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Entrevista con Mild Orange, Dream Pop suave y sútil

Mild Orange, es una sobresaliente banda de Dream Pop de Nueva Zalanda. Al día de hoy tienen 2 discos juntos; su primer álbum, Foreplay, fue lanzado de forma independiente en abril de 2018 y su segundo álbum homónimo se lanzó también de forma independiente el 29 de mayo de 2020. Ambos ha sido muy bien recibidos por la crítica. Platicamos con ellos sobre su carrera y próxima visita a México. Depósito Sonoro: ¡Hola! ¿Cómo estás? ¿cómo se sienten? Mild Orange: ¡Hola! ¡Muy bien! Ahora mismo estoy viendo cómo sale el Sol en Nueva Zelanda. DS: ¡Increíble! Hasta acá siento esas vibras y el calor. En mi ciudad (en Morelia) justo ahora hace mucho frío, pero me contagias tu vibra. Ok, iniciemos con la entrevista. Nos gustaría saber, ¿qué esperan de su siguiente visita a México? MO: Esperamos un show increíble. La última vez que estuvimos por allá nos dimos cuenta de que son una de las mejores audiencias. Nos sorprendió muchísimo darnos cuenta de que se sabían las letras y las cantaban con nosotros. Así que estamos muy emocionados por regresar a Ciudad de México, un lugar que nos vibra muchísimo y en el que nos encanta pasar el tiempo. DS: Definitivamente será un gran show. En México aún no ha habido muchos shows y el público está muy emocionado por regresar a ver bandas en vivo y esto hará que su presentación sea aún más épica. Ahora, con el equipo de Depósito Sonoro estuvimos escuchando sus discos y nos sorprendió lo brillante y limpio de su sonido. Así que nos gustaría saber su secreto, ¿cuál su proceso en el estudio de grabación? MO: Tiene que ver con las opciones y herramientas que tenemos disponibles en el momento de crear. Yo hago la producción y grabación, lo cual me da la oportunidad de imprimirle mi propio sello a la música y las grabaciones porque me gusta realizar algunos procesos que considero propios y al mismo tiempo “extraños” ya que no poseo una educación formal en cuanto a ingeniería de audio. Al momento de grabar hemos tenido la oportunidad de convertir casas para vacacionar en estudios de grabación, lo cual nos ha llevado a grabar en el campo y podemos ver caballos corriendo mientras estamos grabando y toda esta experiencia fluye en la música mientrasla estamos grabando. Nos gusta capturar una experiencia íntima y probar distintas guitarras o set ups de batería para encontrar el sonido adecuado de cada canción. DS: Claro, en la redacción coincidimos en que su sonido era muy colorido, que las atmósferas eran muy amplias y realmente se siente el room de la grabación, tienen muy buenas texturas. Y esto es siempre muy refrescante de escuchar ya que el sonido de muchas bandas a veces es “seco” pero con ustedes es todo lo contrario. MO: ¡Wow, gracias! Justo eso es lo que siempre tratamos de capturar; no nos asusta sonar “crudo” ya que consideramos que es la forma más sincera de presentar nuestra música, nos gusta capturar algunas “imperfecciones” pero creemos que escucharnos es similar a la experiencia de ver fotos vintage, con sus granulajes y texturas, es de donde realmente nace la experiencia. DS: Ahora, quisiéramos saber ¿cómo fue el feeling que tuvieron al poder volver a reunirse para ensayar y regresar a los escenarios después de la etapa de confinamiento? MO: Afortunadamente, en Nueva Zelanda, no nos vimos tan afectados por la pandemia. Durante el último año y medio, pudimos seguir dando shows durante 2020 y en 2021 igual, aunque fue en menor medida. Pero aprovechamos para grabar cosas que ya teníamos guardadas, por ejemplo, ya teníamos bastante tiempo tocando en vivo “What’s your fire?” y se convirtió en un gran momento de nuestro show en vivo así que decidimos capturarlo en estudio. Pero a mediados del año pasado, el Covid 19 finalmente entró en Nueva Zelanda y tuvimos que parar, pero realmente para nosotros solo han pasado 6 meses desde el último show hasta la semana pasada que tuvimos nuestro primer concierto y poder volver a estar juntos en un escenario fue increíble ya que creemos que pertenecemos al escenario, es nuestro lugar especial. Y no haber podido estar en ese lugar especial por bastante tiempo fue algo duro, así que ahora nuestro mindset está enfocado en valorar aún más cada experiencia y cada oportunidad de poder estar en un escenario. DS: No cabe duda de que la pandemia cambió muchísimas cosas y nos ha hecho valorar todo desde otra perspectiva. Para ustedes, hablando a escala global ¿cómo ha sido el adaptarse a este new normal? MO: Sin duda, nos hemos tenido que volver muy flexibles para poder navegar con toda la incertidumbre que existe; de antemano siempre debes tener en mente que todo puede cambiar. Por ejemplo, hoy tuvimos que volver a cambiar nuestras fechas del tour de Europa. Sin embargo, también hemos aprendido a mantenernos muy optimistas a pesar del panorama global. DS: ¿Cuál creen que sea el reto más grande para la industria de la música en 2022? MO: Esa es una muy buena pregunta. Creo que sin duda debemos enfocarnos en la música en vivo, cuidar de nuestros venues y cuidar de todos los que asisten a los shows. Debemos tener especial cuidado de los venues pequeños, ya que ahí es donde se gestan los nuevos sonidos y donde muchos músicos hemos comenzado, de ahí la importancia de estos lugares. Entre músicos hay que apoyarnos muchísimo ya que ha sido una temporada muy difícil, nuestro enfoque principal debe ser mantener viva la música en vivo. DS: Increíble respuesta, sin duda es muy importante que nos enfoquemos en apoyar a los músicos, a los venues y a las audiencias para mantener esto con vida. De verdad, muchas gracias por compartir este tiempo y todas estas respuestas. Estamos entusiasmados por poder verlos en México en Marzo. Les mandamos un abrazo y nos vemos muy pronto. TENEMOS 2 PASES DOBLES. Para ganarlos tendrás que hacer lo siguiente: 1.- Darle Like y compartir

