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El saxofonista de Sun Ra, Marshall Allen, cumple 100 años de vida

Qué grandeza el poder llegar a los 100 años haciendo lo más te gusta hacer: tocar música. Marshall Allen es un saxofonista alto estadounidense de free jazz y jazz de vanguardia. También toca flauta, oboe, piccolo y electrónica EWI. Es mejor conocido por su trabajo con Sun Ra, habiendo grabado y actuado principalmente en este contexto desde finales de la década de 1950, y haber dirigido The Sun Ra Arkestra desde 1995, después de la muerte de Sun Ra en 1993 y la muerte de John Gilmore dos años después. El crítico Jason Ankeny describe a Marshall como “uno de los saxofonistas más distintivos y originales de la era de la posguerra”. En este contexto el propio Marshall señaló: “Un hombre no puede aprender sin disciplina”. El gurú del jazz Marshall Allen cumple 100 años. Desde luchar en una unidad de caballería de la Segunda Guerra Mundial hasta compartir la visión de una utopía negra interestelar, el multiinstrumentista ha tenido un viaje musical como pocas músicos en la historia. Allen es nativo de Louisville, Kentucky, y se instaló en Filadelfia con su padre. A los 18 años (en 1942), se alistó en el ejército y tocaba el saxofón alto y el clarinete como miembro de la Banda de Servicio Especial de la 17.ª División, parte de la 92.ª división de infantería del ejército, ampliamente conocida como los Soldados Buffalo. Mientras estuvo en Europa, Allen actuó junto a artistas como Coleman Hawkins, Don Byas, Art Simmons y James Moody. “Incluso algunos miembros de la banda de Duke [Ellington], todos estaban allí”. Fue dado de baja con honores en 1949 y en lugar de regresar a Estados Unidos, optó por ir a Francia y matricularse en el Conservatorio de París, estudiando clarinete. Si bien la música de Sun Ra a menudo se ha descrito como abierta y libre, tanto Allen como Scott le dirán que, de hecho, es todo lo contrario. “Sun Ra odiaba la palabra ‘libertad’”. “Creía en la disciplina y la precisión; resolvió todo usando ecuaciones. La gente pensaba que estaban jugando a la libertad y que era [realmente] científico”. En el contexto de su cumpleaños número 100, Marshall Allen le da crédito a Sun Ra por haber vivido tanto tiempo, repitiendo el mantra de su líder: “Disciplina: no se puede lograr nada sin ella”. Puede que su gira internacional haya terminado, pero su música no: “Ahora puedo quedarme quieto y hacer mi trabajo”, ha dicho en entrevistas.

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Chelsea Wolfe estrena mini documental

Hoy, Chelsea Wolfe ha lanzado un documental que captura la gira de su “obra maestra que abarca toda su carrera” (Bandcamp), el álbum She Reaches Out To She Reaches Out To She. El documental, filmado y editado por Nicolás Sandino Moreno, presenta la poderosa y escalofriante aura del show en vivo de Wolfe con imágenes de presentaciones en Silver Spring, Maryland, Nueva York y Los Ángeles, incluyendo interpretaciones de “Whispers In The Echo Chamber”, “Tunnel Lights” y el impresionante cierre acústico “The Liminal”. Aclamado por Brooklyn Vegan como “hipnotizante de principio a fin”, el show en vivo de Chelsea Wolfe incluye a Ben Chisholm, Bryan Tulao y Jess Gowrie, y cuenta con el diseño de iluminación de John-Michael Schaub. En el tráiler del documental, Wolfe explica: “Estas canciones exigían ser vividas. Este álbum exigía ser vivido. Si no sucedía, eso no me dejaría seguir con vida. Este set en vivo ha sido un desafío porque para mí es un puente entre lo viejo y lo nuevo, lo cual tiene sentido porque este álbum es muy parecido a un puente entre lo viejo y lo nuevo”. Adicionalmente ayer, celebrando el World Goth Day, KEXP estrenó la sesión que grabó Chelsea Wolfe en su paso por Seattle:

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Moby lanzará nuevo álbum inspirado en poema de Benjamin Zephaniah, escritor, poeta, rastafari y activista vegano

