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Escucha una playlist de blues del desierto, música de la región del Sahara en el norte y oeste de África

Tishomaren, conocido internacionalmente como blues del desierto, es un estilo de música de la región del Sahara en el norte y oeste de África. Los críticos describen la música como una fusión de blues y rock con música tuareg, maliense o norteafricana. El estilo ha sido iniciado por músicos tuareg en la región del Sahara, particularmente en Malí, Níger, Libia, Sahara Occidental, Argelia, Burkina Faso y otros. Tomó forma como una expresión de la cultura del pueblo tuareg tradicionalmente nómada, en medio de su difícil situación sociopolítica, incluyendo rebeliones, desplazamientos generalizados y exilio en el África poscolonial. La palabra Tishomaren se deriva de la palabra francesa chômeur, que significa “los desempleados”. El género fue iniciado y popularizado por primera vez fuera de África por Ali Farka Touré y más tarde por Tinariwen. En los últimos años, artistas como Mdou Moctar y Bombino han continuado adaptando la música rock sahariana y han alcanzado el éxito internacional. Ahora les dejamos 2 Playlists con lo mejor del desert blues del Sahara, Nigeria, Mali, Argelia y Mauritania.

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Laraaji, Alva Noto, Penelope Trappes exploran sonidos de la Tierra en el próximo disco: Stations

Una nueva compilación encargada por National Geographic y el Anchorage Museum de Alaska muestra a varios músicos reelaborando y remezclando sonidos grabados de la Tierra por un equipo de científicos. Afrodeutsche y Nathan Fake también han contribuido al nuevo lanzamiento, en el que los músicos reelaboran varios sonidos grabados de la tierra. Stations es la décima compilación de la serie Field Works, del sello de Brooklyn Temporary Residence Ltd.. El productor Stuart Hyatt trabajó con un equipo de científicos del experimento EarthScope para grabar los sonidos, utilizando dispositivos de grabación terrestres, que luego fueron manipulados y procesados. A partir de ahí, se invitó a varios músicos y vocalistas, incluidos Hanna Benn, Janie Cowan, Masayoshi Fujita y Laraaji, a reelaborar los sonidos en su propia visión. Alva Noto, Penelope Trappes, Afrodeutsche, Nathan Fake y Sophia Loizou, entre otros, también fueron invitados a agregar sus propios remixes al proyecto, que vendrá con un libro llamado Stations Listening To The Deep Earth. Escucha ya ‘Station 5’. •

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Una introducción en 30 minutos al jazz de Japón

“Jazz y Japón no deberían mezclarse”, dice All-Japan: The Catalog of Everything Japanese. “Después de todo, la esencia del jazz radica en la improvisación, un concepto ausente en gran medida tanto de la música tradicional japonesa como de la sociedad japonesa en su conjunto. El jazz japonés se remonta a la década de 1920, cuando se inspiró en las bandas filipinas visitantes que habían recogido la música de sus ocupantes estadounidenses. En el siglo transcurrido desde entonces, los músicos japoneses devotos (y sus oyentes japoneses aún más devotos) han desarrollado una de las las culturas de jazz más sólida del mundo. Escucha la mezcla de jazz japonés de los años 70 en vinilo de arriba. Girado por el DJ turco Zag Erlat en su canal de Youtube My Analog Journal, presenta a músicos que nos dan pistas para seguir explorando sobre el jazz que se ha creado en el país del sol naciente, como es el trombonista Hiroshi Suzuki, el saxofonista Mabumi Yamaguchi y el guitarrista Kiyoshi Sugimoto. Gracias a Youtube, el jazz japonés debe gran parte de su reconocimiento moderno al algoritmo. Como resultado, los álbumes de jazz japoneses se han convertido en un producto más popular de lo que solían ser.