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Falleció Ronnie Spector, ícono del soul que inspiró a artistas como Amy Winehouse

TEXTO POR: Tamara Ludmila Amy Winehouse entra a una tienda de vinilos para la serie de televisión Vodafone TBA en 2007 y ve entre los discos un álbum de The Ronettes. En la portada se observa a quienes serían las 3 integrantes del grupo: Estelle Bennet, Nedra Talley y Veronica Bennet, o mejor conocida como Ronnie Spector. — ¡Yo tengo éste! — Amy saca el vinilo y se lo muestra al presentador del programa.— ¡Tienen el cabello cómo tú! ¡Mira eso!— Yo tengo el cabello como ellas. — corrige. El característico cabello de Amy se habría inspirado en el popular peinado de los años 60 que lucía fabulosamente el icónico trío en la portada de su álbum debut: Presenting the Fabulous Ronettes. El disco fue lanzado en 1964 y contenía la canción que catapultaría a las cantantes a la fama: Be my Baby. La canción no habría alcanzado su inmensa popularidad si no fuera por la singular voz y el gran carisma de la cantante mezzosoprano principal, Verónica Bennet, cuyo melodioso timbre aseguró el éxito entre los artistas del momento. El año previo al lanzamiento delálbum, la canción se había publicado como sencillo y alcanzado el lugar número 2 en el Billboard Hot 100. Más adelante, las artistas obtendrían tanta fama que acompañarían a The Beatles en una de sus giras y serían votadas en 1965 como el grupo más importante de laépoca, tan solo después de los mismos Beatles y Rolling Stones. Poco después del inicio de su carrera y el estrellato, Verónica se casaría con el célebre y poderoso productor del grupo, Phil Spector, y cambiaría su nombre a Ronnie Spector. Phil, sin embargo, demostraría ser un hombre sumamente violento, por lo que su relación con Ronnie derivó en un tormentoso matrimonio que la llevó a vivir secuestrada dentro de su propia casa, amenazada de muerte y sin regalías de su música. Esto mismo, más otras manipulaciones de Phil, resultaron en el sabotaje de la carrera de la cantante y un triste desvanecimiento del grupo. Un día, Ronnie, con ayuda de su madre, saltó por una de las ventanas y escapó de la mansión en donde vivía con Phil. En 1974 obtendría el divorcio y más adelante, las Ronettes demandarían por 10 millones de dólares al productor quien, después de 10 años de juicio, perdería el caso. Más tarde, en 2009, Phil Spector sería arrestado por asesinato en segundo grado por disparar a la actriz Lana Clarkson. El mismo año en que falleció Amy Winehouse, Ronnie le rindió tributo a la cantante sacando su propia versión de Back to Black. Tras enterarse de su muerte, dijo a los medios: “No había estado así de triste en un largo tiempo, sobre nadie en esta industria. Traté de ir a comprar la despensa para mi familia, pero estaba caminando como fantasma entre los pasillos. No podía pensar en nadie, solo en Amy. […] Estoy devastada”. Ronette falleció a los 78 años de cáncer dejando un enorme legado musical. El día de hoy, en la plataforma Spotify, 58 años después de su álbum debut, las Ronettes registran más de 20 millones de escuchas mensuales. Asimismo, el grupo sigue representando a unas de las pocas mujeres en la industria que han logrado entrar al Rock and Roll Hall of Fame. TEXTO POR: Tamara Ludmila

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Noise Toaster, crea el sonido que Robert Moog introdujo en sus sintetizadores con el Taller Construye tu sintetizador analógico

