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Drab Majesty: una metáfora sónica del Tragic Wave- Mind fi, la androginia y la vida extraterrestre

Según la mitología griega las hijas de Nereo salían de las profundidades de los mares para inspirar y conceder a los hombres el don de la poesía o la composición de bellas melodías. Basados en esta iconografía clásica, Drab Majesty es una banda que comunica a la colectividad un mensaje espiritual a través de la lírica elevada, el sintetizador arpegiado y la guitarra eléctrica. Este proyecto surge en el 2012 y cuenta con dos álbumes que están bajo la firma de Dais Records: Careless (2015) y The Demostration (2017); asimismo, poseen algunos EP’s y singles intitulados: Unarian Dances (2012), Oak Wood (2017) y The Heiress/ The Demon (2017). Quienes pudimos ver a este dúo estadounidense el pasado marzo del presente año en el Bahía Bar en la Ciudad de México, sabemos que producen una experiencia única en el escenario que recuerda de inmediato a Sopor Aeternus o Death in June, no por su producción sonora sino por su tendencia experimental y el uso de vestuarios que se materializan en túnicas sacerdotales con capucha, gafas robóticas, ojos negros bien delineados y maquillaje blanco sobre el rostro, que hacen referencia a toda una simbología gótica y a la vez futurista.   Mucha de la magia de la banda reside en el performance teatral e imagen pero también en su ideología, pues además de que algunas de sus letras apelan a la comprensión de la vida extraterrestre e interdimensional por medio de la religión UFO, los miembros de Drab Majesty se asumen bajo el género neutro, preferencia que tiene una fuerte influencia del ocultismo de Genesis O-Porridge de Psychic TV quien, como es sabido, se transformó quirúrgicamente en su esposa con el objetivo de fundirse románticamente en ella, lo cual resulta liberador en una época en la que los más susceptibles se rehúsan a probar los límites de la identidad. Su sonido es descrito por ellos mismos como Tragic Wave-Mind fi que, en su insistencia por ser inclasificables, es más bien una corteza alucinógena que hace reminiscencia al sark wave, al synth wave y al gothic rock, y a la oscuridad de bandas como Corpus Delicti, The Frozen Autumn o Clan of Xymox, entre otras. Toda la imaginería de esta banda está destinada a generar una catarsis de simpatía o repulsión, quizá la única manera de comprobarlo es darle play a cualquiera de sus productos musicales para dejar que los andróginos Deb Demure y Mona D nos susurren a través de su voz y sonido la fúnebre idea de una realidad musical alterna.

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Turning Jewels Into Water, explosión sonora retrofuturista de New York y Haití

Turning Jewels Into Water es un dueto iniciado por el percusionista neoyorquino Ravish Momin y por la ingeniera electrónica experimental Val Jeanty , de Haití. Su misión recae en exponer la realidad contaminante del presente distópico con una explosión sonora infecciosa y retrofuturista. Mitad orgánica, mitad maquinista, en su debut Which Way is Home? se plantea un camino de liberación empática. La unión del dúo inició en el Otoño del año pasado en Brooklyn, Nueva York, durante una sesión de jam en Pioneer Works, plataforma creativa y aventura multidisciplinaria en la que Momin realizó una residencia que rápidamente evolucionó hacia una revelación ritual y profunda ceremonia. Voces, beats dislocados y una amalgama digital se descifraron entre sueños linguísticos y fantasmas espaciales; como si el imaginario de Bladerunner se encontrará con la poesía negra de Nathaniel Mackey, para desencriptar cifras gnósticas desde un cableado quemado. El surgimiento espiritual del proyecto se nutre de tradiciones afroamericanas y la infancia en Mumbai de Ravish Momin, así como el voodoo nativo de Jeanty: juntos vuelan hacia nuevos mundos y estallidos musicales.   Así, Turning Jewels Into Water es un nuevo inicio con raíces futuristas que dan lugar a dubs mutantes, ondas senoidales, percusiones polirrítmicas e interferencias estáticas de una consola áerea, mediante tornamesas embrujadas y sintetizadores post-apocalípticos fundidos en la herencia del jazz, el illbient y la afroelectrónica. Turning Jewels Into Water es Ravish Momin (batería electrónica, loops en vivo, programaciones) y Val-Inc (tornamesas y percusiones electrónicas). Which Way Is Home? ve un lanzamiento en vinil y formato digital en verano de 2018, vía FPE Récords.