Moby publicó hace unos días un nuevo tema llamado “Where Is Your Pride?”, inspirado en el poema del mismo nombre del difunto escritor Benjamin Zephaniah. “Where Is Your Pride?”, que toma el mensaje del poema del mismo nombre de Benjamin Zephaniah, escritor, poeta, rastafari y activista vegano fallecido en 2023, es el nuevo adelanto a ritmo de breakbeat del que será el álbum #22 de Moby. El disco completo se llamará “Always Centered At Night” y saldrá completo el próximo 14 de junio. El disco contará con un total de 13 colaboraciones, con nombres invitados como los de la cantante sudanesa y residente en los Países Bajos, Gaidaa, del refugiado burundés residente en Londres, J.P. Bimeni, y de Aynzli Jones, criada en Kingston y residente en Londres. Y podríamos seguir con Brie O’Banion, Raquel Rodríguez, José James, Akemi Fox, Serpentwithfeet y Lady Blackbird, a quien escuchamos cantando en “Dark Days”, el que fue el anterior adelanto del disco hace unas semanas. Moby también ha anunciado su primera gira en más de una década. En meses pasados el músico señaló que se enfocaría en el activismo y en nueva música y agregó: “Tristemente una de mis metas en la vida es nunca salir de tour” (estoy triste de decir que probablemente nunca vaya de tour de nuevo mientras esté vivo. Es una de mis metas porque para mí es una forma muy poco saludable de vivir y prefiero estar en casa, leer libros e ir a caminar). Parte de su activimos es en pro de los animales, por lo que es veganio y hace 1 año lanzó un documental titulado: “The punk rock vegan movie“. El cien por cien de las ganancias de su gira irán a organizaciones europeas de derechos de los animales. La gira pasará por Reino Unido, Bélgica, Alemania, Francia y Suiza, con lo que, por lo menos de momento, no hay fechas españolas. Próximas fechas:

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Sobre Lives Outgrown, el nuevo disco de Beth Gibbons

A lo largo de su singular carrera de tres décadas, Beth Gibbons ha lanzado 4 debuts significativos y distintivos. En 1994, su legendaria banda Portishead lanzó el primero de tres álbumes de su abreviada pero no obstante perfecta discografía: Dummy, un híbrido oscuramente embriagador de cine negro y producción basada en ritmos que introdujo el trip-hop de Bristol a un público más amplio. Ocho años después, Gibbons formó pareja con Rustin Man, también conocido como el ex miembro de Talk Talk, Paul Webb, en el exuberante y melancólico álbum folk Out of Season. Después de otros 17 años, Gibbons asumió otra novedad como vocalista de una sinfonía, ofreciendo su interpretación vocal más desafiante hasta la fecha en la Sinfonía n.° 3: Sinfonía de canciones dolorosas, op. 36, compuesta por Henryk Górecki y dirigida por Krzysztof Penderecki. Y sólo ahora, casi 30 años después del lanzamiento de Dummy, Gibbons lanza su primer álbum propiamente dicho como cantante y compositora solista en Lives Outgrown. Anteriormente, en paralelo a Portishead, lanzó “Out Of Season” en 2002 junto a Paul Webb; sin embargo “Lives Outgrown” será su primer trabajo en solitario. El disco consta de 10 temas inéditos grabados a lo largo de una década. Este trabajo es el resultado, como lo diría la propia Beth de “muchas despedidas”. Despedidas a la familia, a amigos, incluso a su yo anterior […]. Antes tenía la capacidad de cambiar mi futuro, pero cuando te enfrentas a tu cuerpo, no puedes obligarle a hacer algo que no quiere”, añade. También refieren de la maternidad, la ansiedad, la madurez individual y la menopausia. El dominio de Gibbons sobre su impresionante material no es nada sorprendente después de una carrera de crecimiento y expectativas desafiantes. Sin embargo, la perspectiva que conlleva Lives Outgrown solo podría haber llegado en este momento, forjada en el dolor por los seres queridos y la sabiduría que proviene de la maternidad. Pero en esa maraña de emociones y experiencias vividas tan bellamente expresadas, la conclusión de Gibbons sigue siendo simple, como canta en “Floating on a Moment”: “Todo lo que tenemos es aquí y ahora”. Discografía:– Out of Season (2002) con Rustin Man– Henryk Górecki: Symphony No. 3 (Symphony of Sorrowful Songs) (2019) con Polish National Radio Symphony Orchestra– Lives Outgrown (2024)