El sintetizador es una poderosa herramienta cuando se trata de crear nuestros propios sonidos e identidad musical, la experimentación sonora, el diseño sonoro y la producción musical. El sonido cálido que Robert Moog introdujo con sus sintetizadores analógicos a mediados de los años 70 todavía está en demanda. Actualmente podemos encontrar decenas de simuladores de sintetizadores analógicos en tiendas de aplicaciones móviles. Sin embargo, muchas veces no hay sustituto digital para un sintetizador analógico. Adéntrate en las herramientas, técnicas, e información para hacer tu propio sintetizador analógico con el Taller: “Construye tu sintetizador analógico“. Aprenderás conocimientos de síntesis analógica y electrónica básica, a través de la construcción del sintetizador Noise Toaster, que se compone de 7 etapas: VCO, VCF, VCA, LFO, AREG, White Noise, y amplificador. Mira más detalles de lo que se trata y cómo puedes inscribiste a continuación. ¿QUÉ SE BUSCA CON ESTE TALLER?Brindar una desafiante y emocionante experiencia fabricando sintetizadores, adentrarte en el fascinante mundo de la electrónica artesanal. Nos encontramos en la mejor época de la historia para fabricar sintetizadores DIY. ¿CUÁL SINTETIZADOR VAS A ENSAMBLAR Y POR QUÉ ÉSE?El taller propone la construcción del sintetizador Noise Toaster, un sintetizador open hardware (es decir, de diseño abierto y que cualquiera puede replicar) diseñado por Music From Outer Space. Este sintetizador es quizás el único en el mundo que cuenta con todo un libro dedicado exclusivamente a él. Dicho libro fue publicado por la editorial Maker Media. TEMARIO– Física del sonido– Principios de electrónica– Placas de circuito (PCBs)– Componentes electrónicos del proyecto– Correcto uso del cautín– Soldadura del circuito– Soldadura del panel frontal– Soldadura del panel lateral– Pruebas y corrección de fallas– Bloques de síntesis del Noise Toaster MATERIALESEl taller contempla el uso de un kit de trabajo por alumno. Dicho kit contiene todos los componentes electrónicos, tarjeta electrónica, panel de aluminio, panel de acrílico y gabinete de madera. El costo del taller ya incluye este kit de materiales. ¿QUÉ NECESITAS PARA TOMAR EL TALLER?El taller está pensado para el público en general, no requieres conocimientos previos de electrónica.Las herramientas que vas a ocupar nosotros te las prestamos.Únicamente debes llevar libreta para tomar apuntes. ¿QUIÉN LO IMPARTE?Christopher Galicia, a través de su proyecto Audiomáquinas. Ingeniero y artista electrónico. Inspirado por la tecnología para fines creativos, su trabajo se ha desarrollado en el diseño de hardware electrónico para aplicaciones como: instalaciones de arte, instrumentos musicales electrónicos no convencionales, proyectos de iluminación, piezas para museos, publicidad BTL, educación, entre otras. Ha colaborado con diferentes artistas electrónicos, así como con diferentes estudios de desarrollo y diseño interactivo. Como educador, ha impartido talleres de construcción de sintetizadores analógicos en instituciones de renombre como el Tecnológico de Monterrey, y ha sido coordinador de programas