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Conoce cómo el movimiento Riot Grrrl creó una revolución en el rock y punk

El movimiento Riot Grrrl es una de las más importantes revoluciones del rock y el punk, y no solo por su política feminista y anticapitalista. Como describe Polyphonic en su breve video sobre la historia de la música, Riot Grrrl fue una de las últimas veces que sucedió algo importante en la música rock antes de internet. Y es especialmente emocionante porque todo comenzó con fanzines. Tobi Vail y Kathleen Hanna, que ya producían sus propias revistas feministas, unieron fuerzas para lanzar “Bikini Kill“, una recopilación de letras, ensayos, confesiones, citas apropiadas y complementos para la otra revista de Vail, “Jigsaw “, y la sensación de que algo estaba pasando. Algo estaba cambiando en la cultura del rock. Kim Deal de Pixies y Kim Gordon de Sonic Youth, o Poly Styrene de X-Ray Spex y Yoko Ono. Otra revista, “Girl Germs”, fue creada por Allison Wolfe y Molly Neuman. Bikini Kill the zine dio lugar a la banda Bikini Kill en 1990 y su canción “Rebel Girl” se convirtió en el himno de un nuevo movimiento de rock feminista centrado principalmente en el noroeste del Pacífico, casi al mismo tiempo que sucedía el movimiento grunge. El manifiesto generó un movimiento, incluso trayendo consigo bandas que habían existido anteriormente, como L7. Riot Grrrl se propuso elevar las voces y la música de las mujeres, sin capitular ante los estándares masculinos y regresar al bricolaje y la energía colectiva de la escena punk temprana. También sacó la teoría feminista de las Universidades y la llevó al escenario, y con ella la teoría queer y el diálogo sobre el trauma, la violación y el abuso. Recomendamos leer un fanzine de la época, o escuche las letras de las bandas de Riot Grrrl y escucharás el discurso y reconocerás las mismas tácticas que hoy. De alguna manera se siente aún más radical que ahora: revistas y fotocopias podrían afectar a toda una escena y no ser atomizadas por las redes sociales. Riot Grrrl es un movimiento feminista estadounidense nacido en los primeros años de la década de 1990 principalmente en el estado de Washington y más en la ciudad de Olympia, en el estado de Washington.​ Durante estos años se observó a una fuerte eclosión cultural cuya finalidad era “cambiarlo todo”. En este contexto, muchas mujeres se unieron y dieron pie a la emergencia de este movimiento gracias a la compleja red de intercambio existente en el mundo underground. Es decir, generaron un sentimiento de comunidad fuertemente vinculado al mundo de la cultura gracias a la filosofía del DIY (Do It Yourself; Hazlo tú mismo), exposiciones de arte, fanzines, activismo y militancia política. Con información de Open Culture

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Eddie Vedder lanza su primer disco en solitario en 10 años

Imaginar al Eddie Vedder de los años 90 colaborando con Elton John sonaba improbable. Pero ahí están, Elton y su piano, amable, melódico, en la canción “Picture” ejemplifica el espíritu del primer álbum en solitario sin banda sonora del líder de Pearl Jam desde 2011: un conjunto de rockeros mezclando pop; y eso está bien, no sólo hay que vivir de glorias pasadas o repetir patrones. En esta ocasión también invitó Stevie Wonder y Ringo Starr, en un disco planeado al inicio de la pandemia. Vedder permite que estos amigos superestrellas adornen las pistas en lugar de intimidarlos. Eddie Veder, devoto de Neil Young y Pete Townshend, no revela ni una pizca de lesa majestad. La banda que acompaña el disco son: el baterista de Red Hot Chili Peppers, Chad Smith, el exguitarrista de Chili Pepper, Josh Klinghoffer, y el coproductor Andrew Watt en el bajo. Vedder ha aceptado con dignidad su posición como una quinta parte de lo que alguna vez fue, brevemente, una de las bandas más grandes. Él es más ligero; canta con un salto en su paso. Después de varios álbumes de Pearl Jam de material machacado en salsa de carne, las delicias más aireadas de la carrera final de Earthling permitieron que Vedder se estirara hacia otro lados con cautela. Ahora Ringo ofrece el habitual trabajo de percusión superconstante en “Mrs. Mills”, una oda a la pianista británica Gladys Mills y una elegía al propio padre músico de Vedder, con su trompeta muestreada brillando como un recuerdo del Swinging London. “Try” cuenta con la armónica de Stevie Wonder, sus skirls un par de estribos que impulsan el trabajo rítmico de Vedder y Klinghoffer. “¡Los buenos hombres no tienen que fingir!” Vedder grita. Con información de: Pitchfork

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20 años del lanzamiento del disco seminal Martes, del productor Murcof