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Este jueves 16 de mayo en Pasagüero: RANDOM Mexicanoiser

INFRALEVE es el nombre del Circuito Artístico del Centro Histórico, se trata de un concepto desarrollado por Marcel Duchamp sobre las energías destinadas a desaparecer a la velocidad del sonido, pero que dejan una huella indeleble en la memoria de quien observa con atención. El Circuito pretende convertir al Centro Histórico en una pieza de arte contemporáneo en sí misma, integrada por las y los artistas, sus obras y su audiencia. INFRALEVE es un readymade energético de la vida cotidiana y la experiencia estética que se produce en la intersección del museo, la galería y el espacio urbano del Centro Histórico, que por sí sólo “ya es un happening global” donde participa también el transeúnte pero muchas veces sin alcanzar a percibirlo, por lo que INFRALEVE apuesta por la producción de una escultura social, una obra de arte colectiva que busca incidir en la sociedad que le alberga. La anterior inauguración del Circuito ofreció a su público una paleta selecta de proyectos emergentes de la escena experimental y artistas consagrados, como Iván Naranjo + Aliona Pankina, cuyo acto osciló entre la exploración musical ultra académica y la presencia escénica de la representación vocal; o el ensamble Brama Solar, conformado por Dr. Kontra, José Álvarez, Ulises y Daniel Lazarini de las legendarias bandas OXOMAXOMA y Virgen Siamesa. La presentación de Cíclopes, conformado por Sarmen Almond, Enrique Arriaga y Carlos Amorales, nos transportó a las noches desérticas de la estepa mexicana, armados con sintetizadores analógicos tipo Euroracks pero también con instrumentos de simplicidad elocuente como lo es un güiro. Después, de entre las sombras, la banda de postpunk DATAíSMO, uno de los grandes descubrimientos de este año, tomó el escenario. Como en toda curatoría de Erick Diego siempre hay algo inesperado, en esta ocasión no fue diferente, pues la performance de Alina Sánchez, artista que actualmente cura videoarte y arte alternativo en uno de los pabellones de la Bienal de Venecia,sorprendió con un video a distancia apoyado por la acción física y deslumbrante de Hardcorette, quien estuvo elegantemente ataviada con un vestido de espejos bajo los rayos iridiscentes de un láser de última generación. Para cerrar la noche, el dúo de música electrónica de vanguardia Akira Kintsugi & Yomi, al estilo de Autechre, dispararon sonidos desde la penumbra en una batalla universal de imágenes grandilocuentes que acompañaban a sus beats y secuencias que se condensaban en el aire para luego resquebrajarse como gigantes témpanos de hielo. A lo largo de toda la noche, los visuales de Vj de Nova ofrecieron una fuga geográfica hecha postales, lo que hizo que todos estos proyectos disímiles se amalgamaran en el escenario del Pasagüero, un lugar que resiste y se mantiene firme al paso del tiempo, y que ha bailado a su propio ritmo aún cuando los cambios climáticos del contexto socio político mexicano han impuesto su propia sonoridad en una especie de mundo ocesalizado y cautivo de una alienación plástica y comercial. Para la segunda sesión del Circuito Artístico INFRALEVE se presenta nada más y nada menos que Guillermo Galindo, compositor mexicano radicado en los EE. UU. AA., famoso porque algunas de sus obras han sido interpretadas por la agrupación Kronos Quartet, así como también por la ejecución de una de las piezas más controversiales de John Cage, interpretada por Mariachis en el Salón Tenampa de Garibaldi; actualmente tiene una exposición individual en Ex teresa Arte Actual llamada Todos nuestros átomos dan cuerpo a miles de vidas. Se presentará también el impredecible, e imparable dueto de Rocío Cerón y Fabián Áviles Elizalde, con una poética sonora que recuerda a los grandes recitales del futuro. Por su parte, Paola Galletta, performer mexicana y una de las responsables con Martín Rentería del Festival internacional Transmuted, ofrecerá un acto de sensibilidad crepitante. Tilemy, productor transdisciplinario, compartirá sus visiones sonoras sobre la muerte, el dolor y la pérdida, resultado de su pasado como trabajador del ámbito forense. La noche estará también acompañada de las presentaciones de Payday Loans, un iluminador y artista visual experto en atmósferas involucrado en la organización de diversos festivales de música experimental como el legendario Antes, y NRML en sus últimas ediciones. Mexicanoiser ofrecerá su particular ruido de autor y romanticismo vernacular que explora lo que podríamos llamar bolero drone. La cita de esta vanguardista e imperdible noche de INFRALEVE Circuito de Arte del Centro Histórico es el jueves 16 de mayo en Pasagüero, Motolinia 33, a partir de las 10 de la noche, pues se trata del after más apropiado para el Festival