académicos en la Universidad de la Música G Martell y la Fundación Proacceso. Checa su trabajo en: http://christophergalicia.com/ FECHAS Y HORARIOSTaller presencial sabatino. Sábados 15, 22 y 29 de Enero y 5 de Febrero de 2022. De 9 am a 2 pm. 20 horas en total.LUGAR: instalaciones de Aulas Narvarte, ubicadas en: Azcona #107 Col. Narvarte, Delegación Benito Juárez, 03020, CDMX. INVERSIÓN $4600.00 MXN (IVA incluido). Puedes pagar en 2 partes: la primera mitad para inscribirte (hasta el 12 de Enero), y la segunda mitad a más tardar en la tercera clase del taller (29 de Enero). INSCRIPCIONES ABIERTASEnvía un correo electrónico a [email protected] con el asunto “Taller de sintetizadores” y te envían los datos bancarios para que puedas realizar transferencia.

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The Smile, nuevo proyecto de integrantes de Radiohead y Sons of Kemet

Llega uno de los primeros estrenos de 2022. Se trata de una nueva banda formada por Thom Yorke y Jonny Greenwood de Radiohead y Tom Skinner de Sons of Kemet, llamada The Smile. El grupo ha compartido su primer sencillo, titulado “You Will Never Work in Television Again”, que puedes escuchar a continuación. También han anunciado 3 show en vivo consecutivos que se realizarán en un período de 24 horas, que se llevarán a cabo el 29 y 30 de enero. Los espectáculos, que se transmitirán en vivo a nivel mundial, contarán con una presentación en vivo y una película de Paul Dugdale. Pronto más detalles de este nuevo proyecto.

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Mira completo el Documental No Somos Nada, sobre la banda punk La Polla Récords

‘No somos nada’, el documental de Javier Corcuera sobre la mítica banda punk La Polla Records. Se estrenará en cines a finales de enero de 2022 a través de Sherlock Films. La película tuvo su premiere en el Festival de San Sebastián y fue la ganadora del Premio del Público en el In-Edit Barcelona 2021. A través del grupo de Facebook Documentales de punk, metal y rock, extrajimos la película completa que a su vez subió otro usuario hace unas horas a un canal de Youtube. DA CLIC AQUÍ PARA VER EL DOCUMENTAL. Con motivo de la gira de despedida de la legendaria banda, Evaristo revive desde su pueblo en Euskadi los 40 años de historia de La Polla Records, de acuerdo a su propia visión. En días recientes el mismo Evaristo pidió que se bajara el documental de la web, ya que busca que la gente pague entrada del cine por verlo. Por lo que nosotros opinamos y sugerimos que además de verlo desde ahora en Youtube se trate de apoyar a la banda posteriormente y si se proyecta en tu ciudad o país en el cine no dudes y asistas a verlo y PAGUES POR LA ENTRADA, ya que detrás de cualquier película o disco hay un esfuerzo monumental y varias personas que han trabajado en éste, por lo que lo más justo es que sea remunerado. Sabemos que no será posible que llegue a todas las ciudades y países del mundo, pero si se presenta en algún sitio cercano a ti no dudes en apoyar aunque ya lo hayas visto desde ahora. Más información de entradas en el sitio oficial:  www.entradasnosomosnada.com.