Esta semana se celebran hace 20 años de que salió el primer álbum del productor Murcof, bajo el entonces recién fundado sello tijuanense, Static discos. Un disco introspectivo, experimental, profundo y minimalista de la electrónica mexicana. Murcof nació de un proyecto paralelo que había venido trabajando como Terrestre bajo la estética Nortec. Posteriormente a Marte, Murcof en cada lanzamiento trata de introducir nuevos elementos, en diseño de sonido o usando estructuras nuevas, con la inspiración y tecnología que tenga a la mano. Para el disco Martes, Murcof trabajaba todo en digital con algunas grabaciones de instrumentos acústicos y muchos muestreos de música de Arvo Part, Morton Feldman, Giya Kancheli, etc, pequeños fragmentos que después procesaba para construir melodías nuevas. El productor Murcof, proveniente de Tijuana, México, poco tiempo después de lanzado el disco de Martes decidió mudarse a Barcelona a y desde entonces vive ahí ya con hijos, entre Barcelona y Girona. + Desde 1988 formó parte de diferentes agrupaciones de géneros como la electrónica, rock y jazz. Fue miembro fundador del Colectivo Nortec de músicos de Baja California. A partir de 2001 usa el alias de Murcof para sus composiciones de música electrónica minimalista, basadas en percusiones electrónicas abstractas. Sus influencias armónicas y melódicas provienen de la música clásica, del ambient, de la música étnica y la improvisación. Toda esta mezcla de ritmos e influencias derivan en un ambient perfecto que frecuentemente se acompaña de minimal techno y bordeando los horizontes del IDM.

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Moderat da primeros detalles sobre su próximo disco MORE D4TA, el primero en 6 años

Moderat, el proyecto colaborativo de música electrónico entre Modeselektor y Apparat, formado en Alemania durante el año 2022, ha compartido detalles y un adelanto de su primer álbum en 6 años. Abarcando 10 pistas, MORE D4TA sigue a discol “III”, de 2016, y presenta el primer material nuevo que surge del trío desde que hicieron una pausa en 2017. Trabajaron en el disco durante el transcurso del encierro, y se dice que el álbum toca temas como información de sobrecarga y aislamiento. Ya podemos escuchar el primer adelanto con la canción ‘FAST LAND’. El anuncio del álbum se produce tras la confirmación del regreso a las giras en directo del trío, con apariciones en festivales como Sónar (España) y Rock Werchter (Bélprogramadas para el verano, junto con una gira por Europa y América del Norte a finales de año. El sello Monkeytown lanzará el disco MORE D4TA el próximo 13 de mayo de 2022. Álbumes de estudioModerat (BPitch Control, 2009)II (Monkeytown Records, 2013)III (Monkeytown Records, 2016)MORE D4TA (Monkeytown Records, 2022)

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Thurston Moore relanzará su disco Screen Time a través de Southern Lord

Thurston Moore lanzó el álbum instrumental Screen Time el año pasado como una exclusiva de Bandcamp Friday, y ahora tendrá un lanzamiento el 25 de febrero a través de Southern Lord (en vinilo). Thurston grabó el álbum durante el tumultuoso verano de 2020. Esto es de los materiales de prensa del sello. Da clic sobre la imagen para escuchar el disco: El comunicado oficial de prensa habla sobre los significados y los planteos que rodean a este disco: “¿Cuánto tiempo en pantalla permite un padre a su hijo? ¿Cuánto tiempo en pantalla necesita un niño para darse cuenta que el mundo tiene el propósito de que coexistamos como una comunidad en un intercambio compartido?”. La imagen de portada de Screen Time es de un joven acurrucado en un libro, las páginas vibran con el texto que irradia a través de la piel, la sangre y los huesos, un aspecto que falta por completo en los medios digitales, aunque la realidad de la transparencia en nuestra vida diaria a través de la transmisión, etc… Sólo puede conducir a la conciencia de la equidad. Screen Time es un reflejo del tiempo de los sueños, un estado de meditación, hipnagogia y conversación de almohada”. En general, el disco grabado durante el encierro de la primera etapa de la pandemia en 2020, reflexiona sobre el vínculo de los humanos con las pantallas. El advenimiento de la pandemia y el encierro sumieron a los seres humanos en una relación íntima con los dispositivos. “El disco se puede acompañar para momentos de lectura, de meditación y más, reconectando con la humanidad y alejándonos de la lógica de la tecnología aunque sea por un momento”, como señala el medio Indie Hoy.

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