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Mira la sesión audiovisual de la banda Futuremen

El pasado 1 de julio entre el horario del cierre de las casillas electorales y la espera de los resultados de las tendencias de los que serían los nuevos gobernantes en México, Futuremen transmitió una sesión audiovisual por medio de Facebook Live. Como medio para hacerse presente y sumarse a todo el ruido de información y desinformación generado durante las elecciones, la banda decide hacer esta transmisión en vivo. El resultado es una sesión improvisada que usa como elemento principal 3 secuencias de base a los que se suman diversos elementos sonoros y visuales creando una experiencia de ánimo diferente para cada versión. Siguiendo esta estructura, Futuremen planea continuar desarrollando música nueva con lanzamientos esporádicos.

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PIL Cumple 40 años y lo festeja en México

Tras la disolución de los Sex Pistols, John Lydon, líder y voz de una de las bandas más importantes de Punk que ha dado la historia, decidió tomarse en serio la música, dejar los desfiguros y peleas a un lado para crear un concepto musical llamado Public Image Limited.  PIL se formó al principio por Lydon en la Voz, Keith Levene quien fue guitarrista de The Clash y otro par de sujetos que encontraron haciendo audiciones. La banda dejó a un lado los orígenes anarquistas para hacer un crossover de diversos géneros como el Reggae, música del mundo, disco y otros elementos. Comenzaron sus ensayos en mayo de 1978 y para diciembre de ese mismo año debutaron con el sencillo “Public Image” lográndose colocar en los primeros sitios de las listas del Reino Unido. Como muchas bandas que nunca habían pisado suelo Azteca, PIL lo hizo por primera vez en agosto de 2016 y quedaron sorprendidos de la aceptación y el furor que causó su presencia en el Plaza Condesa. Este 2018 la banda cumple 40 años y qué mejor manera de festejar que venir y dar un concierto en el Pepsi Center de la CDMX. Solo esperemos que en esta ocasión no nos dejen con ganas de escuchar su gran rola Disappointed.

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Fuimos a Londres a celebrar los 40 años de The Cure

En uno de los escenarios más “Green” de Londres, el Hyde Park, se abrió espacio a una escena de pura originalidad entre peinados y maquillaje al más estilo Siouxie estoicamente portados por los seguidores de The Cure venidos de todo el planeta, literal, gente de todo el mundo  congregados para celebrar los 40 años de una de las bandas más míticas del mundo del rock. Los 30 grados de temperatura y un sol sin misericordia “amenizaron” lo que se hacía llamar el “British Summer Festival” y no fueron suficientes para que los true fans dejaran de vestir sus camisetas negras de ediciones especiales de conciertos de The Cure que una vez más demostró el por qué son capaces de conectar con su público, a través de canciones tan comerciales como “Friday I’m in Love” o rarezas oscuras como “If only tonight we could sleep”, ambas interpretaciones fueron las delicias de los asistentes. Robert Smith a sus casi 60 años,  sube al escenario aún con la misma voz que en su juventud. Un pedazo de luz de sol acompañó casi medio concierto muy a pesar de Robert que al entrar al escenario principal del festival señaló con un humor muy “British” su aversión al sol. El carisma y la humildad que siempre acompañan a The Cure estuvieron presentes en varios momentos de las casi 3 horas de concierto, en las que Robert no ha cansado de repetir y dar las gracias a sus fans por poder compartir este momento que cómo él mismo ha dicho: nunca hubiera imaginado llegar en su vida.   No sabemos exactamente cuanto tiempo más estará The Cure con nosotros, con que nos vamos a encontrar en un futuro pero podemos predecir mucha  melancólica de sonidos que seguramente se expandirán significativamente hasta quedar muy dentro de ustedes hasta convertirse en arpegios largos y parabólicos, repitiéndose una y otra vez hasta alcanzar el infinito, hasta quizá encontrar un bloqueo que abra las puertas indirectamente a una dimensión más melodramática. Este tipo de eventos requiere atención y múltiples elogios. Así los 40 años de The Cure, como ellos. Es complejo y abstracto pero contagioso, magistralmente bien elaborado en la decadencia musical que se podría vivir. Si no están familiarizados con su mundo, puede tomar un poco de tiempo para acostumbrarse, pero una vez ahí, nulas ganas darán de alejarse de su extraño y desconcertante abismo. Un ente asombroso que ha marcado una evolución dejando tensión a su paso, una tensión hacia una música más madura. Créditos: Ana, Leo y Chanti