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2021 fue el año con más ventas de vinilos en 30 años

Un reciente estudio publicado por la Industria Fonográfica Británica (BPI) reveló que durante los últimos 12 meses se vendieron más de cinco millones de discos en vinilo. Conocé más acá. El 23 por ciento de todos los álbumes comprados este año fueron en vinilo, siendo ‘Voyage’ de ABBA el más vendido. Según nuevas cifras de la Industria Fonográfica Británica (BPI), este año se vendieron más de 5 millones de discos de vinilo, 8% más que en 2020. Es el decimocuarto año consecutivo en que el formato ha aumentado las ventas, con discos de vinilo, lo que representa el 23 por ciento de todos los álbumes vendidos este año. Geoff Taylor, director ejecutivo de BPI, señaló: “Es un gran momento para ser un fanático de la música, con una oferta más amplia que nunca respaldada por un gran valor… gracias a la inversión del sello discográfico en nueva música y talento, los fans pueden comprar y coleccionar la música que más les gusta en vinilo, CD e incluso casete, mientras disfrutan del acceso a más de 70 millones de canciones para transmitir al instante cuando y con la frecuencia que quieran, a su vez, permite que una nueva generación de artistas cree música y mantenga carreras exitosas en un mercado global “. A principios de 2021, un nuevo estudio encontró que la Generación Z compra más discos de vinilo que los millennials. Según una encuesta realizada por MRC Data, durante 2 semanas se preguntó a 4,041 personas de 13 años o más sobre sus influencias musicales, inspiraciones y compras, con un 15 por ciento de los encuestados de la Generación Z, personas comúnmente identificadas como nacidas aproximadamente entre 1997 y 2012, afirmando haber comprado álbumes de vinilo en los 12 meses anteriores. Campañas como LoveRecordStores, Record Store Day y National Album Day también ayudaron a impulsar las ventas de tiendas de discos independientes y cadenas especializadas. En 2020 también se vendieron más vinilos que los CD por primera vez desde la década de 1980. El furor por los vinilos ha venido tomando mayor fuerza principalmente de 10 años a la fecha, principalmente debido a la baja en el interés por comprar CDs, el formato que reinó en la industria musical durante casi 2 décadas, y debido a que muchas personas consideran el objeto físico como algo que complementa la experiencia de escucha de un disco. Así es que el vinilo hoy por hoy es el complemento perfecto para las persons que también disfrutan de la música en streaming. Así, éste es el decimocuarto año en el que este formato eleva sus ganancias. De esta manera 2021 ha sido el año con más ventas de vinilo desde 1981.

