmerso en todo. Transient Random-Noise Bursts With Announcements (1993; Elektra) Dos cosas cruciales sucedieron para Stereolab en los años entre su álbum debut Peng y su seguimiento. Uno, la banda firmó con el sello discográfico Elektra, dándoles así una plataforma más grande y recursos más amplios para cultivar su hipnótico art-rock. La otra fue una expansión de la alineación de la banda, trayendo a Mary Hansen, cuya capa vocal adicional ayudó a caracterizar el sonido de la banda, prestando un contrapunto más lúdico a las canciones estoicamente melodiosas de Laetitia Sadier. El resultado es un álbum más grande, ruidoso y extraño que su predecesor, y posiblemente uno de los álbumes más grandes y extraños de todos los tiempos.

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