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La música de OMD: de sensaciones primordiales y recuerdos infinitos

Si existe una banda tan peculiar en la historia de la música hecha con sintetizadores con registros sonoros históricos, es, sin duda, OMD.   Lo que OMD logró a lo largo y sobre todo al inicio de su carrera fue algo perfectamente equilibrado, antagónico hablando desde la experimentación con chispeantes éxitos de synthpop, con temáticas coherentes, fluidas y esplendorosas, llenas de ritmos mecánicos y melancólicos. Su música logra tener momentos destacados que funcionan tan efectivamente por sí mismos, que hacen de su escucha una fantástica experiencia.   Se animaron por vez primera después de sus éxitos como “Enola Gay” o “Electricity” o “So In Love” a lanzar piezas instrumentales y ambientales, así como sombrías y adorables, más artísticas y poco convencionales, pero manteniendo el encanto pop que les distingue. Sin miedo a su ingenio. En los 80 y aún el día de hoy siguen sonando refrescantes, exquisitos y hermosos, casados con sus tonos suaves que se van impregnando en el oído, que se van impregnando en el corazón. Pocos lo saben o los no tan clavados, pero usar instrumentos nuevos siempre le va a dar otro giro a tu música, así que, para el viaje de la arquitectura de composición, el grupo utilizó un Mellotron durante varias de sus creaciones, en especial las del Arquitecture & Morality, y aparece en el fondo de la mayoría de las pistas, presta atención, lo sabrás sin necesidad de haberlo escuchado antes, es esa magia que no percibes en otros registros de la cultura synthpop. Después de analizar toda la música posible que nos ofrecen, uno puede llegar a la conclusión que grupos así son excepcionales y a veces para bien o para mal poco comprendidos, ya que los tonos corales, industriales suaves y helados ayudan a unir todo, y cuando se combinan con líneas sintéticas y la visión artística de OMD, todo se combina para crear una atmósfera hermosa y consistente, que deja la mayoría de las pistas sintiéndose agradablemente conectadas y cercanas, a pesar de su diversidad. De sensaciones primordiales y recuerdos infinitos, así es la música de OMD, ¿pero y nosotros? ¿qué sabemos del amor si nunca hemos estado en uno de sus conciertos? Y si ya lo viviste, guárdalo para siempre. En tu baúl especial que habita dentro de ti.  

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El sello mexicano Substrata lanza The Void of Expansion – “Ashes and Blues”

The Void of Expansion presenta “Ashes and Blues”en una edición especial en digipack , masterizado por Dirk Serries en su estudio en Bélgica. Publicado por el sello discográfico internacional con sede en México Substrata. Género: Shoegaze | Drone | Freejazz | Experimental Label: Substrata (MX) ★★★★★ Ashes and Blues lleva como título el primer álbum en estudio del dúo conformado por el baterista sueco Tomas Järmyr (Zu, Motorpsycho, Yodok, Yodok III) y el legendario guitarrista belga Dirk Serries (Vidna Obmana, Fear Falls Burning). Con un sonido introspectivo, enigmático, pero igualmente feral e indómito, el trabajo de The Void of Expansion se mueve en los límites de géneros como el shoegaze, el drone, el freejazz y la experimentación sonora actual. El ejercicio musical de The Void of Expansion en “Ashes and Blues” es como el de un artesano que trabaja cuidadosamente el más mínimo detalle de sus piezas; a su vez,  los músicos transitan libremente por caminos sinuosos, moviéndose a través de composiciones que en momentos ceden ante la energía desbordante de la improvisación, en un ejercicio de concentración y expansión, tensión y liberación de la energía; abriéndose paso entre capas y capas de sonido, texturas de diversa índole, amplitudes y estructuras armónicas, melódicas y rítmicas poco ortodoxas pero que con una efectividad psíquica, remiten y retrotraen automáticamente a una vastedad cósmica, a lugares desolados, paisajes abstractos y fulgores nocturnos con un especial aroma ritual. Substrata presenta una edición especial en digipack con artwork inspiración de la artista, músico y fotógrafa belga Martina Verhoeven y un layout elaborado por la artista multimedia alemana Juliane Schütz. Dando clic en este enlance puedes comprar una copia en formato digipack.

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