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Columna Estoy Escuchando: Meddle, de Pink Floyd

Por Abraham García [email protected] Lanzado hace 50 años, este álbum supuso una transición para que el grupo de Londres tuviera un nuevo comienzo creativo y de una vez por todas en el estudio de grabación dejara de lado la sombra de Syd Barrett. Desde las sesiones de A Saucerful of Secrets de 1968, Pink Floyd no había entrado al estudio sin tener composiciones previamente trabajadas para grabar un álbum nuevo. Hicieron Ummagumma en calidad de solistas para cada pieza y en seguida cayeron los encargos musicales para las películas More y Zabriskie Point (este último proyecto un tanto fiasco porque el director Michelangelo Antonioni decidió descartar la música original que el grupo había trabajado para la cinta) y mientras tanto, Atom Heart Mother, el pomposo álbum que los retiraría de la movida hippie universitaria para situarlos en el superestrellato, ya se estaba cocinando. En 1971, Pink Floyd se había metido en demasiadas cosas desde la expulsión/deserción de Syd Barrett a causa de su inestabilidad con el LSD y apenas habían pasado 2 años, era como si en ese tiempo los integrantes del grupo hubiesen tratado de evadirse de su ausencia (incluso David Gilmour, Roger Waters y Richard Wright participaron de la grabación de sus álbumes solistas, The Madcap Laughs y Barrett) y tan solo seguir sin parar el flujo del torbellino que comenzó en 1965, cuando formaron el grupo con la visión y empuje de alguien que ya no estaba ahí. Se metieron a grabar en el estudio, por separado, a ver qué salía. Era hacer un corte de caja para reactivar al grupo desde cero, para definir lo que era su sonido sin su líder primigenio, y todo comenzó con “Echoes”, la épica la pieza central de 23 minutos y fracción que cierra su sexto álbum de estudio. A Meddle lo conocí, como dicta el cliché, en una de las primeras veces que experimenté los efectos de la cannabis, en compañía de mis 3 mejores amigos de la facultad. Eran tiempos en que nos reuníamos ya no para hablar y discutir, sino prácticamente pelear por música y grupos y géneros musicales mientras corrían canciones elegidas por todos. “Tú no eres nadie para criticar la música que me gusta, perro”, era algo que seguro nos llegamos a decir. Desde luego, en ese tiempo “Echoes” me voló la cabeza. Decía que la composición del tema fue lo primero que hizo el grupo para este álbum y fue un parto creativo muy complicado, ya que fueron semanas y semanas de trabajar sin dar con la tecla. Fue de hecho ese reconocible teclazo inicial de Richard Wright, aquel que, usando la imaginación, se podría interpretar como una señal, no sé si de vida, o de un nuevo despertar o comienzo, lo que cimentó la base para estructurar los 24 fragmentos de improvisación individual que conforman “Echoes” y hasta el momento habían llamado “Nada”. Usaron el estudio de grabación para editar el orden de los fragmentos de sonido -como si fuese un instrumento musical más- y así armaron un rompecabezas sonoro y musical que tuviera sentido. De ahí la secuencia en limpio y muy lento crescendo que progresa hacia un jam funky. De pronto se rompe y cae, como Ícaro desde el cielo, pero en vez de morir ahogado en el fondo del mar, recupera la consciencia y comienza a nadar hacia la superficie, y así reemerge triunfante mediante el teclazo en el piano de Richard Wright del inicio, pero que ahora anuncia la ascensión musical. “Echoes” logra ser un tema muy imaginativo, como otrora fuera “Interstellar Overdrive” de los inicios de la banda, aunque de una manera que poco y nada tiene que ver con el sonido de la época de Syd Barrett, mismo que ya tenían bien asimilado trabajado. El sonido lírico de sus inicios como grupo, claramente influenciado por el jazz, perdió un poco de su explosividad espontanea y cambió hacia una creatividad más deliberada y consciente. “La canción” tan sólo fue el primer atisbo del sonido más refinado y venidero del grupo y el inicio de una temática que se volvió recurrente en las letras de Pink Floyd: la comunicación. Debo decir que Meddle es un álbum muy querido para mí y tal vez se trate de mi favorito entre la basta discografía del grupo. Sus bucólicas letras me remiten a los campos de Colima y Ciudad Guzmán a cualquier hora, ya sea desayunando un litro de pulque fresco, haciendo senderismo entre la niebla en una tarde estival, o avistando estrellas fugaces por la noche, mientras me caliento las manos frente a una buena fogata con un café bien cargado. “One Of These Days”, con su ritmo cuasimetalero que invita a hacer headbanging, quizá haya sido en su momento el gancho que me hizo querer escucharme todo el álbum, pero “Fearless”, el lado B del sencillo, y también parte del álbum, es sin duda mi canción pinkfloydiana favorita. En lo musical tal vez sea insignificante comparada con la complejidad sonora de otras piezas progresivas o psicodélicas del grupo, pero la letra, con su literal evocación a esa noción de que como personas somos frágiles o vulnerables ante aquello que nos pueda dar miedo, ya sea una cima empinada, el futuro, la muerte (propia o de un ser querido), me lleva a un lugar emocional muy íntimo y, como si fuese un chute de adrenalina para un corazón en paro, me carga de convencimiento para encarar lo que sea, por mucho que no crea poder. La interpolación entre Pink Floyd tocando el tema, con el entrañable “You’ll Never Walk Alone”, muy popularizado por el grupo Gerry and The Pacemakers y cantado a todo pulmón por los Kopites del Liverpool FC en un Anfield a reventar como cierre, me parece inefable y abrumador. Sobra decir que cuando escuché “Fearless” en el Zócalo, el 1 de octubre de 2017, con el sonido cuadrafónico de Roger Waters y su banda, me rompí en incontrolable y vigorizante llanto porque llovía bastante y además tenía