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Aparece en servicios de streaming el brillante disco de Pantha Du Prince, The Bliss (2007)

Pantha du Prince está lleno de texturas y de influencias. Su disco “This Bliss”, de 2007, es una especia de techno alemán contemporáneo. Está marcado por figuras geométricas sonoras y de entornos tan evocadores en los que el productor alemán creó su propio mundo. Cuando la historia recuerda el cruce entre la música indie y la música electrónica de baile en el lejano 2007, es probable que se fije en Justice, LCD Soundsystem o similares, pero esa no es la única manera de hacer música dance indie, como lo demuestra ‘This Bliss’. Que aunque tiene otra paleta de sonidos marcó un paso diferente con este su éste segundo LP. Es un disco hecho con suaves sintetizadores del Detroit techno, cuerdas y toques de campanillas a no un millón de kilómetros de la música ambiental post-rave hecha por gente como The Orb. ‘This Bliss’ es Minimal techno, es romanticismo melancólico, cuerdas susurrantes, beats, crujidos furtivos y lúgubres, podrían ser “el sonido de un bosque abandonado que elabora pacientemente su propia elegía, absolutamente distante y, sin embargo, silenciosamente triste mientras espera su propia desaparición”. Sucesiones de espectaculares arpegios de sintetizador que suenan casi esperanzadores. This Bliss fue nombrado el 55º mejor álbum de la década de 2000 por Resident Advisor. En días reciente el mismo Pantha Du Prince dio a conocer en sus redes sociales que el disco se encontraba en plataformas digitales (anteriormente al parecer no lo estaba). Lo anunció de la siguiente manera: “Tenemos el gran placer de presentar este Bliss por primera vez como una reedición digital.En 2007 este álbum provocó un huracán en mi vida.Amantes de la música de todo el mundo empezaron a escribirme y conocí a muchos de mis héroes de la época.Los periodistas escribían críticas entusiastas y entusiastas, de modo que mucha gente se interesó en mi trabajo como Pantha du Prince.Fue el boca a boca y las revistas curadas, myspace acababa de comenzar.Hoy se siente alineado para traer este disco nuevamente a la Luz después de no estar disponible físicamente durante una década y aparecerá por primera vez en servicios de transmisión (digital).Ahora es el momento de celebrar la Música desde un Corazón puramente poético y experimental.La mayoría de las piezas me llegaron mientras vivía en un antiguo monasterio secularizado en París y creaba una tienda de discos en St. germain, mientras disfrutaba de la vida nocturna, la escena artística y Fashion Guerilla de la ciudad. Me inspiré mucho en la música digital y hice un pequeño montaje de controladores y sintetizadores, así como grabaciones de campo de la ciudad y el entorno natural.Quería bailar y mover mi cuerpo con la música que estaba haciendo al mismo tiempo que disfrutaba de la atmósfera de eufórica melancolía que me faltaba en la mayoría de los clubes en los que había estado.Una forma de música de danza contemplativa que tiene una cualidad transportadora.Fui canalizado hasta mis oídos y huesos…Inspirado en la música concreta Pierre Schaeffer @INAGRM @daphneoram @Stockhausen @editionsmego música shoegaze de @slowdive, @ride y @mybloodyvalentine experimentos de @terrethaemlitz @snd @plaidmusic @aphextwin @boardsofcanada, Panasonic, ritmo y sonido, canal básico, Detroit Techno de @moodyman @carlcraignet @theoparish @undergroundresistace @ricardovillalobos70 @isolee _music @wolfgangvoigtEntonces creé la música que me faltaba para bailar, soñar, viajar en el tiempo y estar en un espacio de trance y conexión con mi entorno.Un lugar de Alegría algo rota“.