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Lo que en el 20-21 se esfumó: recomendaciones de literatura y música

Por: Rogelio Garza e Ivan Luna Luna Rogelio Garza: El 2020 se llevó mucho de muchas personas. Como en la canción “Breakdown” de Tom Petty, yo perdí amigos, perdí el trabajo, perdí a mi novia, perdí mis ahorros y, al final, también perdí el sueño. Todos perdimos algo. Y, sin embargo, seguimos con nuestras vidas en la “nueva normalidad” que no es más que la misma de antes pero más jodida. El estado de ansiedad que traigo puesto me despierta todas las madrugadas a las tres. Minutos más, minutos menos, hago una escala involuntaria que a veces dura hasta las seis. Extraño las noches en las que dormía sin escalas. He leído que ese insomnio de las tres es el que le pega a media humanidad. Aunque en mi cabeza no dejen de girar los temas de estrés personal como ratón corriendo en rueda giratoria, a esa hora del aquelarre me pongo a leer. 1.- LO QUE EL 2020 SE LLEVÓ (2021), varios autores Por: Rogelio GarzaY le llegó la hora a Lo que el 20 se llevó (Cal y Arena), el libro coordinado por el escritor Carlos Velázquez y el editor Alonso Pérez Gay en el que veinte autores dan testimonio de lo que perdieron durante el año de la pandemia. Crónicas, ensayos, relatos y elucubraciones desde el encierro y la reflexión. Lo mismo escriben Guillermo Fadanelli, la novelista Ligia Urroz, el cronista Adrián Román y la editora Valeria Villalobos-Guízar, que la cantante Amanditita, el actor y conductor de radio Sergio Zurita, la periodista de televisión Mariana H y la neurocientífica Fernanda Pérez-Gay Juárez. Es precisamente en su texto, “Estrés crónico leve”, en el que nos compara con las ratas de laboratorio con las que experimentó sometiéndolas a un estrés crónico similar al que sentimos durante el encierro. Respondemos como ratas de un experimento masivo. Además, en ese texto encontré una clave natural contra el insomnio: melatonina. La falta de sueño se debe a los bajos niveles de esta hormona. A la mañana siguiente fui a la farmacia a comprarla en cápsulas. Y funciona. Por eso digo que Lo que el 20 se llevó es un manual para surfear la cuarta ola de contagio que se avecina. 2.- SESENTA SEMANA EN EL TRÓPICO, Antonio Ascohotado (2003)Por: Rogelio Garza El 21 de noviembre murió Antonio Escohotado, el filósofo, escritor, historiador, defensor de las drogas y agitador cultural que se hizo célebre por una obra monumental ensayística, histórica y filosófica. Pero sobre todo por los tres tomos del clásico “Historia general de las drogas” y sus extraordinarios apéndices “El libro de las drogas”, “Aprendiendo de las drogas”, “Historia elemental de las drogas” y “La cuestión del cáñamo”. Lo sorprendente no es lo profunda que resulta su investigación, documentación, experimentación y divulgación, sino que gran parte de lo que escribió lo hizo en la cárcel de Cuenca, donde pasó un año por tráfico de cocaína. Cayó en una trampa que le puso la policía por ser un personaje incómodo: rockero, fundador de la discoteca Amnesia en Ibiza, agitador contracultural, comunista radical convertido en liberal demócrata y crítico rabioso del comunismo. Le cayó pesado al gobierno y a la izquierda. Sesenta semanas en el trópico es un libro atípico en su obra, se vende como su única novela, pero en realidad en una gran crónica de viaje donde le da vuelo a la pluma narrativa. Escohotado pasó el año 2000 en Tailandia, explorando Bangkok, Vietnam, Birmania y Singapur. Un año sabático, al terminar su segundo matrimonio, durante el cual se dedicó a viajar por el país, a conocer sus costumbres, su clima, la estructura familiar y el entramado social, a estudiar su desarrollo, a probar sus drogas y a filosofar sobre los sistemas socioeconómicos de Asia, Europa y América, la pobreza y la riqueza. Cuando parece que se clava en cavilaciones teóricas su inquietud e itinerario lo llevan a descubrir nuevos sitios y personajes que, por momentos, pueden parecer inverosímiles pero que siempre han estado ahí. Escohotado escribió la crónica de su viaje por el sudeste asiático en entradas breves, con una prosa que fluye como la brisa entre las palmeras, pero fiel a su estilo agudo, observador, erudito y crítico que siempre lo distinguió. Un estupendo viaje al extraño país asiático con un guía de turistas radical. 3.-BALDEMAR, de Antonio Loza (2021) Por: Ivan Luna Luna Sin duda estos años 2020 y 2021 han sido años vaporosos, de enseñaciones; en los que imaginamos, re-imaginamos y nos hemos reinventado en medio de sueños y en ocasiones también de pesadillas. Baldemar nace a partir de un sueño irregular que tuvo su autor Antonio Loza. Una novela ilustrada y libro de literatura fantástica que nos puede remontar a clásicos como Momo, de Michael Ende. Sin meternos en todo el valor editorial y artístico que hay alrededor de esta publicación impresa y el esfuerzo de las editoriales independientes, la trama se centra en la vida que transcurre en Vallescondido, brebajes milagroso, muchos personajes mágicos y exóticos, encanto, naturaleza mágica, Baldemar y Consuelo y olores que a través de la imaginación podemos percatar con los sentidos. ¿Qué pasa cuando mezclas el miedo y las esperanzas? Esta historia como sacada de un sueño y que recordarás por siempre, lo hace, además de combinar la belleza y la atrocidad, la supervivencia en donde conviven la luz y las sombras, donde los más hermosos colores se abren paso entre la temible oscuridad. Como dicta la frase: “La mayor aventura que puedes pasar es vivir la vida de tus sueños”. Aquí lo tienes, un libro que recomendamos ampliamente para estas vacaciones de cierre de este año 2021 de ensueño. 4.- EL DÍA QUE APAGARON LA LUZ, Camila Fabbri (2021) Por: Ivan Luna Luna El encanto de las novelas de no ficción es saber que lo que estamos leyendo es algo que en realidad sucedió y no algo que se desprende del imaginario del autor. “El día que apagaron la luz” es una novela testimonial y narración del antes, durante y

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