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¡Despierta!: la psicodelia nacional de Viv and The Sect está de vuelta con “Wake Up” 

La icónica propuesta de garage y rock psicodélico mexicano, Viv and The Sect, rompe el silencio y regresa a la escena musical con el anuncio de “Wake Up”, el primer sencillo de segundo larga duración, el cual llegará a tus oídos el próximo otoño de 2024. Este track es directo, tajante y divertido, pretende hacer bailar a la gente con su ritmo soul pop, inspirada en artistas como Bruno Lomas, Los Salvajes y Los Bravos. El video oficial del sencillo, dirigido por Beto Vargas, nos muestra un vistazo a la vida de la banda, y en que se expone la diversión sobre el escenario como principal enfoque del proyecto. Baile, música y un escenario. Todo lo que los Viv necesitan. Viv and The Sect es una banda originaria de la Ciudad de México conformada por Aleph Aguilar (guitarra líder), Francisco Mariner (voz), Waco Fuzz (órgano), Mario Anguiano (bajo electrico) y Rombo de la Rosa (batería), que surgió en 2012 con una fuerte influencia de R&B y Garage. En 2016 lanzaron su álbum debut, This Will Pass, bajo el sello Get Hip Recordings, trabajo que dejó en claro la seriedad con la que la banda trabaja, y que dejaba escuchar una fresca propuesta sonora. Ahora, se preparán para la llegada de su nueva creación y segundo disco oficial de estudio, que fue producido por los mismos integrantes de la secta, logrando capturar la energía y la madurez adquirida a través de los años, teniendo como resultado un disco lleno de colores, matices, nuevos sonidos e introspección.En conversación para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con Aleph Aguilar sobre su regreso, cómo la pandemia cambió el mundo, sus pasiones, inspiraciones y este nuevo material que presenta una nueva época en la creatividad de la banda. ¡Checa AQUÍ la entrevista! Para más info: https://www.instagram.com/vivandthesect/ https://www.facebook.com/vivandthesect

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Sobre Fearless Movement, el nuevo álbum de Kamasi Washington

Kamasi Washington es de las principales estrellas del jazz de la última década, su música y producciones son exuberantes. El saxofonista de Los Ángeles y su virtuosismo se ha extendido mucho más allá de los límites del jazz. Dejando en cada disco su propia esencia y marca, quizá inconfundible. Para este quinto LP de estudio, con una duración de 86 minutos en 12 tracks, él y su banda marcan tempos, diferentes matices y aceleran los ritmos, estirando las capas sonoras a una época en la que el jazz también era música de baile. Aparecen más artistas destacados que antes: el bajista Thundercat interpreta un solo en Asha the First, que se dice que es una una canción basada en una figura de piano escrita por la hija de 3 años de Washington. André 3000 y flauta se sientan en una de las canciones más iluminadas del disco: Dream State. La banda de Washington también se pone silenciada al presentar a George Clinton en Get Lit, hogar del mejor verso rapeado del álbum, de D Smoke. Fearless Movement termina con un prólogo y comienza con una oración en Ge’ez, el idioma litúrgico de la iglesia ortodoxa etíope. Studio albums Young Jazz Giants (with Cameron Graves, Stephen Bruner, & Ronald Bruner Jr.) (Birdman, 2004)Live at 5th Street Dick’s (self-released, 2005)The Proclamation (self-released, 2007)Light of the World (self-released, 2008)The Epic (Brainfeeder, 2015)Heaven and Earth (Young, 2018)Fearless Movement (Young, 2024) Kamasi Washington (Los Ángeles, EU, 1981) es un saxofonista de jazz, compositor, productor y líder de banda estadounidense. Conocido principalmente como intérprete de saxofón tenor.

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